Henri Matisse, un artiste-peintre, dessinateur et sculpteur francais, est né le 31 décembre 1869 au Cateau-Cambrésis (Nord) et mort le 3 novembre 1954 à Nice.

Pour faire plaisir à ses parents, il a commencé à travailler comme clerc de maître Derieux à Saint-Quentin à l'âge de 20 ans.

Mais comme il était intéressé par la peinture, il essayait d'entrer à l'École des Beaux-Arts à Paris ce qu'il a enfin réussi. Le maître de Matisse était Gustave Moreau.

En été 1905, Matisse a passé quelques semaines à Collioure avec des amis (dont André Derain). Ci-après, ces jeunes hommes ont sorti un style qui s'appelle <<fauvisme>>. Aujourd'hui, Matisse est concerné comme le chef de file du fauvisme qui s'oppose à l'impressionnisme. 

Les marques distinctives du fauvisme visibles dans la toile <<L'intérieur aux aubergines>> sont le manque du contraste entre l'ombre et la lumière autant que l'absence de la distinction entre l'intérieur et l'extérieur. Chaque endroit de l'oeuvre est aussi important qu'un autre.

La peinture de l'année 1911, qui se trouve depuis 1922 dans la Musée de Grenoble, est considérée comme une des plus décoratives jamais réalisée par Matisse. Elle représente l'atelier de Matisse à Collioure et appartient à l'ensemble des Intérieurs Symphoniques exécutés en 1911.

Au milieu de la toile, qui est peint en détrempe, une table se situe. Sur cette table trois aubergines, une assiette avec deux poires, une vase et une statue sont allongés. Tous les objets sur la table apparaissent dans une position stable, sauf que les aubergines qui semblent glisser vers le sol.

Presque toute la peinture est décorée avec des motifs. Un motif floral à cinq pétales couvre le tapis et les murs. Sur la nappe et le paravent se répandent des arabesques en courbes et contre-courbes.

La fenêtre de l'atélier est ouverte et montre un paysage qui a les couleurs identiques que l'intérieur. Comme cela, la fenêtre ressemble à un tableau. L'égalité des couleurs unie donc l'extérieur et l'intérieur.

A la gauche, un miroir reflète des objets de la table transformés, simplifiés et réduits à l'état des signes plastiques. Les objets de la nature morte ont perdu tout volume, certains ont même disparu.

En plus, un carton à dessin vert, qui est entrouvert au miroir, et des cadres vides se trouvent dans la chambre.

Toute la toile est empreinte du manque des volumes. La tridimensionnalité réaliste est remplacée par la bi-dimensionnalité décorative.

Matisse, qui était peindre, sculpteur et dessinateur, nous fait découvrir tous ces talents dans cette oeuvre.

Au débout de sa carrière Monet a été influencié pas des peintres comme Boudin, Johan Barthold Jongkind et Charles Gleyre. Le groupe des impressionnistes constitué de Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley Camille Pissarro et Édouard Manet s'influencent mutuellement. Lors de son voyage à Londres, les œuvres de Turner et John Constable l'ont certainement marquées. La peinture de Monet était aussi influencée par l'art japonais.

Aprés le demenagemment de Monet à Giverny, il a crée un jardin qui lui inspirait de nombreuses peitures, cette oeuvre inclute. Elle date de 1917 et elle appartient à une série de quatre tableaux. On peut voir à l'arrière-plan un rideau de saules pleureurs qui ferme l'espace comme une tapisserie.J'ai choisi cette oeuvre car elle est d'un peintre français que je trouve très important et connu. C'est possible de identifier qu'elle est une oeuvre impressionniste grâce à son style et couleurs mélangés, qui forment une image compréhensible si on la regarde avec une certaine distance.

Le sculpteur est inconnu, mais on estime qu'il appartient à la Renaissance italienne.

On avait longtemps pensé que Jacob Richter était l'artiste, mais lorsque la restauration en 1990 à cause d'une chute accidentelle, on devrait le remettre en cause. En effet, on trouvait que ni monogramme, ni modelé, ni composition sont typique pour ce artiste. Aujourd'hui, on croit qu'il a seulement intégré la sculpture à l'ensemble d'une fontaine au jardin d'Hercule dans le parc du Château de Vizile. Jacob Richter a réalisé beaucoup d'oeuvres à et autour de Grenoble.

En 1719 la sculpture a été achetée par le consul de Grenoble et installée au "jardin de bocage", qui est aujourd'hui le jardin de ville. Elle y a resté deux siècles et demi. C'est pourquoi on a fabriqué deux copies, qui sont installées au parc du Château et au jardin de ville maintenant.

Hercule, qui est un des héros de la mythologie antique, est montré dans une posture fréquente de la statuaire grecque et romaine, le contraposto. La massue qu'il porte symbolise sa force et le dépouille du lion est celui du lion de Némée, qu'il a tué d'après la mythologie. Dans la main gauche il tient une pomme du jardin des Hespérides. Ces derniers objets représentent deux des douze travails imposés par Juno.

artiste-dada-surréaliste-graphiste-écrivain.

** Un couple au bord de l'eau **

Picabia est né le 22 janvier 1879 à Paris et est mort le 30 novembre 1953 dans la même ville, et est peintre, graphiste et écrivain, proche des mouvements Dada et surréaliste. Il est également graphiste et écrivain. Il subit l’influence des impressionnistes avant d’orienter ses recherches vers l’imaginaire et le travail des formes. On retient de lui son besoin de liberté, son plaisir d’inventer et son attrait pour les femmes, les belles voitures et les bateaux.

Idylle est peinte en 1927. Entre 1924 et 1928, il fait des peintures représentants des couples d’amoureux exprimant leurs sentiments. La i suivante est celle des Transparences.

je décrirais dans un premier temps l'œuvre puis je définirai en quoi ce tableau, du premier regard, évoque un amour idyllique, et enfin je montrerai en quoi cette idylle est en réalité une parodie du couple amoureux, la présence de l'ironie. Idylle est un tableau qu'on ne peut contourner du regard.

La première chose qu’on observe sur le tableau c’est la couleur; ses couleurs, ses formes, tout prête à ce que le spectateur soit attiré par cette peinture: le bleu. Elle saute aux yeux. Mais de ce bleu, le peintre à ajouté d’autre couleurs, majoritairement du rouge, du vert et un peu de jaune. ses couleurs dissonantes : le bleu cyan est associé avec le vert bouteille, rose pourpre, ocre jaune, le tout brossé en petites touches hâtives. 

Sur cette toile sont représentés, sur un fond bleu méditerranéen, un homme enlaçant une femme. Au loin sur l'eau, un bateau à voiles blanc. En haut, une branche fleurie. Dans la tête de l'homme, nous remarquons la curieuse présence de ce village. Celui-ci donne une impression de miroir entre les deux personnes. 

Les deux amoureux s’enlacent. La femme, a des gants peints en verts et rouge alors que l’homme à les mains nues. Et sur sont visage on voit les couleurs verte et rose.

Mais la très nette particularité de cette femme est ses doubles yeux et sa double bouche. Il y une paire d’yeux, qui regardent tout les deux dans un sens alors que les deux autres regardent à des endroits différents, ils louchent. On voit aussi derrière la femme, un bateau blanc, qui se reflète presque sur sont épaule, et se détache du reste du tableau. Sur son buste, on observe aussi quelques petits voiliersau loin naviguant vers le coucher du soleil.

Finalement l’homme, tient sa compagne étroitement, il lui tien la main et sa tête. Dans sa tête, se reflète aussi un village. Un village avec quelques maisons, et un coucher de soleil.

Idylle est entré en 1931 dans les collections du musée de Grenoble grâce au don de Jacques Doucet, couturier et grand collectionneur. Son cadre est l’œuvre de Pierre Legrain, décorateur renommé de l’époque.

L'oeuvre Eifersucht (Jalousie, en français) est composé de photographies collées et d'éléments dessinés à l'encre de Chine. L'oeuvre montre à l'arrière-plan un cliché en négatif de l'artiste et au premier-plan est placé la figure d'une nageuse. Son ombre, dessinée à l'encre de Chine, se projete sur le sol et sur un panneau en évoquant une cible d'entraînement au tir. A l'interieur de l'ombre il y a la silhouette de l'artiste accueillant une petite image d'une femme acrouppie qui avec un fusil vise le coeur de la nageuse.

L'absence de symetrie dans la disposition des éléments de l'oeuvre, le très sophistiqué dialogue entre les personnages, le jeu de positifs et négatifs et les elements photographiées et dessinés présentent extraordinairement la "nouvelle vision" qui recherchait Moholy-Nagy.

Femme au col blanc, 1917

      L'artist invite le spectateur à entrer en contact avec les sculptures en créant un sentiment d'isolement et d'introspection individuelle. Il nous fait réfléchir sur nous mêmes en s'identifiant avec les sculptures.        L'artiste utilise souvent des miroirs dans ses ouvres ce qui donne la démarcation entre réel et illusoire et nous fait reconnaître nos perturbations personnelles face à des personnages qui regardent leur propre intérieur.        Ses sculptures, qui possèdent une telle présence, sont à l'image de l'auteur: complexes, paradoxales, énigmatiques et théâtrales. Grâce à sa façon unique d'interagir avec les spectateurs Juan Munoz est consacré comme l'un des artistes majeurs de la sculpture européenne du XX siècle.

Juan Munoz a construit la sculpture "One Figure" en 2000, 1 ans avant sa mort. La sculpture est composer d'un homme et un miroir.L'homme est édifier avec résine polyester . Le miroir apparaît entier: il y a la surface qui reflète l'homme et l'autre partie qui est ouvrer sur un espace inconnu. Le personnage penché est une métaphore, il est un questionnement du visible et de l'invisible, du réel et de l'imaginaire. Le miroir dédouble les apparences, telles sont les issues ouvertes par le miroir comme autant de pièges. La curiosité c'est que le personnage a les yeux fermés, alors il ne regarde pas son reflet mais l'intérieur de lui-même.Cette oeuvre on permet d'interagir, parce qu'on peut nous voir à travers le miroir et comme le personnage, on peut réflexif de nous-mêmes.

<<Momie d'une prophétesse Antinoopolis, fouilles A. Gayet, campagne 1906-1907, IIe siècle - IIIe siècle

Découverte en 1907 par l'archéologue Albert Gayet dans une nécropole copte de  Moyenne Egypte, la Prophétesse d'Antinoé est accompagnée d'un remarquable mobilier funéraire. Elle reposait dans un cercueil de bois, dont il subsiste la planche de dessous, enterrée dans un caveau de brique. Les conditions d'hygrométrie et de température ont favorisé sa conservation. L'analyse d'un fragment d'os au radiocarbone a permis de la dater entre 520 et 610 après J.-C. Vêtue de textiles à décors particulièrement bien conservés, la défunte est entourée d'un luth, de quatre vases et d'une statuette d'Isis-Déméter en terre cuite polychromée, de deux flacons en verre et d'une paire de sandales. Une équipe scientifique pluridisciplinaire a étudié le corps de la "momie", ses vêtements et les objets découverts auprès d'elle, spécialement un luth. Cet instrument de musique est remarquable par sa rareté et son très bon état de conservation. Il fait partie de la série des sept luths coptes connus à ce jour, datés entre le Ve et le VIIe siècle. À propos de cette défunte, Albert Gayet parlait de la "Prophétesse" ou "Prêtresse des images d'Osiris Antinoüs… chargée de rendre l'oracle au nom du dieu". Cette fonction semble néanmoins improbable à une époque où le christianisme était largement répandu en Egypte. Compte tenu de la qualité de ses vêtements et des objets qui l'entourent, on peut néanmoins affirmer sans conteste que cette femme occupait une place importante ou influente dans la société de son temps.>>

On ne dispose que de peu de documents sur la vie de Jacopo Torriti :en 1291,il signe les registres pour des mosaïques de l'archibasilique Saint-Jean de Latran à Rome,des mosaïques de l'abside de Santa Maria Maggiore en 1295 (Couronnement de la Vierge par le Christ en médaillon, ornementé de fleurs, d'oiseaux et d'autres animaux ;y figurent saint Pierre, saint Paul et le pape Nicolas IV,saint Jean-Baptiste,saintJean,saint Antoine..., des scènes de la vie de la Vierge).

Sainte Lucie est le plus ancien tableau des collections italiennes du musée. L'œuvre est d'origine romaine, peinte a tempera par Jacopo Torriti ou un de ses élèves.
Mosaïste et peintre, Jacopo Torriti est un des premiers artistes du XIIIe siècle qui, par l'originalité de sa conception, tend à dégager l'art italien de l'influence byzantine. Ce panneau est l'élément central d'un triptyque provenant de l'Église Santa Lucia in Selci à Rome. Sainte Lucie, vierge et martyre morte à Syracuse, est représentée en pied, de face, tenant une lampe allumée dans la main droite. Le nom de la Sainte est inscrit sur un fond d'or. Ses vêtements sont inspirés des parures impériales byzantines. À partir du XIVe siècle elle est habituellement représentée tenant à la main un plateau avec ses yeux à la place de la lampe, illustrant ainsi un épisode de la légende attribuée à Lucie : elle se serait elle-même arrachée les yeux pour les envoyer à son prétendant et ceux-ci auraient été miraculeusement remis en place.
C'est sans aucun doute une œuvre votive commandée par Angela Cerroni qui est représentée sous l'angle inférieur gauche du panneau. Quoique le traitement frontal de la sainte soit encore archaïque, les ondoiements dans les plis du manteau et le traitement des anges annoncent les développements plastiques qui seront amorcés au début du XIVe siècle. Jacopo Torriti peut être considéré comme l'un des artistes qui ont préfiguré la vision de Giotto. L'œuvre, peinte a tempera, a été peu restaurée et possède son cadre d'origine.

Picasso séjourne à Rome en 1917 afin de réaliser  les décors du ballet "Parade" de Diaghilev. Il y fait une rencontre, Olga Kokhlova, danseuse aux Ballets russes, et redécouvre la statuaire antique, l'art étrusque et la peinture des débuts de la Renaissance. Vont naître alors dans l'œuvre de ces années-là des formes humaines monumentales, géantes, archaïques.

Femme lisant, dont le modèle était Olga épousée en 1918, présente une figure hiératique, dans laquelle classicisme et cubisme sont juxtaposés avec virtuosité. Le visage et les mains aux chairs roses et gonflées ainsi que la position du doigt posé sur la tempe rappellent l'intérêt de Picasso pour le dessin et la déformation caractéristiques de l'art de Jean-Dominique Ingres, notamment le Portrait de Madame Moitessier peint par ce dernier en  1856. Le nez et l'arcade sourcilière évoquent la régularité des visages des statues antiques. Le buste et le vêtement aux plis aplatis, la palette aux camaïeux de gris et de bruns font quant à eux référence à la période de déconstruction analytique du cubisme (1910-12). La facture de la chevelure, faite de longs traits ondulants, apporte une note de liberté et renvoie à la technique de la taille. L'imposante figure vêtue de gris se détache à peine sur le fond d'un gris plus neutre, en un ton sur ton qui renforce l’effet des carnations. L’atmosphère de sérénité qui émane de cette scène est redevable tant au choix restreint des couleurs qu’à l’effet sculptural de la figure en pleine concentration.