La música pop es difícil de definir porque ha cambiado mucho con el tiempo. Al principio, en los años 50, el pop era una mezcla de canciones de diferentes géneros populares, hechas por compositores para cantantes que eran muy populares. A lo largo de las décadas, el pop ha ido evolucionando: en los 60 a los 80, se basaba en el rock, luego en los 90 se empezó a mezclar con el house y, en los 2000, con el R&B y el rap. Desde 2010, el pop ha sido muy variado, y es difícil decir qué estilo es el principal.

Las canciones de pop son fáciles de recordar, tienen melodías pegajosas y suelen ser de unos 3 o 4 minutos. Además, las letras son simples y aptas para toda la familia. Los videoclips y las presentaciones visuales también son muy importantes en el pop, ya que buscan llamar la atención del público. Aunque algunas personas piensan que el pop es solo música comercial, también tiene muchas canciones innovadoras y de calidad.

El pop, en resumen, es música que le gusta a mucha gente porque es fácil de escuchar, no es demasiado complicada, y siempre está buscando agradar al mayor número de personas posible. A lo largo de los años, el pop se ha mezclado con otros géneros, especialmente en Estados Unidos, y eso ha hecho que sea aún más variado y diverso.

El Schlager es un tipo de música muy popular en Europa que muchas veces se olvida cuando se habla de la historia de la música. La palabra Schlager viene del alemán y significa “éxito” o “canción pegadiza”. Aunque empezó en Alemania y Austria, también se escucha mucho en países como Holanda, Bélgica, Suecia, Finlandia y en algunos países de la antigua Yugoslavia.

Este estilo de música tiene sus orígenes en la música tradicional, sobre todo la que cantaban los trovadores en las ciudades, contando historias. A partir de los años 30, el Schlager empezó a ser más conocido y se convirtió en un tipo de música popular. Las canciones Schlager suelen ser muy sentimentales y hablan de temas como el amor, la tristeza, la suerte o la alegría, pero siempre de una forma sencilla y sin polémicas. Son canciones fáciles de entender, muy limpias y familiares.

Después de la Segunda Guerra Mundial, el Schlager se hizo todavía más fuerte, sobre todo porque muchos artistas se sintieron amenazados por el Rock and Roll, que venía de Estados Unidos con un estilo más rebelde. Como en Europa no había tanta tradición de blues, jazz o country, el Rock and Roll fue algo totalmente nuevo y sorprendente. Para competir con eso, los artistas de Schlager empezaron a producir muchas más canciones, usando instrumentos como el piano, la guitarra, el acordeón y otros típicos del folclore europeo.

Lo que mucha gente no sabe es que el Schlager ha influido en otros estilos de música pop en Europa, y ha sido muy importante en concursos como Eurovisión. De hecho, muchos artistas que han representado a sus países en Eurovisión han cantado canciones Schlager. Además, este estilo ayudó a que la música fuera algo más accesible para la gente mayor o las familias, ya que no era agresivo ni provocador.

Hoy en día, aunque no sea tan moderno, el Schlager sigue vivo en bares tradicionales, centros culturales, la radio local y grandes festivales como los Schlagerfestivals, donde se canta y se baila con mucho entusiasmo.

El Skiffle es uno de los estilos de música popular más antiguos. Nació en Estados Unidos en los años 20, y lo tocaba la gente pobre que no podía comprarse instrumentos caros. Usaban violines, banjos, kazús y hasta objetos de casa como tablas de lavar o jarras grandes para hacer de bajo. Como no podían pagar conciertos, hacían fiestas en casa para ganar algo de dinero, y a esas fiestas también las llamaban Skiffles.

Esta música se parecía al folk y al country antiguo, pero también tenía un poco de blues. Era muy libre, divertida y mezclaba muchos estilos.

Más tarde, entre 1949 y 1958, el Skiffle volvió a ponerse de moda en Reino Unido, justo cuando empezaban a hacerse populares el Rock and Roll y el Rhythm and Blues en Estados Unidos. Como en Inglaterra no había tanta historia de música country, los músicos jóvenes no sabían bien cómo hacer Rock and Roll, así que inventaron su propia versión mezclando folk, blues y rock con instrumentos baratos, como guitarras acústicas viejas y cosas recicladas. Este estilo fue muy importante porque inspiró a muchos jóvenes a formar bandas, incluso a algunos que luego serían súper famosos, como los Beatles, que empezaron tocando Skiffle.

Aunque en 1958 el Rock and Roll se hizo tan famoso que el Skiffle casi desapareció, fue un paso muy importante para que nacieran muchas bandas nuevas y para que la música se hiciera más accesible para todo el mundo, no solo para los ricos.

La música pop viene de estilos como el Rock y el R&B, pero es más suave y comercial, porque está pensada para gustar al público general y vender más. Aunque muchos piensan que el pop empezó con el rock, ya existía antes. A principios del siglo XX, en Nueva York, había una zona llamada Tin Pan Alley donde se escribían muchas canciones para musicales de Broadway. Estas canciones fueron de las primeras formas de pop.

Después, en los años 50, se hizo muy famoso un edificio llamado el Brill Building, donde trabajaban muchos compositores y productores creando canciones para artistas. Al principio hacían música para toda la familia, pero cuando el Rock and Roll se puso de moda, empezaron a crear canciones para adolescentes, con letras de amor y melodías pegadizas. Así nacieron los grupos de chicas y los cantantes guapos conocidos como crooners, que cantaban suave y romántico para atraer sobre todo al público joven.

Los crooners empezaron en los años 20, y su estilo era cantar bajito y cerca del micrófono, diferente a los cantantes de blues, que tenían que gritar porque no tenían micrófonos buenos. En los años 60, el pop del Brill Building mezclaba muchos estilos: usaban ritmos latinos, cuerdas, melodías infantiles y un poco de R&B.

Uno de los productores más famosos fue Phil Spector, que inventó una técnica llamada Wall of Sound o muro de sonido, donde grababa muchos instrumentos a la vez para que las canciones sonaran muy grandes y emocionantes. Gracias a él, muchos grupos de chicas y bandas de rock se hicieron famosos.

Además, algo que no se suele decir es que este tipo de pop fue muy importante porque fue la primera vez que se empezó a pensar en la música como un producto para adolescentes. Fue como el comienzo del pop moderno que conocemos hoy.

Los años 60 fueron una década de prosperidad y felicidad, pero también de nuevos inventos y gadgets para toda la familia, lo que marcó el inicio de la era del consumismo. Los adolescentes de la generación del Baby Boom, incluso algunos preadolescentes, fueron el público ideal para un nuevo tipo de música llamado Bubblegum Pop.

El Bubblegum era una versión simplificada del Rock and Roll, donde los productores de música tomaban ese estilo y lo hacían mucho más comercial y fácil de escuchar, casi como si fueran productos fabricados para vender. La música Bubblegum solía tener instrumentos brillantes y coloridos, como los órganos Hammond, y estaba hecha para ser pegajosa y divertida.

Por otro lado, el Teenybop era una música pop específicamente pensada para adolescentes muy jóvenes o sensibles. Las canciones trataban sobre temas como los primeros enamoramientos o las experiencias emocionales de la adolescencia. Al igual que el Bubblegum, el Teenybop usaba la música como una especie de terapia para los niños, ayudándoles a lidiar con sus sentimientos. Ambos géneros eran muy similares porque se hacían pensando en el público joven, como si fueran productos de consumo.

Con el tiempo, el término Bubblegum se usó para describir cualquier canción pop hecha en el estudio que durara menos de tres minutos, aunque a menudo se usaba de manera negativa, porque se asociaba con la superficialidad y la ligereza. A pesar de eso, algunas bandas independientes de Garage Rock y Rockabilly Pop también creaban música similar.

A finales de los años 90, el Rock empezó a dividirse en dos direcciones: un Blues Rock y Metal más duro, por un lado, y el Country Rock por otro. El Country Rock nació a partir del Folk Rock de los años 60, cuando la música Rock se fue mezclando con sonidos de la música Country. Esto explica por qué ambos géneros, Rock y Country, a menudo se superponen.

El Country Rock tiene algo muy especial: aunque nació de la mezcla de Folk Rock y Country, también mira hacia atrás, a los años 50, antes del Merseybeat y el Rock británico. De hecho, es música hecha para aquellos que crecieron con Rock 'n' Roll, pero no se conectaban mucho con el Rock experimental o el Rock británico de los 60. Muchos de los artistas más conocidos del Country Rock provienen del Country puro, y usaron el Rock para hacerse más populares, en lugar de ser influenciados por él.

Las canciones de Country Rock suelen tener guitarras acústicas (a veces de 12 cuerdas), baterías suaves y voces armonizadas. Todo esto ayuda a combinar el espíritu rebelde del Rock con los arreglos más tradicionales del Country. Con el tiempo, el Country Rock fue evolucionando hacia algo más suave y comercial, el Country Pop, aunque ambos géneros siguen siendo algo diferentes.

Un término relacionado con el Country Rock es West Coast Rock, que se refiere a los artistas de Country, Folk y Rock de California en los años 60 y 70. Además, en la radio, se usa el término Middle of the Road (MOR) para describir música que está entre el Rock y el Country, aunque en realidad, este término se refiere más a la música que existía antes de la era del Rock 'n' Roll.

A partir de 1967, el Folk Rock empieza a liberarse de sus limitaciones y da lugar a uno de los géneros más importantes de la música: el Singer/Songwriter (Cantautor). Este es un momento clave en la historia de la música, porque el artista en la música pop ya no es solo el intérprete de una canción escrita por alguien más, sino también el autor de esa canción. Para 1971, el género ya se había formado por completo, y la música empieza a centrarse más en historias y emociones personales, en lugar de críticas sociales o sentimientos de comunidad.

El Folk Rock ayudó a que los cantantes más dudosos pudieran confiar en sí mismos y lanzarse a carreras en solitario, logrando independencia artística. La clave del Singer/Songwriter es su letra: se trata de revelar pensamientos íntimos de forma poética, a menudo de manera muy personal. Además, el Singer/Songwriter generalmente acompaña su voz con su propia guitarra o piano.

En los años 80, el Singer/Songwriter da paso a varios subgéneros alternativos, como el Indie Pop, Lo-Fi Pop, Neo-Folk y, más tarde, el Slowcore. Algunos subgéneros dependen del tipo de canción o de la región, como las baladas sentimentales, las canciones de protesta o el Bleakfolk, que tiene un sonido suave parecido al pop. En Francia, existe un subgénero muy importante llamado Chanson, que tiene una historia muy rica en el cine, la literatura y el teatro francés. Las Chansons son incluso más emocionales que las canciones de Singer/Songwriter y se vinculan mucho con la cultura francesa.

El Power Pop es uno de los primeros géneros de Pop Rock verdaderos y se puede ver como una especie de “renacimiento” del Mersey Beat, una segunda invasión británica. Sin embargo, tiene una gran diferencia: las guitarras tocan riffs (fragmentos musicales) cortos y enérgicos, acompañados de rápidos y repetitivos golpes de batería. Esto hace que el Power Pop tenga un sonido muy espinoso y hiperactivo, por eso se llama así.

El surgimiento del Power Pop y de otros tipos tempranos de Pop Rock debe entenderse como una respuesta a los estilos de Rock más oscuros y serios que aparecieron en el Reino Unido a principios de los 70, como el Pub Rock, Roots Rock y el Mod. Para alejar a los adolescentes de estos estilos "más oscuros", el Power Pop fue en dirección opuesta: un sonido alegre, melódico y ligero.

A finales de los 70, el Power Pop vivió una segunda ola, y en los 90, una tercera. Sin embargo, el éxito de la música Disco y otros estilos relacionados opacaron la segunda ola del Pop Rock en los 80. La fusión original del Hard Rock con el Mersey Beat se fue mezclando con otros géneros en las siguientes olas, lo que hizo que el Power Pop se disolviera en otros estilos. A pesar de esto, algunos artistas de Power Pop siguen activos hoy en día.

El Power Pop original sirvió de inspiración para muchos artistas de Pop Rock posteriores, que se sintieron atraídos por la simplicidad del Classic Rock, pero sin los elementos psicodélicos o la producción extensa.

El Adult Contemporary, también llamado A.C., es un tipo de música suave y tranquila que empezó a sonar mucho en la radio a finales de los años 70. Antes se conocía como Easy Listening, pero en 1979 le cambiaron el nombre en las listas de Billboard, que son como los rankings de las canciones más escuchadas. Este tipo de música está pensada más para adultos que para adolescentes, y suele ser relajante, con letras tranquilas y sin polémicas.

Todo empezó con bandas de A.O.R., que significa Album-Oriented Rock. Este era un estilo de rock que se centraba más en los álbumes completos que en canciones sueltas. Algunas de estas bandas empezaron a hacer canciones más suaves, sin solos de guitarra ni bajos muy fuertes, y de ahí nació el Soft Rock. A veces es difícil saber cuál es cuál, porque se parecen bastante.

Con el tiempo, esta música se volvió muy comercial y acabó pareciéndose mucho al Pop. Además, empezaron a destacar más los cantantes solistas y los cantautores, en lugar de las bandas poco conocidas.

El Adult Contemporary se parece a otros estilos como el Country Pop, el Smooth Jazz, el New Age y la música de cantautor. En los años 80 también apareció un subgénero llamado Sophisti-Pop, que era como una versión más elegante y con más sonidos electrónicos.

Hoy en día, aunque ya no es tan popular como antes, todavía hay emisoras de radio que ponen estas canciones clásicas porque a mucha gente les siguen gustando. Tienen algo especial que nunca pasa de moda.

El Synthpop fue uno de los estilos más importantes de los años 80. Se trata de un tipo de música Pop muy electrónico, que viene de la New Wave pero con muchos más sintetizadores. Empezó a sonar por todas partes porque mezclaba canciones fáciles de seguir, como las del Pop o el Rock, pero con sonidos nuevos y modernos hechos por teclados electrónicos.

En 1983 salió un instrumento llamado Yamaha DX7, que fue súper importante porque era un sintetizador que todo el mundo empezó a usar. Gracias a él, se crearon muchísimas canciones Synthpop. En este estilo casi no se usaban guitarras, y cuando se usaban, a veces eran reemplazadas por los famosos “keytars”, que eran teclados en forma de guitarra.

A diferencia de la New Wave, que era más rebelde y con sonido de rock, el Synthpop era más suave, melódico, pegadizo y muy bailable. También era muy moderno y elegante, con mucho estilo. En esta época, además de la música, era muy importante la ropa, el maquillaje y parecer glamuroso. Por eso, surgió también un grupo de artistas llamados los New Romantics, que mezclaban Synthpop con un poco de Disco y con mucha moda.

Aunque el nombre “Synthpop” hace pensar que es un estilo Pop típico, no lo es tanto en su forma de pensar. Muchos artistas de Synthpop querían hacer música creativa y diferente, con letras más profundas o experimentales, como lo hacían antes en el Post-Punk. No era solo para bailar, también querían hacer arte.

Este estilo apareció mucho en los primeros años del canal MTV, junto a otros géneros como el Disco Pop, el Glam Metal y el Rap de la época dorada. Gracias a sus sonidos llamativos, futuristas y únicos, el Synthpop se convirtió en un estilo que nunca ha pasado de moda. De hecho, ha vuelto varias veces con nuevas generaciones de artistas.

Después de la New Wave y el Synthpop, apareció un estilo de música aún más rápido, bailable y electrónico llamado Hi-NRG. Significa “alta energía” y fue una mezcla de música Disco y Synthpop, pero ya no tenía nada de Rock. Era Pop puro, muy producido y con ritmos hechos por cajas de ritmo. Sonaba muy moderno y se escuchaba sobre todo en discotecas, en fiestas llenas de moda, glamour y un ambiente muy libre. Estaba muy relacionado con la cultura LGTBI, sobre todo en las grandes ciudades.

El Hi-NRG, también conocido como Eurodisco o Electro-Disco, era mucho más rápido que el Disco normal, con sonidos agudos, poca presencia de bajos y un ritmo repetitivo que sonaba como del futuro. Una de las canciones más famosas del estilo es “I Feel Love” de Giorgio Moroder con la voz de Donna Summer. Esa canción fue un adelanto a su tiempo, y aunque salió en los años 70, fue el inicio de lo que más tarde se convertiría en la música Dance moderna.

Una cosa muy curiosa del Hi-NRG fue la creación de los megamixes, que eran mezclas muy largas de varias canciones seguidas, sin parar. Gracias a los discos de vinilo de 12 pulgadas, se podían hacer canciones más largas para bailar durante más tiempo. Estos megamixes fueron hechos por los primeros DJ de música electrónica, que no solo ponían canciones, sino que las mezclaban y creaban nuevas experiencias en la pista de baile.

El Hi-NRG se hizo tan grande que aparecieron muchos subestilos. En Italia nació el Italo-Disco, que tenía letras simples y melodías muy pegadizas. Era un poco divertido y a veces hasta un poco tonto, pero muy popular. En Francia se creó el Space Disco, que era más instrumental y sonaba como de ciencia ficción. Y luego está el Eurobeat, que es como un Italo-Disco pero mucho más rápido, con un ritmo muy fuerte. Este estilo se volvió muy famoso en Japón a finales de los años 80 y ayudó a crear el Eurodance, que sería súper popular en los años 90.

En resumen, el Hi-NRG y todos sus estilos fueron clave para que naciera la música Dance que conocemos hoy. Su energía, su estilo moderno y su espíritu libre siguen inspirando a muchos artistas.

Cuando la música Disco empezó a desaparecer, no se fue del todo. En su lugar nació un nuevo estilo que mezclaba lo mejor del Disco con cosas que estaban de moda en ese momento, como los sintetizadores del Synthpop y los solos de guitarra muy brillantes y llamativos. A este nuevo estilo se le llamó Discopop o también Post-Disco, y se convirtió en el sonido típico de los años 80.

Era una época muy llamativa, con muchas luces de neón, coches deportivos, playas con palmeras y fiestas con drogas como la cocaína, que era muy común en ese tiempo. La música sonaba divertida y despreocupada, pero en el fondo mostraba una sociedad que intentaba olvidar sus problemas viviendo al máximo sin pensar en las consecuencias. Era como un disfraz de felicidad.

El Discopop no solo venía de bandas electrónicas, también de muchos cantantes y artistas que venían del Soul y del R&B, estilos más antiguos que hablaban de sentimientos. Estos artistas no hacían Disco puro, que era solo para bailar, sino que mezclaban ritmos pegajosos con Pop y se volvieron súper famosos en todo el mundo. Vendieron millones de discos y marcaron toda una generación.

Aunque a veces se les llama Dance Pop, su música era más que solo bailable. Los productores que trabajaban con ellos eran muy profesionales y sabían cómo crear canciones que se quedaban en la cabeza para siempre. Usaban estructuras distintas, sonidos modernos y combinaban lo mejor del Rock, el Synth y el R&B. Así nacieron canciones que hoy todavía se escuchan en la radio o en películas, y que son clásicos del Pop.

En resumen, el Discopop fue una evolución del Disco que mezcló muchos estilos de una forma divertida y sofisticada. Fue la música perfecta para los años 80 y todavía sigue siendo parte de la cultura popular.

En los años 70 y 80, las universidades de Estados Unidos fueron lugares donde la gente empezó a hacer música de manera amateur, sobre todo cantando y componiendo sus propias canciones. En 1979, apareció un nuevo estilo de música llamado College Pop. Era una mezcla de Folk Rock con un toque de Country Rock, pero mucho más sencillo y con un sonido más casero, casi como si fuera grabado en casa.

A partir de 1982, este estilo se transformó completamente en Lo-Fi Pop, que es música con un sonido aún más simple y de baja calidad. Además, en esas mismas universidades había grupos de personas interesadas en el Punk Rock y también en un estilo nuevo llamado Jangle Pop. Esto hizo que naciera una versión más suave y melódica del Indie Rock, menos ruidosa y más sentimental, a diferencia del Indie Rock que a veces era muy agresivo. A este estilo se le empezó a llamar Twee Pop porque tenía un sonido más tierno y dulce.

Muchos de los artistas de Indie Pop estaban relacionados con un sello discográfico muy importante llamado K-Records. Este estilo de música se hizo más conocido en 1986 gracias a una cinta llamada C86 que hizo la revista New Musical Express. En esa cinta había una recopilación de artistas de Indie Pop, aunque no llegaron a ser tan famosos como las bandas de Rock grandes, pero tuvieron mucha influencia en otros músicos que vinieron después.

El Twee Pop y el Indie Pop eran estilos más sencillos y menos sofisticados, pero su música inspiró a muchas bandas de Rock y Pop que vendrían más tarde. A pesar de que el Twee Pop es un estilo de los años 80, hoy sigue siendo importante y muchos artistas de Pop Alternativo siguen haciéndolo.

A mediados de los años 80 hasta principios de los 90, surgió un nuevo tipo de música que mezclaba el rock alternativo con sonidos psicodélicos, inspirados en la música de los años 60. Este estilo se llamó Neo-Psy y usaba guitarras con muchos efectos, como ecos y distorsiones. De ahí salieron dos estilos nuevos: el Dream Pop, que es más suave y tranquilo, y el Shoegaze, que es más ruidoso y con muchas capas de guitarras que suenan como si estuvieran flotando. El nombre Shoegaze viene de que los músicos a veces tocaban mirando al suelo, como si miraran sus zapatos.

Aunque estos estilos eran diferentes del rock normal de la época, siguieron creciendo durante los años 90 y se convirtieron en una parte importante de la música alternativa.

En Mánchester, en Inglaterra, también se creó una escena musical muy especial llamada Madchester. Era una mezcla de Shoegaze, Indie Rock y música electrónica como el Acid House. Este movimiento fue famoso por las fiestas, las drogas y los bailes en clubes como la mítica discoteca The Hacienda. A los artistas se les llamaba Baggy por los pantalones anchos que usaban. Aunque el Madchester era más un estilo de vida que un género musical concreto, tuvo mucha influencia en la música de los 90.

La música pop asiática muchas veces no se incluye en los resúmenes de la historia de la música, sobre todo porque muchas veces copia estilos de la música occidental, como el pop, el rock o la electrónica. Pero no se puede decir que sea música tradicional o del mundo, porque países como China, Japón y Corea del Sur son muy modernos y usan mucha tecnología en su música.

En China, la música es todavía bastante conservadora, porque el gobierno controla mucho el internet y se siguen valorando mucho las tradiciones. Aun así, desde los años 80 empezó a mezclarse un poco con el rock y nació el C-pop. Este nombre se usa para toda la música cantada en chino, no solo la que viene de China.

En Japón, el pop es mucho más variado. El J-pop incluye muchos estilos diferentes. Hay música muy comercial como los grupos de chicas y chicos que bailan, pero también estilos más raros como el Shibuya-kei, una mezcla urbana con estilo relajado, y el Visual Kei, que parece rock pesado pero con trajes y maquillajes llamativos. También tienen Technopop, un estilo electrónico muy tranquilo que va con su forma de pensar más zen. A los japoneses les encanta la música de otros países, y a veces piden versiones especiales de álbumes con canciones extras solo para Japón.

En Corea del Sur, la música cambió muchísimo con algo llamado Hanryu, la ola coreana. De ahí salió el famoso K-pop, que es música pop súper producida, con coreografías, ropa llamativa y grupos de chicos o chicas. El K-pop se hizo famoso en todo el mundo gracias a internet, YouTube y redes sociales. Además, en Corea se da mucha importancia a la imagen, la perfección física y la vida en redes, y eso se nota también en sus artistas.

El Britpop fue un estilo de música que nació en el Reino Unido en los años 90 como respuesta al Grunge, que venía de Estados Unidos y era muy triste y oscuro. Las bandas británicas estaban cansadas de que todo lo que triunfaba en las listas fuera americano, así que decidieron crear un estilo propio, muy británico y lleno de actitud.

El Britpop no fue muy original en cuanto al sonido, porque mezclaba cosas del pop británico de los años 60, como el Mersey Beat, con un poco de rock indie. A veces también usaban sintetizadores o efectos para darle un toque más moderno y con glamour. Pero lo que realmente hacía especial al Britpop era la personalidad de los cantantes y grupos. Tenían una actitud chula, segura, con ganas de destacar y de volver a poner a la música británica en lo más alto.

Este estilo no era solo música, también era una forma de pensar y de vestirse. Las bandas querían representar a la juventud británica, ser famosos y demostrar que podían ser igual o más importantes que las bandas americanas. Por eso, aunque muchas canciones suenen parecidas, el Britpop fue muy popular y marcó una época.

En los años 80, la música pop dejó de ser solo discos para vender a adolescentes y se convirtió en una gran industria de conciertos, fiestas y espectáculos que movía muchísimo dinero. Un momento muy importante fue el concierto Live Aid en 1984, que fue uno de los más grandes de la historia. A partir de ahí, las discográficas empezaron a apostar por la música dance, porque el eurodance estaba teniendo mucho éxito.

Así nació el dance pop, que mezcla música electrónica de baile, sobre todo house, con el pop comercial. Aunque a veces se parece al disco pop o al urban pop, en realidad no es lo mismo, aunque todos estos estilos suelen mezclarse porque lo más importante es vender, no tanto seguir las reglas del género.

El dance pop se volvió muy famoso gracias a grupos de chicos o chicas jóvenes, como las girlsbands y boysbands. Todos ellos tenían coreografías, vestuario llamativo y cada miembro representaba una personalidad diferente para que los fans se sintieran identificados. Pero en realidad, todo estaba pensado para atraer al público adolescente usando el atractivo físico y la imagen. Las letras de las canciones no eran lo más importante, solo tenían que ser pegadizas y fáciles de cantar.

A finales de los años 90, apareció un nuevo estilo llamado eurodance pop. Era una versión más alegre, rápida y ligera del eurohouse, con ritmos más fuertes y menos influencias del R&B. Este estilo marcó el final de la era dorada del eurodance, pero dejó una gran huella en la música pop de Europa.

A pesar de que muchas bandas no querían que su música se llamara “Post-Britpop” y decían que dividir el Britpop no tenía sentido, este estilo tiene una identidad bastante clara. El Britpop era muy patriota y no dejaba mucho espacio para influencias extranjeras o experimentación. Sin embargo, a finales de los noventa, surgió una nueva ola de artistas británicos que valoraron más la experimentación que mantener la tradición. Una de las principales diferencias con el Britpop fue que, en lugar de usar guitarras como instrumento principal, las bandas comenzaron a hacer música más electrónica. También desapareció la actitud arrogante del Britpop y se cambiaron por letras más sensibles y frágiles.

Bandas como Radiohead y The Verve fueron de las primeras en hacer este cambio, aunque todavía no eran del todo representativas de lo que vendría después. Las bandas de Post-Britpop crecieron mucho más rápido que las de Britpop, y su estilo se convirtió en una especie de Rock de estadio, muy popular durante los 2000. Algunas bandas, como The Kaiser Chiefs y Bloc Party, volvieron al sonido del Britpop, pero con influencias de rock más moderno. Sin embargo, con el éxito llegó la crítica, y las canciones de Post-Britpop empezaron a ser vistas como demasiado similares entre sí, frías y predecibles. Además, la música se volvió más limpia y con voces masculinas agudas, lo que dio paso a un regreso al Garage Rock, un estilo más sucio y crudo.

Después de 20 años, el Synthpop y todo lo relacionado con la cultura New Wave necesitaban volver. La gente ya estaba cansada de escuchar siempre el mismo tipo de música electrónica como House, Techno y Trance, que se repetía una y otra vez. La revolución del EDM ya no estaba de moda y se volvió aburrida. Por eso, surgió el Electroclash, que es como una versión actualizada del Synthpop. Aunque sonaba un poco parecido, este estilo tenía un enfoque más experimental con los sintetizadores, las letras artísticas y mucho más cuidado por la imagen y la moda.

El Electroclash no intentaba ser algo super innovador o revolucionario, sino que era música divertida y sin pretensiones. Se trataba de mostrar que, aunque el nuevo milenio y la música Dance no cambiaron el mundo, no importaba. Este estilo también marcó el comienzo del retrofuturismo, con temas fríos, de aislamiento y soledad, que más tarde influirían en otros géneros como el Synthwave y el Vaporwave.

Después de la explosión de Madchester, el Shoegaze fue redescubierto y se mezcló con géneros como el Synthpop y la Electronica, creando un nuevo estilo llamado "Ambient New Wave Indie Rock". Este estilo puede tener diferentes nombres como Nu-Gaze, Indietronica o Chillwave, dependiendo de si la canción suena más a Rock, Pop o tiene un ritmo más lento. Por eso, dos canciones de este género pueden sonar bastante diferentes. Chillwave es el que tiene una definición más clara y es el género que mejor engloba a otros estilos similares. Tiene un sonido muy veraniego, optimista y con voces suaves de Pop. Además, tiene influencias de los años 80, y mucho reverb, lo que hace que suene algo parecido al Dream Pop, que parecía haber desaparecido. También se le conoce como Glo-Fi porque tiene similitudes con el Shoegaze y el Dream Pop.

Un término relacionado con estos géneros nuevos es Laptronica, que se refiere a la música electrónica hecha completamente con una laptop. Aunque este término suele ser usado de manera negativa por bandas de Rock que prefieren los instrumentos clásicos.

El Electropop es un tipo de música pop que usa mucho la electrónica y los sintetizadores. Es una evolución de la música Dance Pop, pero con un sonido más moderno. Mientras que el Dance Pop de los 80 y 90 tenía influencias de Disco, el Electropop de los 2000 y 2010 está influenciado por el Electroclash y el Electro-House. Estos géneros han hecho que el Electropop suene más agresivo y atrevido, con un ritmo más fuerte y sonidos distorsionados. Aunque no es tan pegajoso como el Dance Pop, su sonido es más flexible y puede llegar a más gente.

En el Electropop, los artistas son muy independientes y se enorgullecen de su estilo personal. La mayoría de los artistas de Electropop son cantantes femeninas, que son empujadas por las discográficas, pero también son muy conscientes de su poder en la industria, algo que no pasaba antes con los cantantes masculinos. De alguna forma, el Electropop marca el fin de la dominación de la industria musical que comenzó hace muchos años con el Tin Pan Alley, donde el Pop estaba controlado por las discográficas.

El Freakfolk es un tipo de música Folk que se mezcla con sonidos raros y experimentales. Aunque es un tipo de música Folk, también tiene influencias del Rock y Pop, por lo que es bastante conocido en esos círculos. Comenzó alrededor de 2003, inspirado por bandas de Folk Psicodélico como The Incredible String Band y Holy Modal Rounders. Este género tiene una estructura especial basada en Modos y usa muchos sonidos raros e instrumentos inusuales, lo que lo hace muy experimental y único. Por eso, a veces se le llama New Weird America.

El Indie Folk, por su parte, empezó en los noventa cuando las bandas de Rock Alternativo decidieron revivir el Folk. Sin embargo, no fue hasta la llegada de géneros como el Electropop y Moombahton que el Freakfolk y el Indie Folk ganaron más popularidad. A medida que los géneros más comerciales se hacían populares, el Freakfolk y el Indie Folk se volvieron más maduros y originales. Ahora, bandas como Mumford & Sons representan una nueva versión del Indie Folk, conocida como Nu-Folk.

Taylor Swift es una cantante muy famosa que ha cambiado mucho a lo largo de los años. Empezó cantando country cuando era muy joven, pero con el tiempo ha probado otros estilos como el pop, el folk e incluso música más tranquila y triste. En este trabajo voy a explicar cómo ha sido su evolución, es decir, cómo ha ido cambiando su música desde que empezó hasta ahora.

Sus comienzos en la música country

Taylor empezó su carrera cuando tenía solo 16 años. Su primer disco se llamaba Taylor Swift y era de estilo country, un tipo de música muy popular en Estados Unidos. Sus canciones hablaban de sus sentimientos, sus amigos, sus amores y cosas que le pasaban como adolescente. Después sacó más discos como Fearless y Speak Now, donde seguía cantando country, pero ya empezaba a sonar un poco más pop. Canciones como “Love Story” y “You Belong With Me” se hicieron muy famosas.

Cuando empezó a hacer pop

En 2012 sacó el disco Red, que fue una mezcla de country con pop. Fue un cambio importante, y aunque todavía tenía algunas canciones con guitarra y estilo country, también había otras con sonidos más modernos. Luego, en 2014, sacó 1989, su primer disco completamente pop. En ese momento, dejó de hacer country. Canciones como “Shake It Off” y “Blank Space” se escuchaban por todas partes.

Cambiando otra vez: más oscura y seria

En 2017 sacó Reputation, un disco con canciones más oscuras y un estilo más fuerte. En esa época tuvo problemas con otras personas famosas y eso se notaba en sus letras. Su imagen también cambió, se mostró más segura y rebelde.

Música más tranquila y diferente

Después, en 2019 sacó Lover, con canciones más alegres y románticas. Pero lo que sorprendió a todos fue que en 2020, durante la pandemia, sacó dos discos muy diferentes: Folklore y Evermore. Estos discos eran mucho más tranquilos, con un estilo llamado indie folk. En vez de hablar tanto de su vida, inventaba historias y personajes en sus canciones. Fue un cambio grande, pero a la gente le gustó mucho.

Regrabando sus discos antiguos

Taylor también empezó a volver a grabar sus discos antiguos para poder ser la dueña de su música. Les pone el nombre “Taylor’s Version”. Así, sus fans pueden escuchar sus canciones favoritas pero en versiones nuevas, con mejor calidad y algunas canciones extra que nunca había sacado antes.

Su último disco

En 2024 sacó The Tortured Poets Department, un disco con canciones más experimentales, diferentes y tristes. Aquí habla de cosas más profundas y personales, y suena muy distinto a sus discos anteriores.

Adjunto una playlist de todas sus canciones:

https://open.spotify.com/playlist/6NgtVlMzN0wNlxuRgn6ix5?pi=QrsCcJwuRS2E0