En mi opinión el enfoque didáctico al que pertenecían estas actividades es el de reforma educativa, porque si bien nos daban la libertad de hacer lo que nos guste, también el docente iba eligiendo que contenido trabajábamos con las consignas que nos daba y los materiales.  

Honestamente no tengo mucho registro en relación a actividades plásticas en el nivel inicial. Tengo un leve recuerdo de realizar sellado con una papa cruda calada, por la docente imagino, formando estrellas corazones. Y también sé que a fin de año nos llevábamos una carpeta con todas nuestras producciones bidimensionales.  Por la fecha de egreso de sala de 5 (1993) intuyo que el enfoque didáctico fue el de la escuela nueva. Pero lamentablemente no tengo mucha información como para determinarlo.

Las técnicas que se ven en los dibujos son del modelo didáctico de la escuela tradicional ya que son actividades mecánicas diseñadas por el adulto quien era el que dirigía la actividad en la cual todos debíamos repetir un modelo y cumplir la consigna dada. No nos da lugar a la iniciativa o imaginación.

Esto se ve claramente en las imágenes, por ejemplo, el rellenar con yerba un árbol de navidad ya dibujado, el usar las manos como sello, incluso en los dibujos que a esa edad son garabatos y monigotes les pone un titulo de lo que yo debía dibujar abajo

 A su vez mi compañera utilizo mucha  variedad de tramas, de texturas visuales, no repite ninguna 

Seleccione dichos dibujos porque considero que utilizaron la mayoría de los recursos propuestos para la consigna, generando mucho con el resultado final.

En mi dibujo utilice los puntos para generar cierta profundidad y que le letra "C" sea mas llamativa. Siento de igual forma que no genere el efecto visual que mencione arriba con los puntos 
Utilice línea de contorno para hacer la letra y rellenarla con todo tipo de línea, utilice gran variedad, rectas, onduladas, circulares, entrecortadas. 
Particularmente me cuesta mucho lo artístico, a nivel dibujo y demás, no se si pude plasmar mucho sentimiento en el, pero a la hora de hacerlo, yo me libere de muchos.  

Me pareció que el dibujo de Valentina Listorti no tiene línea de contorno y abstracto como el de Gabriela estebo que nombre anteriormente y Ailen Biaño, y el dibujo de Chiara Bisso me pareció que tiene línea modulada en el contorno de la letra C.

En cuanto a mi dibujo:

Utilice puntos queriendo generar un efecto de volumen e iluminación aunque no se si llegue a lograrlo como quería. Las líneas fueron verticales, horizontales, curvas y vibradas, gruesas, continúas, largas y cortas, modulada. Si utilice líneas de contorno, no estoy segura si cree un espacio tridimensional en cuanto a líneas y puntos y pude plasmar en el dibujo la idea que quería en cuanto a un personaje que me gusta utilizando lo que se pedía.

Primero quiero comentar que me sorprende enormemente como con tan poco (líneas y puntos) se crean universos tan distintos, complejos y ricos.

Teniendo en cuenta la guía de preguntas les cuento que los trabajos que más llamaron mi atención son los de:

-          Maitén Holzman por la gran variedad de patrones de líneas y puntos utilizados, y su gran colorido. 

-          Agostina Carrizo, por la simpleza, pero contundencia de su diseño, sus colores y su forma.

-          Victoria Gago, por la sensación de movimiento y juego que me provoca.

-          Valeria Silenzi, por la sensación de texturas que me da su mandala.

-          Valentina Reigosa, por sus llamativos colores.

  Las tramas que me parecen más originales se encuentran en los dibujos de:

-          Maitén Holzman, no repitió patrones en sus tramas y se ven gran variedad en el uso de las líneas y los puntos.

-          Camila Castelli, me gusta como organizó la simetría en el mandala y la armonía de sus tramas.

-          Alejandra Aranda utilizó puntos, líneas y flechas en los rayos de su sol y eso me pareció original y único.

En los dibujos de Julieta Góngora y Agostina Carrizo puedo ver iluminación y esa sensación de tridimensionalidad. 

-          Julieta Góngora, utiliza el punto para hacer las hojas de su árbol y los coloca juntos, superpuestos o más separados para dar esa sensación de luz y oscuridad, de profundidad de un árbol frondoso. También en el cielo hay un contraste de líneas que me dan la sensación de movimiento, de viento.

-          Agostina Carrizo utiliza los puntos en la montaña y dan una sensación de profundidad y lejanía, el contraste con el sol gigante de líneas gruesas y la ondulación del mar aumentan esa sensación. Con los puntos y las líneas en la hoja de la flor logra dar textura y tridimensión.

En cuanto a figuras sin líneas de contorno:

-          Gabriela Estebo realiza una especie de grabado en donde el vacío de puntos forma una cara con su nariz su ojo y su boca.

Las líneas moduladas aparecen en la producción de Victoria Gago. Creo que es una de las cosas que le confiere movimiento a su dibujo. Además, este dibujo junto con el de Ariana Gabriela Caseres Candia, el de Valentina Listorti, el de Ailén Viaño y el de Tamara Patlis son dibujos no figurativos o abstractos.

 

Mi dibujo: Hice un dibujo con imágenes figurativas que invitan a imaginar un fondo marino. Utilicé los puntos en el suelo marino para la sensación arenosa pero concreta y quise dar la sensación de profundidad tratando de imitar planos superpuestos. También usé los puntos para rellenar el cielo (aire), para darle textura al agua y estructura al dibujo. Usé líneas moduladas y onduladas para los caballitos de mar y las algas marinas para dar sensación de movimiento y también como contorno en el lecho marino y en las olas del mar. La emoción que expreso en este dibujo es calma, pero no quietud, calma dentro del vértigo marino, calma a pesar del oleaje, representa respirar hondo, tocar fondo, tomar impulso y seguir. 

 Rosario Borghi: Se puede observar la utilización de líneas, oblicuas, espiraladas, discontinuas, curvas, líneas gruesas, que le dan  forma a un dibujo significativo.

Ailen Viaño: Lo que me gustó del dibujo es la forma en que utilizó los diferentes estilos de  líneas para marcar los  tamaños de las figuras geométricas que se forman, para así dentro de cada figura poder trazar las líneas, rectas, espiraladas, puntos, continuas, zigzag, quebradas, etc.

Virginia Gago: observando el dibujo se puede ver el uso de las diferentes líneas y puntos que utilizó para realizar este dibujo no figurativo.

En cuanto a MI dibujo, utilice lápices y marcadores para darle diferentes texturas, en cuanto a las líneas del trazado de los marcadores hizo  que sean líneas más finas o más gruesas dependiendo de la figura que iba pintando. Realizar este trabajo me generó tranquilidad, y puso a prueba mi paciencia.  

 

- Valentina Reigosa por lo colorido y el efecto visual que eso causaba. 

- Maitén Holzman por la cantidad de líneas que había y por cómo estaban empleados los puntos. 

- Estefanía Orellana por como hizo las figuras. 

2. Me pareció muy original el dibujo de Estefania Orellana por cómo representó el mar y los peces a través de diferentes líneas y puntos. 

3. En el dibujo de Agostina Carrizo veo un efecto tridimensional utilizado con líneas, las montañas están delante del sol y eso genera profundidad. 

4. El dibujo de Valeria Silenzi no tiene líneas de contorno siempre, sino que el final de cada patrón de líneas le da esa sensación de contorno. 

5. En el dibujo de Virginia Gago hay líneas moduladas, líneas que se vuelven mas gruesas o más finas. 

6. Los dibujos de Virginia Gago, Ariana Gabriela Caseres Candia, Ailén Viaño Valeria Silenzi, y Valentina Listorti son abstractos.  

 

 Agostina Carrizo por como utilizo los puntos, los distintos tipos de  líneas verticales y las distintas fomas que se pueden ver en su trabajo  

Valentina Reigosa por los colores llamativos que utilizo, tambien me llamo mucho la atención tambien la forma en la que quedo dividido el dibujo y como fue combinando cada uno de los colores entre si. 

Gabriela Estebo por que  me parecio muy original la utilizacion  de los colores blanco y negro y como utilizo las lineas y los puntos. 
 

A la hora de ver los trabajos donde se utiliza efectos de iluminacion y sombra, esto lo puedo encontrar en el trabajo de Melody Bisicchia. 

En el caso de las lineas de contorno y lineas moduladas, esto se puede ver en el trabajo de Maria Jose Lopez donde utilizaba estas lineas de contorno dentro del yoda. Sin embargo a diferencia de este tambien pude encontrar dibujos donde en los que predominan las no figuras, es el caso de Ailen Viñao y Tamara Patilis 
 

En cuanto a mi dibujo: 
 
1) Si. Formando lineas 

2) Utilice lineas rectas onduladas y de distintos tamaños 

3) Si 

4) No 

5) Si 

 

Antes de comenzar me gustaría decir que me pareció muy interesante la lectura que hicieron muchas compañeras sobre mi producción. ¡Les agradezco!

Debo reconocer que me llevó un tiempo largo observar con detenimiento cada dibujo y hacer una lectura sin caer en la apreciación subjetiva.

Las producciones que más llamaron mi atención fueron las de:

Hacer mi dibujo llevo un proceso de varios días y momentos. Empecé con la idea de hacerlo utilizando únicamente puntos (los que están en el centro de la flor) y rápidamente comencé a hacer líneas (el contorno de los pétalos).

El resultado final tiene muchas tramas con diversos patrones de líneas y puntos. Algunas fueron hechas a conciencia y otras de manera más improvisada Cada vez que retomaba el dibujo hacía un nuevo patrón rogando no arruinar lo que ya estaba.

El de Valentina me llamó la atención por los colores que seleccionó (fríos y cálidos), la forma que los utilizo y todo quedo unificado por más que eran diferentes. También por la forma en la cual llevo a cabo su dibujo y los lugares que rellenó con puntos y líneas. Simple, sencillo y armonioso. Me da sensación de tranquilidad.

El de Gabriela me llamo muchisimo la atención al verlo. Me recuerda como a los dibujos de antes de los pueblos originarios que nos mostraban en los libros en el colegio. Llama mucho la atención al verlo y pareciera que lo realizo con cenizas.

La de Gabriela por lo anteriormente mencionado.

¿En qué dibujos podes observar que se han utilizado los puntos y/o las líneas para generar efectos visuales tales como: efectos de iluminación(luz y sombra), de espacio tridimensional, ¿cómo te parece que han lograron esos efectos?

En el de Gabriela, en el de Maitén Holzman se producen muchos sectores de profundidad por la manera en que realizo las uniones de líneas.

¿En qué dibujos encontrás figuras que no tienen línea de contorno?
El que está realizado con lapicera (no me aparece quién lo hizo).

Hay obras abstractas. Por ejemplo el de Ailén Viaño.

1) ¿Utilizaste puntos? ¿De qué manera los utilizaste?
Sí. Pocos y rellenos por el material que utilice.

2) ¿Qué tipos de líneas utilizaste para construir tus dibujos?
Rectas, onduladas, entrecortadas.

3) ¿Utilizaste líneas de contorno?
Si, cuando comencé genere la flor con la línea celeste de contorno.

4) Con los puntos y líneas ¿creaste algún efecto gráfico como Textura visual, luz y sombra, volumen, espacio tridimensional?
Textura visual (creo)

5) ¿Pudiste plasmar en tu dibujo ideas, sentimientos, sensaciones o emociones?
No.

Los dibujos de Valentina Listorti y Gabriela Estebo me parece que son no figurativos ya que no tienen línea de contorno. 

 

En mi dibujo utilice puntos intentando dar profundidad y lejanía, utilice líneas onduladas, rectas y circulares. Utilice línea de contorno para todo el dibujo de diferentes formas  y tamaños, 

Con las líneas y puntos que utilice creo haber logrado un espacio tridimensional con una textura visual de colores y luz.

En el agua intenté hacer un efecto de movimiento con líneas onduladas. 

1- Me llaman más la atención los dibujos de: Agostina Carrizo, Valentina Reigosa, Estefanía Orellana

2- El de Agostina me llamó la atención por los colores y por la forma en la cual rellenó cada dibujo con líneas y puntos.

El de Valentina me llamaron la atención los colores, me da la sensación de armonía al igual que el árbol.

El de Estefanía me gustó por cómo representó el mar al hacer figuras con líneas sencillas pero que en el conjunto del dibujo quedan muy bien.

3- ¿Cuál o cuáles tramas empleadas en los dibujos de tus compañeras te han resultado la/las más originales y creativas?

La trama que más me gustó fue la que hizo Valentina Reigosa para el fondo del árbol.

4- Puedo observar en el dibujo de Maiten que las figuras que rodean la flor tienen un efecto tridimensional, de profundidad, como si se fuera hundiendo a medida que llega al centro de cada figura.

5- Por ejemplo en el dibujo de Julieta Góngora la copa del árbol no tiene contorno.

6- En el de Virginia y Estefanía pueden observarse líneas moduladas

7- Si, se pueden observar dibujos abstractos, por ejemplo el de Virginia ya que tiene puntos, líneas rectas, onduladas y moduladas que no forman una figura concreta.

Lectura de mi dibujo.

1- Utilice puntos para intentar hacer un efecto degradado.

2- Use líneas de diferentes grosores para intentar dar la sensación de degradado.

3- Utilice líneas de contorno para realizar la hoja.

4- Trate de crear un efecto gráfico de textura visual por medio de las líneas y puntos.

5- Pude plasmar mis ideas y lograr el dibujo que había planeado hacer.

·         Técnica plástica: Dibujo a partir de líneas y puntos.

·         Materiales: Lápiz negro, Marcadores de distintos grosores y colores (azules, celestes, verdes, violeta y gris)

·         Herramienta: Goma

·         Soportes: Hoja Blanca tamaño A4

·         Elementos plásticos utilizados: Líneas de diferente tipo, puntos de distintos grosores, colores, textura y forma. Se utilizan todos, pero al ser un dibujo predominan las líneas y los puntos. Las líneas hacen, mayoritariamente, formas y los puntos dan textura.

Nombre y apellido (del alumnx): Ailen Viaño

Técnica plástica: Dibujo a partir de líneas y puntos

Materiales: Birome negro, marcador negro y microfibra negra

Herramienta: Regla

Soportes: Hoja canso A 4 rosa

Elemento plástico utilizados: Líneas de distintos tipos: onduladas, verticales, diagonales y horizontales, etc.
Y puntos gruesos y finos.

ARTES VISUALES EN LA EDUCACIÓN INICIAL  2

Nombre y apellido: Agostina Carrizo

Técnica plástica: Dibujo a partir de líneas y puntos

Materiales: Fibras

Herramienta: -

Soportes: Hoja blanca

Elementos plásticos utilizados: puntos (distintos grosores), líneas (curvas, rectas, onduladas, verticales y horizontales), distintos colores, luz y volumen.

Nombre y apellido (del alumnx): Valeria Silenzi.

Técnica plástica: Dibujo a partir de líneas y puntos,

Materiales: Lápices (varios colores) y Fibras (varios colores).

Herramienta: Regla.

Soportes: Hoja n° 6 blanca. 

Elementos plásticos utilizados: Puntos, líneas rectas, zig zag, onduladas, curvas, etc.

Nombre y apellido: Tamara Patlis

Técnica plástica: Dibujo, imagen abstracta a partir de líneas y puntos.

Materiales: Fibras de diferentes puntas, lápiz negro.

Herramienta: regla, goma

Soportes: papel, hija canson a4

Elementos plásticos utilizados: punto, línea, color, forma.

Nombre y apellido: Julieta Góngora

Técnica plástica: dibujo, construcción de imagen por medio de líneas y puntos.

Materiales: marcadores de diferentes grosores y colores. 

Herramientas: regla.

Soporte: hoja blanca A4.

Elementos plásticos utilizados: Puntos. Líneas : onduladas, cortadas y horizontales, etc. Texturas, luz y sombra. Profundidad

Nombre y apellido: 

Maitén Holzman

Dibujo, construcción de imagen por medio de líneas y puntos.

Marcadores de diferentes grosores y colores.

Regla.

Hoja blanca A4.

Elementos plásticos utilizados: 

Puntos.

Líneas de distintos tipos: 

Rectas (verticales, horizontales y oblicuas), curvas (onduladas y espiraladas), quebradas, homogéneas y moduladas. 

Texturas visuales.

Nombre y apellido: Camila Castelli 

Técnica plástica: dibujo, construcción de imágenes a partir de líneas y puntos   

Materiales: Lápices de colores 

Herramientas: goma, regla y compas 

Soporte: Hoja blanca A4 

Elementos plásticos utilizados: Puntos. Líneas onduladas, y diagonales . 

Nombre y apellido (del alumnx): Valentina Listorti

Técnica plástica: Dibujo a partir de líneas y puntos

Materiales: Tempera negra,

Herramienta: Esponja

Soportes: Hoja canso A 4 blanca

Elemento plástico utilizados: Sombras, puntos.

Técnica plástica: Está compuesta por línea y puntos.

Materiales: Marcadores de diferentes colores y resaltadores.

Herramienta: Compás y regla.

Soportes: Hoja en blanco para dibujar N°5

Elemento plásticos utilizados: (punto, línea, color, forma, luz y sombra-volumen, textura, espacio bidimensional, espacio tridimensional.

Lines: Continúas , discontinuas, líneas de contorno. Horizontales, verticales.

Volúmen,color, puntos.

Técnica plástica: Está compuesta por línea y puntos.

Materiales: Marcadores de diferentes colores y resaltadores.

Herramienta: Compás y regla.

Soportes: Hoja en blanco para dibujar N°5

Elemento plásticos utilizados: líneas Continúas , discontinuas, líneas de contorno. Horizontales, verticales.

Volúmen,color, puntos.

Nacida en Matsumoto (Nagano) en una familia de clase media alta de comerciantes de semillas, Kusama comenzó a crear arte desde una edad muy temprana, lo que la llevó a estudiar nihonga (pinturas de estilo japonés) en Kyoto en 1948. Frustrada con este estilo japonés, ella se interesó en el avant-garde americano y europeo, montando varias exhibiciones solistas de sus pinturas en Matsumoto y Tokio durante la década de 1950. En 1957 se mudó a los Estados Unidos, estableciéndose en la ciudad de Nueva York donde produjo una serie de pinturas influenciadas por el expresionismo abstracto. Kusama cambió a la escultura y la instalación como sus medios principales y se convirtió un elemento fijo del avant-garde de Nueva York con sus trabajos expuestos al lado de Andy Warhol, Claes Oldenburg y George Segal a principios de la década de 1960 cuándo la artista se asoció al movimiento del Arte pop. Acogiendo el ascenso de la contracultura hippie de finales de los años sesenta, Kusama llamó la atención del público cuando organizó una serie de happenings en los cuales se pintaba a participantes desnudos con lunares de colores brillantes.
Su trabajo está basado en el arte conceptual mostrando atributos del feminismo, el minimalismo, el surrealismo, el arte marginal, arte pop todo ello fusionado en una obra autobiográfica, psicológica y sexual.

La obra de Yayoi Kusama es una expresión auténtica de su condición psicológica: ella sufre de desorden y alucinaciones obsesivo-compulsivo.

 

En todo caso, se trata de una artista ajena a cualquier manipulación perversa de los símbolos. Lo que la distingue, desde esta perspectiva, es la combinación casi “inocente” de una fuerte mediación subjetiva y la apertura a la indagación, mas intuida que intelectualizada, de algunas fuentes del modernismo: Klimt, pero también Freud y Nietzsche, Vuillard, pero también Bergson.

Por lo demás, Antoniadis, da la impresión de sustraerse a oportunismos y ansiedades. A poyando una hipótesis optimista puede afirmarse que es un buen ejemplo de actitud para el presente.

Entre las características principales de sus obras se destacan la recuperación de algunos rasgos del arte de concepto, la pintura abstracta o figurativa distanciada y fría, los comentarios sobre kitsch y sobre los medios de comunicación de masas, el decorativismo, la ironía y el humor.

La decoración fue uno de los enemigos mayores del arte de vanguardia, que buscaba la funcionalidad de las ideas y el contenido. Los artistas de la primeras décadas del siglo (Mondrian, Malevich, la Bauhaus) consideraban lo decorativo como “carente de sentido” y puramente lúdico. Alguna vez se afirmó que la ornamentación era un crimen. Pero para el arte actual, lo decorativo significó una de las expresiones de la vuelta a la pintura espontánea y desideologizada, luego del imperio del arte de concepto.

El neodecorativismo es una estética que, ante todo, trabaja sobre la idea del placer de pintar y del placer del mirar. En este contexto, la obra de Antoniadis reúne esas condiciones con plenitud y originalidad.

Desde muy temprano, sus cuadros mostraron un acentuado humor y un clima de optimismo notable.
 Durante la década del ochenta, Antoniadis pintó interiores domésticos cuyos muros están decorados con papeles de motivos floreados; las telas estampadas cubren los muebles y los espacios del ambiente. En ocasiones, cuando el motivo es el atelier, recurrió al artificio de reproducir el cuadro dentro del cuadro. En todas esta obras son evidentes las citas de Bonnard, un pintor que un siglo antes había aprendido el valor de lo decorativo, de Gauguin y de los grabadores japoneses.

La pasión por la práctica de la pintura la impulsaron desde el principio. Un anhelo y una pasión defendidos con persistencia y constancia, motores de su producción hasta el presente, aun cuando su camino estuviera siempre abierto a la experimentación técnica, a la ampliación de formatos y a la revisión de fuentes aunque esto significara rescatar aspectos inexplorados de algún recurso ya transitado.

En 1984, se recibió de profesora superior de Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Durante el año 1987 fue integrante del Grupo de la X

.Desde  1990 a 2001, trabajó en la cátedra de Skific Saltzman de la carrera de Diseño de Indumentaria y Textil de la Universidad de Buenos Aires.

A su vez  Entre 1996 y 2003, fue profesora titular de la materia Pintura de tercer año en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. 

Desde su primera exposición individual, en 1987, ha realizado decenas de muestras y ha participado en ferias y bienales internacionales como la Bienal de Cuenca (Ecuador), 

 También formó parte del Workshop de la Fundación Progreso, auspiciado por la Fundación Rockefeller. 

Recibió la Beca a la Creación Artística de la Fundación Antorchas en 1989 y 1999. Ese último año también ganó la Beca del Fondo Nacional de las Artes. 

En 2016, obtuvo el Primer Premio de Dibujo en el Salón Nacional de Artes Visuales por su obra Trama humana y el Gran Premio Adquisición del Salón Nacional de Pintura por El sonido de la deriva. 

Ambos cuadros pertenecen a su última serie, Sonidos mentales (2017), y muchas de sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas, tanto en la Argentina como en el exterior.

Resultó fundamental en la batalla que a principios del siglo XX libraron los artistas modernos contra el academicismo y, sobre todo, para reconocer al cuadro como campo de fuerzas en el que líneas, formas y colores se erigen como instrumentos eficientes para interpretar el farragoso mundo de sensaciones al que la humanidad está lanzada desde siempre

La autora asumió esto sucedido y,  usando  algunas de las estrategias que su época le habilitó, se apropió alternativamente de diversas modalidades de la historia del arteempezando por la de los modernos, cuya revisión estaba a la orden del día en el momento en que la artista intentaba completar su etapa formativa –si esto fuera alguna vez posible–, e iniciaba una temprana carrera mostrando su obra en la segunda mitad de los años ochenta.

Es una artista ligada al neodecorativismo, que presentó su primera exposición individual en 1987, a los 26 años. Ese mismo año, Antoniadis integró el Grupo de la X junto con Jorge Macchi, Juan Paparella, Ernesto Ballesteros, Pablo Siquier. Estos artistas jóvenes compartían un proyecto estético enfrentado al de los neoexpresionistas. Entre las características principales de sus obras se destacan la recuperación de algunos rasgos del arte de concepto, la pintura abstracta o figurativa distanciada y fría, los comentarios sobre kitsch y sobre los medios de comunicación de masas, el decorativismo, la ironía y el humor.

El neodecorativismo es una estética que, ante todo, trabaja sobre la idea del placer de pintar y del placer de mirar. En este contexto, la obra de Antoniadis reúne esas condiciones con plenitud y originalidad. Desde muy temprano, sus cuadros mostraron un acentuado humor y optimismo notable.

Durante la década del 80, pintó interiores domésticos cuyos muros están decorados con papeles de motivos floreados; las telas estampadas cubren los muebles y los espacios del ambiente. En todas estas obras son evidentes las citas de Bonnard, un pintor que un siglo antes había aprendido el valor de lo decorativo, de Gauguin y de los grabadores japoneses.

Otros cuadros representan frisos decorativos con ánforas antiguas y fondos tomados de los mosaicos romanos. También el patchwork, una artesanía femenina, es aludido en pinturas de estructura geométrica repetitiva. La ropa y la moda son temáticas fundamentales en los trabajos de Antoniadis. Quimonos japoneses de apariencia comestibles y ropa interior que tiene, como motivo los órganos interiores de la mujer, son otras representaciones plenas de humor. Son notorias en estas pinturas las referencias sociológicas y críticas.

La pintura de Carolina Antoniadis posee un poderoso atractivo sensual, con su barroquismo y sus excesos en las formas y en los colores.

Yayoi Kusama (nacida en Matsumoto, Japón, el 22 de marzo de 1929) es una artista japonesa que sufrió alucinaciones desde los diez años, fuente de inspiración de sus creaciones. A lo largo de su carrera, trabajó con una gran variedad de medios incluyendo: pintura, collage, escultura, arte performance e instalaciones; la mayoría de los cuales exhiben su interés temático en la psicodelia, la repetición y los patrones. 

Kusama pasó su infancia en los viveros de flores de su familia, donde comenzó su fascinación por la naturaleza, la flora y el reino vegetal que atraviesan muchas de sus obras, mismo período en el que comenzó a pintar y dibujar de manera obsesiva.

Llega a Nueva York, en 1957, donde conoce a Donald Judd, Andy Warhol y Joseph Cornell, mientras realiza sus happenings en los que pinta sobre cuerpos desnudos sus característicos lunares rojos. Vive en primera persona la explosión del pop art y la desbordante creatividad de los años 60 y 70, que influyen en sus instalaciones llenas de luz, color y curvas. Es también el momento de sus famosas “esculturas blandas”, montajes realizados con telas y acolchados que desvelan un profundo temor (revelado por la artista) a la sexualidad y la penetración. De este modo, va dando forma a un arte conceptual, con atributos del feminismo, minimalismo y surrealismo, y atravesada por un fuerte contenido autobiográfico, psicológico y sexual.

Regresa a Japón en 1977 y se instala en la clínica psiquiátrica Seiwa, de Tokio, donde reside actualmente. Durante diez años, permanece alejada de la escena del arte, aunque no así de la prolífica creación. 

Estilos: arte pop, arte contemporaneo, minimalismo, arte feminista, arte ambiental

La técnica de Kusama se caracteriza por saturar grandes lienzos y diversos espacios físicos con círculos multicolores, puntos y lunares repetitivos que invaden y diluyen todos los elementos alrededor. Algo que caracteriza a sus obras es su intensidad. La artista otorga una vida casi sufriente a todas sus creaciones. 

La niña Yayoi Kusama vive aún en sus Infinite Rooms, en los lunares que siempre vuelven, en las flores que brotan a medio camino entre el paraíso y el infierno. En 1957, con  28 años se muda a Nueva York para buscar nuevas vías de expresión con las que dar salida a la vorágine artística que anidaba en su mente y en su espíritu. El bullicioso mundo artístico norteamericano y su predominancia masculina no impidieron que la artista llegara a convertirse en una de las creadoras más efervescentes, innovadoras y activas de su época (y de las que vendrían después). En forma de instalaciones o happenings; desde lienzos oversize a performances, la obra despliega desde entonces hasta hoy una variedad y una inquietud que no conocen barreras.

En Nueva York, la artista entra en contacto con figuras de la talla de Andy Warhol y Donald Judd. Vive en primera persona la explosión del pop art y la desbordante creatividad de los años 60 y 70, que influyen poderosamente en sus instalaciones llenas de luz, color y curvas.

Del 30 de junio de 2013 al 16 de septiembre de 2013, varias piezas fueron expuestas en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, en Argentina.
Carolina Antoniadis
Nació en Rosario, provincia de Santa Fe, en 1961. Reside y trabaja en Buenos Aires. expuso individualmente por primera vez en 1987,durante este año fue integrante del Grupo de la X. La infancia de Carolina transcurrió entre los cuadros de su abuelo Demetrio, pintor y paisajista griego radicado en Rosario, y las horas de dibujo junto con su mamá y su hermano. A los 18 años, se anotó en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, y, en 1984, egresó como Profesora Superior de Pintura. Y, al igual que su abuelo, ejerció la docencia en distintas instituciones públicas y privadas. Su inclinación hacia las experiencias de pequeña escala, del rincón del cuarto, las paredes, los muebles, los lugares comunes. Su obra está basada en el Neo Decorativismo, donde se destacan rasgos del arte de concepto, la pintura abstracta o figurativa y fría, los comentarios sobre los medios de comunicación de masas , el decorativismo, la ironía y el humor.

En otros cuadros se pueden ver representados los frisos decorativos con ánforas antiguas. También se puede ver el patchwork, se lo puede ver en pinturas de estructura geométrica repetitiva.

Nombre y apellido: Valentina Reigosa

Técnica plástica: Dibujo libre con el uso de lineas y puntos.

Materiales: Acuarelas, marcador negro y fibra color negro.

Herramienta: Pinceles

Soportes: Hoja apta para pintar con acuarelas

Elemento plástico utilizados: Lineas rectas en distintas direcciones y lineas curvas que forman el contorno de la figura y puntos. 

La niña Yayoi Kusama vive aún en sus Infinite Rooms, en los lunares que siempre vuelven, en las flores que brotan a medio camino entre el paraíso y el infierno. El mundo artístico de una de las creadoras contemporáneas más fascinantes tiene su origen en las pesadillas que nunca la abandonaron. Pero al crecer, despliega la belleza más especial ante los asombrados ojos del espectador.
“Mi arte es una expresión de mi vida, en particular de mi enfermedad mental”. Yayoi Kusama.

Yayoi Kusama nació en Matsumoto (Japón) en 1929. Su infancia, adolescencia y juventud transcurrieron en una sociedad misógina, en la que la mujer tenía poco o nada que decir. Y mucho menos en el complicado campo del arte. En 1957, con  28 años se muda a Nueva York para buscar nuevas vías de expresión con las que dar salida a la vorágine artística que anidaba en su mente y en su espíritu. El bullicioso mundo artístico norteamericano y su predominancia masculina no impidieron que la artista llegara a convertirse en una de las creadoras más efervescentes, innovadoras y activas de su época (y de las que vendrían después). En forma de instalaciones o happenings; desde lienzos oversize a performances, la obra de Yayoi Kusama despliega desde entonces hasta hoy una variedad y una inquietud que no conocen barreras.
Convertida ya en artista mundialmente reconocida y tras ver su obra recreada y expuesta en los mejores museos de todo el mundo, hoy Yayoi Kusama reside en un hospital psiquiátrico por voluntad propia. De él sale para trabajar en su estudio y continuar comunicándose con sus antiguas pesadillas,  origen primigenio de su inquieta (y siempre dinámica) obra. Como culmen de su trayectoria, en septiembre de 2017 abrió sus puertas el Museo Kusama de Tokio, un edificio de cinco plantas dedicado íntegramente a la obra de la fascinante creadora.

 

Intentó suicidarse, quizás por la muerte de su compañero Joseph Cornell, o por su eterna enfermedad psíquica. Lo cierto es que regresó a Japón  y decidió internarse voluntariamente en el psiquiátrico Seiwa, en Tokio, donde vive actualmente.En septiembre de 2017 abrió sus puertas el Museo Kusama de Tokio, un edificio de cinco plantas dedicado íntegramente a la obra de la fascinante creadora.

Kusama es una precursora de los movimientos del arte pop, el minimalismo y el arte feminista e influenció a sus contemporáneos.

Se permite vincular la obra de Yayoi Kusama  con el pop  art:la improntapersonal  de  la  artista japonesa es  el  uso  de  los  lunares  a  color  y multiplicados,con lo que podemos llegar a “analizarlo” en un doble discurso; para Kusama, como lo ha dicho en una entrevista, el uso de los lunares es larepresentación del cosmos y el infinito(Imágenes 2y 3). Desde un discurso más académico, se puedeentender que cada objeto combinalas cualidades de ser hecho en serie (Lucie-Smith, 1981). Es decir el uso, y repetición,  de  los  lunares  confiere  esa  sensación  de  infinitud  que  pretende  transmitir  la artista como a su vez, representa la repetición en serie de un elemento que nos es cotidiano.

Por otra parte, otro movimiento con el que se puede vincular la influencia en las obras de Kusama  es  el  arte  conceptual, unavanguardia modernaque propone que  cada  artista es libre de hacer lo que consideraque debe ser arte.

Por  último,  para  concluir  con  una  primera  parte  de  la  vinculación  entre  lo  que  es el  estilo característico de  la  artista  japonesa  y  los  distintos  movimientos  con  los  cuales  se  puede mostrar una relación, es pertinente la mención de una nueva vanguardia que posibilita una correspondencia con lo antes mencionado: es el caso del minimalismo.Tomando  diferentes  conceptos  propuestos  por  Gablik  (1981)  para  la  construcción  de  la definición de dicho movimiento y,a la par de la búsqueda de una correlación de éstos con la impronta de  Kusama  que  es  el  uso infinito de  puntos, se  puede mencionar lo  siguiente: “Todas las esculturas se componen de un sencillo ordenamiento de unidades idénticas (...) dispuestas  de  un  modo  repetitivo,  como  una  cadena  sin  fin.”Si  bien  esta idea  explica  la relación  entre  el  movimiento  Minimalista  y  la  escultura,permite  seguir  entendiendo  el símbolo característico de Yayoi Kusama con lo antes mencionado.(Imagen 3 y 6)Esta  idea  explica  que  la composición  característica  de  las  obras  de  esta  artista  depende  de los  factores  más  predecibles como  lo son  la  repetición  y  la  continuidad  (Gablik,  1981)  y, bajo este mismo lineamiento explicado por Steinberg (1972) quienpropone que el aspecto de este nuevo género de arte se fundamenta en el uso de un mínimo de decisiones, carga a la obra de expresión y comunicación.

Nacida en Matsumoto (Nagano) en una familia de clase media alta de comerciantes de semillas,2​ Kusama comenzó a crear arte desde una edad muy temprana, lo que la llevó a estudiar Nihonga (pinturas de estilo japonés) en Kyoto en 1948. Frustrada con este estilo japonés, ella se interesó en el avant-garde americano y europeo, montando varias exhibiciones solistas de sus pinturas en Matsumoto y Tokio durante la década de 1950. En 1957 se mudó a los Estados Unidos, estableciéndose en la ciudad de Nueva York donde produjo una serie de pinturas influenciadas por el expresionismo abstracto. Kusama cambió a la escultura y la instalación como sus medios principales y se convirtió un elemento fijo del avant-garde de Nueva York con sus trabajos expuestos al lado de Andy Warhol, Claes Oldenburg y George Segal a principios de la década de 1960 cuándo la artista se asoció al movimiento del Arte pop. Acogiendo el ascenso de la contracultura hippie de finales de los años sesenta, Kusama llamó la atención del público cuando organizó una serie de happenings en los cuales se pintaba a participantes desnudos con lunares de colores brillantes.

En 1973, Kusama se mudó de vuelta a Japón, donde ella encontró una escena del arte mucho más conservadora que la de Nueva York. Ella se convirtió en marchante de arte pero su negocio fracasó años después; más adelante padeció de problemas psiquiátricos y en 1977 se internó voluntariamente en un hospital, donde ella ha vivido el resto de su vida.

Desde entonces, ella continúa produciendo obras de arte en diferentes medios y lanzó su carrera literaria con la publicación de varias novelas, poesía y una autobiografía.

El trabajo de Kusama está basado en el arte conceptual y muestra algunos atributos del feminismo, minimalismo, surrealismo, arte marginal, arte pop, y expresionismo abstracto, además de estar fusionado con contenido autobiográfico, psicológico y sexual. Kusama también es una novelista y poeta publicada, y ha creado trabajos notables en filmes y diseño de moda. Retrospectivas de gran tamaño e importancia han sido expuestas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Whitney de Arte Estadounidense, y el Tate Modern, mientras que en 2008 Christie's en Nueva York vendió una de sus obras en $5.1 millones de dólares, un récord para un artista mujer con vida

En 1958 Kusama se mudó a Nueva York y comenzó a tejer una red de contactos con diversos artistas experimentales surgidos en la escena de la post guerra. Sus primeras exposiciones en Norteamérica se basaron en las “Net paintings”, obras que llegaron a superar los 10 metros de diámetro. En ellas se ve un juego de formas y texturas que en conjunto forman estimulantes ritmos visuales.

Fue así como Yayoi Kusama dio forma a un lenguaje expresivo que ponía el concepto del infinito como su temática central. Esta idea era cuantificada y deconstruida en diversas estructuras surgidas de la mano de esta artista nipona, en un distanciamiento del minimalismo abstracto que imperaba en esos momentos en Estados Unidos. El tratamiento de la sexualidad fue representado en esculturas fálicas que más tarde se transformaron en la base de sus instalaciones ambientales y sensoriales.

Durante los 60 Kusama fue protagonista de provocadores happenings y performances en lugares emblemáticos de Nueva York, tales como el Central Park o el MoMA. Diez años más tarde volvió a su país natal, donde se dedicó a escribir prosa y poesía que trataba con crudeza y surrealismo las temáticas de su obra visual. Fue en esta época donde comenzó a utilizar espejos en sus instalaciones, una de las características más emblemáticas de su lenguaje expresivo. Su fama había alcanzado una penetración internacional.

En la actualidad, Yayoi Kusama, expone activamente alrededor del mundo. Su obra ha sido exhibida en museos como el MoMA, la Bienal de Venecia, El Museo de Lille, y los principales recintos culturales de Japón.

A lo largo de su carrera, ha trabajado con una gran variedad de medios incluyendo: pintura, collage, escultura, arte performance e instalaciones; la mayoría de los cuales exhiben su interés temático en la psicodelia, la repetición y los patrones.

En cuanto a la vida y obra de Carolina Antoniadis encontre lo siguente:
Carolina Antoniadis nació en Rosario, provincia de Santa Fe, en 1961. Reside y trabaja en Buenos Aires. Su amor y pasión por el arte son herencia de su abuelo, Demetrio Antoniadis, pintor y paisajista que se radicó en Rosario al emigrar de Grecia que pronto integró el grupo de impresionistas del Litoral. En 1984, se recibió de profesora superior de Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Durante el año 1987 fue integrante del Grupo de la X. De 1990 a 2001, trabajó en la cátedra de Skific Saltzman de la carrera de Diseño de Indumentaria y Textil de la Universidad de Buenos Aires. Entre 1996 y 2003, fue profesora titular de la materia Pintura de tercer año en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Desde su primera exposición individual, en 1987, ha realizado decenas de muestras y ha participado en ferias y bienales internacionales como la Bienal de Cuenca (Ecuador), en 1998, y la Bienal de Panamá, en 2013. También formó parte del Workshop de la Fundación Progreso, auspiciado por la Fundación Rockefeller. Recibió la Beca a la Creación Artística de la Fundación Antorchas en 1989 y 1999. Ese último año también ganó la Beca del Fondo Nacional de las Artes. En 2016, obtuvo el Primer Premio de Dibujo en el Salón Nacional de Artes Visuales por su obra Trama humana y el Gran Premio Adquisición del Salón Nacional de Pintura por El sonido de la deriva. Ambos cuadros pertenecen a su última serie, Sonidos mentales (2017), y muchas de sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas, tanto en la Argentina como en el exterior.

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2018
Premio de pintura “María Calderón de la Barca” (Argentina)

2016
Gran Premio Adquisición de Pintura, Salón Nacional de Artes Visuales, Palais de Glace, Buenos Aires (Argentina)
Primer Premio de Dibujo, Salón Nacional de Artes Visuales, Palais de Glace, Buenos Aires (Argentina)

2015
Primer Premio de Pintura, Banco Provincia (Argentina)

2011
Segundo Premio de Pintura, Banco Central (Argentina)

2003
Mención, Concurso Iberoamericano de Pintura (Argentina)
Fundación Aerolíneas Argentinas, Museo Nacional de Bellas Artes (Argentina)

1999
Gran Premio de Honor, Fundación Avon (Argentina)
Beca del Fondo Nacional de las Artes (Argentina)
Beca a la Creación Artística de la Fundación Antorchas (Argentina)

1998
Tercer Premio, Fundación Avon (Argentina)
Premio Leonardo al Artista del Año, Museo Nacional de Bellas Artes (Argentina)

1997
Mención de Honor, Premio Fundación Fortabat, Museo Nacional de Bellas Artes(Argentina)
Primer Premio, Fundación Federico Jorge Klemm (Argentina)

1996
Premio Salón de Pintura de la Asociación de Críticos de Arte (Argentina)

1995
Mención de Honor, Premio Fundación Fortabat, Centro Cultural de la Ciudad de Buenos Aires (Argentina)
Premio Adquisición a la Pintura Joven, Fundación Telefónica de Argentina (Argentina)

1994
Mención, Premio Intersoft a la Pintura Contemporánea (Argentina)
Museo Sívori, Centro Cultural Recoleta (Argentina)

1991
Premio Medalla de Plata Gunther, CAYC (Centro de Arte y Comunicación) (Argentina)

1989
Premio Medalla de Plata Gunther CAYC (Centro de Arte y Comunicación) (Argentina)
Beca de la Fundación Antorchas a la Creación Artística (Argentina)

1987
Segundo Premio Saint Valery, Museo de Arte Decorativo (Argentina)

1986
Medalla de Plata, Salón Nacional de Artes Plásticas (Argentina)

2018
El beso dorado del bosque, Galería Calvaresi, Buenos Aires (Argentina)

2017
Sonidos mentales, Galería Diego Obligado, Rosario, Santa Fe (Argentina)
Vértigo de la contemplación, Galería Matilde Bensignor, Buenos Aires (Argentina)

2015
Antoniadis, Hotel Brick, Buenos Aires (Argentina)
Ocaso (instalación vidriera), Fundación OSDE, Buenos Aires (Argentina)

2013
Incesantes avalorios, Galería de Arte Consult, Panamá (Panamá)
Contrastes. Matilde Marín–Carolina Antoniadis, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)

2012
Carolina Antoniadis, Galería Diego Obligado, Rosario, Santa Fe (Argentina)
Botanical suites, Galería Expressiones, New London, Connecticut (Estados Unidos)

2011
Jugendstil, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)
Muy Antoniadis (muestra antológica), Centro Cultural San José, Olavarría, Buenos Aires (Argentina)
Bio-Redes, Galería Arteconsul-Yaco García, Panamá (Panamá)

2008
Bio-Enlaces, Galería Arteconsul-Yaco García, Panamá (Panamá)

2006
Domus-referencial, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (Argentina)
Pluscuamperfecto, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)

2003
El delito de la belleza (selección antológica; 1986-2003), organizada bajo el auspicio de
la Agencia Española de Cooperación Iberoamericana (AECI), Centro Cultural Parque de España de Rosario, Rosario, Santa Fe (Argentina)

2002
Barrocas anomalías, Galería de Arte Patricia Ready, Santiago de Chile (Chile)
Perla irregular, Fundación Federico Jorge Klemm, Buenos Aires (Argentina)

1999
Carolina Antoniadis, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires (Argentina)

1998
Fundación Federico Jorge Klemm, Buenos Aires (Argentina)

1996
Carolina Antoniadis, exposición organizada con el auspicio del Museo Nacional de Bellas
Artes, Centro Cultural Borges, Buenos Aires (Argentina)

1993
Carolina Antoniadis, Fundación Banco Patricios, Buenos Aires (Argentina)

1991
Versiones inversas, Espacio CAYC (Centro de Arte y Comunicación), Harrods en el Arte, Buenos Aires (Argentina)

1990
Galería Ática, Buenos Aires (Argentina)

1987
Galería Altos de Sarmiento, Buenos Aires (Argentina)

2018 
ArteBA, Galería Diego Obligado (Argentina)
Arte argentino. Cien años en la colección Castagnino – Macro, Rosario (Argentina)

2017
Ensayo general #14, Buenos Aires (Argentina)
Ensayo general + Projeto garamem (Argentina)

2016
Salón Nacional de Pintura, Palais de Glace, Buenos Aires (Argentina)
Mitominas, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (Argentina)
Bosquejar, esbozar, proyectar, Galería Quimera del Arte, Buenos Aires (Argentina)
Diagonal Sur-arte argentino hoy, Centro Cultural Borges, Buenos Aires (Argentina)

2015
Amor, Casa del Bicentenario, Buenos Aires (Argentina)
Salón Nacional, Buenos Aires (Argentina)
Premio Banco Nación, Buenos Aires (Argentina)
Premio Banco Central, Buenos Aires (Argentina)
Premio Banco Provincia, Buenos Aires (Argentina)

2014
Salón Nacional, Buenos Aires (Argentina)

2013
Incesantes avalorios, Galería de Arte Consult, Panamá (Panamá)

2012
Galería Diego Obligado, Rosario, Santa Fe (Argentina)
Botanical suites, Galería Expresiones, New London, Connecticut ( Estados Unidos)
Residencia para artistas, I Park, Connecticut ( Estados Unidos)
Artistas argentinos, Museo de Mérida, Yucatán (México)
Premio Trabucco, Academia Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires (Argentina)

2011
Bio-Redes, Galería Arteconsul-Yaco García, Panamá (Panamá)

2010
Arte + Historia, Palais de Glace, Buenos Aires (Argentina)
El tempo, Galería Holz, Buenos Aires (Argentina)
Parpadeos, Galería Lordi, Buenos Aires (Argentina)
Eureka, Galería Álvaro Castagnino, Buenos Aires (Argentina)

1988
Salón Nacional de Bellas Artes, Salas Nacionales de Exposición, Buenos Aires (Argentina)
Premio Shaw, Academia Nacional de Bellas Artes, Centro Cultural Ciudad de Buenos Aires (Argentina)
Las voces emergentes, Jornadas de la crítica, Buenos Aires (Argentina)
Premio Movado a la Joven Generación, Spinetto Shopping, Buenos Aires (Argentina)

1987
Grupo de la X, Museo Castagnino + Macro, Rosario, Santa Fe (Argentina)
Museo Sívori, Buenos Aires (Argentina)
Las voces emergentes, Jornadas de la Crítica, Centro Cultural Ciudad de Buenos Aires (Argentina)
Premio Saint Valery, Museo de Arte Decorativo, Buenos Aires (Argentina)
Nueve pintores de la joven generación, Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires (Argentina)
Salón de la Sociedad Hebraica Argentina, Buenos Aires (Argentina)

1986
Premio Braque, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires (Argentina)
Bienal Fortabat, Salón Nacional de Artes Plásticas, Buenos Aires (Argentina)
Salón Félix de Amador, Municipalidad de Vicente López, Buenos Aires (Argentina)

1985
Salón Félix de Amador, Municipalidad de Vicente López, Buenos Aires (Argentina)
Salón Federico Lanús, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires (Argentina)

2018
ArteBA, Galería Diego Obligado, Buenos Aires (Argentina)

2017
Feria Pinta, Galería Diego Obligado, Miami (Estados Unidos)
ArteBA, Galería Diego Obligado, Buenos Aires (Argentina)

2014
ArteBA, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)

2013
Bienal del Sur, Panamá (Panamá)
ArteBA, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)

2012
ArtRio, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)
ArtBo, Galería Del Infinito, Bogotá (Colombia)
ArteBA, Galería Del Infinito Arte, Buenos Aires (Argentina)

2011
Buenos Aires Photo, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)
ArtBo, Galería Del Infinito, Bogotá (Colombia)

2005
Feria Arco, Galería Del Infinito, Madrid (España)
ArteBA, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)
ArteBA, Centro Cultural Parque España, Buenos Aires (Argentina)

2004
ArteBA, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)
Dot Fifty One Art Space, Art Basel, Miami (Estados Unidos)

2001
Art Miami (Estados Unidos)

1998
Bienal de Cuenca, (Ecuador)

2016
Salón Regional NOA de Artes Visuales, provincia de La Rioja (Argentina)

2012
Premio Salón Nacional Banco Nación, Buenos Aires (Argentina)

2011
Premio Fernet Branca a la Creación, Buenos Aires (Argentina)

2010
Salón Nacional de Pintura, Buenos Aires (Argentina)
Premio Itaú, Fundación Itaú Cultural, Buenos Aires (Argentina)
Premio Nacional de Pintura, Río Negro (Argentina)
Premio Regional de Pintura, Escultura y Fotografía, Salón de Artes Visuales de Misiones, Misiones (Argentina)

2009
Proyecto A–Galería de Arte Contemporáneo, Buenos Aires (Argentina)

2008
Salón Nacional de Pintura, Buenos Aires (Argentina)

2007
Salón Nacional de Pintura, Buenos Aires (Argentina)

Fundación Aerolíneas Argentinas, Fundación Amalia Lacroze de Fortabat, Fundación Avon, Fundación Banco Central, Fundación Banco Hipotecario, Fundación Banco Patricios, Fundación Banco Provincia, Fundación Federico Jorge Klemm, Fundación Telefónica, Museo de Arte Moderno, Museo Castagnino + Macro, Pinacoteca Banco Nación, Sindicato SUTERH, Museo Bellas Artes  De Tandil.

En 1973, Kusama se mudó de vuelta a Japón, donde ella encontró una escena del arte mucho más conservadora que la de Nueva York. Ella se convirtió en marchante de arte pero su negocio fracasó años después; más adelante padeció de problemas psiquiátricos y en 1977 se internó voluntariamente en un hospital, donde ella ha vivido el resto de su vida. Desde entonces, ella continúa produciendo obras de arte en diferentes medios y lanzó su carrera literaria con la publicación de varias novelas, poesía y una autobiografía.

El trabajo de Kusama está basado en el arte conceptual y muestra algunos atributos del feminismo, minimalismo, surrealismo, arte marginal, arte pop, y expresionismo abstracto, además de estar fusionado con contenido autobiográfico, psicológico y sexual.

 

Técnica plástica: Dibujo a partir de líneas y puntos 

Materiales: Lapiz con punto, bandeja de tergopol, hoja blanca, rodillo y pintura negra.

Soportes: Hoja blanca

Elemento plástico utilizados: 
-Líneas:De distintas formas: onduladas, verticales, diagonales y horizontales. Espacio entre las mismas. Grosores: finos y anchos.
 -Puntos: gruesos y finos. Espacios: separados y cerca.

En 1973 Kusama volvió a Japón y en 1977 se instaló voluntariamente en una clínica psiquiátrica en la que reside desde entonces. A la marcada peculiaridad psicológica de su obra, se suma un amplio espectro de innovaciones formales y reinvenciones que le permiten a la artista compartir con un público amplio su singular visión, a través de los infinitos espacios espejados y las superficies obsesivamente cubiertas de puntos que le han dado fama internacional. En obras más recientes, Kusama ha recuperado el contacto con sus instintos más radicales en instalaciones envolventes y piezas que invitan a la colaboración, obras que la han convertido en la artista viva más célebre de Japón.

Entre las características principales de sus obras se destacan la recuperación de algunos rasgos del arte de concepto, la pintura abstracta o figurativa distanciada y fría, los comentarios sobre kitsch y sobre los medios de comunicación de masas, el decorativismo, la ironía y el humor.

La decoración fue uno de los enemigos mayores del arte de vanguardia, que buscaba la funcionalidad de las ideas y el contenido. Los artistas de la primeras décadas del siglo (Mondrian, Malevich, la Bauhaus) consideraban lo decorativo como “carente de sentido” y puramente lúdico. Alguna vez se afirmó que la ornamentación era un crimen. Pero para el arte actual, lo decorativo significó una de las expresiones de la vuelta a la pintura espontánea y desideologizada, luego del imperio del arte de concepto.

El neodecorativismo es una estética que, ante todo, trabaja sobre la idea del placer de pintar y del placer del mirar. En este contexto, la obra de Antoniadis reúne esas condiciones con plenitud y originalidad.

Desde muy temprano, sus cuadros mostraron un acentuado humor y un clima de optimismo notable.
Durante la década del ochenta, Antoniadis pintó interiores domésticos cuyos muros están decorados con papeles de motivos floreados; las telas estampadas cubren los muebles y los espacios del ambiente. En ocasiones, cuando el motivo es el atelier, recurrió al artificio de reproducir el cuadro dentro del cuadro. En todas esta obras son evidentes las citas de Bonnard, un pintor que un siglo antes había aprendido el valor de lo decorativo, de Gauguin y de los grabadores japoneses.

En la exposición del MNBA se presentan diversas series temáticas pintadas a lo largo de varios años. Una de ellas tiene como motivo las tortas de bodas de varios pisos, con ornamentación cursi.
Otros cuadros representan frisos decorativos con ánforas antiguas y fondos tomados de los mosaicos romanos. También el patchwork, una artesanía femenina, es aludido en pinturas de estructura geométrica repetitiva. La ropa y la moda son temáticas fundamentales en los trabajos de Antoniadis. Un blanco vestido de novia con puntillas aparece en un cuadro titulado La novia de azúcar, la irónica referencia a la torta de bodas es evidente. Quimonos japoneses de apariencia comestibles y ropa interior que tiene, como motivo ornamental los órganos interiores de la mujer, son otras representaciones plenas de humor. Son notorias en estas pinturas las referencias sociológicas y críticas.
La pintura de Carolina Antoniadis posee un poderoso atractivo sensual, con su barroquismo y sus excesos en las formas y en los colores.

Es evidente que las obras expuestas horrorizarían a los funcionalistas, que sostenían la necesidad de desterrar todo lo superfluo.

 

Yayoi Kusama nació en Matsumoto (Japón) en 1929. Su infancia, adolescencia y juventud transcurrieron en una sociedad misógina, en la que la mujer tenía poco o nada que decir. Y mucho menos en el complicado campo del arte. En 1957, con  28 años se muda a Nueva York para buscar nuevas vías de expresión con las que dar salida a la vorágine artística que anidaba en su mente y en su espíritu. El bullicioso mundo artístico norteamericano y su predominancia masculina no impidieron que la artista llegara a convertirse en una de las creadoras más efervescentes, innovadoras y activas de su época (y de las que vendrían después). En forma de instalaciones o happenings; desde lienzos oversize a performances, la obra de Yayoi Kusama despliega desde entonces hasta hoy una variedad y una inquietud que no conocen barreras.

Cuyas obras vibran de colores y alucinaciones. Su trabajo está basado en el arte conceptual mostrando atributos del feminismo, el minimalismo, el surrealismo, el arte marginal, arte pop todo ello fusionado en una obra autobiográfica, psicológica y sexual.

Carolina Antoniadis: nació en Rosario, Santa Fe, en 1961. Su pasión por el arte es herencia de su abuelo, Demetrio Antoniadis, pintor y paisajista. En 1984, se recibió de profesora superior de Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Desde su primera exposición individual, en 1987, ha hecho diversas muestras y participó en bienales internacionales como la Bienal de Cuenca (Ecuador), en 1998, y la Bienal de Panamá, en 2013. En 1989 y 1999 recibió la Beca a la Creación Artística de la Fundación Antorchas. Ese último año también ganó la Beca del Fondo Nacional de las Artes. En 2016, obtuvo el Primer Premio de Dibujo en el Salón Nacional de Artes Visuales por su obra Trama humana y el Gran Premio Adquisición del Salón Nacional de Pintura por El sonido de la deriva. Las figuras en Antoniadis no tienen rostros definidos, parecen maniquíes, fondo decorativo que remite al «japonisme», juguetes perfectamente ordenados en las repisas, fondo floral como en la primera época del Art Nouveau y también abstracciones geométricas. Aunque está muy relacionada con el arte decorativo, siempre le ha dado una vuelta de tuerca muy personal, ya sea en el diseño textil o en la cerámica.

Los reportes diarios de fallecimientos y contagios reemplazaron a los reportes del clima y pintar  por momentos careció de sentido. Proyectar el futuro de una muestra  parece utópico por momentos, sin embargo encerrarse en la cotidianidad del taller es devolverle el sentido al arte, aunque  por momentos sea muy frustrante suspender o postergar proyectos, el hecho del tiempo suspendido  y de la introspección, facilita tomar distancia y detenerse a pensar. 

La irrupción de este virus visibiliza, temas en el mundo que no estaban funcionando, generó un paréntesis que nos obliga a reflexionar sobre el sentido de las desigualdades, el medio ambiente, y las prioridades en esta carrera acelerada en la que estábamos inmersos. Es un paréntesis para acomodar los afectos, los deseos, los valores, etc... resulta  angustiante la incertidumbre como siempre  y es una gran incógnita cómo el arte mutará después de todo esto pero algunas cosas, terminarán acomodándose.

Creo que es muy cercano para tener una respuesta de cómo este acontecimiento modificará nuestras producciones, y creo que el tiempo ayudará a decantar todas estas cuestiones y seguir produciendo."

2018
Premio de pintura “María Calderón de la Barca” (Argentina)

2016
Gran Premio Adquisición de Pintura, Salón Nacional de Artes Visuales, Palais de Glace, Buenos Aires (Argentina)
Primer Premio de Dibujo, Salón Nacional de Artes Visuales, Palais de Glace, Buenos Aires (Argentina)

2015
Primer Premio de Pintura, Banco Provincia (Argentina)

2011
Segundo Premio de Pintura, Banco Central (Argentina)

2003
Mención, Concurso Iberoamericano de Pintura (Argentina)
Fundación Aerolíneas Argentinas, Museo Nacional de Bellas Artes (Argentina)

1999
Gran Premio de Honor, Fundación Avon (Argentina)
Beca del Fondo Nacional de las Artes (Argentina)
Beca a la Creación Artística de la Fundación Antorchas (Argentina)

1998
Tercer Premio, Fundación Avon (Argentina)
Premio Leonardo al Artista del Año, Museo Nacional de Bellas Artes (Argentina)

1997
Mención de Honor, Premio Fundación Fortabat, Museo Nacional de Bellas Artes(Argentina)
Primer Premio, Fundación Federico Jorge Klemm (Argentina)

1996
Premio Salón de Pintura de la Asociación de Críticos de Arte (Argentina)

1995
Mención de Honor, Premio Fundación Fortabat, Centro Cultural de la Ciudad de Buenos Aires (Argentina)
Premio Adquisición a la Pintura Joven, Fundación Telefónica de Argentina (Argentina)

1994
Mención, Premio Intersoft a la Pintura Contemporánea (Argentina)
Museo Sívori, Centro Cultural Recoleta (Argentina)

1991
Premio Medalla de Plata Gunther, CAYC (Centro de Arte y Comunicación) (Argentina)

1989
Premio Medalla de Plata Gunther CAYC (Centro de Arte y Comunicación) (Argentina)
Beca de la Fundación Antorchas a la Creación Artística (Argentina)

1987
Segundo Premio Saint Valery, Museo de Arte Decorativo (Argentina)

1986
Medalla de Plata, Salón Nacional de Artes Plásticas (Argentina)

2018
El beso dorado del bosque, Galería Calvaresi, Buenos Aires (Argentina)

2017
Sonidos mentales, Galería Diego Obligado, Rosario, Santa Fe (Argentina)
Vértigo de la contemplación, Galería Matilde Bensignor, Buenos Aires (Argentina)

2015
Antoniadis, Hotel Brick, Buenos Aires (Argentina)
Ocaso (instalación vidriera), Fundación OSDE, Buenos Aires (Argentina)

2013
Incesantes avalorios, Galería de Arte Consult, Panamá (Panamá)
Contrastes. Matilde Marín–Carolina Antoniadis, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)

2012
Carolina Antoniadis, Galería Diego Obligado, Rosario, Santa Fe (Argentina)
Botanical suites, Galería Expressiones, New London, Connecticut (Estados Unidos)

2011
Jugendstil, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)
Muy Antoniadis (muestra antológica), Centro Cultural San José, Olavarría, Buenos Aires (Argentina)
Bio-Redes, Galería Arteconsul-Yaco García, Panamá (Panamá)

2008
Bio-Enlaces, Galería Arteconsul-Yaco García, Panamá (Panamá)

2006
Domus-referencial, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (Argentina)
Pluscuamperfecto, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)

2003
El delito de la belleza (selección antológica; 1986-2003), organizada bajo el auspicio de
la Agencia Española de Cooperación Iberoamericana (AECI), Centro Cultural Parque de España de Rosario, Rosario, Santa Fe (Argentina)

2002
Barrocas anomalías, Galería de Arte Patricia Ready, Santiago de Chile (Chile)
Perla irregular, Fundación Federico Jorge Klemm, Buenos Aires (Argentina)

1999
Carolina Antoniadis, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires (Argentina)

1998
Fundación Federico Jorge Klemm, Buenos Aires (Argentina)

1996
Carolina Antoniadis, exposición organizada con el auspicio del Museo Nacional de Bellas
Artes, Centro Cultural Borges, Buenos Aires (Argentina)

1993
Carolina Antoniadis, Fundación Banco Patricios, Buenos Aires (Argentina)

1991
Versiones inversas, Espacio CAYC (Centro de Arte y Comunicación), Harrods en el Arte, Buenos Aires (Argentina)

1990
Galería Ática, Buenos Aires (Argentina)

1987
Galería Altos de Sarmiento, Buenos Aires (Argentina)

Exposiciones Colectivas (Selección)

2018 
ArteBA, Galería Diego Obligado (Argentina)
Arte argentino. Cien años en la colección Castagnino – Macro, Rosario (Argentina)

2017
Ensayo general #14, Buenos Aires (Argentina)
Ensayo general + Projeto garamem (Argentina)

2016
Salón Nacional de Pintura, Palais de Glace, Buenos Aires (Argentina)
Mitominas, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (Argentina)
Bosquejar, esbozar, proyectar, Galería Quimera del Arte, Buenos Aires (Argentina)
Diagonal Sur-arte argentino hoy, Centro Cultural Borges, Buenos Aires (Argentina)

2015
Amor, Casa del Bicentenario, Buenos Aires (Argentina)
Salón Nacional, Buenos Aires (Argentina)
Premio Banco Nación, Buenos Aires (Argentina)
Premio Banco Central, Buenos Aires (Argentina)
Premio Banco Provincia, Buenos Aires (Argentina)

2014
Salón Nacional, Buenos Aires (Argentina)

2013
Incesantes avalorios, Galería de Arte Consult, Panamá (Panamá)

2012
Galería Diego Obligado, Rosario, Santa Fe (Argentina)
Botanical suites, Galería Expresiones, New London, Connecticut ( Estados Unidos)
Residencia para artistas, I Park, Connecticut ( Estados Unidos)
Artistas argentinos, Museo de Mérida, Yucatán (México)
Premio Trabucco, Academia Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires (Argentina)

2011
Bio-Redes, Galería Arteconsul-Yaco García, Panamá (Panamá)

2010
Arte + Historia, Palais de Glace, Buenos Aires (Argentina)
El tempo, Galería Holz, Buenos Aires (Argentina)
Parpadeos, Galería Lordi, Buenos Aires (Argentina)
Eureka, Galería Álvaro Castagnino, Buenos Aires (Argentina)

1988
Salón Nacional de Bellas Artes, Salas Nacionales de Exposición, Buenos Aires (Argentina)
Premio Shaw, Academia Nacional de Bellas Artes, Centro Cultural Ciudad de Buenos Aires (Argentina)
Las voces emergentes, Jornadas de la crítica, Buenos Aires (Argentina)
Premio Movado a la Joven Generación, Spinetto Shopping, Buenos Aires (Argentina)

1987
Grupo de la X, Museo Castagnino + Macro, Rosario, Santa Fe (Argentina)
Museo Sívori, Buenos Aires (Argentina)
Las voces emergentes, Jornadas de la Crítica, Centro Cultural Ciudad de Buenos Aires (Argentina)
Premio Saint Valery, Museo de Arte Decorativo, Buenos Aires (Argentina)
Nueve pintores de la joven generación, Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires (Argentina)
Salón de la Sociedad Hebraica Argentina, Buenos Aires (Argentina)

1986
Premio Braque, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires (Argentina)
Bienal Fortabat, Salón Nacional de Artes Plásticas, Buenos Aires (Argentina)
Salón Félix de Amador, Municipalidad de Vicente López, Buenos Aires (Argentina)

1985
Salón Félix de Amador, Municipalidad de Vicente López, Buenos Aires (Argentina)
Salón Federico Lanús, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires (Argentina)

2018
ArteBA, Galería Diego Obligado, Buenos Aires (Argentina)

2017
Feria Pinta, Galería Diego Obligado, Miami (Estados Unidos)
ArteBA, Galería Diego Obligado, Buenos Aires (Argentina)

2014
ArteBA, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)

2013
Bienal del Sur, Panamá (Panamá)
ArteBA, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)

2012
ArtRio, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)
ArtBo, Galería Del Infinito, Bogotá (Colombia)
ArteBA, Galería Del Infinito Arte, Buenos Aires (Argentina)

2011
Buenos Aires Photo, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)
ArtBo, Galería Del Infinito, Bogotá (Colombia)

2005
Feria Arco, Galería Del Infinito, Madrid (España)
ArteBA, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)
ArteBA, Centro Cultural Parque España, Buenos Aires (Argentina)

2004
ArteBA, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)
Dot Fifty One Art Space, Art Basel, Miami (Estados Unidos)

2001
Art Miami (Estados Unidos)

1998
Bienal de Cuenca, (Ecuador)

2016
Salón Regional NOA de Artes Visuales, provincia de La Rioja (Argentina)

2012
Premio Salón Nacional Banco Nación, Buenos Aires (Argentina)

2011
Premio Fernet Branca a la Creación, Buenos Aires (Argentina)

2010
Salón Nacional de Pintura, Buenos Aires (Argentina)
Premio Itaú, Fundación Itaú Cultural, Buenos Aires (Argentina)
Premio Nacional de Pintura, Río Negro (Argentina)
Premio Regional de Pintura, Escultura y Fotografía, Salón de Artes Visuales de Misiones, Misiones (Argentina)

2009
Proyecto A–Galería de Arte Contemporáneo, Buenos Aires (Argentina)

2008
Salón Nacional de Pintura, Buenos Aires (Argentina)

2007
Salón Nacional de Pintura, Buenos Aires (Argentina)

Fundación Aerolíneas Argentinas, Fundación Amalia Lacroze de Fortabat, Fundación Avon, Fundación Banco Central, Fundación Banco Hipotecario, Fundación Banco Patricios, Fundación Banco Provincia, Fundación Federico Jorge Klemm, Fundación Telefónica, Museo de Arte Moderno, Museo Castagnino + Macro, Pinacoteca Banco Nación, Sindicato SUTERH, Museo Bellas Artes  De Tandil.

 

En forma de instalaciones o happenings; desde lienzos oversize a performances, la obra de Yayoi Kusama despliega desde entonces hasta hoy una variedad y una inquietud que no conocen barreras.

En Nueva York, la artista entra en contacto con figuras de la talla de Andy Warhol y Donald Judd. Vive en primera persona la explosión del pop art y la desbordante creatividad de los años 60 y 70, que influyen poderosamente en sus instalaciones llenas de luz, color y curvas. Es también el momento de sus famosas “esculturas blandas”, montajes realizados con telas y acolchados que desvelan un profundo temor (revelado por la artista) a la sexualidad y la penetración.

A finales de los años 60, el potente movimiento sociocultural que experimenta la escena norteamericana se apodera del espíritu de Yayoi Kusama. Ella lo abandera creando obras en el campo del happening, las manifestaciones antibelicistas y la moda. También comienza a realizar películas a medio camino entre la cinematografía, el autorretrato y el arte.

1973 es el año del retorno de Yayoi Kusama a su Japón natal. Su talento se despliega entonces en múltiples facetas; desde la ya reconocida plástica, hasta la recién descubierta literaria. Los 80 son la década de las primeras grandes exposiciones de la artista, a nivel mundial: su obra viaja al Museo de Bellas Artes de Calais (Francia), a Nueva York y a Londres. Viajes que culminan con la presencia en 1993 en la Bienal de Venecia, donde su Jardín de Narcisos (fuertemente influenciado y promovido por el artista Lucio Fontana) habla al espectador acerca el narcisismo vital de la creadora utilizando como lenguaje su pasión por las flores, los espejos y las formas esféricas e infinitas

Tras la experiencia, a partir de 1994 Yayoi Kusama empieza a trabajar en la creación de instalaciones y esculturas al aire libre.

Convertida ya en artista mundialmente reconocida y tras ver su obra recreada y expuesta en los mejores museos de todo el mundo, hoy Yayoi Kusama reside en un hospital psiquiátrico por voluntad propia. De él sale para trabajar en su estudio y continuar comunicándose con sus antiguas pesadillas,  origen primigenio de su inquieta (y siempre dinámica) obra. Como culmen de su trayectoria, en septiembre de 2017 abrió sus puertas el Museo Kusama de Tokio, un edificio de cinco plantas dedicado íntegramente a la obra de la fascinante creadora.

La artista produce una obra de un impacto visual destacado. Los variados soportes que utiliza para construir espacios lúdicos, ensoñadores, saturados de información cuál estética barroca, siempre llevan detrás un eje conceptual vinculado a imágenes de su infancia y su legado familiar como discurso de género. Un universo plagado de personajes anónimos, recurrentes, tan resonantes y reconocibles como fantasiosos e irreales. Con una fuerte impronta del diseño y los patrones geométricos como motor formal de la producción, la imaginería de la historia del arte, los manuales de decoración, entre otros, Antoniadis desafía los límites entre las materialidades, formatos y estilos y establece un diálogo entre el mundo del arte y el del diseño, creando un espectro compositivo de una riqueza ornamental impactante. Sus obras toman el espacio, se vinculan con el espectador integrándose a un discurso que lo atrapa sensorialmente estimulando su percepción. Recibida de la escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, donde además ejerció como profesora así como en la Universidad de Buenos Aires en indumentaria y textil, Antoniadis fue galardonada con el Premio a la trayectoria Fundación M. Calderón de la Barca (2018), Gran premio de Pintura del Salón Nacional y Primer Premio de Dibujo del Salón Nacional (2016), entre muchos. Sus obras integran las colecciones de los museos y fundaciones más prestigiosas de la Argentina así como colecciones privadas internacionales.

En 1973, Kusama se mudó de vuelta a Japón, donde ella encontró una escena del arte mucho más conservadora que la de Nueva York. Ella se convirtió en marchante de arte pero su negocio fracasó años después; más adelante padeció de problemas psiquiátricos y en 1977 se internó voluntariamente en un hospital, donde ella ha vivido el resto de su vida. Desde entonces, ella continúa produciendo obras de arte en diferentes medios y lanzó su carrera literaria con la publicación de varias novelas, poesía y una autobiografía.

El trabajo de Kusama está basado en el arte conceptual y muestra algunos atributos del feminismo, minimalismo, surrealismo, arte marginal, arte pop, y expresionismo abstracto, además de estar fusionado con contenido autobiográfico, psicológico y sexual. Kusama también es una novelista y poeta publicada, y ha creado trabajos notables en filmes y diseño de moda. Retrospectivas de gran tamaño e importancia han sido expuestas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Whitney de Arte Estadounidense, y el Tate Modern, mientras que en 2008 Christie's en Nueva York vendió una de sus obras en $5.1 millones de dólares, un récord para un artista mujer con vida.^[​

Carolina Antoniadis nació en Rosario, provincia de Santa Fe, en 1961. Reside y trabaja en Buenos Aires. Su amor y pasión por el arte son herencia de su abuelo, Demetrio Antoniadis, pintor y paisajista que se radicó en Rosario al emigrar de Grecia que pronto integró el grupo de impresionistas del Litoral. En 1984, se recibió de profesora superior de Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Durante el año 1987 fue integrante del Grupo de la X. De 1990 a 2001, trabajó en la cátedra de Skific Saltzman de la carrera de Diseño de Indumentaria y Textil de la Universidad de Buenos Aires. Entre 1996 y 2003, fue profesora titular de la materia Pintura de tercer año en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Desde su primera exposición individual, en 1987, ha realizado decenas de muestras y ha participado en ferias y bienales internacionales como la Bienal de Cuenca (Ecuador), en 1998, y la Bienal de Panamá, en 2013. También formó parte del Workshop de la Fundación Progreso, auspiciado por la Fundación Rockefeller. Recibió la Beca a la Creación Artística de la Fundación Antorchas en 1989 y 1999. Ese último año también ganó la Beca del Fondo Nacional de las Artes. En 2016, obtuvo el Primer Premio de Dibujo en el Salón Nacional de Artes Visuales por su obra Trama humana y el Gran Premio Adquisición del Salón Nacional de Pintura por El sonido de la deriva. Ambos cuadros pertenecen a su última serie, Sonidos mentales (2017), y muchas de sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas, tanto en la Argentina como en el exterior.

_________________________________________

2018
Premio de pintura “María Calderón de la Barca” (Argentina)

2016
Gran Premio Adquisición de Pintura, Salón Nacional de Artes Visuales, Palais de Glace, Buenos Aires (Argentina)
Primer Premio de Dibujo, Salón Nacional de Artes Visuales, Palais de Glace, Buenos Aires (Argentina)

2015
Primer Premio de Pintura, Banco Provincia (Argentina)

2011
Segundo Premio de Pintura, Banco Central (Argentina)

2003
Mención, Concurso Iberoamericano de Pintura (Argentina)
Fundación Aerolíneas Argentinas, Museo Nacional de Bellas Artes (Argentina)

1999
Gran Premio de Honor, Fundación Avon (Argentina)
Beca del Fondo Nacional de las Artes (Argentina)
Beca a la Creación Artística de la Fundación Antorchas (Argentina)

1998
Tercer Premio, Fundación Avon (Argentina)
Premio Leonardo al Artista del Año, Museo Nacional de Bellas Artes (Argentina)

1997
Mención de Honor, Premio Fundación Fortabat, Museo Nacional de Bellas Artes(Argentina)
Primer Premio, Fundación Federico Jorge Klemm (Argentina)

1996
Premio Salón de Pintura de la Asociación de Críticos de Arte (Argentina)

1995
Mención de Honor, Premio Fundación Fortabat, Centro Cultural de la Ciudad de Buenos Aires (Argentina)
Premio Adquisición a la Pintura Joven, Fundación Telefónica de Argentina (Argentina)

1994
Mención, Premio Intersoft a la Pintura Contemporánea (Argentina)
Museo Sívori, Centro Cultural Recoleta (Argentina)

1991
Premio Medalla de Plata Gunther, CAYC (Centro de Arte y Comunicación) (Argentina)

1989
Premio Medalla de Plata Gunther CAYC (Centro de Arte y Comunicación) (Argentina)
Beca de la Fundación Antorchas a la Creación Artística (Argentina)

1987
Segundo Premio Saint Valery, Museo de Arte Decorativo (Argentina)

1986
Medalla de Plata, Salón Nacional de Artes Plásticas (Argentina)

2018
El beso dorado del bosque, Galería Calvaresi, Buenos Aires (Argentina)

2017
Sonidos mentales, Galería Diego Obligado, Rosario, Santa Fe (Argentina)
Vértigo de la contemplación, Galería Matilde Bensignor, Buenos Aires (Argentina)

2015
Antoniadis, Hotel Brick, Buenos Aires (Argentina)
Ocaso (instalación vidriera), Fundación OSDE, Buenos Aires (Argentina)

2013
Incesantes avalorios, Galería de Arte Consult, Panamá (Panamá)
Contrastes. Matilde Marín–Carolina Antoniadis, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)

2012
Carolina Antoniadis, Galería Diego Obligado, Rosario, Santa Fe (Argentina)
Botanical suites, Galería Expressiones, New London, Connecticut (Estados Unidos)

2011
Jugendstil, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)
Muy Antoniadis (muestra antológica), Centro Cultural San José, Olavarría, Buenos Aires (Argentina)
Bio-Redes, Galería Arteconsul-Yaco García, Panamá (Panamá)

2008
Bio-Enlaces, Galería Arteconsul-Yaco García, Panamá (Panamá)

2006
Domus-referencial, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (Argentina)
Pluscuamperfecto, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)

2003
El delito de la belleza (selección antológica; 1986-2003), organizada bajo el auspicio de
la Agencia Española de Cooperación Iberoamericana (AECI), Centro Cultural Parque de España de Rosario, Rosario, Santa Fe (Argentina)

2002
Barrocas anomalías, Galería de Arte Patricia Ready, Santiago de Chile (Chile)
Perla irregular, Fundación Federico Jorge Klemm, Buenos Aires (Argentina)

1999
Carolina Antoniadis, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires (Argentina)

1998
Fundación Federico Jorge Klemm, Buenos Aires (Argentina)

1996
Carolina Antoniadis, exposición organizada con el auspicio del Museo Nacional de Bellas
Artes, Centro Cultural Borges, Buenos Aires (Argentina)

1993
Carolina Antoniadis, Fundación Banco Patricios, Buenos Aires (Argentina)

1991
Versiones inversas, Espacio CAYC (Centro de Arte y Comunicación), Harrods en el Arte, Buenos Aires (Argentina)

1990
Galería Ática, Buenos Aires (Argentina)

1987
Galería Altos de Sarmiento, Buenos Aires (Argentina)

2018 
ArteBA, Galería Diego Obligado (Argentina)
Arte argentino. Cien años en la colección Castagnino – Macro, Rosario (Argentina)

2017
Ensayo general #14, Buenos Aires (Argentina)
Ensayo general + Projeto garamem (Argentina)

2016
Salón Nacional de Pintura, Palais de Glace, Buenos Aires (Argentina)
Mitominas, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (Argentina)
Bosquejar, esbozar, proyectar, Galería Quimera del Arte, Buenos Aires (Argentina)
Diagonal Sur-arte argentino hoy, Centro Cultural Borges, Buenos Aires (Argentina)

2015
Amor, Casa del Bicentenario, Buenos Aires (Argentina)
Salón Nacional, Buenos Aires (Argentina)
Premio Banco Nación, Buenos Aires (Argentina)
Premio Banco Central, Buenos Aires (Argentina)
Premio Banco Provincia, Buenos Aires (Argentina)

2014
Salón Nacional, Buenos Aires (Argentina)

2013
Incesantes avalorios, Galería de Arte Consult, Panamá (Panamá)

2012
Galería Diego Obligado, Rosario, Santa Fe (Argentina)
Botanical suites, Galería Expresiones, New London, Connecticut ( Estados Unidos)
Residencia para artistas, I Park, Connecticut ( Estados Unidos)
Artistas argentinos, Museo de Mérida, Yucatán (México)
Premio Trabucco, Academia Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires (Argentina)

2011
Bio-Redes, Galería Arteconsul-Yaco García, Panamá (Panamá)

2010
Arte + Historia, Palais de Glace, Buenos Aires (Argentina)
El tempo, Galería Holz, Buenos Aires (Argentina)
Parpadeos, Galería Lordi, Buenos Aires (Argentina)
Eureka, Galería Álvaro Castagnino, Buenos Aires (Argentina)

1988
Salón Nacional de Bellas Artes, Salas Nacionales de Exposición, Buenos Aires (Argentina)
Premio Shaw, Academia Nacional de Bellas Artes, Centro Cultural Ciudad de Buenos Aires (Argentina)
Las voces emergentes, Jornadas de la crítica, Buenos Aires (Argentina)
Premio Movado a la Joven Generación, Spinetto Shopping, Buenos Aires (Argentina)

1987
Grupo de la X, Museo Castagnino + Macro, Rosario, Santa Fe (Argentina)
Museo Sívori, Buenos Aires (Argentina)
Las voces emergentes, Jornadas de la Crítica, Centro Cultural Ciudad de Buenos Aires (Argentina)
Premio Saint Valery, Museo de Arte Decorativo, Buenos Aires (Argentina)
Nueve pintores de la joven generación, Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires (Argentina)
Salón de la Sociedad Hebraica Argentina, Buenos Aires (Argentina)

1986
Premio Braque, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires (Argentina)
Bienal Fortabat, Salón Nacional de Artes Plásticas, Buenos Aires (Argentina)
Salón Félix de Amador, Municipalidad de Vicente López, Buenos Aires (Argentina)

1985
Salón Félix de Amador, Municipalidad de Vicente López, Buenos Aires (Argentina)
Salón Federico Lanús, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires (Argentina)

2018
ArteBA, Galería Diego Obligado, Buenos Aires (Argentina)

2017
Feria Pinta, Galería Diego Obligado, Miami (Estados Unidos)
ArteBA, Galería Diego Obligado, Buenos Aires (Argentina)

2014
ArteBA, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)

2013
Bienal del Sur, Panamá (Panamá)
ArteBA, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)

2012
ArtRio, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)
ArtBo, Galería Del Infinito, Bogotá (Colombia)
ArteBA, Galería Del Infinito Arte, Buenos Aires (Argentina)

2011
Buenos Aires Photo, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)
ArtBo, Galería Del Infinito, Bogotá (Colombia)

2005
Feria Arco, Galería Del Infinito, Madrid (España)
ArteBA, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)
ArteBA, Centro Cultural Parque España, Buenos Aires (Argentina)

2004
ArteBA, Galería Del Infinito, Buenos Aires (Argentina)
Dot Fifty One Art Space, Art Basel, Miami (Estados Unidos)

2001
Art Miami (Estados Unidos)

1998
Bienal de Cuenca, (Ecuador)

2016
Salón Regional NOA de Artes Visuales, provincia de La Rioja (Argentina)

2012
Premio Salón Nacional Banco Nación, Buenos Aires (Argentina)

2011
Premio Fernet Branca a la Creación, Buenos Aires (Argentina)

2010
Salón Nacional de Pintura, Buenos Aires (Argentina)
Premio Itaú, Fundación Itaú Cultural, Buenos Aires (Argentina)
Premio Nacional de Pintura, Río Negro (Argentina)
Premio Regional de Pintura, Escultura y Fotografía, Salón de Artes Visuales de Misiones, Misiones (Argentina)

2009
Proyecto A–Galería de Arte Contemporáneo, Buenos Aires (Argentina)

2008
Salón Nacional de Pintura, Buenos Aires (Argentina)

2007
Salón Nacional de Pintura, Buenos Aires (Argentina)

Fundación Aerolíneas Argentinas, Fundación Amalia Lacroze de Fortabat, Fundación Avon, Fundación Banco Central, Fundación Banco Hipotecario, Fundación Banco Patricios, Fundación Banco Provincia, Fundación Federico Jorge Klemm, Fundación Telefónica, Museo de Arte Moderno, Museo Castagnino + Macro, Pinacoteca Banco Nación, Sindicato SUTERH, Museo Bellas Artes  De Tandil.

 

 

 

1985

1989, El rey de los narcisos

1998, Destino circular

2006, Modo Potencial

2009, Coucou

2013, Aguayo

Copyright © CarolinaAntoniadis.com.ar - Buenos Aires - Argentina

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1)  Hacer un punteo del apartado que lleva el título; El ambiente, una experiencia estética posible. Propiciando el divorcio entre el Nivel Inicial y los estereotipos.

 

2)  A partir de la lectura del apartado Estereotipos, ambiente e identidad elaborar reflexiones sobre el mismo.

Si bien creo que en los últimos años han habido cambios respecto a las imágenes estereotipadas que se les facilitan a los niños en el jardín (al menos en el lugar donde trabajo se prohibieron las notas con dibujos al rededor, los stickers, etc),ciertamente ocurre que la ambientación del espacio no refleja la identidad del grupo que lo habita. Son preparados previamente y efectivamente se asemejan a todas las salas. ¿Para quiénes estoy ambientando? ¿Qué necesitan?, qué despierta su interés? Algunas escuelas tienen un lineamiento estético que tiende cada vez más a paredes descongestionadas de imágenes y decoraciones que no hacen otra cosa que multiplicar los estereotipos visuales y contaminar de estímulos innecesarios que no permiten aflorar la identidad individual y del grupo.

3)  Sobre el dispositivo Galería de arte para bebés: ¿qué características esenciales debería tener una galería de imágenes para bebés?

Es fundamental que las obras estén dispuestas a la altura de los niños para que puedan apreciarlas.

La galería puede estar preparada previamente o ir colocando las obras en presencia de los bebés. Siempre se los debe invitar y acompañar a mirar.

 ¿Cómo seleccionar las imágenes? ¿Qué temas serían los más apropiados? 

Las obras deben ser elegidas por su calidad estética, eso es lo primordial.

La galería podría o no ser temática. En el texto se sugieren algunas opciones como la de retratos de niños y madres o niños y adultos jugando, animales, imágenes fantasiosas, entre otras. La mayoría de las opciones nombradas aluden al mundo cercano y familias de los niños. También se puede elegir algún autor o tema significativo para la cultura regional. Reitero que lo más importante es que se seleccionen obras de calidad.

¿Puntualizar qué aspectos hay que tener en cuenta a la hora de armar una galería de arte para bebés? (leer del texto Mirando alrededor).

“Galería Móvil” y “Galería fija”  ¿en que se diferencian, cómo serían sus montajes?

La galería móvil surge como alternativa a la falta de espacio en la sala o la institución para ubicar las obras sobre un muro. En el texto se sugiere montar las obras sobre una tira larga de cartón corrugado que hará de muro y que puede moverse en caso de necesitar utilizar la pared para otras actividades diarias. (Se aclara que lo ideal es poder dejarlas en un mismo lugar para que los niños se puedan acercar cuando lo deseen.

La galería fija justamente está armada en un lugar determinado y fijo.  Suelen montarse en espacios de uso común al que las familias pueden acceder. Si bien se sugiere que las obras estén a la altura de los niños debe tenerse en consideración que podrían estar en brazos de sus familiares o docentes, por lo que las obras podrían estar también a la altura de la mirada adulta.

4)  Sobre el dispositivo Libros de arte para bebés: características principales. ¿Qué tipo de imágenes se pueden usar? ¿Cómo fabricarlos artesanalmente?

Deben permitir el libre manejo de los niños sobre el mismo, que lo puedan manipular con autonomía. Por lo tanto se sugiere que no implique un costo alto de fabricación, para evitar el temor a que se rompan.

Las imágenes se pueden conseguir de catálogos, revistas, folletos, etc. 

Para fabricarlos se puede utilizar como soporte el papel de folletería o, como sugiere Alicia Zaina, el álbum de fotografías. 

Al recortar las imágenes es conveniente dejar un pequeño marco blanco alrededor y la información que tenga de la obra ( si no tiene puede escribirse en computadora y agregar en el armado) 

Si el libro está pensado para bebés es conveniente plastificarlo para que dure más y evitar accidentes.

Me gustaría expresar una opinión muy personal y es que así como está plasmado me cuesta imaginar algo estético. Partiendo quizá de un prejuicio que tengo para los libros que no son tales. Tal vez lo llamaría revista de arte o catálogo de arte.

5)  Sobre el dispositivo Tarjetones: Características de los tarjetones, ¿cómo construirlos para que puedan ser manipulados por los niños?

Los tarjetones habitualmente están compuestos por una ilustración o fotografía que ocupa el 75% del tarjetón y un poema o poesía que abarca el 25% restante y está escrito en imprenta mayúscula. Todo pegado sobre un cartón o cartulina. Suelen protegerse plastificando el material o colocándolos dentro de un folio para que los niños puedan manipularlo sin riesgo a qué se deterioren En la experiencia que relata en el texto no menciona estás características específicamente (salvo lo del plastificado que dice que fueron las familias las encargadas de hacerlo). Si dicen que redujeron y fotocopiaron las imágenes que utilizaban en la sala fotográficas para que los tarjetones tuviese un tamaño de 13 x 18 y que los chicos pintaron con témpera y esponjas las bolsas de papel madera con fuelle para poder transportar los tarjetones a sus hogares.