Paris, été 1830, le peuple gronde : il veut la destitution du roi Charles X. Les 27, 28 et 29 juillet, les Parisiens descendent dans la rue, les combats font rage. Marqué par ces journées dénommées « les trois glorieuses », Delacroix s’empare de ses pinceaux et peint La Liberté guidant le peuple en seulement 3 mois ! En 1831, l’œuvre est exposée pour la 1^re fois au Salon. Très vite, les critiques fusent, le tableau est jugé vulgaire. Ce qui choque ? Cette femme debout au milieu des hommes, le visage rougi et le corps sale, à moitié nu. Une fois le nouveau roi en place, celui-ci achète l’œuvre mais préfère la cacher au public : et si cette femme révolutionnaire donnait des idées à certains pour une autre révolte ? Mieux vaut le conserver discrètement… En 1855, le tableau ressort de l’ombre à l’occasion de l’Exposition universelle ayant lieu à Paris. Et cette fois, le succès est au rendez-vous ! L’œuvre rejoint ensuite les collections du Louvre.

 

Delacroix nous entraine ici au cœur de la bataille en représentant une barricade, au pied de laquelle gisent des soldats. Une force violente se dégage de ce tableau : les combattants sont en pleine action. A gauche, un ouvrier au béret et un journaliste, au chapeau haut de forme, avancent ensemble. Delacroix nous dit ainsi que le peuple entier est uni dans la bataille. A droite, pistolets dans chaque main, bouche ouverte en un cri du guerre, un enfant participe lui aussi au combat. Ce « gamin des rues », si expressif, inspirera Victor Hugo pour son personnage de Gavroche dans son roman Les Misérables. Mais ce qui nous frappe surtout, c’est cette femme, le corps éclairé, à l’image d’une déesse grecque. Coiffée du bonnet phrygien, elle brandit le drapeau tricolore : deux forts symboles de la Révolution française de 1789. Delacroix peint ici une allégorie de la Liberté : sous les traits d’une femme, c’est bien un symbole qui est représenté dans cette œuvre, et c’est ce qui la rend si puissante.

 

D’abord reconnu comme chef-d’œuvre de la peinture romantique, le tableau a acquis, à travers les siècles, le statut d’icône. Il est devenu une ode à la liberté, traversant le temps et les frontières. Il suffit de regarder autour de nous pour comprendre à quel point cette œuvre est omniprésente. En France, elle a illustré les billets de cent francs et des timbres durant de longues années. Son image a aussi été reprise lors de combats pour la liberté, tels que les révolutions arabes de 2011, ou par des artistes étrangers, comme le Chinois Yue Minjun. (…)

Historiquement, Romantisme désigne un courant artistique et littéraire européen du XIX^e siècle qui, en réaction contre le rationalisme et l’universalisme du Classicisme français, privilégie l’idéalisme, les sentiments et les particularités : l’art y devient l’expression personnelle d’un génie, souvent isolé, mal compris ou malheureux. Né en Allemagne (…) et en Angleterre (…) dès la fin du XVIII^e siècle, le mouvement n’a gagné que progressivement la France, où il culmine de 1820 à 1848.

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La libération romantique touche aussi la peinture (Friedrich, Turner, Géricault, Delacroix…) et la musique (Beethoven, Schubert, Chopin, Berlioz, Wagner…).

Plus largement, le courant véhicule une nouvelle image de l’homme et de la société, fondée sur les idées de liberté, de diversité et d’évolution. Au-delà des arts, il touche donc profondément au domaine sociopolitique : défense des droits de l’individu et du peuple, soutien aux émancipations nationales (voir la création de la Belgique en 1830), étude et promotion des langues et des cultures nationales, des croyances populaires, etc. (…)

LEGROS Georges, MONBALLIN Michèle, STREEL Isabelle, « Le Romantisme, le sentiment de la nature et l’exaltation du moi – Sens de l’appellation », dans Les Grands courants de la littérature française, Namur, Éditions Érasme, 2015, p.32.

La Révolution ôte au clergé ses privilèges, mais les tentatives pour instaurer un culte de la Raison, puis de l’Être suprême, ne suppriment pas le sentiment religieux (…) et les troubles de l’époque favorisent la sensibilité à l’irrationnel et au mystère (…)

Parallèlement, se manifeste un regain d’intérêt pour la philosophie idéaliste de Platon (…)

Enfin, l’émigration des nobles puis les guerres napoléoniennes multiplient les contacts avec les pays voisins et accélèrent la diffusion des idées. Elles éveillent aussi les nationalismes européens, qui cherchent à mettre en valeur leurs patrimoines propres (par exemple, en redécouvrant le Moyen Âge) et à s’émanciper du modèle classique français, à visée universelle.

De même, par opposition à la conception classique de l’homme éternel, se développe tout au long du XIX^e siècle une perspective historique (Thiers, Michelet, Tocqueville ; elle se fera ensuite évolutionniste avec Darwin), qui devient le modèle explicatif par excellence (…)

LEGROS Georges, MONBALLIN Michèle, STREEL Isabelle, « Le Romantisme, le sentiment de la nature et l’exaltation du moi – Contexte historique et culturel », dans Les Grands courants de la littérature française, Namur, Éditions Érasme, 2015, pp.32-33.

-     Une SENSIBILITÉ EXACERBÉE, qui conduit à de véritables effusions lyriques. « Mal du siècle » général et tourments personnels font de la mélancolie sa pente de prédilection. Elle s’exprime dans des thèmes caractéristiques comme la fuite du temps, le crépuscule, l’automne, les ruines, la tempête…

-     Un nouveau SENTIMENT DE LA NATURE : l’âme cherche à entrer en communion profonde avec elle et y trouve souvent le reflet de ses sentiments : elle lui demande, comme au rêve, un refuge contre les déceptions d’un réel social douloureux. S’approfondit ainsi la voie, ouverte par Rousseau, de fuite vers un ailleurs idéal. Une de ses figures est l’exotisme : l’Orient ou l’Amérique (…), ainsi que des récits de voyage, remis à l’honneur.

-     Un goût pour les SITUATIONS ET PERSONNAGES D'EXCEPTION. Légendaires, historiques ou de fiction, triomphants ou (plus souvent) vaincus (…) Une variante de ce trait est le gout du mystère, de l’étrange, voire de la fantasmagorie, souvent liés au Moyen Âge et aux folklores nationaux : (…) roman historique (…) roman fantastique (…)

-     Une certaine LIBERTÉ DES FORMES, reflet de la liberté créatrice de l’écrivain : réhabilitation de genres poétiques médiévaux comme la ballade, rejet de la tragédie classique et de ses règles strictes au profit du drame shakespearien, voire du mélodrame populaire, développement du roman (qui est le moins contraignant de tous les genres) et de l’autobiographie…

-     Un abandon du « bon gout universel » au profit de L’EXPRESSIVITÉ : mélange des tons et des niveaux de langue, souci de la couleur locale et du détail typique, recherche des effets (exagération des traits, recours à des contrastes frappants : pas de lumière sans ombre, de beauté sans laideur, voire de sublime sans grotesque).

LEGROS Georges, MONBALLIN Michèle, STREEL Isabelle, « Le Romantisme, le sentiment de la nature et l’exaltation du moi – Traits majeurs du courant », dans Les Grands courants de la littérature française, Namur, Éditions Érasme, 2015, pp.33-34.

Delacroix peint des tableaux au coloris vibrant, des compositions tragiques qui galvanisent les sentiments et échauffent les esprits (…) Delacroix répondait à la « fadeur classique » par un dynamisme des lignes de force, par une composition tourmentée basée sur la violente utilisation des couleurs (…). On reprocha au peintre la confusion de ses contours et de ses couleurs que l’œil ne pouvait démêler. (…) Delacroix est le premier à avoir reconnu la valeur propre de la couleur. Il réussit à suggérer dynamisme et mouvement avec des moyens purement picturaux en plaçant côte à côte des teintes de la même couleur, et des contrastes complémentaires qui amplifient réciproquement leur intensité lumineuse.

KRAUSSE Anna-Carola, « Le Romantisme en France 1815-1850 », dans Histoire de la peinture, De la Renaissance à nos jours, Paris, Gründ, 1995, pp. 60-62.

 

En 1818, à l’âge de 27 ans, le jeune peintre Théodore Géricault veut briller. Il choisit de s’emparer d’un fait divers qui a défrayé la chronique, le naufrage de La Méduse ! Après avoir lu le récit de deux survivants, il choisit de représenter l’un des moments les plus intenses du drame : l’instant où, après treize jours de mer, les derniers naufragés à l’agonie aperçoivent L’Argus au loin et reprennent espoir. Son travail commence par une véritable enquête pour reconstituer les événements avec le plus d’exactitude possible. Il veut faire partager la douleur et l’angoisse des victimes au public. Il interroge donc les rescapés, se rend à la morgue pour voir des cadavres et va jusqu’à faire réaliser une reproduction du radeau dans son atelier. Mais pour accentuer l’impression de détresse et de désesoir des survivants, il n’hésite pas non plus à s’arranger avec l’histoire. Ainsi, dans le tableau, le temps est à l’orage et la mer est déchainée, alors que le sauvetage a lieu sous un ciel bleu et lumineux. Quant aux personnages, si la couleur de leur peau et les traits de leur visage font trembler d’effroi, leurs corps sont traités d’une façon assez académique. Le résultat final est cependant impressionnant. Géricault a réussi à transformer un simple fait divers en un moment héroïque et en un véritable tableau d’histoire. Présenté à Paris puis à Londres, Le Radeau de la Méduse choque puis bouleverse le public. La violence des sentiments et la nature déchainée annoncent le Romantisme, mais aussi une nouvelle façon de représenter l’Histoire, qui préfère montrer la souffrance des victimes plutôt que de glorifier le pouvoir en place. Le jeune Delacroix, qui a posé pour Géricault pendant l’exécution du tableau, saura s’en souvenir quelques années plus tard.

« 2 juillet 1816, la frégate La Méduse fait naufrage au large de la Mauritanie, le Radeau de la Méduse », MARTIN Nicolas et ROUSSEAU Eloi, dans L’Art face à l’Histoire, 50 événements racontés par les artistes, 2012, Éditions Palette, pp.18-19.

1830. Le roi Charles X remet en question l’héritage de la Révolution française. En parallèle, ses opposants souhaitent le remplacer par Louis-Philippe. Le roi transgresse la Constitution en modifiant la loi électorale pour que seuls ses partisans puissent voter et en limitant la liberté de la presse. Les insurgés déclenchent de ce fait des émeutes dans Paris : pendant 3 jours (appelés « les Trois Glorieuses »), du 27 au 29 juillet, ils se battent pour renverser le roi.

 

Que voit-on ?

Le moment semble capté sur le vif (les personnages sont tous en mouvement, dans le feu de l’action), mais Delacroix a beaucoup réfléchi pour le réaliser. Le tableau parle de l’Histoire mais en la racontant sous l’angle de la fiction. Delacroix cherche à rassembler en un tableau tous les types sociaux qui ont pris part à l’insurrection. Les personnages qui le composent sont hybrides et symboliques.

Les insurgés du tableau ont la même taille que le spectateur et lui font face. La composition est pyramidale : des corps horizontaux, au premier plan, forment la base. La figure féminine constitue le centre du tableau et la pointe de la pyramide. Ses adjuvants l’entourent, de part et d’autre, plus petits ou plus bas qu’elle, la mettant franchement en évidence.

Le focus est mis sur l’action de l’avant-plan, car la profondeur de champ est limitée : l’arrière-plan est flou, même s’il a son importance. On y voit la foule des insurgés, de la fumée émanant des combats, et encore derrière, la cathédrale Notre-Dame, qui situe l’action à Paris, mais dans un décor fabriqué pour l’occasion (les maisons devant la cathédrale sont imaginées et son orientation sur la rive gauche de la Seine est erronée).

Les couleurs du tableau sont plutôt sombres. Seules certaines touches colorées symboliques (bleu, blanc, rouge) éclairent la scène majoritairement grise et brune.

 

Qui sont les principaux personnages qui composent la peinture ?

1.     La femme : C’est l’allégorie de la Liberté. Elle symbolise la révolte (elle porte le bonnet phrygien des révolutionnaires) et la victoire (son profil grec et le drapé léger de sa robe font allusion aux Victoires ailées de l’Antiquité). Son attitude déterminée (pied en avant, avec un bras levé et victorieux portant le drapeau national), son élan, son regard vers ses acolytes : tout la rend exceptionnelle, victorieuse. Elle est la seule femme au milieu des hommes, elle porte une couleur solaire, elle est comme entourée d’un halos lumineux. Aujourd’hui, la nudité de son sein pourrait choquer. A l’époque, on n’en fait pas mention : c’est la pilosité de son aisselle qui fâche.

2.     L’homme au béret : Situé tout à gauche du tableau, ce personnage porte plusieurs symboles : son tablier est l’habit d’un artisan, et son sabre celui des soldats d’infanterie.

3.     L’homme au chapeau haut de forme : Les habits de ce personnage hybride symbolisent à la fois les bourgeois (le haut de sa tenue) et les artisans (le pantalon large et la ceinture rouge). Il porte une arme de chasse et ressemble assez à Delacroix lui-même.

4.     L’homme au foulard : Que fait cet homme à Paris ? Il porte la chemise bleue et la ceinture rouge des paysans. Probablement blessé, il se redresse vers la Liberté, qu’il semble regarder avec déférence. Sa tenue rappelle les couleurs du drapeau.

5.     Le jeune garçon : Il est trop jeune pour porter le béret noir des étudiants (qu’il porte pourtant) et les armes (il en a deux !) Il porte une cartouchière trop grande pour lui. Déterminé, hurlant l’assaut, il symbolise ces gamins de Paris qui ont pris part à l’insurrection. 

6.     Les soldats : Ils sont plusieurs, de grades différents, et en mauvaise posture : certains sont morts ou blessés, couchés sur le pavé. L’un a été dépouillé de son pantalon. Un autre git, face contre terre.

 

Comment interpréter le tableau ?

Delacroix célèbre le peuple citoyen insurrectionnel. Son tableau a une grande valeur symbolique et politique. Louis-Philippe, qui prendra le pouvoir suite à cette révolte, cachera la peinture : elle symbolise le peuple qui s’est battu pour lui, mais elle montre aussi que sa victoire est due au sang versé par les citoyens.

En juin 1816, Louis XVIII fait affréter La Méduse amirale, un navire de guerre, pour reprendre le Sénégal. La frégate est dirigée par le compte de Chaumareix, qui ne navigue plus depuis des années, mais qui a été choisi pour ses affinités politiques envers le roi. Suite à l’incompétence du commandant, le bateau s’échoue le 2 juillet sur le Banc d’Arguin, une île de l’Atlantique. Cent cinquante hommes de l’équipage sont abandonnés à leur sort. Ils n’ont que du vin et très peu de nourriture pour survivre, et on ne leur a pas laissé de rames. Ils se construisent un radeau de fortune de 20 mètres sur 7, mais les amarres solidarisant le radeau aux canots de sauvetage se rompent. Beaucoup de naufragés meurent noyés. D’autres, ivres de vin ou de désespoir, s’entre-tuent ou pratiquent le cannibalisme pour ne pas mourir de faim. C’est l’Argus qui vient les secourir, mais seuls une dizaine d’hommes pourront être sauvés. L’horreur de cet épisode défraye la chronique : deux survivants racontent leur affreuse aventure dans la presse, et Chaumareix comparait devant le conseil de guerre. Les choses se tassent un peu, puis Géricault se met à défendre la cause des rescapés, qui sont accusés d’anthropophagie par la presse royaliste.

 

Contexte de création : 

Pour peindre Le Radeau de la Méduse, Géricault étudie longuement son sujet. Il passe du temps à l’hôpital pour scruter les expressions faciales des souffrants et des mourants. Il observe les cadavres et les membres amputés (allant même jusqu’à reprendre la tête d’un voleur mort pour le placer au soleil, sur son toit, et en étudier le pourrissement !). Il fait poser ses connaissances parmi lesquels Joseph (un homme à la peau noire, qui était très à la mode à l’époque), des amis proches (dont Delacroix, qui pose pour le personnage du bas de la toile, qui est torse face au plancher, la tête immergée), et un ami, qui était malade, et dont le teint lui a indiqué la couleur de la peau des agonisants. Il demande au charpentier rescapé du naufrage qui avait conçu le radeau de lui en faire une réplique. Il observe le ciel et la mer en voyageant au Havre.

 

Que voit-on ?

Géricault s’arrange avec la réalité : il veut raconter l’épisode historique, mais il le dramatise en choisissant les détails les plus sordides. Le peintre cherche à suggérer le réalisme. 

La couleur des peaux est verdâtre, malsaine. La scène est celle du dénouement : c’est l’espoir qui domine, puisque l’Argus, au loin, minuscule à l’arrière-plan, vient délivrer les survivants. Mais sur le radeau, l’œil du spectateur se heurte d’abord au désespoir de l’avant-plan : plusieurs corps morts ou agonisants sont disposés sur le plancher. Certains personnages sont immergés dans la mer. On ne voit pas tous les corps en entier. L’attitude des personnages est fermée, désespérée. Le 2^e plan montre des corps à moitié allongés, se redressant vers l’espoir, mais manifestement mal en point. Le 3^e plan présente des hommes debout : un homme à la peau noire agite sa chemise, un autre montre la délivrance du doigts, les visages sont tendus, ouverts, ou tournés vers l’arrière-plan, les yeux sont écarquillés, les corps et les mains montrent la direction du bateau en s’accrochant à l’espoir.

La composition pyramidale mène l’œil du spectateur de l’avant-plan vers l’arrière-plan.

Géricault choisit de représenter un radeau en mouvement : une mer agitée, un ciel orageux et venteux (alors que dans la réalité, le temps était doux lorsqu’on a secouru les naufragés). Il assombrit tout le tableau en utilisant du bitume, une substance brune qui ne sèche jamais complètement et qui cause en fait aujourd’hui d’énorme dégâts sur les couleurs.

 

Comment interpréter le tableau ?

Le tableau représente les hommes en lutte contre les forces de la Nature et témoigne de leurs souffrances. Sur le plan politique, le radeau symbolise le naufrage de la France, dirigée par un roi incompétent. Par son choix de représenter les naufragés en perdition, Géricault rompt avec les règles esthétiques antérieures.