Prima di realizzare la versione definitiva di “Scienza e Carità” Picasso, ha studiato in modo approfondito la scena, realizzando diverse bozze (il Museu Picasso a tal proposito ne conserva sei, che vengono esposte a turno e fanno parte della collezione permanente dell’istituzione).

Il lavoro venne completato nel 1897 e venne presentato all'”Esibizione Generale delle Belle Arti” a Madrid nello stesso anno; il lavoro ottenne un buon successo e al termine dell’evento, “Scienza e Carità” rimase proprietà della famiglia del padre di Picasso, fino a che, nel Novecento, non venne donato al museo dove si trova tutt’ora.

Questa tela fa riferimento al realismo sociale, uno stile artistico che acquisiva sempre più importanza con il passare del tempo; durante quegli anni, la borghesia cercava di affermarsi in modo sempre più decisivo, e la Rivoluzione Industriale era un’ottima occasione per effettuare una scalata sociale.
L’eccellente chiaroscuro realizzato da Picasso fa si che tutta la luce sia concentrata sulla malata e sulle figure che vi sono attorno, lasciando poco spazio ai dettagli circostanti; la grande abilità di Picasso si denota anche attraverso l’attenzione ai dettagli: basti notare la differenza tra la mano rosea e salutare del dottore in netta contrapposizione alla mano della paziente, quasi scheletrica e pallida.

Conservato al Mauritshuis dell’Aia, in Olanda, questo dipinto è forse il più celebre del pittore olandese, capace di sbalordire per la precisione con cui l’artista fotografò un momento accademico che non ha eguali nella storia dell’arte legata alla medicina. I giochi di luce e ombra rafforzano l’idea di apprendimento che si instaura tra allievo e maestro.

Il dipinto ad olio su tela del 1632 venne realizzato da Rembrandt su commissione dalla Gilda dei Medici di Amsterdam. L’opera rappresenta il dottor Tulp durante una lezione accademica, nella quale mostra ai suoi allievi la dissezione del famigerato criminale di Amsterdam Adrian Adrianeszoon, giustiziato per impiccagione.

Per la precisione Tulp è intento ad aprire il braccio del criminale, mostrando agli astanti i tendini, tirati fuori con delle pinze con la mano destra. Con la sinistra egli mima invece il movimento degli stessi tendini, condividendo il suo sapere con i suoi allievi. Lo strumento che usa è associabile, nella sua posizione, al pennello di un pittore, come ad evidenziare tutte le similitudini che si possono immaginare tra medicina e pittura.

I giochi di luce e ombra, in piena tradizione fiamminga, rendono la scena una perfetta fotografia dell’epoca, con il nero che predomina su tutto il resto. Questo effetto di chiaroscuro quasi scenografico avvicina questo tema, così originale, ad una più classica visione barocca, in cui tutti gli apprendisti e il medico vengono illuminati, mentre il volto del criminale defunto rimane   invece drammaticamente in ombra. 

Emblematiche le tre figure sullo sfondo: un giovane che non sembra curarsi dell’accaduto a sinistra, un uomo anziano al centro che sembra asciugarsi le lacrime e una donna con le mani giunte a destra, forse i genitori del ragazzo in primo piano.

Sembra quasi che Traversi abbia voluto celare sotto questo episodio “di genere” dei sottili simbolismi, che potrebbero essere ricondotti a un significato di tipo religioso, vagamente vicino a una scena di compianto.

I barbieri- chirurghi operarono dal Medioevo fino all’inizio del 1700, spesse volte si esercitavano per imparare il mestiere sulla pelle di poveri e soldati.

Oltre a tagliare i capelli e la barba si dedicavano ad interventi come salassi, cura di emorroidi, laringotomia, estrazione dei calcoli dalla vescica.

Per esercitare questo mestiere utilizzavano forbici, aghi, coltelli, seghe. Non di rado queste pratiche vennero erogate senza i dovuti requisiti di igene, causando infezioni, diffondendo virus e malattie.

Che sia questo  o meno il motivo,  nelle sue tele si ritrova sempre il grande dolore che l’affligge e, nel contempo, la rende unica nella sua straordinaria capacità di non rassegnarsi.