El Jarabe Tapatío simboliza el cortejo del hombre a la mujer, quien primero lo rechaza y después lo acepta. Este baile es reconocido mundialmente como símbolo de la identidad mexicana. Diversos investigadores han coincidido en aceptar que desciende del jarabe gitano, el cual fue modificándose a lo largo del tiempo

INSTRUMENTOS DEL JARABE TAPATIO

La versión que hoy conocemos del jarabe se compone de sones de varias zonas de los estados de la República. Es en 1924 cuando se juntan distintos jarabes, sobre todo de regiones de Jalisco, para formar el tapatío que hoy conocemos.

Antes, el jarabe se bailaba entonando los sones donde dos hombres del pueblo cantaban imitando también la voz femenina. En sus inicios, el jarabe tapatío era interpretado por un mariachi conformado por un enorme arpón, violín, guitarrones o tamborcillo y clarinete.

El Mariachi Vargas de Tecalitlán, fundado en 1898, estaba conformado por arpa, vihuela, guitarra, guitarrón, trompetas y violines, es decir, más instrumentos. La interpretación del jarabe en mariachi se hace popular en 1973, y desde entonces es usada para el baile.

PASOS DEL JARABE TAPATIO

El jarabe tapatío se distingue por sus pasos y figuras únicas que lo hacen inconfundible. Algunos de los pasos más emblemáticos son:

Baile alrededor del sombrero: el jarabe tapatío inicia con un baile alrededor de un sombrero, simbolizando un gesto de coquetería y cortejo.

Son del Atole: este paso invita a todos los presentes a «tomar atole», una bebida tradicional mexicana, como símbolo de hospitalidad y compartir.

Son del Palomo: este paso imita los movimientos de una paloma, recordando la gracia y la elegancia de estas aves.

La jarana yucateca: se incorpora el son de la Jarana Yucateca, representando la riqueza cultural de la región de Yucatán.

Jarabe moreliano: este paso destaca la influencia de la ciudad de Morelia en la danza, mostrando la diversidad de estilos y ritmos en México.

La Diana: el jarabe tapatío culmina con el son de La Diana, una melodía festiva que celebra el amor y la alegría.

Es importante destacar que estos son solo algunos ejemplos de los pasos y figuras que conforman el jarabe tapatío.

Cada región de Jalisco y cada grupo folklórico pueden agregar su propio estilo y variaciones a la danza, enriqueciendo aún más esta expresión cultural.

VESTUARIO DE HOMBRE Y MUJER

La vestimenta típica del baile es el traje de charro y china poblana. El baile representa el cortejo del hombre hacia la mujer, empezando por una invitación que hace éste a su pareja a iniciar una relación amorosa. A lo largo de la coreografía se puede observar una transición constante por parte de la mujer entre rechazar y aceptar al hombre.[2]En otros países, es conocido como el baile del sombrero mexicano;[3] sin embargo, llega a ser confundido con La Raspa, el cual es un baile folklórico de Veracruz popularizado mundialmente por Ricardo Montalbán en la película Fiesta (1947).

La vestimenta tradicional para bailar el Jarabe Tapatío está compuesto por el traje de china de blanca alvala para la mujer basado en una falda larga decorada con abundante lentejuela, aunque el vestido original es el de ranchera tapatía de la segunda mitad del siglo XIX. La falda llevaba sólo un olán y pequeños adornos de flores. El vestido de flores es una mezcla de los vestidos europeos y mexicanos, que se llenó de olanes y adornos para hacerlo más vistoso. El vestido de Blanco o de Gala se utiliza principalmente en las ciudades. El vestido de listón le da mayor dinamismo al baile. El hombre porta el tradicional traje de charro con botonadura de plata a los lados del pantalón, chaquetilla con botonadura al frente, sombrero de ala ancha de cuatro pedradas, el cual juega un papel importante en la coreografía, camisa blanca, corbatín al cuello en colores de contraste, por ejemplo (rojo, azul, negro, naranja, rosa etc.), botín negro, cinto de cuero o a veces una faja de color con amarre a los lados. Hay que destacar un aspecto importante referente al traje del hombre que se utiliza para bailar los sones y jarabes de Jalisco. Por lo común, se porta el traje de caporal, con sus diferencias al tradicional de charro, porque lleva a los lados del pantalón una aletilla cosida con adornos de cuero y de igual manera la chaquetilla, que son figuras relativas a grecas y formas de la charrería mexicana. Lo que hace distinguir ser, una prenda única en su género.

Al igual que el origen mismo del baile existen diversas versiones acerca del traje de china poblana que giran entorno al origen “oriental” del mismo. Una versión cuenta que las damas ricas de los años 1800 asistían al puerto de Acapulco para recibir al barco proveniente de Filipinas conocido como “Nao de China” para comprar telas llamadas “castores” que se convertirían en la vestimenta de sus sirvientas llamadas “chinitas”, que ellas mismas decoraban. Otra versión apunta a la leyenda de una princesa mongola que llegó a Puebla y se enamoró de su patrón, llevando en su ajuar de novia la vestimenta tradicional de la región decorada con toques orientales.

El traje de charro surge en 1930 y el que es utilizado hoy por los músicos urbanos conocidos como mariachis es producto de una evolución que inicia en los trajes de los caporales encargados de las haciendas de la época.

REGION DEL JARABE TAPATIO

Durante la Independencia de México el jarabe se convirtió en un símbolo de libertad e identidad. En diversos pueblos se modificó para convertirse en bailes regionales. En el siglo XIX el jarabe, con sus distintas denominaciones, llegó a convertirse en el baile nacional, siendo muy representativos los que se bailaban en los estados de Guanajuato, Colima, Nayarit, Jalisco y en los pueblos costeros

SUSANA SÁNCHEZ GARCÍA 3-1

La jarana es el baile típico de la península de Yucatán. Dos golpes de timbal marcan el inicio del baile, inmediatamente el bastonero concerta las parejas a su arbitrio procurando que ninguna se quede sin participar, las forma en dos largas filas, frente a frente, una de hombres y otra de mujeres. Cada pareja conserva su autonomía en el baile y su propio ámbito de dos metros aproximadamente, en el cual se entrecruzan y realizan todas las figuras que su habilidad les permita.

Existen dos formas métricas de este tipo de baile: La jarana 6 por 8 (en compás musical de 6/8), zapateada, nieta de los aires andaluces e hija de los sones mestizos, es de movimiento vivo marcado. La jarana 3 por 4, (en compás musical de 3/4) nacida posteriormente, es valseada y tiene el aire de la jota aragonesa de la que deriva, por ello su movimiento metronómico.

En el baile de la jarana predomina el hieratismo de las danzas aborígenes que influye en la verticalidad de las posturas de sus intérpretes, que en las partes valseadas se realizan giros mientras levantan los brazos en ángulo recto al estilo de los bailadores de jota y efectúan tranquidos con los dedos, reminiscencia de las castañuelas españolas. Con esta sola excepción, el baile de la jarana se limita a las extremidades inferiores, particularidad que la distingue de la jota y del zapateado español; el tronco del bailador permanece erguido, al grado que se tiene a lujo danzar con un objeto en la cabeza sin que éste caiga, como el caso de las “galas” o de las “suertes”.

Tomado del libro: "Costumbres de Yucatán" de Luis Pérez Sábido.

1a Edición Mérida Yucatán 1981. Capítulo VII pá

g. 66-67

Esta tradición viene desde el siglo XIX, cuando este baile llegó a Madrid, su música típica es la de organillo. Pero, aunque ahora sea el baile de Madrid por excelencia, en sus orígenes, el chotis era mucho más que un baile de salón y, su origen provenía de Europa del norte.

Para saber de dónde proviene el Chotis, tenemos que irnos bastantes años atrás y dirigirnos a la ciudad de Bohemia, en República Checa.

En esa ciudad, hace muchos años, se bailaba popularmente una danza conocida como “Scotttisch”, esta palabra provenía del alemán y significaba escocés.

La danza ya por entonces había sido adaptada de la original, esta provenía de los campesinos escoceses. Este estilo de baile que empezó en Escocia se fue extendiendo por muchos países de Europa y sobre todo por Europa del norte, llegando hasta Francia y Alemania, donde dio lugar al baile que conocemos hoy en día como la Polca

"Vestimenta "

Los hombres deben ir con un pantalón largo de color negro, una camisa blanca, un chaleco, una boina gris y, un clavel rojo como las mujeres, pero ellos en el bolsillo.

"Características "

Es un baile elegante y acompasado que se ejecuta con movimientos suaves y moderados, marcando un compás de 4/4. El chotis se baila en pareja dando zapateos marcados al ritmo de la música, mientras se dan vueltas y se repite la coreografía.

Existieron o existen todavía en determinadas poblaciones de España unas singu-

lares danzas que ejecutan los «armaos», los soldados romanos que custodiaban al

Crucifi cado camino del Calvario, y que son llamadas popularmente del «caracol».

En ellas los viejos legionarios marcan una serie de espirales cuyas líneas se entre-

lazan, hacen y deshacen. Entre los pueblos que conservan esas danzas están Aledo,

Alhama de Murcia, Jumilla (Murcia), Granátula de Calatrava y Almagro (Ciudad

Real), pero también Orihuela (Alicante).

"Características "

Se trata de danzas homólogas en coreografía y melodía, las cuales se interpretan con la dulzaina y se estructuran en una sola parte, repetida sucesivamente, hasta que se completa la danza.

"Vestuario"

En México, la vestimenta tradicional que se usa en las danzas abarca un amplio abanico de posibilidades que incluye taparrabos, túnicas de estilo romano o turco, calzones, sayales, pantalones, faldas, yelmos, corazas, huipiles, sarapes, capas, etc. además del uso de fibras vegetales o pieles y el de pintura corporal.

El baile es algo común en todas las culturas por muy dispares que sean entre si. En Escocia toma una relevancia muy importante donde se vive el baile de una forma seria ya que está muy arraigado en la cultura desde tiempos muy lejanos. Cada baile tiene su propia historia y comienzo. Hay muchos bailes escoceses, pero dentro del baile tradicional escocés lo podríamos dividir en cuatro principales categorías: Ceilidh, Baile Cape Breton, Scottish Country Dancing, Baile de las Highlands. Haré una mención breve de cada uno de ellos, pero me centraré, sobretodo, en las Ceilidhs, algo mucho más común en Edinburgh, y que todo el mundo podrá practicar.

Ceilidh

Es un baile fácil de aprender, a menudo parecen más complicados de lo que realmente son. Será fácil, ya que los músicos y los expertos bailarines pondrán todo de su parte, dando las pautas del baile y ayudando a todos los principiantes, para que finalmente todos juntos se dejen llevar por la marcha de la música. Encuentros muy sociales, practicando mucho ejercicio a medida que el paso va incrementando.

"Características "

Los movimientos característicos del Highland Dance son ágiles y vigorosos. Los bailarines realizan pasos como el «pas de basque», el «fling», el «sword dance» y el «high-cutting» mientras llevan puesto el atuendo tradicional de las Tierras Altas escocesas.

También se conoce con el término son huasteco. En un principio existía la diferenciación entre los términos, siendo los huapangos las canciones con letra fija y los sones huastecos las piezas para trovar, para echar versos. Se toca en las regiones de Veracruz, San Luis Potosí, Hidalgo, Tamaulipas, Puebla , Guanajuato y Querétaro.

El origen del huapango se remonta al siglo XVII; es música del campo, creada e interpretada por trabajadores del campo con descendencia indígena de la zonas conocidas como "Huasteca." Surge de la fusión de las propias tradiciones musicales de las culturas prehispánicas del lugar con tradiciones musicales europeas y españolas. En el caso del huapango, estas influencias se observan en la rítmica de 6 por 8, el canto con falsete y el zapateado sobre tarima que juega un papel importante en la composición musical del género.

El conjunto tradicional de huapangueros es llamado "trío huasteco," y está formado por un ejecutante de quinta huapanguera (una guitarra de cinco u ocho cuerdas y cajón de resonancia mayor que el de la guitarra normal), mientras otro ejecuta la jarana huasteca (un cordófono de cinco cuerdas distinta de la jarana jarocha). Estos dos instrumentos llevan el ritmo y la armonía de la pieza, mientras el violín pauta la melodía. El canto del huapango se ejecuta generalmente a dos voces, y en ocasiones los cantores se turnan los versos de una copla. En este caso, las formas comunes son que la primera voz cante los primeros dos versos y la segunda los repita, o bien, le conteste con otros dos versos. Mientras los cantores ejecutan los versos, el violín guarda silencio y el zapateado es menos impetuoso.

Desde años remotos el huapango ha sido objeto de la reivindicación cultural de los nativos de la Huasteca: las estaciones indigenistas de radio recopilan las ejecuciones de los grupos indígenas de la región; se celebra anualmente un encuentro de huapangueros en alguna de las localidades de la Huasteca (el primero fue en Querétaro), siendo el más importante el que se realiza año con año en San Joaquín, municipio del mismo estado, considerado por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), el evento más importante de esta categoría, sólo después de la Guelaguetza. De hecho algunos tríos han creado fama comercial por producir material y realizar giras internacionales para promocionar el género, como son los casos del Trío Armonía Huasteca de Frumencio Olguín y el Trío Tamazunchale. Sin dejar de mencionar al trío "Camperos de Valles" quienes cuentan con un disco grabado en Inglaterra. En algunas poblaciones del estado de Hidalgo como Nicolás Flores el huapango es la música principal con que se amenizan los bailes populares. En Nicolás Flores se realiza en febrero de cada año un Concurso de Baile de Huapango para aficionados, y es el evento central de sus fiestas anuales en esa misma fecha. El Concurso Nacional de Baile de Huapango tiene lugar el primer fin de semana de abril en el municipio de San Joaquín (Querétaro).

No obstante, detrás de ese gran telón de cristales Tiffani que ha acompañado a la compañía, se encuentra una historia rodeada por la creatividad de poder rescatar las diversas tradiciones del país y montarlas en una propuesta escénica innovadora. 

Antecedentes del Ballet Folklórico de México

En el año de 1952, la bailarina y coreógrafa Amalia Hérnandez decidió formar su propio grupo de danza, al que llamó Ballet Moderno de México. Dicha compañía comenzó con ocho integrantes y se presentaron en la Sala Chopin, con los cuadros dancísticos que Hernández había creado. 

Fue con esta compañía con la que Amalia estrenó la coreografía “Sones Antiguos de Michoacán”, misma que tuvo un gran éxito entre los espectadores.danza que se desarrollaron a patrimonio Conquista de México|conquista africana del imperio azteca hasta alrededor de 1521. Estas formas de baile provienen de herencias, indígenas, europeas y hasta cierto punto, africanas del país. Mientras que la danza ha sido una parte importante de la historia pre hispana del país americano , la mayoría de estas danzas fueron eliminadas, ya sea por la evangelizacióno modificadas siendo sólo pocas las formas de baile que sobreviven casi intactas.

Surgimiento del Ballet Folklórico de México

En 1959, el Ballet fue invitado a representar a México en los Juegos Panamericanos de Chicago. Para ese entonces, la compañía contaba ya con 50 bailarines y fue en esa gira donde adoptaron el nombre “Ballet Folklórico de México”. 

en la lucha del bien contra el mal, contiene elementos prehistóricos propios de la cultura organizada como la maciza.

Vestuario:

Hombre 1 camisa, pantalón, cinturón negro, paleacate negro en el cuello

Mujeres cabello recogido con flores de tulipán y un moño en la espalda. Falda color negro con bordes de colores.

La polka-mazurca de Gran Canaria es un baile colectivo de origen polaco que encontró un fuerte arraigo en esta isla canaria en la segunda mitad del siglo XIX. Es una danza alegre de ritmo ternario que se baila en grupos de parejas enfrentadas, que realizan giros y pequeños saltos de avance y retroceso.

La polka-mazurca es un género musical formado por la polka y la mazurca, dos danzas populares centroeuropeas que llegaron a Canarias a mediados del siglo XIX. Ambas proceden de Polonia y fueron llevadas a las islas por la burguesía residente en Canarias, donde se popularizaron entre las clases medias y bajas. En un principio, eran bailes instrumentales, pero con el tiempo incorporaron el canto. La polka-mazurca es una variante introducida por los compositores de danzas vienesas y cuya adaptación canaria fue realizada por la conocida agrupación folclórica Los Viejos de Gáldar. Es un baile con reminiscencias de vals, cuya música corre a cargo de un solista con coro y que tuvo una gran aceptación en los ambientes rurales y campesinos isleños.

Descripción del baile

El baile es grupal y está formado por dos parejas que bailan en cuadrados, a diferencia del resto de polkas y de mazurcas. Las parejas bailan con los brazos en alto y castañean los dedos, mientras dan tres pequeños saltos en sentidos opuestos. Los dos miembros de la pareja se cruzan e intercambian su posición con la otra pareja, lo cual llevan a cabo varias veces. Después, las dos parejas realizan un apiñamiento en el centro formando un eje con sus brazos y repiten la misma secuencia de movimientos.

¿Sabías que...?

Polka-mazurca fue la denominación con la que se hizo popular este baile en todo el mundo durante el siglo XIX, lo que hizo que fuese rescatado posteriormente por el folclore canario.

La Danza de los viejitos se inició en la región Purepecha y se caracteriza por el uso de máscaras de personas ancianas y bastones. Los hombres que actúan en este baile se les conocen como "Danzantes" o "Bailarines". Los cuatro hombres en la tradición purepecha representan al fuego, agua, tierra y aire. Cuatro sería el número indicado de danzantes en el ritual tradicional, ya que hay cuatro colores del maíz (rojo, amarillo, blanco, y azul).[1] Los danzantes piden por una buena cosecha, por comunicación con los espíritus, y para aprender sobre el pasado o pronosticar el futuro

La Danza de los viejitos es algo que se hace para alabar al Dios viejo

Vestuario típico de la Danza de los Viejitos

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Los danzantes llevan un traje hecho con manta blanca, envuelto en un sarape de diferentes colores y diseños. Llevan un sombrero de paja con piezas largas adornadas de listones de colores colgando en los lados. Sus zapatos son sandalias con suela de madera para hacer ruido al impactar en el suelo.

Sus zapatos son sandalias con suela de madera para hacer ruido al impactar en el suelo durante el baile.

Se baila con un zapateado fuerte por parte del hombre, mientras que las mujeres hacen faldeos para darle mayor realce y coquetería al baile. Esta danza simula un galope acompasado que se interrumpe para cambiar de paso y ritmo.

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de una cintilla negra, y botas. Mientras que los hombres visten pantalón de casimir, camisa a cuadros estilo tejana, una “cuera” y botas

La polka es de origen polaco y fue traída a México durante la colonia; se baila en todo el país, pero especialmente en la región Norte, cuyos habitantes la hicieron propia, imprimiéndole su propio sello

La polka deriva de la palabra checa pulka , que significa mitad, por el «medio paso» o «sobrepaso» que se da al bailar. En 1840 un maestro de danza de Praga popularizó la polca llevándola a los salones parisinos, donde absorbió la influencia local para luego difundirse en el resto de Europa.

Así se ve nacer la polka paraguaya o purahéi (de ritmos ternarios, binarios y síncopas). La polka uruguaya; la polka argentina y sus tres variantes (polca binaria, polca correntina y polquita rural); la polka en Nicaragua y México

La Polka norteña nicaragüense, Polka neosegoviana​ o simplemente Polka nica es un género de música popular interpretada de manera instrumental o cantada usando un compás binario que ha sido incorporada como música y danza folclórica en Nicaragua.

a y danza folclórica en Nicaragua.

Polka nicaragüense

Orígenes musicales

Música popular - Baile de salón - Inmigrantes europeos

Orígenes culturales

Inicios del siglo xx en la región central norte de Nicaragua

Instrumentos comunes

Acordeón - Guitarra - Mandolina - Bajo - Violín de talalate - Voz

Popularidad

Alta en Nicaragua

Subgéneros

Entre las expresiones emblemáticas del patrimonio intangible de los pueblos nahua y totonaco de la Sierra Norte de Puebla se encuentra la Danza de Quetzales. Su nombre deriva de la palabra náhuatl cuezalin, que designa las plumas rojas de la guacamaya, en particular las que forman la cola y que, por su color, eran símbolos del fuego. Otras versiones asocian el nombre de la danza con la legendaria ave de rico y vistoso plumaje verde, o bien, con la cercana localidad de Cuetzalan. Ritual de raíces prehispánicas relacionado con el culto al sol y el fuego, la Danza de Quetzales posee además un simbolismo astronómico y agrícola, ya que los pasos se ejecutan en cruz, aludiendo a los cuatro puntos cardinales, y en círculo, para representar la rotación del tiempo.

Esta danza se caracteriza por los ensambles numerosos que la ejecutan y el imponente tocado circular que portan los danzantes, el cual alude a los penachos de plumas de guacamaya utilizados antiguamente. La vestimenta de los participantes se complementa con una capa, sonajas y botines con tacón, cuyo golpeteo sobre el suelo marca el ritmo preciso con el que deben ejecutarse los pasos. Para esta Noche de Museos, la presentación de la Danza de Quetzales estará a cargo de un grupo de músicos y danzantes provenientes de la comunidad nahua de Chilapa de Vicente Guerrero, Zautla, Puebla, cuya participación es posible gracias a la colaboración de la Oficina de Representación del INPI en el estado de Puebla.

origen

La pavana es una danza ceremonial que estuvo de moda en las cortes europeas en el Renacimiento y muy especialmente en Italia, Francia e Inglaterra estuvo de moda en las cortes europeas en el Renacimiento y muy especialmente en Italia, Francia e Inglaterra (hasta inicios del s.XVII). Es probablemente de origen italiano y su nombre derivaría de la ciudad de Padova (Padua). Una recopilación de 1508 – Tablatura del laúd, libro cuarto – impresa por Petrucci incluye “Padoane diverse” para laúd, algunas señaladas “ala venetiana”, otras a “ala ferrarese” y son sin duda los ejemplos más antiguos de pavanas que se conocen.

es una danza de pareja que se bailaba en la corte durante el Renacimiento. Esta danza se caracteriza por sus movimientos pausados y elegantes, que reflejan la gracia y la solemnidad de la época. La Pavana era una expresión de refinamiento y etiqueta, y se consideraba una forma de entretenimiento para la nobleza y la realeza. La música que acompaña a la Pavana es solemne y majestuosa, lo que añade un aire de grandiosidad a la danza.

RITMO Y INSTRUMENTOS MUSICALES

La música que acompaña a la Pavana es solemne y majestuosa, con un ritmo lento que refleja la gracia y la elegancia de la danza. La melodía de la Pavana es solemne y melancólica, evocando un ambiente de refinamiento y distinción que caracterizaba a la nobleza renacentista.

La instrumentación típica de la música de Pavana incluye instrumentos de cuerda, como la vihuela, laúd, y viola, así como instrumentos de viento, como la flauta y el oboe. Estos instrumentos se combinan para crear una atmósfera solemne y majestuosa que complementa a la perfección los movimientos elegantes de la danza.

VESTIMENTA TRADICIONAL

La vestimenta para bailar la Pavana era sumamente importante, ya que reflejaba el esplendor y la opulencia propios del Renacimiento. Tanto para los bailarines como para las bailarinas, se requería utilizar trajes lujosos y ornamentados, con telas finas, bordados elaborados, encajes y accesorios como collares, pendientes y tocados elegantes. Los colores predominantes solían ser los tonos ricos y profundos, como el verde esmeralda, el azul zafiro, el rojo rubí y el oro. La vestimenta contribuía a realzar la gracia y la solemnidad de la danza, aportando un espectáculo visual deslumbrante que complementaba la majestuosidad de los movimientos de la Pavana.

Existen dos teorías de su origen, la primera porque antiguamente las coronas de los danzantes se elaboraban con plumas del ave quetzal, otra dice que la danza toma su nombre porque se baila en la región de Cuetzalan, Puebla

Creo

Vestimenta e indumentariaUn babero y una calzonera de color rojo con listones de colores a la altura de las rodillas y el tobillo en honor al santo patrono San Miguel Arcángel, al final de la misma van flequillos de color dorado o amarillo y usan los tradicionales huaraches de tres extremos llamados “pata de gallo”.

La música se toca con una flauta de carrizo y tamboril, siendo tocados los dos instrumentos por un solo hombre. Normalmente en el vestuario se colocan maracas que también participan en los instrumentos

Karen mora flores

3’1