Lo que se puede ver a grandes rasgos a partir de las siluetas plasmadas (estilización), es un hombre con su miembro de gran tamaño expuesto, rodeado de un grupo de mujeres semidesnudas con cuerpos curvilíneos y senos grandes que parecen estar bailando a su alrededor; también se incluye la figura de un animal con el vientre hueco. Las siluetas de las mujeres son de mayor tamaño a comparación de la del hombre, y sus colores van del rojo ocre a negro. No se ve ningún tipo de sombreo o algún seguimiento tridimensional.

Lo que ha llevado a pensar que esto es representativo de una danza es que la figura del hombre destaca a pesar de estar rodeado por el resto de siluetas. Las posiciones en las que las mujeres se encuentran y cómo están no del todo derechas representa de alguna manera el movimiento del baile. Ya de por sí, el arte rupestre está basado en su mayoría en dos temas que son la caza y la fecundidad. Y lo que representa esta obra precisamente es algo espiritual, ritualístico. Ya enfocándonos en los animales y en las características del arte levantino, usualmente se plasmaban aquellos que eran domesticados. Con todo esto en mente, La Danza Félica es una pieza representativa de costumbres, estándares y rituales que eran considerados y llevados a cabo desde el período Mesolítico.

Referencias:

ferbierzo (2015) La Danza Fálica. Sacado de: http://ejemploscomentariosarte.blogspot.com/2015/10/la-danza-falica.html

Generalitat de Cataluña (NF) Roca dels Moros. Sacado de: https://patrimoni.gencat.cat/es/coleccion/roca-dels-moros

Pinturas Rupestres (2018) Pintura Rupestre, Danza, detalle. Sacado de: Felica,https://pinturarupestre.es/producto/danza-falica-detalle/

La imagen nos muestra una mujer vestida con una tela blanca que en algunas partes está más transparente que en otras; cubre su torso completo y su brazo izquierdo dejando su hombro y brazo derechos descubiertos, además, su pecho derecho también está desnudo. Su cabellera es negra y en la parte superior de su cabeza, adorna con una corona. La mujer también porta un collar de gran tamaño, un pulsera en cada una de sus muñecas y un brazalete en cada lado.

Lo previamente descrito retrata a Tapju, con una posición de su mano derecha a la altura de su rostro, y la izquierda sosteniendo un menat (artefacto egipcio asociado con la diosa Hathor). Gracias a sus adornos y a su corona —que en realidad es un cono hecho de grasa (usado para aromatizar el cuerpo)— , se deduce que ésta mujer fue parte de la nobleza en el Antiguo Egipto. Ya teniendo en cuenta lo que Tapju sostiene en la mano ; que éste está relacionado con la diosa de la maternidad, la alegría y el amor y que la pieza fue parte de la tumba de su hijo Nebamun… se puede considerar que ésta mujer de la nobleza fue una devota madre y mujer de hogar. (304 palabras)

Brooklyn Museum (NF) Lady Tepju: https://www.brooklynmuseum.org/opencollection/objects/3743

Mitchell, P (NF) Women in Ancient Egypt Art: https://artsandculture.google.com/usergallery/YALyTbQa38HGLg

https://en.wikipedia.org/wiki/Painting_of_Lady_Tjepu 
https://en.wikipedia.org/wiki/Menat
https://www2.uned.es/geo-1-historia-antigua-universal/EGIPTO%20RELIGION/DIOSAS/HATHOR.htm#:~:text=Hathor%20era%20la%20diosa%20de,fertilidad%20y%20de%20la%20vida.

La segunda obra es Atenea y Alcioneo del Friso del Altar de Pérgamo, perteneciente a la Grecia Helenística. Fechada en 188 A.E.C. Éste friso tallado en mármol hace parte de la obra de 120m del Pérgamo que representa la gigantomaquía (”la guerra de los gigantes”), encontrado en la Acrópolis del Pérgamo (Turquía). Actualmente está expuesto en el museo del Pérgamo, Berlin. Nos muestra la batalla entre la diosa Atenea y el gigante Alcioneo. Ella le agarra el pelo y lo alca sin demasiado esfuerzo, alejándolo de su madre Gea (la mujer en la esquina derecha inferior).

Ahora, haciendo una comparación de ambas obras. Primero es de destacar que las dos se concentran en la belleza y la naturaleza humana. Desde los principios de la revolución artística que trajo Grecia, resalta el interés de los artistas en el realismo y la anatomía a comparación del arte rígido e idealista Egipcio. No obstante, cómo ya sabemos hay una gran diferencia entre la época clásica y la helenística. Por el lado clásico… es notorio que todavía hay una rigidez y búsqueda de idealismos respecto a la belleza. Las estatuas de las Cariátides sí tienen un poco de inclinación y posado sin embargo se ven derechas y mirando al frente. Sus rostros serios y sin algún tipo de emoción. Además que están completamente quietas, no hay dinamismo ni en sus cuerpos ni en sus telas. Por el lado helenístico, ya podemos ver un poco más de riesgo por parte de los artistas, hay mucho más dinamismo y expresión en cada una de las figuras esculpidas. Vemos el rostro de Alcioneo y cómo éste deja rigidez para mostrar sufrimiento y dolor. Los músculos, las telas, todo es mucho más pronunciado y con más vida. Hasta el cuerpo de la mujer se expresa con sensualidad… casi se siente como si fuera real. Ya las estatuas no están en una posición recta, tienen crean sus poses de acuerdo a la historia que están contando.

(388 palabras)


http://sombrasdetinta.blogspot.com/2012/04/la-acropolis-iv-el-erecteion.html

https://rohuelatamaral.blogspot.com/2013/01/atenea-y-alcioneo-del-friso-del-altar.html

https://arttis.files.wordpress.com/2010/05/las-cariatides-del-erecteion.pdf

https://lacamaradelarte.com/obra/altar-de-pergamo/

https://es.wikipedia.org/wiki/Altar_de_Pérgamo

La obra nos muestra a cuatro personajes con posturas rígidas. En el centro, vemos a una mujer con un manto azul cubriéndole todo el cuerpo; sostiene a un niño que lleva una túnica amarilla con rojo. Ambos miran hacia el frente. Ya a su lado derecho, hay otra mujer con ojos claros y cabello rubio; posa con prominente joyería como aretes, collares, accesorios de pedrería en su túnica y una gran corona. Además, sostiene lo que parece ser un pergamino en sus manos y está mirando a su derecha. Finalmente tenemos a un hombre a la izquierda vestido con lo que parece ser una armadura apedreada y una corona. Sostiene en sus manos una pequeña bolsa de tela y está mirando a su izquierda. Los tres están rodeados de un fondo dorado y llevan halos. Aparte, hay escrituras a su alrededor.

El análisis se va a enfocar en la emperatriz bizantina Irene quien se encuentra a la derecha de la obra. Sin embargo, se hará uno general. En el centro, vemos a la mujer cubierta, esta es la Virgen sosteniendo a Jesús. A su lado están Juan II Komneno y la emperatriz Irene. Irene, fue una emperatriz revolucionaria porque ella estaba a favor de la adoración a las imágenes, y pudo legalizar dicha práctica por un tiempo. Después de que terminara la iconoclasia, la iglesia fue la que agregó los mosaicos. Se puede concluir que esta mujer quien fue revolucionaria para la religión, tuvo un papel importante y por eso la iglesia decidió poner su imagen. (300 palabras)

https://www.artehistoria.com/es/obra/teotokos-entre-juan-ii-y-la-emperatriz-irene

https://arts.st-andrews.ac.uk/monasticmatrix/figurae/emperor-john-ii-komnenos-and-empress-irene-hagia-sophia

Las dos piezas están compuestas por dos personajes, en donde cada uno está a los costados de la obra horizontal. En la primera obra: a la izquierda hay una figura con rasgos masculinos, además de eso lleva alas de pájaro en su espalda, va vestido con túnicas de color rojo y verde y en su mano izquierda porta una flor blanca. A la derecha, una joven con el cabello rubio, largo y rizado; porta ropa colorida y una falda larga, además de eso, tiene una aureola sobre su cabeza. Ambos personajes se miran fijamente mientras el masculino parece estar haciendo una venia ante la joven. El paisaje que les rodea es uno muy campestre, se encuentran en un jardín lleno de flores, árboles y a lo lejos hay un río que lleva a otro pueblo o asentamiento. La segunda obra también compone por dos personajes a cada lado. A la izquierda, igual que en la anterior, se encuentra un hombre con ropa oscura y ostentosa. Lleva una expresión seria en su rostro, y sus ojos están mirando directamente a la mujer que se encuentra en frente. Él está arrodillado y sostiene las manos en forma de oración. A la derecha, una joven también con cabello rubio vestida con una capa roja adornada que le cubre todo el cuerpo. Está sentada, y en su regazo se encuentra un bebé portando una cruz cristiana. Sobre la mujer, hay una criatura con aspecto humano y alas, poniéndole una corona. De fondo se ilustra una ciudad con muchísimo detalle, un paisaje lleno de verde y un río. Parecen estar dentro de un castillo.

Analizando ambas obras, tenemos que tener en cuenta que en las dos la mujer en la derecha es la Virgen. En la obra de Da Vinci, vemos la narrativa del momento de la anunciación del arcangel Gabriel sobre la venida de Jesús. En cambio, la obra de Van Eyck viene siendo simplemente una representación de dos figuras sagradas al lado del que mandó a hacer la pintura. Como podemos notar, también cuentan de dos etapas diferentes de la vida de la Virgen, lo que es el momento en que ella se entera de su embarazo, y cuando ya tiene al niño en sus brazos. La Virgen durante el renacimiento fue un ícono para la sociedad sobre cómo era una mujer ideal por su pureza, honestidad y buena voluntad. Es representada aquí en dos diferentes contextos, en la italiana un contexto más religioso y en la nor-europea, religioso pero el hecho de que el pidió la comisión esté en una posición igual que la virgen, le quita un poco de “divinidad” a la figura divina.


https://personal.us.es/alporu/histsevilla/mujer_ideal.htm

La pieza nos muestra a una mujer joven con su torso ligeramente inclinado hacia su derecha, mirando fijamente a los ojos del espectador. Tiene su cabello oscuro recogido y adornado con una pañoleta amarilla posicionada de tal manera que aparenta ser un sombrero. La joven aparece semidesnuda con dos telas de seda cubriendo la mitad de su cuerpo para abajo; la primera es translúcida teñida de un poco de blanco va desde debajo de sus pechos hasta el final de su estómago; la segunda viene a ser roja y mucho más opaca, ésta le cubre las piernas. Las manos de la mujer están posicionadas de una manera en la cual una de ellas (la izquierda) cubre sus zona púbica, y la derecha sostiene delicadamente su pecho izquierdo descubierto. Porta un brazalete azul con dorado en su brazo zurdo. El fondo de la pintura es uno oscuro, y es casi imperceptible el bosque que hay detrás.

La obra presenta a Margherita Luti, una mujer que fue conocida como la amante y modelo del famoso artista Rafael Sanzio. Esta joven fue la inspiración y referencia para muchas de las obras del artista, aunque La Fornarina es la que encuentro más empírica y transparente en el sentido de que Margherita se muestra semidesnuda y expuesta. Se puede comparar con la Donna Velata, una obra del mismo autor, en donde ella está vestida con ropas más ostentosas y elaboradas, aunque sigue sosteniendo su pecho izquierdo. El hecho de que Rafael haya decido retratar a Margherita como ella misma (sin vestiduras, sensilla y vulnerable), muestra su total relevancia en la vida del artista, pues difiere de los patrones de belleza renacentista y no asimila las clásicas madonnas del mismo autor. Esta es una obra en la que se muestra una mujer con muchísima relevancia para el arte del renacimiento en el siglo XVI, pues fue el gran apoyo y la gran base de muchos proyectos culminados por Sanzio. Finalmente, el fondo oscuro, contrasta de sobremanera con la piel clara de la señorita, lo cual la hace resaltar más. 

https://es.wikipedia.org/wiki/Margherita_Luti
https://es.wikipedia.org/wiki/La_Fornarina
https://www.elsevier.es/es-revista-revista-medica-clinica-las-condes-202-articulo-la-fornarina-1518-1519-rafael-sanzio-S0716864013702153

A primera vista, vemos que hay cuatro personajes participando en la escena: dos mujeres y dos hombres; además, dos caballos que se encuentran por detrás de estos. Lo que más llama la atención es la completa desnudez en la que se encuentran las dos mujeres; una de ellas se encuentra de espaldas, tiene una posición en la que se deduce que se cae hacia atrás y parece como si estuviera colgando del brazo de uno de los hombres, sus brazos están extendidos a lados opuestos, sus palmas abiertas, su rostro con una expresión de terror. Ella está adornada, su cabello lleva trenzas y en su brazo derecho tiene un brazalete lujoso. La otra mujer no se diferencia respecto al tema de los adornos: su cabello está adornado con perlas, lleva aretes y una pulsera dorada. En cuanto a su expresión corporal: tiene su torso doblado hacia su izquierda, está en una posición muy incómoda, con su pecho expuesto y uno de sus brazos levantados hacia el cielo, su rostro también expresa terror. Los dos hombres están en posiciones en las que se ve que intentan contener los movimientos de las dos jovenes. El hombre de la derecha, va sin camisa y tiene una piel bronceada, su cabello es rizado y castaño. Sostiene a las dos mujeres: a cada una con cada brazo; sin embargo, tiene su mirada fija en la mujer de espaldas, la ve con ojos lujuriosos y una pequeña sonrisa en sus labios. El de la derecha no se diferencia de su compañero, pues sostiene a la otra de la pierna firmemente y la ve sin pudor alguno. Este lleva una armadura griega, también con su piel bronceada y cabello castaño. En la parte de atrás, vemos a los dos caballos alzando sus patas en posiciones heroicas, y dos querubines acompañando la escena. El fondo es de un paisaje natural, con montañas, árboles y un cielo azul que aparenta un atardecer. 

Ya para analizar, cómo el título de la obra lo dice, se narra el rapto de las hijas de Leucipo: historia que hace parte de la mitología griega. Las dos mujeres que pretendo analizar aquí, tenían origen de la realeza, pues Leucipo su padre era un príncipe. Llama la atención su apariencia, pues es muy limpia: sus pieles blancas y sus adornos dan a entender que tenían relevancia en algún aspecto de estatus social (dan a entender que era alto o que eran privilegiadas) —comparándolas con las pieles más morenas de sus raptores—. Ahora, teniendo en cuenta la desnudez de las jóvenes, explícitamente se sexualiza a las dos por el simple hecho de que no estén cubiertas, sus expresiones corporales sean tan abiertas y las expongan tanto. No hay modestia. Las miradas de los hombres cuentan la historia detrás (después las violaron y desposaron). Hay una gran cantidad de dramatismo en la escena: el dinamismo de las figuras, los colores vibrantes y el paisaje le dan intensidad al asunto. Las caras de las mujeres son lo último que debemos ver para confirmar que están siendo raptadas en contra de su voluntad.

https://historia-arte.com/obras/el-rapto-de-las-hijas-de-leucipo

https://es.wikipedia.org/wiki/Rapto_de_las_hijas_de_Leucipo

https://es.wikipedia.org/wiki/Leucipo_(hijo_de_Perieres)