Cita 

Es una de los argumentos que de dice Berger que me

Gusta. 

“La pintura en la pared, como el ojo humano, solo puede estar en un lugar a la vez (…) la cámara lo reproduce, haciéndola más accesible a cualquier tamaño.” (Berger, 1972, episodio 1, ways of seeing.)

Esta parte es también una idea de que el avance de la tecnología hasta haciendo que lo antiguo ya no solo sea visto una vez sino muchas veces.

En el los otros capítulos quiere expresar los detalles de poder en las obras de arte los objetos y más el que se menciona es el dinero y los objetos de valor se enfocan más tomarle fotos a las mujeres. 

Referencia
Berger. J, (director), 1972. Modos de ver. (Documental)

Alma Elena Cardoso Martínez.

Universidad Iberoamericana de Puebla.

Filosofía del arte | Septiembre 2, 2022.

Modos de ver, de John Berger (Comentario 2).

A lo largo de esta serie nos vemos orillados a cuestionarnos la imagen, nos obligamos a cambiar el punto de vista que tenemos respecto a algo que nunca hemos puesto en duda, lo que podemos ver y el porqué lo vemos de determinadas formas. 

A lo largo de los años, el valor que le damos a la imagen socialmente hablando ha hecho que el arte figurativo y obviamente el mimético, los cuales se encargan de retratar las cosas sin cupo para la expresión propia dentro del cuadro, limitando la imagen a la copia casi exacta de lo observado, se piense como algo sumamente importante, casi místico pues antes nos acercaba a lo que no teníamos pero que aún así, gracias a la pieza se podía, apreciar de frente; otorgándole cierto deje de “exclusividad” a quien podía hacerlo. Aún cuando ahora la obra plástica ya no es necesaria para capturar lo que el ojo aprecia, la imagen que se concibe como artística (aurática) obsesiona a todos a tal punto de hacernos sentir la necesidad de poseerla por la singularidad que emana, por la experiencia que esto implica. 

Como ejemplo claro de esto tenemos a la Mona Lisa de Leonardo DaVinci, Un cuadro que retrata una mujer, cante una mirada rápida resulta común y corriente, con una estética la verdad poco innovadora, que A pesar de no tener alguna característica notoriamente cautivante todos deseamos ver, esto no sólo debido a la iconicidad de la imagen, sino al “valor social” que otorga la experiencia, de cierta forma da a quien la ha visto una clase extraña de superioridad ante los demás, decir compartiste cuarto con la Mona Lisa implica para mucho ser parte exclusiva de la historia de esta obra, a pesar de qué hoy en día no tiene mucho, esta obra cubre un poco la obsesión de poseer al menos el experiencia aurática de la imagen.

Ahora, en este nuevo periodo temporal se busca ir más allá, se habla de saber ver, de ver desde otro lado, desde el “no nosotros” y de dejar un poco a un lado el cómo se hace para poner atención en el qué dice. El arte tiene un nuevo peso en la era tecnológica y abarca más terrenos que antes, como por ejemplo, el de la publicidad y la propaganda, como se menciona a lo largo de la serie de John Berger, y toma para su ventaja la provocación previamente mencionada de “querer y poseer” pero ahora enfocada en un ambiente mercadológico, haciendo del mundo que nos rodea un objeto de deseo de consumo.

Referencias:

 -Berger, J. (Director). Dibb, M. (Productor). (1972). Ways of seeing. [Documental]. Reino Unido: BBC.

Esta facultad se describe como la conversión de un particular empírico en una totalidad simbólica, la cual no solo nos permite distinguir las propiedades ontológicas que hace que un objeto sea lo que es y no otra cosa, sino que además hace posible relacionarnos de forma más íntima con el objeto para así dotarlo de sentido y a nosotros mismos. 

De esta forma, Jessica Jaques apunta a que a la estética le interesan las formas de percibir el mundo (ser) y asimismo decodificar las relaciones simbólicas que proporciona la experiencia estética. En otras palabras, podríamos decir que la estética estudia todo aquello que provoca un efecto en la sensibilidad humana y con ellos las formas en las que se construye sentido sobre la realidad.  

"Las diversas maneras de mirar el mundo son, según la feliz expresión de Nelson Goodman, diferentes maneras de hacer mundos" (Jaques J. 2008)

Esta cita considero que justo demuestra cómo a través la experiencia estética el sujeto se relaciona con el mundo en la medida en que lo percibe y al hacerlo construye un sentido que le permite entenderlo con mayor profundidad; sin olvidar que además en esta interrelación mundo-sujeto, el individuo de igual manera se construye a sí mismo.

De esta forma la realidad pasa de ser un mero objeto a algo con lo que nos relacionamos, algo que con lo que construimos simbólicamente y, aún más importante, algo con lo que nos construimos a nosotros mismos.

Jaques, J. (2008). El sentido estético. Disturbis. Disponible en: http://www.disturbis.esteticauab.org/Disturbis234/Jaques.html 

Alma Elena Cardoso Martínez.

Universidad Iberoamericana de Puebla.

Filosofía del arte | Septiembre 23, 2022.

La mirada que tiene Jessica Jaques sobre el sentido estético me parece, en un principio y de forma muy resumida y burda, a esta frase que suele decirme mi mamá de que “ver no es lo mismo que observar”. Observar le da sentido a lo que se ve, y ayuda a encasillar al objeto en cuestión en una categoría que le califique según su nivel de estética. 

Me pareció muy interesante la explicación de la palabra “sentido” dentro de “sentido estético”, pues plantear el sentir como otra clase de inteligencia inherente al humano y pensarnos así como seres increíblemente sensibles y sensoriales que, a pesar de vivir en un mundo dominado por el intelecto matemático, constantemente expresan su sentimiento en cada aspecto imaginable de la vida es algo que no me había planteado jamás, pero que suena no solo congruente sino increíblemente real. Rescato, respecto a esto, la frase del texto que dice “Actuamos sentidamente cuándo se implica nuestro yo más íntimo, somos sentimentales cuando nos emocionamos con facilidad y sentimentaloides cuando lo hacemos de modo hiperbólico” (Jaques J. 2008)

El sentir va de la mano de emitir juicios, del sentido crítico, y muchas veces dicho sentido se puede perder o nublar al pasar por placeres o dolores intensos, insensatos. Y para bien o para mal somos seres que constantemente están en busca del sentido de todo.

La sensibilidad parece jugar un papel muy extraño al momento de hablar de arte, pues éste pretende generar el sentir y esto, sobretodo en el arte contemporáneo y las diversas ramas que el mismo ha recorrido al momento de expresarse así mismo, puede resultar más confuso que otra cosa. Su apelación al sentimiento es más difícil que aquella que se consigue al ver obras que se conciben más fácilmente, de una forma popular, como arte. Pues si de por sí, este es un tema de muchas subjetividades, lo que construye a una obra de arte resulta aún más subjetivo debida a lo personal de la experiencia.

Honestamente me cuesta mucho trabajo explicar el tema en si, pero aún así y como ejemplo de todo lo que leí me atrevería a usar la famosa escena de declaración entre el señor Darcy y Elizabeth en “Orgullo y prejuicio” (Joe Wright, 2005) donde, a pesar de ver que dos personas sienten algo entre sí, los factores morales, históricos, sociales e inclusive religiosos ( mencionados en la lectura como esencialmente afines a este concepto) interfieren en el a la atribución de características estéticas que tienen del otro. Hay un momento incluso en el que el señor Darcy hace referencia a este choque entre lo cuantitativo y cualitativo que encuentra en Elizabeth, su forma de mirada sobre ella se pone en tensión.

Jaques, J. (2008). El sentido estético. Disturbis. Disponible en: http://www.disturbis.esteticauab.org/Disturbis234/Jaques.html 

(Marga van Mechelen - Abyecto)
En estas te argumento Marga señala que lo abyecto se ha vuelto una puerta del arte que no se había tocado que la repulsión también puede tener un valor artístico que no debe haber solamente un valor sino más.

En lo abyecto se platican otras ideas se caracteriza este arte también como anal, orinal y  genital diferentes partes del cuerpo humano que debes ser consideradas objetos materiales naturales.

Julia Kristeva describe la abyección como idea estética psicoanalítica del arte y también necesaria para la preparación sexual, psicológica y social de una persona. Pero también es la idea de la expulsión de ideas importantes en la vida social de la persona es sobre salir de lo que nos explican desde casa y que no solamente es los valores que se recalcan.

Mechelen, M, V. (2010). El arte abyecto.
http://www.chasque.net/frontpage/relacion/9909/signos.htm#Signos

Mandel, C. (2013). Notas sobre la categoría de  ̈lo abyecto ̈ en las artes visuales contemporáneas. (ESCENA). (p-8).
https://revistas.ucr.ac.cr/index.php/escena/article/download/14450/13744/

 

Citas 

Pero en el mundo del arte de hov el curador normalmente no tiene una colección que atender, sino que es «in~iependiente», alguien a quien se le encarga puntualmente que preste sus cuidados a una exposición concreta, a una bienal o a una retrospectiva. Lo que caracteriza al curador contemporáneo es su creatividad. (Vilar, 2006, p. 213) 

Esta cita explica que como yo lo analizo en que también un curador y una persona que se encarga del arte hasta artistas tienen la libertad de promover de crear ideas y arte suyo propio sin tener que ser juzgado o guiarse de lo que puedan decir ideas religiosas o políticas, sino entrar de manera democrática de hacer tu trabajo.

Vilar, G. (2006). Razones en el arte contemporáneo. En Álvarez, J. F. y Aramayo, R. (eds.) Diseño e incertidumbre (pp. 195-217). Madrid, España: editores Plaza y Valdés 

Alma Elena Cardoso Martínez.

Universidad Iberoamericana de Puebla.

Filosofía del arte | Septiembre 23, 2022.

El tema del arte abyecto fue a mis favoritos, pues se habla de utilizar todo aquel material que “atente”con nuestra sensibilidad debido a lo inapropiado, repugnante e incluso amenazante que resulta, no sólo pone a prueba nuestra forma de percibir objetivamente una idea, sino que como artistas, rompe con una barrera socialmente establecida sobre hasta donde puede sacarse ventaja de la materialidad. Aquí se vuelve a comprobar que el arte va mucho más allá de ser sólo bonito, se cuestionan la repercusiones que la “pantalla-tamiz” ejerce sobre nosotros al momento de interpretar lo que se nos planta enfrente

Hasta donde yo lo entendí, ese tipo de arte está asociado sobre todo con los materiales que se utilizan para su realización, siendo estos sudor, sangre, semen, orina, heces, cabello, uñas, entre otros… pero luego hablamos del performance, y salieron temas como la matanza de animales o la masturbación pública, y todo se volvió un poco más ambiguo, vinieron a mi mente piezas como “Mierda de artista” de Piero Manzoni, pero a una parte de mí le resultó muy evidente el por qué sería abyecta esta obra, así que me puse a pensar un poco más y llegué a Jenny Saville y a sus obras basadas en el concepto de cirugía plástica. 

En estas piezas, Saville logra proyectar la incomodidad al espectador al momento de apreciar escenas inmediatamente posteriores a una cirugía estética; es incómodo, es duro de ver, tal vez porque resulta casi violento y proyecta una realidad que a menudo no se muestra al hablar de este tema. Tal vez no está hecho con “materiales cuestionables”, pero logra causar este impacto sobre la estética a la que estamos acostumbrados al momento de apreciar en una obra de arte.

Referencias

Foster, H. (2017). Abyecto. En Malos nuevos tiempos (pp. 11-39). España: AKAL.

Alma Elena Cardoso Martínez.

Universidad Iberoamericana de Puebla.

Filosofía del arte | Septiembre 30, 2022.

Durante estas lecturas nos plantean dos puntos de vista respecto al arte contemporáneo, el primero lo aborda desde una visión hasta cierto punto mercadológica donde se plantea la presencia del capitalismo debajo de la manta del arte, promocionando a este último solo como pieza de consumo comercial, que se piensa como un producto que complace a su comprador estando a su servicio y que promueve la privatización y la explotación. 

Por otro lado está la visión donde el arte conserva esta parte, en mi opinión esencial, de expresarse más allá del discurso político y capitalista global, impulsando al espectador a generar ideas propias respecto a determinados temas. 

Pienso como ejemplo en el Archive of Our Own (ao3), un portal en internet dedicado a albergar todo el fanfiction escrito desde que la práctica se volvió mucho más común en la década de 1960. Estos escritos se popularizaron gracias a la existencia de fanzines que se regalaban en convenciones del show de TV Star Trek.
A medida que se hizo más y más común encontrar escritos sobre parejas de shows de t.v., libros, películas, etcétera, cierta comunidad de personas en internet se vieron llamadas gracias a un manifiesto llamado An Archive of One's Own (en referencia al libro de Virginia Woolf), en donde un miembro con el nombre astolat (ahora conocida como la novelista Naomi Novik) escribía sobre el derecho de los lectores de contar con un espacio cibernético donde se les permitiera guardar, etiquetar y comentar todos los fanfictions que se quisieran. Nació la Organization for Transformative Works, que se encarga de mantener vivos estos portales donde se permite postear todo tipo de fanfiction, en cualquier formato, e incluso es un equipo de personas que trabajan en todo tipo de campos laborales; hay abogadas, médicas, matemáticas, escritoras, en su mayoría son mujeres que abogan por la libertad de estos escritos. Escritos que nacen desde la muerte del autor de un tipo de entretenimiento, hacen nacer al lector, y desde este mismo nace un nuevo autor que ahora es capaz de alterar la obra original para darle una nueva forma. 

Referencias:
Barthes, R. (1968). La muerte del autor. Recuperado de: https://teorialiteraria2009.files.wordpress.com/2009/06/barthes-la-muerte-del-autor.pdf

La lectura y la idea que expresa me recuerda a mucho a la idea se tenia hace muchos años con los griegos. Y es que también ellos tenían la idea de que las mujeres debían ser un tipo de objeto para los obras en procrear y cuidar a las familias desde casa. Los hombres se preparaba para entrenar y ser grandes guerreros y traer pan a la familia  mientras que la mujer se encarga desde casa cuidar y dar cariño y motivación digamos que se repite la misma historia. 

Cita

"era institucionalmente imposible para las mujeres alcanzar la excelencia o el éxito artístico en el mismo nivel que los hombres, sin importar el potencial de su llamado talento o genio" (Nochlin, 2001, p. 43)

Está frase me hace reflexionar de qué no es por qué no haya mujeres talentosas más bien es, porque no hay un registro de estas mujeres dentro del arte. Cuál era la postura que solamente los hombres tenían ese potencial yo creo que linda quería dar a conocer que todos tenemos potencial y se les debería tratar todos por igual en el arte. 

La chica Danesa (2015)

Esta película es la época de los 20’s donde una pareja son artistas profesionales y hay escenas en donde la mujer esta queriendo mostrar su arte pero no es reconocida por qué lo consideraban algo ilegal y fuera del arte y el tenia más fama y reconocimiento. Y para mostrarlo él tenía que pintar o demostrar si era una artista muy profesional ante la audiencia y gente de la institución y bueno la trama en general es mucho más extensa pero ella junto con su pareja quería tener el reconocimiento de otros. 
 

Alma Elena Cardoso Martínez.

Universidad Iberoamericana de Puebla.

Filosofía del arte | Octubre 22, 2022. 

Política y estética. 

La política y la estética al mezclarse conceptualmente dan como resultado el arte político, que mediante el uso de, performances, instalaciones, cuadros o cualquier otra técnica plástica reflejan los pensamientos políticos que tiene el autor. Tomando el concepto de lo político no limitándolo al orden gubernamental en el que vivimos sino más bien abarcando en el todo aquello que tiene relación con la sociedad. 

Una artista que es excelente ejemplo de esto y que estuvo muy presente al hablar de lo abyecto es Teresa Margolles y su obra que habla cuerpos en las calles, “¿De que otra cosa podríamos hablar?” (2009) dónde habla de la decisión del estado de militarizar la guerra existente en contra del narco elevando así las cifras de asesinatos en México y haciendo que no fuera necesario visitar una morgue para encontrar cuerpos, por lo que decidió empezar a trabajar en las calles, en su obra uso la sangre derramada, recolectada con agua caliente y tela, para trapear un salón de la Bienal de Venecia de ese mismo año.

“En las calles el cadaver ya era de la gente quienes al caminar se topaban con los cuerpos, el cadáver que antes era una cosa privada se convierte en una cosa pública”

Boris ahora dice que el arte se ha convertido en una forma de vida para las personas, se documenta como forma de vida es en esta parte donde él aclara que el arte tiene biopolitica, en reproducir y documentar las imágenes es por eso que Boris lo considera que la documentación artística puede estar dentro de la biopolitica.

“El tiempo llega cuando cada obra de arte muere, se rompe, se disuelve, se reconstruye –no necesariamente teóricamente sino sólo en el nivel material”–. (Groys, 2013, p. 26)

Aquí en esta parte Boris está haciendo referencia que el arte puede fallecer y puede volver a renacer dependiendo del tiempo es clara aquí la idea de entender sobre lo importante que es la documentación artística como parte de la forma de vida es cuando una persona se cae y puede caer más y logra levantarse para salir adelante.

 Boris Groys. 2013. Arte en la era biopolítica: de la obra de arte a la documentación del Arte. México; COCOM. https://monoskop.org/images/c/c2/Groys_Boris_Antologia

“La explicación de la obra se busca siempre en el que la ha producido, como si a través de la alegoría más o menos transparente de la ficción , fuera, en definitiva, siempre, la voz de una sola y misma persona, el autor, la que estaría entregando sus confidencias”

Cuando un autor finaliza un texto deja de pertenecerle, pasa a disposición de la cultura, de la gente. Cada persona asimilará la historia de distinta forma, sufrirá diferentes interpretaciones como lectores pudiera tener.

La pregunta es quién lee y con qué motivo, qué busca el lector. Estoy de acuerdo con Roland Barthes; de algún modo siempre he pensado que se escribe para morir en los demás y morir menos en uno mismo. Lo importante son los lectores, los tipos de lector. Cada texto que leemos es una recopilación y reinterpretacion de otros anteriores. 

Barthes R.(1968) La muerte del autor cubaliteraria https://teorialiteraria2009.files.wordpress.com/2009/06/barthes-la-muerte-del-autor.pdf

“que una mujer opte por una carrera y particularmente por una carrera artística ha requerido de un cierto rompimiento con los convencionalismos, tanto en el pasado como en el presente. Aun que la artista se rebele, o no, en contra de las actitudes de su familia o se fortalezca con ellas, debe (…)tener en su persona rica veta de rebelión para abrirse paso en el mundo del arte” 

(Nochlin,p.38)

Bueno esto se me hace muy increíble ya que se sigue viviendo en la actualidad en cualquier circunstancia, que la sociedad aun no pueda crees de lo que es una mujer capaz en realidad, porque solo a lo que se tiene que dedicar y enfocar es en, buscar un hombre que la mantenga, cuidar hijos, lavar planchar, cuando eso ya hoy en día se esta acabando y digo eso porque hay aun mujeres que siguen en esa ideología y esto ha ido de generación a generación. 

Se realizo una actividad muy interesante que me llamo mucho la atención yfue de mi agrado y sin querer realice una ironía.  "no creer en la capacidad de una mujer, pero si rezarle a una mujer"

Propone que las personas deben entrar de manera humana y de que haya una conexión  con la naturaleza, es un énfasis es de qué tenemos naturaleza pero no sabemos cómo utilizarla sino más bien lo usamos como fines de incorrectos y más ahora con el consumo y otras cosas se manifiestan, también lo noto como pro ejemplo en las guerras aquí entra una forma destrucción de cosas naturales. Ahora bien el arte parece entrar ayudar a este tema, reestructurando la materialidad y de otras miradas de lo natural. 

 “Dominamos y nos apropiamos de la  [la naturaleza): tal es al filosofía que subraya la idea industrial y la llamada ciencia desinteresada, en este punto indistinguibles.

La dominación cartesiana pone en primer plano la violencia objetiva de la ciencia, la

que convierte en una estrategia perfectamente controlable. Nuestra relación esencial con los objetos con la guerra y la propiedad” (Demos, 2020. pág, 189)

Aquí está parte se me hace muy interesante y remarca las actividades del ser humano que son causantes de esta destrucción de la naturaleza y qué debe recalcar esta idea de control.

Otro punto que plantea sholette es desde la  amateurización en el arte es por qué los artistas que tienen estudios académicos tras él pasión del tiempo no se vuelven artistas sino más bien utilizan un arte como si fuera un hobby o trabajan como segundo al mando de otros artistas esto a qué se debe que el arte se ha remarcado mucho esta idea que el arte no tiene una autonomía y se basa en lo que diga una institución y se propone a analizar cómo hacer que el arte sea autónomo. 

“La fantasía de la clase trabajadora, por lo tanto, parece apuntar a una doble función, crucial. En su nivel más básico, es un excedente contra-productivo que constituye un modo de resistencia de facto a la alienación. Éste no es meramente un límite metafísico, sino una fuerza material generada por el “residuo de deseos insatisfechos, ideas, de las propias leyes del movimiento del cerebro” (Sholette, 2015. p, 27)

Aquí el autor recalca desde mi punto de vista que la fantasía es la parte creativa del artista o la persona que es autónoma y no hay límites que las controle, podemos entrar en el mundo de la imaginación y solo la persona sabe cómo llevarlo entonces teniendo esta idea podríamos decir que se puede evolucionar y crear más ideas para que el arte pueda llegar hacer autónomo.  

Sholette, G. (2015) Materia oscura: Arte activista y la esfera pública de oposición. 

En esta parte se me hace interesante porque haraway recalca que ciborg no tiene esta idea de lo real o natural, quiere recalcar el avance de la tecnología y debe haber una oportunidad de que se puede convertir en algo real una reconstrucción. 

Referencia

Haraway, D. (1984). Manifiesto Ciborg, pdf.
ciborg.pdf (uvigo.es)

Ya no hay cosas básicas y un involucramiento de ideas sobre procesos de mejor vista en el arte, interpretación de la materia de las culturas en general. Los seminautas como los describe Bourriaud son las personas que pueden dar una idea original entre las culturas y acertijos que tiene así como representaciones en las obras y interpretaciones. 

“La producción de escenarios es uno de los principales elementos que permiten mantener el nivel de movilidad y de invención que necesita el aura dinámica de la asi llamada economía de mercado”. (Bourriaud, 2009, p. 54)

Aquí me gusta como el autor está expresando la postura que tiene sobre la producción es ahora un escenario que se a travez del mercado y de manera económica. Aquí me gustaría recalcar que el autor también está haciendo alusión a las diferentes ideas sociales en las que vivimos sabiendo quienes son las Personas que pueden comprar estas producciones. 

Bourriaud, N. (2009). Posproducción. La cultura como escenario: modos en que el arte reprograma el mundo contemporáneo (trad. Mattoni, S.) (3era ed.). Buenos Aires, Argentina: Adriana Hidalgo editora.