2.작품명: 모나리자

3.작품설명 이 그림은 여러 가지 면에서 선구적인 작품으로 당시로서는 새로운 방식인 유화기법을 사용했으며, 선을 부드럽게 하는 '스푸마토'(sfumato) 기법을 사용하여 엷은 안개가 덮인 듯한 효과를 주고 있다. 구도는 당시에 가장 기본적인 초상화 구도였던 피라미드의 형태를 띠고 있다. 또한 인물을 배경보다 높게 배치하는 방식은 오늘날 화가들이 흔히 사용하는 방법이지만 르네상스 시대에는 드문 방식을 사용하였다.

2.작품명:모나리자

3.작품설명:이 초상은 눈썹이 없는 것으로 유명한데,

이에 대해서는 당시 넓은 이마가 미인의

전형으로 여겨져, 여성들 사이에 눈썹을

뽑아버리는 일이 유행하였기 때문이라는

설도 있고, 미완성적이라는 설,

원래 눈썹이 그려졌으나 복원 과정에서

지워졌다는 설 등이 있습니다.

또 2009년 프랑스의 미술 전문 가는

240메가 픽셀의 특수 카메라를 사용하여

분석한 결과, 다빈치는 이 그림을

3차원으로 표현하기 위하여 유약으로

여러 겹을 특수 처리하였고,

가장 바깥에 그려졌던

눈썹이 수백 년의 세월이 흐르는 동안

화학반응을 일으켜 사라지거나

떨어져 나간 것이라는 주장을 제기하기도

하였다.

작품명 : 귀에 붕대를 감은 자화상

고흐의 작품 <귀에 붕대를 감은 자화상>은 1889년 고흐가 동거하던 미술가 고갱과 갈등을 겪고 자신의 왼쪽 귀를 자른 후 병원에서 충분히 요양 후 그린 그림이다. 고흐가 귀를 자른 이유에는 여러 가지가 있지만 그 중 대표적인 주장들은 동생 테오의 약혼으로 앞으로 지원이 끊길 것이라는 두려움에 귀를 잘랐다는 것과 그가 자주 마시던 술 압생트로 인하여 알코올 중독 증세로 인해 잘랐다는 것과 고갱과 미술적 차이로 인한 갈등으로 잘랐다는 등 현대 학자들이 추측한 여러가지 가설이 있습니다.

2.작품:진주 귀걸이를 한 소녀

3.설명작품 내외로 신비로운 그림. 이 그림엔 오직 "IVMeer"라는 서명만 있을 뿐, 연도가 기입되지 않았다. 작품이 의뢰에 의해 그려진 것인지도 확실하지 않으며 만일 의뢰받은 그림이라면 누가 의뢰했는지도, 작품의 대상이 되는 소녀가 누구인지도 알려진 바가 없다. 사실 이런 그림은 트로니(Tronie)라고 해서 두상을 부각시켜 그린 바로크 시대의 초상화를 일컫는데, 이 그림도 트로니의 일종이다. 당대에는 이런 트로니가 많이 제작되었고, 주로 화가들이 연습 삼아 상상의 인물을 그리는 경우가 많았는데 이 그림도 이 중 하나다. 그러나 후술할 특징으로 인하여 많은 이들의 상상력을 불러 일으키는 그림으로 평가받는다.

르네 마그리트의 회화에서 사물은 일반의 상식과 기대를 저버리는 방식으로 전개되곤 한다. 전혀 어울리지 않는 두 대상이 결합되어 나타나거나, 사물이 그 고유의 성질을 상실한 채 묘사되기도 한다. 한편 자연 법칙을 천연덕스레 거스른 초자연적 현상도 왕왕 그려지는데, <피레네의 성>이 그 경우다. 요새 모양의 성이 육중한 바위 정상에 솟아있고, 그 바위는 해변 위로 중력 저항 없이 마치 UFO 모선처럼 떠있다. 이 작품의 제목은 실현될 수 없는 백일몽을 뜻하는 프랑스식 관용어, ‘허공 위의 성곽’을 비틀어 쓴 것이다. 자연 법칙을 극적인 방식으로 넘어서기 위해 그는 거대한 바위를 등장시켰다. 돌덩이를 자주 등장시킨 1950년대를 일컬어 특별히 마그리트의 ‘석기 시대’라 이르기도 한다.

특히 <피레네의 성>이 제작된 1958년부터 1959년 무렵에는 볼륨감을 자랑하는 웅장한 바위가 화면에 빈번히 나타난다. <아르곤의 전투>(1959), <분명한 발상>(1958) 등이 이 시기에 그려진 것으로 모두 하늘 위에 붕 떠있는 바위를 형상화했다. 예술가이면서 미술 저술가인 수지 개블릭은 마그리트의 그림에서 관찰되는 중력 저항 현상을 두고 뉴턴 물리학의 절대적 시공간 이론을 전복시킨 아인슈타인의 상대성 이론의 견지에서 사물을 바라본 것이라 풀이한다. 쉽게 말하면 상대성 이론은 이제껏 예측 가능하던 시공에 대한 관점을 소멸시켰고, 그 이론이 발표된 시대를 살던 마그리트가 시공간의 상대성을 이미지화했으리라는 해석인 것이다. 하지만 이런 심층 해석보다 그림에서 관찰되는 초자연성, 중세 건축 양식의 성곽, 유령이 출몰할 것만 같은 분위기 등의 요소는 소설가 에드거 앨런 포의 고딕 소설에서 받은 영향을 기괴함의 시원으로 파악하는 해석도 있다.

작품명: 늙은기타리스트

작품설명: 고통의 청색시대 그 다음은 사랑의장빛빛시대 상처는 화상처럼 자국을 남기지만 승화된다

절망적인 여인,가난한 일가, 눈 먼 사람을 통해

슬픔과 아픔, 빈곤과 소외 등 인간의 다양한 고통을 청색으로 묘사한다.

2.작품명:빈센트 반 고흐의 파이프에서 물고 있는 자화상

3: 작품설명:빈센트 반 고흐(1853~1890)는 네덜란드 화가로 일반적으로 서양 미술사상 가장 위대한 화가 중 한 사람으로 여겨진다. 그는 그의 작품 전부(900여 점의 그림들과 1100여 점의 습작들)를 정신질환(측두엽 기능장애로 추측됨)을 앓고 자살을 감행하기 전의 단지 10년 동안에 만들어냈다. 그는 생존기간 동안 거의 성공을 거두지 못하고 사후에 비로소 알려졌는데, 특히 1901년 3월 17일 (그가 죽은 지 11년 후) 파리에서 71점의 반 고흐의 그림을 전시한 이후 그의 명성은 급속도로 커졌다.

오래 전부터 화가들의 공동체를 꿈꿔왔던 반 고흐는 아를(Arles)에 ‘노란 집’을 마련하여 고갱(Paul Gauguin, 1848-1903)을 이곳으로 초대했다. 여기서 반 고흐와 고갱은 함께 살며 작품에 대한 논쟁을 벌이기도 하고 함께 작품 제작에 몰입하기도 했다. 그러나 고갱과 빈번히 성격 충돌을 일으켰고 서로를 불신하게 되자, 1888년 크리스마스를 이틀 앞두고 반 고흐는 스스로 버림받았다고 생각하여 격분을 이기지 못해 자신의 왼쪽 귀를 면도칼로 잘라버렸다.

이 사건을 계기로 고갱은 파리로 떠났고 두 사람의 우정은 파국을 맞았다. 1889년 1월 7일 병원에서 퇴원한 반 고흐는 귀에 붕대를 감은 모습의 자화상을 두 점 그렸다. 하나는 우끼요에(일본판화)를 배경으로 한 자화상이며, 다른 하나가 바로 붉은색을 배경으로 파이프를 물고 있는 이 작품이다. 이 작품은 정신질환 이후에 그려진 것임에도 불구하고 이 작품에서 드러나는 색채감각이나 붓터치는 여전히 반 고흐의 뛰어난 예술적 감각을 보여준다. 이 작품은 그의 여러 자화상 중 색채의 대비를 가장 잘 드러내고 있다. 반 고흐의 초록색 코트의 배경에는 붉은색이 배치되어 있으며, 파란색 털 모자 뒤로는 오렌지색으로 배경이 칠해져 있다. 모자의 일부는 보라색으로 칠해져 있으며, 오렌지색 배경의 윗부분과 반 고흐의 파이프에서 둥글게 올라오는 연기는 노란색을 띠고 있다. 화면 전체적으로 볼 때, 모나게 그려진 반 고흐의 두 눈 높이를 기준으로 위 아래 두 부분으로 나눠 색의 대비가 드러난다. 위 아래 두 영역에서 각각 반 고흐와 배경의 색채를 대비시키고 있으며, 또 한편으로 윗부분 전체와 아랫부분 전체가 색의 대비를 만들어내고 있다.

2.작품명:사람의 아들(The son of man)

3.작품 설명: 르네 마그리트의 자화상인 <사람의 아들> 작품은 ‘초현실주의’ 화풍의 대표적인 그림이다. 이 작품을 자세히 보면 흐린 날에 바다가 보이는 담장 앞에서 정장을 입고 모자를 쓴 남자가 서 있다.

 <사람의 아들> 작품의 기이한 특징은 남자의 얼굴은 녹색 사과에 가려져서 표정을 볼 수 없다. 살짝 보이는 눈은 어딘가를 응시하는 것같다.

 이 작품의 다른 특징은 왼쪽 팔꿈치가 앞으로 배치되어 반대로 구부러지는 것이다. 마그리트는 사람들이 보이는 것보다 가려진 것에 더 관심이 있었고 보이는 것과 가려진 것 사이에서 갈등을 한다고 생각했다.

 마그리트의 <사람의 아들> 작품을 감상하면, 정해진 상식을 벗어나 새롭고 다양한 의미를 생각하게 된다. 현대 시대의 삶은 틀에 박힌 신념이 많다. 그는 틀에 박혀 있는 생각을 자유롭게 해방시켜주는 듯하다. 마그리트의 상상력이 있는 <사람의 아들> 작품은 여전히 현대 사회에서도 사람들의 주목을 받고 있다.

2작품명 모나리자

3 작품설명 작품은 부인의 나이 24~27세 때의 초상이며, 레오나르도가 프랑스의 프랑수아 1세의 초청을 받았을 때 이 미완성의 초상화를 가지고 갔었는데, 왕에게 4,000에큐에 팔려 퐁텐블로성(城)에 수장되었다. 때때로 세정(洗淨)도 하고, 광택용 니스를 바르기도 한 관계로 전체에 균열이 생겨 제작 당시의 시원스럽고 여유 있는 필치는 볼 수 없다.
이 초상은 눈썹이 없는 것으로 유명한데, 이에 대해서는 당시 넓은 이마가 미인의 전형(典型)으로 여겨져, 여성들 사이에 눈썹을 뽑아버리는 일이 유행하였기 때문이라는 설, 미완성작이라는 설, 원래 눈썹이 그려졌으나 복원 과정에서 지워졌다는 설 등이 있다. 또 2009년에는 프랑스의 미술전문가가 240메가픽셀의 특수카메라를 사용하여 분석한 결과, 다 빈치는 이 그림을 3차원으로 표현하기 위하여 유약으로 여러 겹을 특수처리하였고, 가장 바깥에 그려졌던 눈썹이 수백 년의 세월이 흐르는 동안 화학반응을 일으켜 사라지거나 떨어져나간 것이라는 주장을 제기하기도 하였다

앤디워홀은 켐벨스프 통조림을 통해 기술발전으로이미지가 대량복사되면서 정작 개별 사건이나 인물에 주의를 기울이지 않게된 현다사회를 풍자했다

스페인 여행을 다녀온 에두아르 마네는 스페인의 피리부대를 주제로 새로운 작품을 그리기 시작했다.

뒷 배경을 알아보지 못할만큼 뭉개놓아, 인물의 크기와 무게감을 파악하는것을 방해한다.

또한 무채색의 흐릿한 배경은 인물을 진하게 강조한다.

이 작품은 무명의 인물을 그렸단 점을 비롯하여 벨라스케스의 작품과 여러 공통점이 존재한다.

작품명: 아를의 여인

작품설명: 이 작품은 빈센트 반 고흐가 아를에 머무는 동안 자주 드나들었던 카페의 여주인인 기누 부인을 그린 것이다. 반 고흐는 처음 아를에 도착했을 때, 그녀의 집에서 하숙을 했었는데, 그녀는 반 고흐가 아를 지역에 잘 정착할 수 있도록 많은 지원을 해주었다. 그리고 이를 계기로 두 사람은 각별한 친구 사이가 되었다

“드디어 나는 그녀를 한 시간 만에 겨우 관찰해서 그릴 수 있게 되었다. 그림의 배경은 옅은 레몬색이고 그녀의 얼굴은 회색, 그녀의 옷은 모두 검정색이고 양산은 파란색이었다. 그녀는 녹색 테이블 위에 몸을 구부리고 오렌지 나무로 만든 팔걸이 의자에 앉아 있었다.” 이러한 그의 표현 속에서도 알 수 있듯이, 당시 반 고흐의 통속적인 대상 탐색 방법이나 자화상에 대한 강박증적 현상은 이 작품에도 그대로 나타났다

작품설명:1857년에 그려진 장 프랑수아 밀레의 대표작 중 하나다. 밀레는 쿠르베와 마찬가지로 그림의 주제에 대한 정치적 관점을 분명하게 드러냈다. 농부의 일상을 빈번하게 표현한 것은 이런 까닭에서였다. 상류층을 비판하기 위해 전원적 풍경과 농부의 노동을 즐겨 그린 것이다. <이삭 줍는 사람들>은 이런 밀레의 세계관을 잘 보여준다. 전경을 차지하고 있는 여인들은 열심히 일을 하고 있다. 이들의 등을 밝히는 햇빛은 마치 카라바조의 그림에서 그렇듯이, 신의 가호를 의미한다. 자연은 이처럼 신의 의지를 내포하는 현상으로 밀레의 그림에서 암시된다. 노동하는 여인들의 모습은 대지의 색조에 가까운데, 이를 통해 밀레는 상류층보다 이들에게 신의 축복이 내리고 있다는 사실을 넌지시 보여주고 있다. 원경에 보이는 저택과 말을 탄 사나이는 상류층을 상징한다고 할 수 있다.