Debido a la postura tanto de los hombres como la del ciervo, se puede evidenciar que existe un conflicto entre el animal y los humanos; ambos parecen tener una actitud ofensiva. Los humanos que tienen el arco están apuntando sus flechas al cuerpo del animal mientras que el animal parece estar acercándose a una alta velocidad a los humanos. Por lo tanto, y debido al contexto de la época, se puede afirmar que la persona que pintó esta obra quería emular una escena de caza de un ciervo.

 

El hecho de que cada hombre tenga un arma en sus manos descarta la posibilidad de que la pintura buscara emular una interacción pacífica entre los humanos y el animal. Por el contrario, la presencia de los arcos y la dirección a la que apuntan sus flechas implica que los hombres tenían la intención de hacer daño al ciervo y que se prepararon previamente para el encuentro con el animal.

 

La obra está representando lo que sería durante la época la expresión más común de violencia. En otras palabras, la obra demuestra que la violencia se utilizaba principalmente como un método de supervivencia y de defensa frente a las amenazas de los seres humanos. Los conflictos y la violencia entre humanos aún no se manifestaban tan frecuentemente como para despertar el interés de los artistas para emularlo en sus obras. 

Referencias imagen
Sarriá Boscovich, Elisa. “Las pinturas rupestres de Cova Remigia: (Ares del Maestre, Castellón)”. Universidad de Barcelona. 

 

A partir de los componentes mencionados anteriormente se puede identificar que el tema que el autor quería plasmar en su obra era una alegoría a la violencia como forma de entretenimiento. La postura y la forma en la cual están lanzando los golpes evidencian el hecho de que ambos comparten una forma de luchar similar, como si posiblemente se hubiesen entrenado bajo un mismo entrenador o bajo los mismos lineamientos. Los guantes que están utilizando indica que, a pesar de que se tratara de una actividad violenta, contaba con un elemento de seguridad para amortiguar los golpes.

 

Los artefactos decorativos que tienen en las cabezas podrían indicar bien que ambos sujetos tienen un alto poder adquisitivo, o bien que esta decoración era parte del espectáculo para entretener a un grupo de personas ricas que los observaban luchar. En conclusión, se puede determinar que el autor quería hacer referencia a que la violencia en el período minoico se utilizaba como medio de entretenimiento para la clase alta. A su vez, se puede llegar a pensar que este tipo de violencia podía ser vista como un arte en sí misma debido a que era necesaria una técnica y poseer ciertas habilidades. 

Autor: Desconocido

Material: Terracota con figuras rojas

Dimensiones: 34.8 centímetros

Fecha: Entre 480 y 470 a.C 

Estilo o corriente artística: Grecia Periodo Clásico

Lugar donde se encuentra: Metropolitan Museum. Nueva York, Estados Unidos

Autor: Desconocido

Material: Terracota

Dimensiones: 39.4 x 55.9 x 27.9 cm

Fecha: Entre 300 y 200 a.C 

Estilo o corriente artística: Helénico

Lugar donde se encuentra: Metropolitan Museum. Nueva York, Estados Unidos

Análisis visual

Seleccioné el criterio de características formales con el fin de resaltar las diferencias entre las técnicas aplicadas. 

 

La obra Terracotta Nolan amphora del periodo clásico es un ánfora de figuras rojas. Esta técnica le brinda una mayor cantidad de luz a las figuras ya que el contraste con el fondo negro hace resaltar particularmente el color rojo de los personajes. Por otra parte, la obra Urna cineraria en Terracota del periodo Helenístico es una urna hecha en terracota utilizada para depositar cenizas. Los colores que aún se pueden percibir están en la indumentaria de los guerreros y en una inscripción en la parte superior. En el centro de la obra ocurren todas las acciones, dándonos a entender que el autor quiere que el espectador enfoque su atención en esta parte. 

 

La diferencia más notable que hay entre ambas obras es que en la urna los movimientos de los guerreros son más detallados y naturales en comparación con los movimientos rígidos en el ánfora. Asimismo, en el ánfora no se puede visualizar expresividad en el rostro de los hombres mientras que, debido a la tridimensionalidad de la urna, se puede evidenciar cómo algunos de los guerreros tienen el ceño fruncido. En el ánfora sólo están interactuando las dos figuras a través de la lanza, mientras que en la urna todos los guerreros están interactuando y luchando entre sí. Finalmente, en el ánfora se puede visualizar el cuerpo entero de los personajes, mientras que en la urna hay un realismo mucho mayor, en el cual ciertas partes del cuerpo de algunos guerreros no se pueden ver ya que hay objetos sobrepuestos. 

 

A partir de estas características formales, se puede evidenciar que en el periodo helenístico la violencia era plasmada de la manera más realista posible. Es decir, se quería transmitir no sólo las acciones violentas sino también los sentimientos y el drama que estas traían consigo. Por otro lado, en el período clásico plasmaban la violencia simplemente como las acciones violentas. Es decir, debido a la falta de emotividad de los personajes, se le restaba la característica humana de la violencia que se encuentra en las obras helenísticas. 

Autor: Desconocido

Material: Mármol blanco

Dimensiones: 2.73 x 1.15 metros

Fecha: 250-260 d.C

Estilo o corriente artística: Arte romano

Lugar donde se encuentra: Museo Nazionale Romano. Roma, Italia.

Análisis visual
Para esta entrega decidí realizar el análisis del criterio de contexto histórico debido a la relevancia que tiene el motivo de esta obra frente al periodo en la cual fue hecha.

 

En primer lugar, la obra fue creada entre 250 y 260 después de Cristo, lo cual corresponde al periodo del Imperio Romano. Particularmente durante este siglo, el Imperio Romano estaba siendo constantemente atacado por pueblos bárbaros que buscaban debilitar el poder de Roma. Se puede argumentar que la escena del sarcófago hace referencia a una de las múltiples batallas que ocurrieron durante el periodo imperial entre Roma y los bárbaros. Lo más probable es que este objeto hiciese parte de una campaña de propaganda militar, mediante la cual se buscaba exaltar la grandeza del ejército y del imperio romano. 

 

Puesto que el sarcófago fue encontrado hasta el año 1621, no se puede determinar a ciencia cierta dónde se encontraba la obra originalmente o si hacia parte de una colección privada. No obstante, debido al contexto de la época y al uso del arte como propaganda, se puede pensar que estaba dirigida al público. Por lo tanto, el autor quería transmitir a los ciudadanos la fuerza que tenía el ejército romano sobre sus rivales. Los romanos portaban armaduras finas, estaban en posición erguida, y tenían una expresión seria y determinada. Por el contrario, los bárbaros tenían expresiones de súplica o de dolor, y la mayoría se encontraban sometidos por un romano. Adicionalmente, en el centro de la obra se encuentra el líder de los soldados montado en un caballo, quien podría representar al emperador. 

 

En conclusión, la violencia y la guerra durante el periodo de la Roma Imperial eran plasmadas en el arte como un símbolo de gloria y de honradez. En otras palabras, se puede evidenciar a través del arte que la guerra era utilizada como un medio para alcanzar la grandeza del imperio y la fascinación de su pueblo. En este sentido, la violencia no era vista como un acto de discordia, sino como un acto de valentía y honor. 

Autor: Desconocido

Técnica: Fresco

Dimensiones: No calculadas

Fecha: 400 d.C

Estilo o corriente artística: Arte paleocristiano

Lugar donde se encuentra: Catacumba de Vía Latina. Roma, Italia.

Análisis visual
Para analizar esta obra seleccioné el criterio de características formales puesto que, en la técnica utilizada, se puede evidenciar una combinación de varias técnicas de épocas anteriores.

 

En primer lugar, cabe resaltar que esta obra se encuentra dentro de la Catacumba de Vía Latina en Roma y fue pintada sobre una roca haciendo uso de la técnica de fresco. La obra no contiene insinuación alguna de profundidad ni una representación del espacio tridimensional. Los colores son principalmente opacos y no hay mucho contraste entre estos (aparte de la casa) puesto que el artista utiliza en toda la obra un número reducido de colores. Debido al hecho que se encuentra dentro de una catacumba, el artista probablemente no le importaba mucho que existiera un contraste de colores, sino que la obra fuera fácil de visibilizar y que transmitiera efectivamente su mensaje.  

 

Por otro lado, en las figuras de los hombres es donde se puede evidenciar los vestigios de diferentes técnicas artísticas utilizadas en épocas anteriores al arte paleocristiano. En primera instancia, el personaje del centro que está representando a Sansón se encuentra en contraposto y se puede visualizar el escorzo de los pies. El origen de esta técnica se puede trazar hasta el período clásico de la antigua Grecia. En segunda instancia, se puede evidenciar que los rasgos que más resaltan en las personas son los ojos y las manos ya que son significativamente más grandes de lo normal. Al contrario de la primera técnica, esta era utilizada principalmente en el arte mesopotámico, especialmente en la cultura de los sumerios.  

 

La distribución de las figuras es utilizada por el artista para enfatizar la tenacidad y la fuerza de Sansón. Sansón se encuentra sólo en un espacio en el centro de la obra mientras que sus víctimas se encuentran amontonadas en el rincón izquierdo de la pintura. Por lo tanto, se puede concluir que la violencia fue utilizada en esta obra con el fin de exaltar la fuerza y el poder que poseía Sansón, el cual fue capaz de asesinar un grupo entero de hombres usando simplemente la quijada de un asno.

Autor: Desconocido

Técnica: Mosaico

Dimensiones: No calculadas

Fecha: Finales de 1200 d.C

Estilo o corriente artística: Arte bizantino

Lugar donde se encuentra: Basílica de San Marcos. Venecia, Italia.

Análisis visual
Para analizar esta obra seleccioné el criterio de Temática debido a que la obra presenta una narrativa muy interesante y utiliza a la violencia como un medio para obtener algo particular.

 

En primer lugar, se puede evidenciar que la obra contiene dos escenas principales que ocurren en momentos diferentes debido a que aparece el mismo personaje principal en dos espacios diferentes. Se puede identificar que este personaje principal es San Marcos puesto que tiene una aureola alrededor de su cabeza y lleva una toga sacerdotal. La obra sigue una secuencia de izquierda a derecha, es decir que la escena del extremo izquierdo ocurre antes que la escena del extremo derecha. 

 

En la primera escena se puede evidenciar que San Marcos se encontraba dentro de un templo religioso ya que frente a él hay una mesa con una cruz en la cual reposan un cáliz y un libro (probablemente una escritura religiosa). Al mismo tiempo, dos hombres ingresan al templo para atar a San Marcos alrededor del cuello. Por otra parte, en la segunda escena se puede evidenciar que San Marcos fue arrastrado hasta el exterior del templo, donde acostado en el suelo, lo atan nuevamente en las piernas. El hombre que está arrastrando a San Marcos por el cuello también está golpeándolo con la rama que tiene en su mano. A partir de los gestos y la posición de las manos de San Marcos, se puede determinar que se encontraba suplicando por misericordia.

 

Como bien lo menciona el título, la escena que se está representando en la obra es el martirio de San Marcos en Alejandría. Según el Nuevo Testamento de la Biblia, San Marcos fue el obispo encargado de evangelizar Alejandría y estableció allí la primera iglesia cristiana. En este sentido, se puede visualizar cómo la violencia era utilizada en el arte para representar la persecución y tortura que experimentaron los profetas durante sus vidas. Por lo tanto, la violencia en el arte era utilizada durante el periodo bizantino como un medio para generar compasión y gratitud entre los feligreses a los antiguos personajes religiosos.

 

Autor: Desconocido

Técnica: Temple, oro y tinta sobre pergamino

Dimensiones: 20.4 x 15.1 centímetros

Fecha: Entre 1360 y 1370 d.C

Estilo o corriente artística: Manuscritos e ilustraciones medievales

Lugar donde se encuentra: Metropolitan Museum. Nueva York, Estados Unidos.

Análisis visual
He decidido analizar esta obra utilizando el criterio de función debido a que la obra fue creada bajo un propósito específico además del artístico. 

 

En primer lugar, cabe resaltar que esta obra hace parte de un manuscrito acerca de la Batalla de los Macabeos. La obra, la cual ahora se encuentra separada del manuscrito, corresponde a la A, letra con la que comenzaba la primera palabra del relato. Según Boehm (2009), “los monjes cristianos de la Edad Media consideraban a los macabeos, quienes recuperaron El Templo de Jerusalén para el culto judío, como los predecesores de los guerreros cruzados cristianos, los cuales buscaban recuperar la Tierra Santa del control musulmán.” De hecho, en la ilustración se puede evidenciar cómo los macabeos expulsaban exitosamente a los soldados griegos de Jerusalén.

 

El propósito original de la obra completa (el manuscrito) era ser leída durante las misas en el monasterio y, por lo tanto, estaba dirigida específicamente a los monjes que formaban parte de este. Al ser la primera letra de una palabra, la obra no necesariamente debía verse bajo algunas condiciones específicas además del idioma en el cual estaba escrito el manuscrito. No obstante, es importante resaltar el hecho de que la ilustración de la letra se relaciona con el contenido que será relatado en el manuscrito y, por consiguiente, aporta algo de contexto previo. Aunque no se sabe con certeza dónde se encontraba originalmente la obra, existe evidencia de que podía pertenecer a un monasterio italiano, probablemente cerca de Boloña.

 

Ahora bien, resulta interesante analizar el papel que juega la violencia en esta obra. En la ilustración se puede evidenciar cómo los monjes hacían alusión a un conflicto muy antiguo debido a que este contaba con el mismo fin de las cruzadas, las cuales estaban ocurriendo en el momento en que la obra se realizó. En ambos casos, la violencia y la guerra eran bien vistas por la institución cristiana debido a que este era el medio principal para que la iglesia recuperara Tierra Santa. En otras palabras, la violencia era permitida y alentada por los miembros de la iglesia ya que estaba siendo realizada en el nombre de Dios.

 

Boehm, Barbara Drake. "Choirs of Angels: Painting in Italian Choir Books, 1300-1500." The Metropolitan Museum of Art Bulletin, n.s., 66, no. 3 (Winter 2009). p. 42, fig. 52, p. 42, fig. 52.

 

Autor: Desconocido

Material: Marfil

Dimensiones: 6.2 x 11.2 x 0.9 centímetros

Fecha: 1100

Estilo o corriente artística: Arte románico

Lugar donde se encuentra: Metropolitan Museum. Nueva York, Estados Unidos.

Autor: Desconocido

Material: Marfil, pintura y dorado con monturas de metal.

Dimensiones: 23.9 x 32.2 x 1 centímetro

Fecha: 1350

Estilo o corriente artística: Arte gótico

Lugar donde se encuentra: Metropolitan Museum. Nueva York, Estados Unidos.

Análisis visual
He decidido realizar el análisis comparativo para estas obras utilizando el criterio de Características formales debido a que ambas están hechas a partir del mismo material, pero la técnica es completamente distinta.

 

En primer lugar, se puede evidenciar las grandes diferencias que existen en la composición entre las obras. En la obra del periodo románico los personajes no se pueden individualizar debido a que el autor no se enfocó en detallar las caras o las vestimentas. Por lo tanto, la expresividad de la obra es mínima, en la cual solo se puede evidenciar el martirio de la Hermana de San Vicente de Zaragoza debido a que esta se encuentra debajo de una columna y está levantando la mano en lo que podría ser un símbolo de implorar piedad. Por el contrario, en la obra del periodo gótico, los personajes si se pueden individualizar ya que hay un alto grado de detalle tanto en las vestimentas como en los rostros. Por consiguiente, es fácil identificar las emociones que el autor estaba buscando transmitir e individualizar a los personajes de la obra. En este caso, se puede identificar cuál de los personajes es Cristo y cómo es su sufrimiento. 

 

En segundo lugar, aunque en la obra gótica hay más de una escena, se puede evidenciar que el autor buscaba maximizar la utilización del material, mientras que el autor de la obra románica se limitó simplemente a utilizar una parte. En la obra del período gótico, en cada escena los personajes se encuentran interactuando entre ellos, donde en ciertos casos hay partes del cuerpo de una sobre partes del cuerpo de otros. Por el contrario, en la obra del periodo románico los personajes no están interactuando entre si, solamente están realizando una acción la cual no representa bien un movimiento natural del cuerpo humano. 

 

En el caso de ambas obras se puede evidenciar que la violencia era un tema central en las escenas religiosas que querían ser transmitidas a la sociedad. En estos dos casos en específico, se utilizaba a la violencia como un medio para generar piedad y misericordia entre los feligreses frente a dos personajes religiosos que pasaron por diferentes martirios.