Ce sujet très important, qui me tiens à cœur à étais vécu par béa de personnes pendant la période du confinement où de nombreuses femmes ont étaient victime de violences, 44 235 appels de détresse pendant le confinement au 3919 on étaient passé. La protection des femmes victimes de violences permet à de nombreuses personnes de ne plus être vulnérables.

Monet, croquis de la Gare saint-Lazare

Bienvenue dans le projet d’exposition de l’œuvre La Gare Saint-Lazare de Monet, nous exposons dans notre galerie l’esquisse de cet artiste et approfondirons le processus de création et de réalisation de l’œuvre. Cette esquisse est un premier jet artistique qui vise à créer à l’avenir, l’œuvre La Gare Saint-Lazare, elle a était peinte en 1877 et fait partie d’une série artistique de douze toile représentant sous plusieurs angles l’architecture et la modernité de cette gare. Monet créer cette avant projet pour la reproduire plus tard en couleur sur toile. L’esquisse qu’il produit dans un premier temps est un monochrome réalisé sur papier au fusain. Cette esquisse est un dessin au trait à main levée et est tout de même très réaliste et retranscrit parfaitement les mouvements et l’espace de la gare. Elle est réaliste par son impulsivité. Elle retranscrit le mouvement de foule présent au sein de la gare. 

Dans ma galerie je placerais cette esquisse sous verre, avec une bonne exposition à la lumière pour la mettre en valeur, avec au dessus d’elle l’œuvre aboutie pour montrer le processus de réalisation de l’œuvre finale et les liens qu’elles ont en communs et les changements que Monet à réaliser sur son œuvre achevée. Sous le verre le mouvement du croquis se fige dans le temps tel que sur le papier.  Comme le mouvement du dessin , c’est l’inscription  des étapes lors du processus de l’œuvre.

Dans ma galerie on observe l’impulsivité du geste de monet à l’impulsion des couleurs de l’œuvre achevé. Monet c’est imprégné de l’atmosphère passant du dessin aux couleurs ,passant du croquis au tableau. La lumière est de couleur jaune afin de ne pas altéré l’expression du geste et les couleurs froides de l’œuvre fini. La lumière artificielle est placée sur le côté. La placer sur les côtés évite la possibilité de reflet désagréable lors de l’admiration du croquis. Une lumière naturelle se situe au dessus par une verrière en verre dans ma galerie qui est très lumineuse. La lumière naturelle reproduit l’impression de la gare . Le public doit être immerger par l’ambiance générale de l’œuvre. Dans l’espace de la galerie et dans les œuvres. Le croquis est simplement disposé sur des briques. Les briques références à l’architecture de la gare saint lazare . Le verre dessus c’est la continuité de la lumière et de la légèreté de la gare qui est composée elle même de nombreux vitraux. En disposant l’œuvre si simplement c’est réussir à représenter l’impulsivité du geste.  Les deux œuvres sont situé dans une pièce au fond d’un couloir. Le fond du couloir représente l’une des entrées de la gare et permet d’entrée dans les œuvres comme dans la gare. L’expérience de ma galerie est une immersion dans la gare saint lazare et dans la représentation esthétique que se fait Monnet de la gare, des gestes et des mouvements qui y fusent.

 

2- Maquette du Musée maritime d'Osaka, Paul ANDREU

 

Cette œuvre est une maquette d'architecture réalisée de 1993 à 2000, par Paul ANDREU, elle est actuellement exposée au Centre Pompidou, elle mesure 122cm de hauteur et 66cm de diamètre. L’œuvre est composée de façon sphérique, au centre se trouve le musée qui est recouvert d'une structure transparente, cette structure est une demi-sphère qui protège le musée à échelle réduite. La demi-sphère donne l'impression que le musée flotte sur la mer et que le bâtiment se prolonge sur l'eau grâce au reflets diffusés comme un miroir. A l'origine ce projet a débuté à l'époque d'Edo, où le musée maritime a était totalement pensé et agencé pour être sur la mer et avoir en son centre un bateau, au final le musée mesure 40 mètres de hauteur et 80 de diamètre. C'est à partir de là que ANDREU a réalisé cette première maquette pour réalisé ce grand projet.

 

 

3- Ma démarche artistique consiste à innover et créer des bâtiments éco-responsable permettant aux sociétés d’évoluer sans nuire à l’environnement, pour lier ce futur projet à l’œuvre « Maquette d'étude Unité d'habitation, Berlin-Charlottenburg », LE CORBUSIER. Ce prototype créer de 1957 à 1958, est la première étape de l’artiste pour réaliser le projet d’une habitation collective ayant des logements individuels et des conforts d’équipements communs. Cet immense projet d’habitation est lié à ma démarche car de mon point de vue nos sociétés nécessitent plus d’investissements dans la création de logements. La surpopulation et la précarité pousse à toujours créer des habitations plus pratiques, plus modernes, plus écologiques et surtout plus accessible. Mon projet est de réussir à innover un logement nouveau, intelligent et eco-responsable et se rattache parfaitement au projet du CORBUSIER mais aussi aux œuvres de Paul NELSON, comme « Façade sur le boulevard Arago » réalisé en 1928 ce dessin d’architecture permet de visualiser une future habitation individuelle design. Mon projet étant de réussir à créer un logements avancé et écologique, je souhaite aussi le rendre design et esthétiquement beau, les travaux de NELSON sont réalisés avec un style que j’affectionne beaucoup et que je retranscrit dans mes projets personnels.

 

4- David HOCKNEY, né en 1937 est un artiste britannique, il est peintre et sculpteur et appartient au mouvement du pop art et de l'hyperréalisme. En mars 2020, pendant le confinement, il réalise à partir d'un iPad, l’œuvre « Une année en Normandie ». Son œuvre est exposée au musée de l'Orangerie à Paris, à l'entrée des nymphéas de MONNET, qui est une pièce circulaire composée de trois panneaux. La thématique de la pièce est toujours la même sur les trois panneaux les trois paysages possèdent les même motifs, ils représentent individuellement, une source d'eau, la source d'eau sous un autre angle et enfin le bord d'une rivière. Les cadres sont construits à partir de fenêtres qui crées une mise en abyme de l’œuvre, c'est un style de perspective anamorphose. David HOCKNEY à donc créé son œuvre « Une année en Normandie » de façon à représenter les paysages autour de sa maison pendant une année entière, sur une frise longue de 70 mètres, où il cherche à capturer l'atmosphère et la lumière du cycle des saisons. Chaque image est le prolongement de la précédente, grâce aux structures végétales comme les arbres qui apportent une certaine perspective. L'espace est répartis de sorte à faire rappel a la nature, cette composition de l'espace rend l'acte de l'artiste plus authentique et spontané. L’œuvre étant faite à l'iPad, le style est très réfléchis, il peut faire penser à l'impressionnisme et le pointillisme à cause de la superposition des couches. Chaque couleurs est complémentaire de l’œuvre intégrale et la technique qui est tout de même assez réaliste peut faire penser au graphisme avec ses aplats de couleurs. Les couleurs prédominantes sont des couleurs froides est prennent volumes grâce à la lumière retranscrit. Chaque paysage est modifié par la saison et la lumière de l'instant représenté. Avoir mis cette œuvre juste avant l’œuvre de MONNET permet d'introduire le spectateur dans l'immersion des nymphéas. La suite de son travail est au sous-sol du musée, c'est sa continuité sur le cycle des saisons et les représentations des paysages durant le confinement. Son œuvre a était imprimer sur papier en format paysage et s'inspire des tapisseries de Bayeux. La forme ovale de l’œuvre dans cette pièce est une représentation des saisons, il met en avant la nature, la floraison, la végétation... Cette perspective horizontale donne un rythme aux couleurs et à l’œuvre. Plus on avance sur l’œuvre plus les couleurs s'intensifient, elle débute avec l'hiver sans végétation avec des couleurs très froides et fait un cycle complet pour s'achever de nouveau sur l'hiver. HOCKEY c'est inspiré d’œuvres existantes et de ses nombreuses photographies des années 70. L'artiste à pour objectif de célébrer les saisons malgré la pandémie, c'est une œuvre qui nous fait voyager dans son univers personnel et son interprétation des saisons. Son œuvre est la prolongation de l’œuvre de MONNET, les deux œuvres sont donc une complémentarité, un chemin vers la nature.