Redakteur*innen...

Ich bin in München aufgewachsen und habe mich früh von seinen Kulturhäusern bilden und formen lassen. Seit ich 15 bin, arbeite ich ununterbrochen an Theaterproduktionen und hoffe, noch ein paar Jahre nicht damit aufhören zu müssen. Zum einen, weil ich dankbar für alles bin, was mich mit alten Intellektuellen und Künstler*innen, dieser ganz speziellen Eilte, von der ich als Kind aufgenommen wurde und der ich seitdem in einer ambivalenten Bewunderungshaltung gegenüberstehe, in Kontakt hält, vor allem aber, weil ich durch eine drängende und kompromisslose Liebe zur Kunst eine Weltsicht entwickelt habe, die sich außerhalb von Kunst oft nicht bündeln lässt. Ich freue mich, für euch schreiben zu dürfen. 

Ich bin in der Jugendredaktion von Augenblick!Mal, da ich das gemeinsame Erleben und besprechen von Theaterstücken als eines der großartigsten Dinge an Theater erlebe. Ich freue mich sehr darauf, gemeinsam dieses Festival zu erleben!

Dort unten auf der letzten Stufe unseres Treppenhauses steht ein Junge.

Er ist wahrscheinlich nicht älter als fünf oder sechs Jahre. Der Junge trägt ein grünes Trikot und eine kurze Hose. In seiner rechten Hand hält er einen Fußball. 
Über seine dicken Wangen strömen große glitzernde Tränen. 
Ihm gegenüber stehen drei 
uniformierte Gestalten- Polizisten.

Also deshalb weint der Junge- hat er vielleicht eine Packung Kaugummis mit aufgeregt gespieltem Selbstbewusstsein in seine Tasche fallen lassen und wurde infolge dieser kindlich darstellerischen

Machtdemonstration erwischt?

Lässt man den Blick ein wenig um die Ecke schweifen, erkennt man ein Dutzend weiterer Personen.

Was geht denn da vor sich?

Von den Personen aus fällt ein heller Lichtkegel auf

die Treppe, den Jungen und die Beamten.

Neben dem Licht- eine Kamera. Wir sind an einem Filmset. 
Er weint, weil es der allererste Drehtag in seinem Leben ist.

Er ist sehr aufgeregt und denkt in genau diesem Moment, dass er nie wieder vor einer Kamera stehen möchte und vor allen Dingen nie wieder etwas mit der Schauspielerei zutun haben möchte.

Wie ich mich da nur getäuscht hab. Heute bin ich 19 Jahre alt, lebe in Berlin und liebe den Film und das Theater mehr als je zuvor.

 

“Wo ist Xenia? Xenia!! Sprich!”

“Was soll ich tun, Batman?”

“Ich hab die Hoffnung, dass ich im Festsaal bin”

“Ich kann mich nicht mehr bewegen”

“Seid Ihr auch das gelbe Plakat?”

“Ich bin hier bei vielen Leuten”

“Ich bin im falschen Bild”

Zu Beginn sehen wir zwei Jugendliche auf der Bühne stehen: Carola, klein und schmal, und Willemijn, ganz in schwarz gekleidet. Bald darauf stößt Elias hinzu, der einen grünen Trainingsanzug und einen Motorradhelm trägt. Sie begrüßen sich mit einem freundschaftlichen Handschlag. Die Jugendlichen wirken verloren, aber auch unsicher und verpeilt, nicht nur durch ihre meist langsame Rede, sondern sie strahlen dies ebenso durch ihre Körperhaltung aus. 

Zunächst stehen sie inmitten peinlicher Stille auf der Bühne und schweigen. Erst einige Minuten später diskutieren sie gedehnt über die Frage – "Was haben wir gesehen? Was war das?" Doch dabei bleibt unklar, was genau sie meinen. Etwas später fragen sie sich – "Wo ist hier?" doch auch diese Frage bleibt offen.  

Schon bald darauf beginnen die Wahrnehmungen der ProtagonistInnen verrückt zu spielen. Oder ist es doch die Realität? Mal passen ihre Stimmen nicht zu den Mundbewegungen, ein anderes Mal werden diese völlig willkürlich getauscht, sodass man sich die Frage stellt – "Wer ist hier wer und wer ist hier überhaupt anwesend?" 

Einmal ist Carola eine Pappfigur, doch kurz darauf ist sie beides, Pappfigur und Mensch, wodurch ebenso die Abwesenheit, als auch die Einbildung der Situation hervorgehoben wird. Ein anderes Mal sind sie plötzlich unsichtbar, doch immer noch zu hören. Auch hier bleibt die Frage offen – Inwiefern sind sie anwesend, oder sind sie überhaupt anwesend? 

Nicht nur wechselt das Licht willkürlich von hell zu dunkel und von dunkel zu hell, auch die Farben spielen verrückt und erneut steht der Zwiespalt zwischen Realität und Einbildung im Vordergrund. 

Ein paar Mal steigt völlig überraschend und ohrenbetäubend Rauch auf, der die Stille durchbricht, doch niemand scheint dies zu bemerken.  Plötzlich steht Willemijn auf zwei Blöcken und sagt, sie sei nicht mehr da, woraufhin Carola und Elias in Panik ausbrechen und die Musik zunehmend dramatischer wird.  Auch die anderen beiden wirken zeitweise nicht anwesend, etwa als Elias einen Stuhl aufheben will, doch diesen nicht berühren kann, oder als nur Elias im Licht seines Handys zu sehen ist. An dieser Stelle könnte der Zuschauer vermuten, dass dies eine Anspielung auf unsere heutige digitale Welt ist.  Wenn sie nicht anwesend sind, wo sind sie dann? 

Das Stück behandelt durchaus den Zwiespalt zwischen Realität und Einbildung, unter anderem durch die zeitweilige Abwesenheit der Protagonist*innen und den ständigen Wechsel des Bühnenbildes, der Kostüme und des Lichts. Auch, wenn das Stück, nicht nur durch seinen Titel, sondern auch durch sein Bühnenbild, auf den ersten Blick vage erscheint, so lässt es dennoch einen großen Spielraum für Interpretationen, Fragen und Meinungen offen, gerade durch seien ungenaue Handlungsabfolge. 
~ Annika Derichs

- Thalia Schoeller 

Das erzeugt ein ganz anderes Gefühl von Theater, nein, viel mehr das Gefühl einer informativen Rede oder eines Poetry Slams.

Passend zu den im Hintergrund laufenden Bildern nennt uns Arne Fakten – Fakten, die jeder von uns kennt, oder zumindest kennen sollte. Diese reichen von Naturkatastrophen, wie den Folgen der globalen Erwärmung, bis hin zu den riesigen Flüchtlingsströmen oder dem Artensterben. Gleichzeitig läuft ein früheres Video von ihm, damals noch mit Zuschauer*innen, in derselben Aufführung, mit eben jenen Fakten, die er zur gleichen Zeit auch uns erzählt. Was will uns Arne Vogelgesang damit sagen? Reicht es denn nicht diese erdrückenden Fakten einmal zu hören? Nein, denn gerade durch das ältere Video wird deutlich – es hat sich nichts verändert. Es sind heute, wie damals die gleichen und erschreckenden Fakten, die Vergangenheit und Gegenwart umfassen, jedoch immer noch dieselben sind. 

Gleichzeitig kritisiert er die Rolle des Theaters, denn dieses sei eine “Maschine”, die immer weiterlaufe und, vor allem aufgrund der Digitalisierung, an Wert und Bedeutung verloren habe. “Wir müssen damit aufhören!”, sagt er, sowie “Was kann Theater schon machen? Nichts!”. Gerade das Wort “Nichts” verdeutlicht unsere Hilflosigkeit gegenüber all den Krisen, die es zu bewältigen gibt. Obwohl Arne Vogelgesang immer mal wieder ironisch wird und die Inszenierung damit stellenweise eine gewisse Leichtigkeit mit humorvollem Beigeschmack bekommt, bleibt ein bedrückendes Gefühl. Denn mal ehrlich: Fühlen wir uns nicht alle schuldig und gleichzeitig hilflos, wo unsere Zukunft doch in unseren Händen liegt, aber immer noch nichts passiert ist, um sie zu retten? Diese ergreifende und berührende Aufführung bringt das Gefühl der Machtlosigkeit und Hilflosigkeit ganz deutlich hervor. Wir wollen etwas tun, doch wir sind machtlos gegen uns selbst. Es ist zu spät. 
~ Annika Derichs

„Es ist zu spät“ kommt über einen langen Umweg der Reproduktion zu einem beeindruckenden Abschluss. Insbesondere als wortgewaltige Konstruktion werde ich es in Erinnerung behalten, denn Sätze wie „die ganze Welt ist unsere Bühne und ihr Kollaps ein Genuss“ lassen sich nicht mehr so schnell vergessen.

Ich bin in dieses Stück mit wenig Erwartung gegangen, aber es hat mich vollkommen überzeugt. In der Inszenierung geht es um Hamster und um Tierversuche. Des Weiteren geht es um Machtmissbrauch. Das alles kann die Ensemble Produktion, so spielerisch und leichtverständlich darstellen. Auch ist Alarm im Streichelzoo(m) keine Produktion um still sitzen zu bleiben. Es wird besonders viel Wert auf Mitmachen gelegt. So können die Zuschauer*innen helfen, die Hamster aus dem Käfig der bösen Ärztin zu befreien. Zum Beispiel indem sie immer wieder in den Livestream eingeblendet werden und mit den Protagonist*innen sprechen. Oder auch indem sie in den Chat schreiben, wer jetzt eigentlich der Gute und wer der Böse ist. So kursierten in der Vorstellung die Hashtages: #freilasseen #charlydermörder. Manche*r hat sich sogar so involviert gefühlt, dass einige Zuschauer*innen mit einer Demonstration für die Freilassung der Hamster gedroht haben. 

Eine besondere Erwähnung verdienen die Hamster-Kostüme. Sie sahen so knuffig aus und man wollte sie direkt in den Arm nehmen. Und die Schauspieler*innen unter diesen riesigen Hamsterkostümen haben es geschafft ihre Rolle so authentisch darstellen. 

Die Aufführung begann, wie sollte es auch anders sein, zu spät. Aber das war eigentlich Teil der Story oder doch nicht?

Die Produktion handelt von der Klimakrise und deren Auswirkungen. Arne Vogelgesang hat ein Video produziert, wo er unter anderen die Folgen des Klimawandels, wie die Ignoranz eines Teils der Gesellschaft thematisiert. Diesen Film zeigt Arne Vogelgesang im Rahmen der Aufführung seines Monologs. Es folgen im Video Bilder, Statistiken und Schaubilder, die einige der brennendsten Probleme auf der Erde darstellen wie Artensterben, Wasserknappheit, Armut und und und... Er thematisiert, dass durch den Klimawandel nicht nur die Erderwärmung steigt, sondern viele weitere Probleme dadurch ausgelöst oder verschlimmert werden. 

Dabei arbeitet die Inszenierung mit vielen verschiedenen Mitteln, wie wechselnden Kameraeinstellungen und anderen Ablenkungen. Denn wollen und lassen wir uns nicht alle immer schnell von solchen unangenehmen Themen ablenken, um uns damit nicht zu beschäftigen. Die Zuschauer*innen können auch zwischen der Live-Show und einer Aufzeichnung wählen, wodurch Vogelgesang sich in seiner Aufführung absichtlich selbst sabotiert. 

Mit der direkten Ansprache der Zuschauenden ist man auf eine ungewöhnliche Art und Weise stärker in das Stück gesogen und verfolgt es mit anderen Augen.

Diese Aufführung wirft dem Theater vor, oft die Themen nur zu streifen oder oberflächlich zu behandeln, sich dabei aber widersprüchlich zu verhalten, wie Arne Vogelgesang thematisiert. Mit seiner Performance spielt er mit den Zuschauenden. 

Das besondere an diesem Stück ist, dass es kein klassisches Theater ist, sondern eine durch und durch inszenierte Show. Es lässt den Zuschauer*innen fast keine bzw. nur sehr wenig Zeit, über die Worte, Texte und Schaubilder nachzudenken. 

Es ist keine ausgedachte Geschichte oder nachgespielte Handlung, aus einem bekannten Roman, sondern die schonungslose Realität, die in vielen Punkten auf unsere Probleme aufmerksam machen will. 

Als Zuschauende Person fragt man sich während des Stückes, was hat sich in den letzten Jahren in Punkto Klimakrise getan? Arne Vogelgesang beantwortet das mit einen einfachen „nichts.“ ... es ist zu spät…..

Wir müssen aufhören, aber wir hören nicht auf. Wir machen fast so weiter wie vorher, meint Arne.

Dieses Stück behandelt eindrucksvoll diese wichtigen Themen und hinterlässt Fragen - und das Bedürfnis, etwas zu tun. Doch fühlt man sich nach diesem Monolog von Vogelgesang hilflos, weil man eben nichts tun kann. 

Aber stimmen die Vorwürfe, die Vogelgesang an das Theater richtet? Ist es wirklich zu spät? Können wir doch was verändern? 

Das muss wohl jeder für sich selbst beantworten. 

Hingucker
Florian

Alles ist so konzipiert, dass wir uns als Zuschauer*innen bereits schon am Anfang unbewusst in verschiedenen Gruppen aufgeteilen und im Gesellschaftsspiel unterschiedliche Start-Voraussetzungen haben. 

Zum Beispiel werden wir am Anfang des Stückes durch das zufällige Ziehen von Losen in verschiedene gesellschaftliche Kategorien aufgeteilt. Wer lebt im Penthouse? Wer hat viel Geld? Wer lebt in einer Wohnung? Wer geht auf das Gymnasium?

Diese Unterschiede werden beispielhaft durch das aktive Einbinden des Publikums durchgespielt.

Im Rahmen des Spiels werden die Zuschauenden ständig neu gemischt und in immer neue Situationen geworfen. Viele Fragen gilt es zu beantworten und es gibt viele Entscheidungsmöglichkeiten und Spielrunden, um die Zuschauenden immer weiter in unterschiedliche Gruppen aufzuspalten. 
 
Durch die biografischen Erzählungen der Schauspieler*innen werden Privilegien und Selbstverständlichkeiten erzählt und verdeutlicht. Die eine lebte zufrieden und hatte eine glückliche Familie, der andere hatte es nicht so leicht im Leben.
 
Die Botschaft hinter dem Stück ist sehr offensichtlich und steht bereits im Namen der Produktion "Unterscheidet Euch - ein Gesellschaftsspiel".
Auf spielerische Weise werden gesellschaftliche Probleme mit der Klassenzugehörigkeit thematisiert.
Dieses Stück möchte darauf aufmerksam machen und uns zeigen, dass wir ständig eingeteilt werden, ob durch das Schulsystem, gesellschaftliche Teilhabe oder Ausschluss.
 
Das Stück hinterfragt unsere gesellschaftliche Ordnung und das, was für selbstverständlich halten; wie wir es annehmen, tagtäglich erleben und fortführen. Dadurch werden bereits Kinder spielerisch an das Thema herangeführt.
 
Anschauen und MITMACHEN lohnt sich!

Hingucker
Florian 

In dieser gesellschaftskritischen Live Performance, inklusive Einblicken hinter die Kamera und reichlich Interaktion mit den Zuschauer*innen, machen es die drei Performerinnen ganz anders, als es die Gesellschaft erwartet.  

Denn Männer haben schließlich ordentlichen Hunger. Und Frauen? Frauen haben keinen Hunger. Sie essen lieber etwas Kalorienarmes und sind auf Diät, machen Weight Watchers oder zählen Kalorien, um überschüssiges Fett loszuwerden, denn sie sind doch immer irgendwie zu dick. Oder? 

In dieser Aufführung bekommen wir einen ganz anderen Einblick, denn hier wird wortwörtlich GEFRESSEN. Bereits zu Beginn des Stücks sehen wir zwei der drei Schauspielerinnen vor einer Mikrowelle stehen. Provokant und erwartungsvoll blicken sie in die Kamera und zeigen stolz ihr Popcorn. 

Auch bekommen wir intensive private und persönliche Einblicke in das Leben der Künstlerinnen, wenn diese von ihrer Vergangenheit und Gegenwart berichten und dabei direkt in die Kamera blicken, sodass sich die Zuschauer*innen angesprochen und in das Stück integriert fühlen. Sie haben die Möglichkeit bei interaktiven Spielen mitzumachen, etwa den Schauspielerinnen Fragen über deren gesellschaftliche Erfahrungen zu stellen. In fleischfarbenen Anzügen sitzen sie in rosafarbenen Kästen und beantworten Chips essend Fragen. Etwa, ob sie schon mal für ihre Körper verurteilt wurden. Die Zuschauer*innen werden aufgefordert ebenfalls FRESSEND zu antworten. 

Mal wird von der Erwartung der Gesellschaft gegenüber ihren eigenen Körpern erzählt, mal geht es um Essstörungen aus den Teenagerjahren und den Erwartungen der Eltern. Und immer wird dabei GEFRESSEN. Einmal haben die Zuschauer*innen sogar die Möglichkeit in der Show selbst anzurufen oder eine SMS zu schreiben und von ihren eigenen Erlebnissen bezüglich unserer gesellschaftlichen Erwartungshaltung und Esskultur zu erzählen.   

Ja, dieses Stück ist wahrhaftig eine Kritik an unserer Gesellschaft, die uns gewisse Normen und Vorstellungen bezüglich unserer Körper und Essgewohnheiten bereits im Kindesalter anerzieht.  

Allerdings wird in der Performance auch klar – die Künstlerinnen wollen sich das nicht mehr gefallen lassen, wollen selbstbestimmt sein und sich nicht mehr von unseren gesellschaftlichen Normen beeinflussen lassen. In der letzten Szene werfen sie wütend verschiedene Lebensmittel in einen Mixer, als Zeichen sich von den stereotypischen und sexistischen Erwartungen gegenüber Frauen zu befreien, wie beispielsweise schlank sein zu müssen, oder auch davon für ihre individuellen Körper angegriffen zu werden. 

Als Zuschauer*in dieser feministischen Inszenierung fragt man sich – Wie sind meine Erwartungen an mich selbst und wie nehme ich meinen Körper war? Und bin ich vielleicht auch Teil dieser gesellschaftlichen Erwartungshaltung?  
~ Annika Derichs

Das feministische Kollektiv Henrike Iglesias gestaltet mit ihrer Inszenierung einen Abend voller Zitate, die gut als Bingotafel für die nächste Familienfeier herhalten könnten. Und im ersten Moment scheint mir das Stück auch genau das zu sein: eine Best-of-Mischung aus den Diät Ratgebern in billigen Klatschmagazinen auf der einen und den „body positivity“ Posts auf meiner Instagramtimeline auf der anderen Seite. Es gibt wenig, was ich nicht schon mal gehört habe. Doch während des Stücks begreife ich: Genau darum geht es doch! Eine Stunde lang werden mir toxische Esskulturen vorgeführt, die ich mir selbst und den Menschen in meinem Umfeld genau zuordnen kann! 

Henrike Iglesias hält aber keineswegs einen steifen Vortrag oder prügelt uns das Patriarchat aus den Köpfen, nein, sie unterhalten und das auf geniale Weise. Bei Challenges wie „Friss am schnellsten eine Gurke und du erhältst eine Pizza“ oder „Friss bei jedem Statement, das auf dich zutrifft“ kommt bei mir keine Langeweile auf. Im Laufe der Inszenierung reflektieren auch die Mitglieder des Kollektivs selbst ihr eigenes Verhältnis zu Ernährung auf eine nachdenkliche oder satirische Weise. Vor allem aber konfrontieren sie mit Bildern, die in konservativen Köpfen sicherlich Schockreaktionen verursachen: Frauen, die hemmungslos fressen (und nein, nicht „essen“, sondern wirklich mal fressen, ohne sich Sorgen zu machen, wie „ladylike“ das jetzt wohl wirkt). Auch hier war ich schnell versucht, der Aktion den Stempel der Überzogenheit aufzudrücken, bis ich begann, mich zu fragen „Habe ich überhaupt schon mal eine Frau so geradezu triebhaft archaisch essen sehen?“ Denn zwischen den Erwartungshaltungen unserer Erziehung und den unzähligen Bildern „perfekter“ Körper zeigt uns die Inszenierung, was Essen in erster Linie sein sollte: ein absolutes Grundbedürfnis!

Davon, dass „Fressen“ bei allen ZuschauerInnen einen gleichen Effekt wie bei mir auslöst, kann ich natürlich nicht ausgehen und man muss sicherlich auch darüber reden, wie gefährlich es sein kann, mit einer Schulklasse das Stück anzusehen, wenn man nicht genau weiß, ob in ihr womöglich Personen mit Essstörungen sind, doch für meine Wahrnehmung kann ich abschließend festhalten: Henrike Iglesias haben mich dazu gebracht, dass ich tiefer atme – ohne meinen Bauch einzuziehen! 

Das auf Jaco van Dormaels gleichnamigem Film basierende Stück beginnt im Jahr 2102. Nemo Nobody – von dem niemand weiß, wer er ist, nicht einmal er selbst – wird von seiner Ärztin zu einer Therapie überredet, die endlich das Geheimnis um seine Identität entschlüsseln soll. Gemeinsam mit ihm beginnen wir eine Lebensreise, die noch vor der Geburt beginnt. „Mich haben die Engel übersehen“ erklärt er den ZuschauerInnen. Denn eigentlich kennt jeder Mensch von Anfang an seine Geschichte mit all ihren Möglichkeiten, diese wird aber von den Engeln aus dem Gedächtnis gelöscht. Nicht so bei Nemo. Er kann alle Möglichkeiten sehen und diese eine der wohl quälendsten Fragen des Lebens („Was wäre wenn…?“) stellt er sich erstmals mit 8 Jahren, als seine Eltern sich trennen und er zwischen ihnen entscheiden muss. Hier fächern sich die Wege auf. 

Das Junge Schauspiel Düsseldorf hat einen Abend kreiert, der im ständigen Wechsel ist: Sprünge zwischen Gegenwart und Vergangenheit, zwischen lustigen und tiefgründigen Momenten und vor allem zwischen Möglichkeiten. Die Inszenierung hat eine geradezu spielerische Herangehensweise an die Realität, sie behandelt den Protagonisten als Architekten seiner Welt, die er immer wieder neu zusammensetzt. Zudem lebt sie von den Schauspielenden, die die Charaktere des Stücks so nahbar und nachvollziehbar spielen, dass es mir geradezu das Herz zerreißt wenn ich, anders als der kleine Nemo, sehe, wie die Ehe der Eltern in die Brüche geht. Hier trägt auch das Bühnenbild aus Kreide seinen Teil bei: die Mutter malt sich einen anderen Mann, der Vater immer mehr Weingläser, Nemo hingegen nur ahnungslose Wolken. Als sich mit 15 seine erste große Liebe anbahnt, möchte ich ihn am liebsten selbst beschützen, vor dem Herzschmerz, der ihm noch bevorsteht (beim Schauen muss ich jedoch auch darüber schmunzeln, wie lächerlich Sätze wie „Du bist die Liebe meines Lebens und wir werden für immer zusammenbleiben“ aus dem Mund echter 15-Jähriger auf mich gewirkt hätten). Und auch wenn es am Ende kein perfektes Leben gibt, so stellt das Stück doch treffend fest: „Das Leben ist ein Spielplatz“ und vielleicht ist es ja genau das, was Teenager auch mal hören müssen. 

Doktor Uhrengut möchte wiedergewählt werden und diesem freundlichen Autokraten sind alle Mittel recht. Er wird als Diktator dargestellt, der uns zum Beispiel zu unserer Traumschule befragt. Wahlkampf, um uns zu überzeugen, dass nur er Bürgermeister werden soll. 

Dieser Theaternachmittag lebt vom Mitmachen, so darf man auch am Ende selber wählen, schließlich ist man Fennymore. In diesem Stück bin ich selbst eine der Protagonist*innen. Im Klassenchat fragt Doktor Uhrengut Fennymore nach seiner Meinung. Bei einer Szene darf man auch Popcorn mitessen oder sich einen Regenhut aufsetzen (soweit man rechtzeitig ein Paket von dem Theater bekommen hat). 

Eine der guten Sachen an dieser Aufführung ist, dass sie Kindern auf unaufdringliche Art Demokratie beibringen will. So einfach und auch auf Augenhöhe, denn man ist ja selbst in dieser Inszenierung mit dabei. 

Letztendlich würde ich dieses Mit-mach Schauspiel aber keinem neuen Jährigen Kind zeigen, da ich der vollen Überzeugung bin, dass ein Kind nicht das ganze Stück verstehen kann. Einige Szenen wirken auf mich verstörend. Zum Beispiel, als einer der Charakter plötzlich anfängt exaltiert zu singen. Oder eben der tote Hund mit Salz. Auch denke ich, dieses Stück ist nicht für den Livestream konzipiert. Es fehlt der direkte Kontakt zu den Schauspielenden, denn davon lebt ja die Inszenierung. Genauso ahne ich auch, dass ein neunjähriges Kind diese Performance nicht verstehen wird. Erwähnen möchte ich auch, dass diese Kettenrauchende Tante einem Kind vielleicht ein falsches Bild geben könnte, dass Rauchen in Ordnung ist.

Dabei durchleben wir gemeinsam mit dem mittlerweile 117 Jahre alten Protagonisten Nemo Nobody (Jonathan Gyles) alternative Abschnitte seines Lebens. 

Nachdem sich seine Eltern früh trennen, stellt sich dem jungen Nemo eine essenzielle Frage: „Zu Mama oder zu Papa?“. Er entscheidet sich für seine Mutter und zieht mit ihr nach Kanada. 

Freibadbesuche, Clubbekanntschaften und diese so wichtige Entscheidung, mit welchem Elternteil er leben möchte - Momente, die sein ganzes Leben verändern können. Er selbst spricht davon, dass er in die Zukunft blicken könne und so begeben wir uns zusammen mit Mr. Nobody auf eine Reise durch zahlreiche Parallelformen seiner Existenz. Über den ganzen Abend ist die Frage „Was wäre wenn?“ präsent - Was wäre, wenn Nemo dem Mädchen vor dem Club seine Liebe gestehen würde? Was wäre, wenn er mit seinem Vater gegangen wäre? 

Jan Gehler hat mit seiner Inszenierung eine Bühne geschaffen, auf der sich sechs junge Schauspielende fast ohne Requisiten einer der fundamentalsten Fragen eines jeden Individuums annehmen und lediglich mit einem Stück Kreide ausgerüstet ein klares Bild von diesem abstrakten Thema zeichnen.

Mr. Nobody ist ein Projekt, welches die Identifikation mit dem Protagonisten unumgänglich macht. Besonders jungen Menschen, deren Eltern getrennt leben, zaubert dieses Stück in einigen Momenten Tränen in die Augen. Es zeigt, wie man aus falschen Entscheidungen stärker hervorgehen kann und wie selbst kleinste Begebenheiten alles umkrempeln können.

Nemo selbst zitiert Tennessee Williams als er sagt: „Jeder Weg ist der richtige Weg. Denn all das, könnte auch anders gewesen sein, und dennoch hätte es genauso viel bedeutet.“

Amon Wendel

Foto: David Baltzer

Ich dachte mir am Anfang, soll ich etwa Fennymore sein? ... Ja, wir Zuschauer sind alle Fennymore.

Ein blaues Fahrrad hat uns in eine andere Welt gebracht, wo wir viele Menschen treffen, die sich uns vorstellen. Dabei lernen wir die verschiedenen Geschichten der Bewohner*innen von Diestadt kennen, wie die von Fennymores Lehrer oder von einer alten Klassenkameradin.

Der Bürgermeister möchte gerne sein Amt auf Lebenszeit behalten, was mache Bürger*innen gut und manche eher schlecht finden. Er versucht durch Geschenke für die Stadtbewohner*innen, Stimmen für sich zu gewinnen und die Bürger zu manipulieren. 

Dabei werden wir als Zuschauer*innen stark eingebunden, denn schon ab Minute EINS hat man das Gefühl, Teil der Story zu sein und als einer der Hauptcharaktere in der Geschichte mittendrin zu sein. 

Fennymore wird von den Performer*innen wie eine echte Person angesprochen. Dabei werden wir sogar zu kleineren Handlungen aufgefordert und können regelmäßig Kommentare einwerfen. Zum Beispiel werden wir gefragt, wie unsere Traumschule der Zukunft aussieht. Und zum Schluss… da steht die große Bürgermeisterwahl an, wo wir den Ausgang bestimmen können. 

Regelmäßig gibt es TV- und Wahlwerbesendungen von Bürgermeister Doktor Uhrengut. Und nachdem wir die vielen Wahlversprechen bekommen haben, dürfen wir entscheiden, ob er auf Lebenszeit sein Amt behalten soll. Das Ergebnis ist aber bei jeder Vorstellung anders und wird durch die Zuschauenden beeinflusst. 

Was fraglich ist, ist ob man erwachsende Personen zeigen muss, die rauchen und betrunken sind, und das dabei das als „cool“ darzustellen, bei einem Stück für ein Publikum ab 9 Jahren. Obwohl der "Bösewicht" wohl der freundlichste Bösewicht ist, den ich kenne, 

gibt es viele fragwürdige oder seltsame Szenen. Zum Beispiel wird gesagt, dass die Freundin von Fennymore Papierhüte falten musste, was wohl ein Hinweis darauf ist, dass sie im Arbeitslager war. 
Außerdem fehlt der Aufführung sehr deutlich, dass sie nicht vor Publikum aufgeführt werden kann, sondern online. Die Atmosphäre kommt so nicht genügend rüber.

Es ist gut, dass dieses Stück den Zuschauer*innen Demokratie näher bringen möchte, und dass jede*r, egal welchen Alters, eine Gesellschaft mitgestalten kann. In Zeiten von Debatten, ob das Wahlalter auf 16 Jahre gesenkt werden soll, ist dieses Thema sehr aktuell.

Trotzdem würde ich das Stück nicht ab 9 Jahren empfehlen.

Im Gegensatz zu George Michael, der “I’m never gonna dance again” singt, tanzen drei Jungs und ein Mädchen was das Zeug hält. Als die Vorstellung beginnt, liege ich noch mit Gummibärchen im Bett. Doch das sollte sich ändern. 

In ihren bunt-glänzenden und leoparden-gemusterten Kostümen stehen die Tänzer im Kontrast zur einfach gehaltenen, fast leeren Bühne. Bühnendekoration hätte die vier sowieso bloß beim Tanzen gestört. Ausgefüllt wurde der Raum trotzdem: das junge Team rund um den Choreographen Takao Baba durchbricht unsichtbare Barrieren zwischen Zeiten, Tanz- und Musikstilen. Ballett in Vintage-Klamotten zu aktueller Trend-Musik tanzen? Kein Problem. Indem sie unterschiedliche Genres kombinieren, erschaffen sie einzigartige, neue Kreationen. 

Alles ist Tanz. Überall ist Tanz. Jeder kann Tanz. Auch Jungs. Im Sportunterricht laufen die Gesichter der meisten von ihnen ja rot an, wenn gesagt wird, dass sie tanzen sollen, aber den neuesten TikTok-Tanz können sie dann doch als erstes tanzen. Diese Tatsache wird in “Boys don’t dance” ausgenutzt. Zu selbst komponierter Musik tanzt das Kollektiv den "Kühlschrank", den "Toaster" oder die "Mikrowelle" und ruft auf, mitzumachen. Lange hab ich mich davor gedrückt, aufzustehen und mitzutanzen. Es wurde zum ungefähr 9. Mal gesungen “Mach das Deo drauf”, als ich doch aufgestanden bin. Ich hatte das Gefühl, dass sie bemerken würden, wenn ich liegen blieb. Wahrscheinlich wäre mir durch die ständigen Wiederholungen sonst auch zu langweilig geworden. Während ich tanze steigt aber die Spannung im Körper wie die Lava eines Vulkans immer weiter, bis zum Höhepunkt. Und plötzlich explodiert der Vulkan. Statt “Mach das Deo drauf” hieß es nun “Mach die Kamera an”. Wofür? Für ein Tanzbattle. Plötzlich war ich ein Model - weil ich in der ersten Jahreshälfte Geburtstag habe. Die Models treten gegen die Zombies an. Immer und immer schneller tanzen wir. Sogar die Dolmetscherin tanzt mit. Und so entsteht doch irgendwie ein Gemeinschaftsgefühl - sogar über Zoom. 

Schade ist, dass die Videoqualität sehr gelitten hat. Ich glaube auch, dass die Atmosphäre live eine ganz andere gewesen wäre. Da hätte sich niemand hinter einer ausgeschalteten Kamera verstecken können. Dort wären die Kinder auf die Bühne geholt worden, wie die Tänzer berichten. Trotzdem war es schön, mal abzuschalten und frei zu werden. Boys don’t dance macht ganz besonders Kinder froh - aber Erwachsene ebenso.

Es geht es los: Schulausflug – die Expedition ist die Filmadaption des vor-pandemischen, gleichnamigen Audiowalks. Die imagery company - mit Ossian Hain, Anne Kapsner, Anne Mahlow, Arthur Romanowski und Anja Schneidereit - unternimmt eine Exkursion in die IGS Herderschule Frankfurt und das ist wirklich unterhaltsam. Denn in diesem Monster, da gibt es viel zu entdecken, da „sind sie nach Gruppen sortiert und versteckt hinter Türen - sagen große Menschen „denn ich weiß es und ihr müsst es glauben“.

Die Performance lebt von den eingesprochenen Stimmen, die - an die Sendung mit der Maus-erinnernd - erklären, was eine Schule denn so ist und was darin so vor sich geht. Weisheiten, Erfahrungsberichte und lose Gedanken begleiten den schwarz-weiß Film. Worum es darin geht?  Gespenster, Theater, alte Lehrer, das Herz der Schule. 

Die Inszenierung verhandelt chronologisch unser Schulsystem. Ein Thema folgt dem nächsten. Dinge werden abschließend verhandelt, das macht es sehr einfach zu folgen und ist für die Zielgruppe der 8+ jährigen auch genau richtig. 

„Es geht ein Gespenst um in der Schule“: so beginnt der Moment, der das Herzstück des Schulausflugs ist. Man sieht zwei Gespenster die durch die Schule streifen „und es herrscht der große Klassenkampf. Aus Klassenkampf wird Klassenfreund“. Eine Kritik an dem dreigliedrigen Schulsystem, dass von vorneherein segregiert, das eine gerechte, chancengleiche Gesellschaft noch viel utopischer macht. Passend auch der Soundtrack aus den späten 60ern: God only knows what I would be without you. 

Am Ende verlassen die fünf Abenteurer*innen die Schule wieder, wollen die Welt retten, Freunde finden, nach Nicaragua fliegen. Das Video endet mit einem Monolog der beginnt mit: "Ich will zeigen, dass ich zeigen kann, dass ich nicht wollen kann, also will ich nicht, eigentlich will ich ja schon, aber ich will nicht" und endet mit "Ich will ja eigentlich, aber ich will halt nicht. Will ich, dass ich wollen will, ich weiß nicht“.
Die Zuschauerin ist wieder zurück in ihrer eigenen Schule: zuhause, denkt an die 6. Klasse, die man zwischendurch hören konnte und hofft, dass das Homeschooling bald vorbei geht, damit Schüler*innen wieder zusammen denken können: „Ich will halt eigentlich, aber ich will halt nicht“.

Wir trafen uns in Gather Town, doch wie so oft hat die Technik leider komplett versagt. Und wir sind auf Zoom umgestiegen. Hier ging es dann mit ca. 30 Minuten Verspätung los. Als erstes kam natürlich die klassische Vorstellungsrunde (Wer liebt sie nicht?). Danach wurden wir gleich nach unseren Interessen gefragt, die wir gerne in diesem Barcamp diskutieren wollen. Die Themen waren: Wünsche für Theater in Corona; das Augenblick Mal! als Festival für wen?; Unterschiede zwischen analogem und digitalem Theater; Uminszenierung für Online- Formate; Umgang mit Trigger-Warnungen vor und nach Vorstelllungen; Beteiligung im Kindertheater; digitale Theaterfestivals; Gather Town. Nach dem Brainstorming konnten wir uns jeweils zwei Themen aussuchen und mit anderen Menschen in Dialog kommen. Am Ende des Barcamps konnte man dann auch noch ein kleines Feedback geben.  

Ich war in den Breakoutrooms "Wünsche für Theater in Corona" und "Augenblickmal als Festival für wen?" Für Theater in Corona hatten wir alle den selben Wunsch. Nämlich: Macht bitte die Theater wieder auf! Mit einem guten Hygienekonzept. Im zweiten Raum zum Thema Augenblick Mal! als Festival für wen? waren alle der Meinung, dass es zu wenig Kinder und Jugendliche auf dem Festival gegeben hat. Wir haben nach Ideen gesucht, wie man mehr Kinder und Jugendliche anziehen könnte. Wie zum Beispiel:  Mehr Jugendprojekte, schulfreundlicher Vorstellungszeiten, Einbeziehen von Kindern in die Stückauswahl. 

An diesem Barcamp ist mir besonders aufgefallen, dass relativ viele Kinder und Jugendliche mit dabei waren und man in einen viel intensiveren Dialog gekommen ist. Leider habe ich auf diesem Festival selbst nicht sehr viele Kinder und Jugendliche gesehen, aber das Barcamp konnte hier einen gewissen Ausgleich schaffen. 

Leider war es schade, dass dieses Barcamp digital stattfinden musste und man immer wieder aus den Diskussionen rausgerissen wurde. Toll war besonders, dass man am Ende der Veranstaltung einen richtigen Spirit unter den Teilnehmenden spüren konnte. In den Dialogen hatte ich immer wieder auch ein Art Teamgefühl, obwohl wir alle nicht am gleichen Ort waren. Man war auf irgendeine Art verbunden miteinander - und genau das hat mir besonders gut gefallen. 

In Schulausflug begeben sich fünf Freunde in dunklen Tarnklamotten und mit geheimnisvollen Rucksäcken auf den Schultern zu einem Abenteuer. Ihre Mission: eine vermisste Person finden. Sie suchen überall. Hinter einem Busch, in der Straßenbahn, in einer Waschmaschine. Fündig werden sie schließlich in einem Monster, das sich mitten in der Stadt befindet. Nur sein Kopf ragt hervor, mit kleinen, weit aufgerissenen Augen, die niemanden übersehen. Es bevorzugt junge Opfer im Alter von 6-18 Jahren. Hat es seine Opfer erst einmal verschluckt, dauert es ein paar Jahre, bis sie mit dem Stoffwechsel wieder ausgespuckt werden. Was ist das bloß für eine schreckliche Bestie? Seid ihr bereit für die Enthüllung?

Das Monster ist die Schule. Vermisst werden Schüler. Dieses Rätsel habe ich jetzt zwar aufgelöst, doch das Stück selbst ist für mich auch nach 79 Minuten und 48 Sekunden ein ungelöstes Rätsel geblieben. Eine Stimme aus dem Off erzählt, dass sie heute zu spät zur Schule kam, weil sie das Frühstück verschlafen hat und unbedingt ein Brötchen von diesem einen Bäcker auf der anderen Straßenseite holen wollte. Gleichzeitig sehen wir einen der Freunde, wie er auf einer Matratze am Flussufer picknickt. Beides zusammen ergibt für mich keinen Sinn.

Teilen wir mal Bild und Ton: Ästhetisch ist Schulausflug sehr schön anzusehen. Ich verstehe den Spaß daran, wie ein Abenteurer durch eine Schule zu wandern. Ich glaube jedes Kind hat schonmal davon geträumt. Und in schwarz-weiß sieht das gleich viel krimineller aus. 

Die eingesprochenen Stimmen, die ihre intimsten Eindrücke der Schule teilen, sind an sich auch klasse. An einigen Stellen konnten sie uns Schwächen des deutschen Schulsystems klarmachen. Zum Beispiel, indem sie den Lehrerjob als “endlose Choreographie des Alltags” darstellen, oder indem sie die Gymnasien, Real- und Hauptschulen, ähnlich wie bei der Ernährungspyramide, in gesund und ungesund, in klug und dumm einteilen. Oder in den Worten der unbekannten Stimme aus dem Off: “Es herrscht der große Klassenkampf.”

Doch Bild und Ton zusammen sind zwei Puzzleteile, die nicht ineinander passen. Nachdem ich Schulausflug gesehen habe, habe ich mir sehr gewünscht, das Stück in seiner corona-freien Originalfassung zu erleben: als Audiowalk in einem waschechten Monster. Das wäre nämlich das richtige Format für Schulausflug: ein Stationenlauf, genau wie damals in der Schule, mit zusätzlichem Audio-Guide. Für die wahrhaftige Schulnostalgie könnte man auch Pokemon-Karten tauschen, oder sich um das letzte Kaugummi streiten. Einen Schulausflug muss man nämlich erleben, man schaut sich keinen an. Erst dann würde das Stück sein Ziel erreichen: Schule aus einer neuen Perspektive erleben. Aus der Perspektive eines Jägers, der den Bösewicht jagt. Und der Bösewicht ist gar nicht die Schule, sondern das Schulsystem, in dem sich seit dem letzten Jahrtausend kaum was getan hat.

Während des Festivals ist die Plattform leider oft abgestürzt (Technik in Corona Zeiten). Auch mussten wir oft auf die Alternativ-Plattform Zoom ausweichen. Eines der Probleme war auch, dass andere Festivalteilnehmer*innen ihre Mikrofone während der Streams anhatten und man folglich die Vorstellung aus drei unterschiedlichen Lautsprechern gehört hat. Teilweise sind wir deshalb auch auf Vimeo geflüchtet, denn hier hat meistens alles reibungslos funktioniert. 

Eine der guten Sachen an Gather Town war, dass man mit anderen Besucher*innen in Dialog gekommen ist. Gerade auch wenn man immer wieder in irgendwelche Unterhaltungen geplatzt ist (was dann jedes mal sehr witzig war). In Gather Town konnte man sich auch immer wieder neue Räume anschauen, die sehr schön gestaltet waren.

Aber am aller-unterhaltsamsten waren die Hilferufe der Gather Town Gesellschaft wie: "Ich hab die Hoffnung, dass ich im Festsaal bin" und noch vieles mehr… Wenn man sich aber in Gather Town erst mal reingefuchst hat, ist es eine wirklich gut benutzbare Seite. Mit Gesprächen, Theater-Live-Streams, Konferenzen und viel Spaß. Aber es braucht eben seine Zeit, sich an die digitale Umgebung zu gewöhnen.

Nach sechs Festivaltagen waren meine Gefühle ambivalent. Da war Traurigkeit, dass ich wieder zurück in einen Corona Alltag muss, der wenig Theater und viel Tage überstehen ist, so viel Theater gab es lange nicht mehr für mich. Sieben Stücke in fünf Tagen, das war fantastisch und da war Freude, Wut und Irritation. 

Immer wieder hatte ich – in den voneinander unabhängigen Inszenierungen und Performances, das Gefühl, dass sich durch die Auswahl ein Faden zieht. In jedem Stück dachte ich, hier wird jetzt gerade ein Faden wieder aufgenommen, der eben noch nicht abschließend verhandelt wurde. 

Gather.town, noch nie habe ich einen digitalen Raum so physisch gesehen, da kann man wahrhaftig von Raum sprechen, mit Grenzen, Türen und Wänden. Wundervoll! So sehr begeistert ich von dem Design bin, desto mehr enttäuscht von dem, was ich darauf erlebt habe. Die Stücke habe ich mir meist auf Vimeo angesehen, einfach weil die Qualität besser war und das Bild größer und auch sonst, hatte ich immer eher das Gefühl in hochtiefsinnige und wichtige Gespräche hineinzulaufen, anstatt, dass ich wirklich Menschen dort getroffen hätte, das funktionierte über Zoom in Breakoutrooms viel besser!

Es war mein erstes Theaterfestival, das Theater habe ich so richtig mit ungefähr 15 entdeckt, jetzt ist Corona und die Theater haben zu. Kurz, die Theaterwelt und ich, das ist eine bisher sehr flüchtige Bekanntschaft. Kinder und Jugendtheaterfestival, ich dachte, das heißt viele Kinder und Jugendliche, wie sehr ich mich da getäuscht hatte, wurde mir bereits im ersten Nachgespräch klar. Wir sind das Publikum eurer Kunst. Aber wir kommen in ihrer Verhandlung nicht vor. Ihr schreibt Nachgespräche aus die „für Fachpublikum“ gedacht sind. Ihr macht Kunst für Kinder und Jugendliche, euer Ziel ist uns zu erreichen, mit uns unsere Themen zu verhandeln, oder?

Sie, Ihr habt Theater, Regie, Schauspiel studiert, Ihr habt Jahre eures Lebens damit verbracht Theater zu verstehen und in diese Welt hineinzupassen-, zuwachsen. Ich nicht, ich bin Schülerin, mit wenig Erfahrung und doch einem Kopf, einer Perspektive. Ich habe eine Kritik des Stückes: ‚Schulausflug‘ geschrieben und hatte das Gefühl es nicht verhandeln zu können, weil ich kein Kind mehr bin, wie wollt Ihr dann über eure Kunst reden, die Ihr für uns gemacht habt? Ihr habt es studiert, ich schaue es nur, aber ist die Perspektive meiner Generation nicht die interessantere, die wichtigere für das Kinder und Jugendtheater? Hinkender Vergleich: Wenn Lehrer*innen neue Dinge ausprobieren, müssen sie die vor allem mit uns kommunizieren, um zu erfahren, ob es sinnvoll, gut war, nicht mit ihren Professor*innen. Es irritiert mich wahnsinnig, wie sehr Ihr Euch um Euch selbst dreht. Als Teil der Jugendredaktion hatte ich die Möglichkeit in so vieles reinzugucken und es war fantastisch, aber oft auch so seltsam. Nach der Perfomance: „Es ist zu spät“ habe ich nicht gedacht: „das war gut, das hat mich als Zuschauerin jetzt richtig gefordert“, sondern ich war mal wieder überfordert von der Wucht der ökologischen Krisen, gegen deren Eskalation wir kämpfen, war beschäftigt mit dem Gedanken: „was machen wir denn jetzt noch?“, nicht im Theater sondern auf höchster Ebene, wie kriegen wir Systeme gedreht? Und um ehrlich zu sein, war ich nicht mehr entsetzt genug, weil es mir zu bekannt ist. Das eigentliche Entsetzen kam im Nachgespräch, dass ich wenig später wieder verlassen musste, weil ich es nicht ausgehalten habe, wie technisch Ihr über die Inszenierung gesprochen habt und nicht über den Inhalt. Gefühle statt Eskalation. Bei der Energie und Zeit, die Ihr in das Diskutieren darüber reinsteckt, die Transformation wäre schon halb geschafft.

Holt uns an die Verhandlungstische, in die Theaterproduktionen, die Ideenprozesse und bitte, bitte, bitte hört auf nur über Form zu diskutieren und versucht Euch auch an den Inhalten. Ich kenne Euch nicht so gut, aber das, was ich mitbekommen habe war in Nachbesprechungen viel „ich fühle“ und wenig Transformation, die uns als sogenannte Gen Z vielmehr beschäftigt. System statt Bühnenbild, Policies statt paralinguistischer Zeichen. Please - ich weiß, dass Anglizismen verpönt sind.

Hier ein paar Vorschläge:

·       Macht das nächste Mal nicht nur eine Jugendredaktion, sondern ladet Euch junge Menschen in die Inszenierungsgespräche mit ein, Ihr kennt Euch, wir nicht, geht mit uns in die Gespräche gebt uns eine Bühne einen festen Platz in Euren Diskussionen, fragt uns.  

·       Baut mehr Foren in denen sich alle austauschen, nicht nur über Stücke, sondern auch über Theater, die Welt

·       Bildet unterstützend zu dem klassischen Kuratorium, ein Kinder- und Jugendkuratorium, dass junge Perspektiven mit in die Auswahlprozesse mit einbindet, oder verleiht einen Kinderpublikumspreis

Ich kann wenig darüber sagen, wie die Außenwirkung unserer Texte war, aber ich bin all den Menschen dankbar, die sich von uns kurzfristig interviewen haben lassen, die auf die Idee kamen und ganz besonders den Menschen, die mit mir zusammen fünf Tage lang ein Tablet gefüllt haben.

Theater das ist Gesellschaftskritik. Ich verstehe, dass man Inhalt und Form unterscheiden muss, dass es Eure Existenzgrundlage ist, über Formen zu diskutieren, sie zu schaffen. Ich verstehe, dass man sich selbst wichtig nimmt - ich tue es auch, aber am Ende gehen vier Menschen aus meiner Klasse ins Theater und die, die gehen sind sowieso politisch. Nehmt Euch nicht so ernst! Ihr verhandelt in Euren Stücken die Welt, aber sonst nur Euch. Wie geschrieben, ich kenne Euch noch nicht so gut.

Patrick Wildermann hat in unserem Interview gesagt: „man muss eine Inszenierung daran messen, was sie sich vornimmt“, so weit so gut. Was habt Ihr Euch vorgenommen?

Dieses Festival war für mich eine komplette Gefühlsachterbahn. Ich hatte mir neun Stücke angeschaut, es war vieles dabei. Von knuffigen Hamstern bis „Es ist zu spät“, einem Stück über den Klimawandel. Während diesen sechs Festivaltagen, konnte ich das Virus kurz mal vergessen. Aber als dann diese „Bubble“ zerplatzte, war ich umso trauriger. 

Während diesen Festival Tagen, hatte ich immer wieder das Gefühl, alle die Stücke und Performances sind miteinander verbunden. Alle haben in mir unfassbar viele Gefühle ausgelöst negativ, sowie positiv. 

Ein ewiges Denkmal wurde auch mit Gather Town gesetzt. Hier gab es viele Fehler, aber trotz allen diesen Fehlern, hat es mir immer wieder Spaß gemacht auf dieser Plattform unterwegs zu sein. In diesen Digitalen räumen alles erkunden zu können. Nur während den Stücken, als Besucher*innen ihre Mikrofons anhatten und man das Stück aus drei Lautsprechern gehört war, habe ich es als sehr störend empfunden. Wir sind dann immer auf die alternativ Plattform Vimeo geflüchtet, hier funktionierte immer alles. 

Eines der Stücke ist mir immer und immer wieder durch den Kopf gegangenssEs ist zu spät. Vor allem, dass Theater nichts tun kann. Ich habe gemerkt Theater kann so viel, aber auch so wenig. Und auch hier wieder, während diesem Stück war ich in einer „Bubble“. In dieser Theaterbubble bin ich gerne und liebe sie auch, aber darf ich als Jugendliche überhaupt in dieser Bubble sein? 

Als Jugendliche, habe ich mich sehr „allein“ gefühlt. In den Coffee-Sesson, da wo sich das erwachsene Fachpublikum den nächsten Job verschafft. In den Nachgesprächen, was meist nur für erwachsenes Fachpublikum ist. Hier sprecht Ihr über Jugend und Kindertheater? Wir lassen Euch an unserem Theater teilhaben! Dann lasst mich bitte auch an eurem Theater teilhaben! 

Ich bitte alle, die diese Kulturinstitutionen leiten: Bitte senkt diese Schwellen, es gibt Kinder und Jugendliche, die euch suchen und finden wollen! Senkt die Schwellen! Macht sie leicht überquerbar!  Und lasst uns zusammen Theater machen! Lasst und mitdenken, spielen, reden, philosophieren, schreiben, kritisieren! 

Ich danke, dass ich an diesem Festival teilnehmen konnte. Es waren wundervolle sechs Tage, so intensiv Theater zu erleben. Und ich hoffe, dass für viel mehr Kinder und Jugendliche die Schwellen zum Theater gesenkt werden können! 

Das Licht schaltet sich an und aus. Dann wieder an, dann wieder aus. An aus. Wie eine Uhr: tick tack. Währenddessen stehen vier Schauspieler vom Boden auf und bauen das Bühnenbild - welches aus lauter Tageslichtprojektoren und Leinwänden besteht - wieder auf. Es scheint fast so, als wäre es vorher zerstört worden. Doch dazu später mehr. Irgendwann bleibt dann das Licht an. Als Erstes sehen wir keine der Figuren, sondern eine Leinwand, auf der die Figuren abgebildet sind. Eine extrem spannende Form von Bühnenbild, die ich so noch nie erlebt habe. Umso froher bin ich, es in IOTA.KI zu erleben. Ich frage mich, ob das ganze Stück nur aus Leinwandaufnahmen bestehen wird. Bis die Kamera irgendwann auf die vier Schauspieler umschwenkt, die wir in dem Stück kennenlernen. Die Schauspieler übernehmen zwei Aufgaben gleichzeitig: einerseits spielen sie ihre Rollen in Mimik und Gestik mit. Andererseits spielen sie mit den Projektionen und geben ihnen eine Stimme. IOTA selbst sieht mithilfe der Projektorbilder aus wie ein Spiegelei. Eigentlich mag ich ja Rührei mehr, aber was solls.

Menschen sind doch die einzigen, und nicht zu vergessen intelligentesten, Lebewesen auf dieser Welt. Oder? Oder nicht? Einige Astronomen glauben etwas anderes. So wie die drei Astronomen Anna, Veit, und Mave. Sie sind der festen Überzeugung, dass noch andere Lebewesen in diesem Universum existieren. Es gibt ja auch nur ein Universum, oder? Oder nicht? IOTA wurde dafür entwickelt, diese anderen Lebewesen ausfindig zu machen. Was sie nicht wussten, ist, dass IOTA stattdessen etwas viel größeres entdecken wird. Etwas, dessen Ausmaß wir uns gar nicht vorstellen können. Etwas, wofür Wissenschaftler der ganzen Welt versuchen Beweise für zu finden: für die Existenz von Paralleluniversen. In einer anderen Realität könnte ich zusammen mit drei Eisbären und einer Thermoskanne in einem Iglu leben. Es könnte einen Mond aus Käse geben. Du könntest Beyonces BackgroundsängerIn sein. Wenn es diese Paralleluniversen wirklich gibt, dann gibt es unendliche Möglichkeiten wie sie aussehen könnten. Mit jeder Sekunde, jeder Entscheidung, die wir treffen, werden es mehr.

Wie können eine Astronomin namens Anna, ein Physiker und ein Pinguin namens Dot und Rico, und eine Forscherin namens Eleva, aufeinander treffen, wenn alle drei völlig unterschiedliche Leben führen? In Annas Welt ist es nicht möglich auf dem Mond zu leben und zu arbeiten wie Eleva es tut. Für Dot ist es das Normalste der Welt einen Pinguin und eine Künstliche Intelligenz zu besitzen - für Anna aber nicht. Die drei kennen nur eine Lösung dafür: sie kommen aus Paralleluniversen. IOTA hat die drei in einer virtuellen Realität zusammen gebracht. Gewissermaßen hat IOTA sogar Armor gespielt, denn zwischen Dot und Anna hat es gefunkt. Wie Dot selbst gesagt hat: “Sie hat keine Ahnung davon, was auf der Erde abgeht, aber irgendwie mag ich sie.” Ich wünschte, es gäbe eine größere Liebesbeziehung zwischen den beiden. Ich meine, was wäre das für eine krasse Kennenlerngeschichte zu sagen: “Wir haben uns über Universen hinweg in einer virtuellen Realität kennengelernt:”?! Meine Beziehung zu IOTA.KI würde ich mit denselben Worten beschreiben: “Ich habe keine Ahnung davon, was in IOTA.KI abgeht, aber irgendwie mag ich es.” Ich bin als Laie, der nichts von Naturwissenschaften versteht, in das Stück reingegangen, und als viel viel schlauerer Laie rausgegangen. Und dabei wurde ich noch fabelhaft unterhalten. Man könnte sagen, zwischen dem Stück und mir hat es auch gefunkt.

Diese einmalige Entdeckung von Paralleluniversen muss natürlich sofort getestet werden. Anna, Eleva und Dot reisen mit IOTAs Hilfe in ein anderes Universum. Ich fühle mich, als würde ich selbst durch das Universum reisen - die Projektoren zeigen diese Reise nämlich von allen Seiten. Sterne, Planeten, und abstrakte Formen umkreisen einen. Aber es wäre ja langweilig, wenn das reibungslos abgelaufen wäre. Es treten Störungen auf - quasi technische Störungen. Die drei werden ungewollt auf einem Boot im Meer ausgespuckt. Daraufhin beichtet IOTA, dass das Universum ein Computer ist. Okay, krass. Das würde bedeuten, dass Menschen - oder sollte ich lieber sagen, die, von denen wir glauben, dass sie Menschen sind - genauso sind, wie Charaktere in einem Videospiel, oder wie unsere Avatare auf gather.town? Unsere Avatare wären also Avatare von unseren Avataren? Fest steht jedenfalls, dass diese Entdeckung festgehalten werden muss. Doch die Zeit rennt. Die drei Musketiere Anna, Dot und Eleva springen in ein schwarzes Loch. Das Licht geht aus. Die Projektoren stoppen. Unsere Protagonisten fallen hin. Dunkelheit.