A pesar de estas particularidades, es claro como en este momento se logra representar un mayor movimiento y también naturalismo, a partir de la inclinación de su cadera (lo que siglo después conoceremos como “contraposto”) y su cabeza, hacia un costado. Así, observamos cómo existe una mayor armonía, orden  y equilibrio en cuanto a sus proporciones corporales, que se adecúan a la concepción del arte apolíneo por parte de Friedrich Nietzsche, ya que la altura de esta escultura es equivalente a siete cabezas de un ser humano, alcanzando así la “perfección” (el canon de Policleto, posteriormente planteado como la Gran Teoría de la Belleza). 

Recordemos que Apolo es el Dios de la juventud, la belleza, la poesía y las artes. En este marco, el hombre es  considerado el artista, por lo que se prioriza su forma y también su principio de individuación. De esta manera, podemos observar como en esta escultura existe una congruencia entre sus distintas partes, lo que da lugar a la armonía y a una imagen agradable e incluso seductora propia de la época. 

Si analizamos más en detalle esta obra, podemos observar que tanto un hombre como una mujer se encuentran realizando un baile a partir de movimientos exagerados, similares a la embriaguez. Es importante tener en cuenta que la pantera que se encuentra entre ellos tiene un atributo de Dionisio: un zarcillo de yedra, alrededor del cuello (Schröder, 2004). Así, este tallado no solo refleja un ardor, sino también un profundo éxtasis feroz, que pareciera estar acompañado por la música y la danza, constituyendo así aspectos fundamentales del arte dionisíaco (Nietzsche, 2012).

Para Hauser (1951) “su verdadero fin y sentido es reproducir con la mayor perfección posible el cuerpo humano, interpretar su belleza, comprender su figura sensible, libre de toda relación mágica y simbólica” (p. 18). Los artistas ya no dependen de los sacerdotes, sino de las ciudades, los tiranos e inclusive los ricos. Sus obras no tienen efectos mágicos ni tampoco pretenden ser sagradas De esta forma, el arte griego manifiesta por primera vez una ciencia libre de religión, de la fe y la superstición, organizada racionalmente e independiente de toda consideración práctica. 

El teatro de las fiestas solemnes se convirtió en el instrumento más valioso de la polis de propaganda. Los poetas trágicos recibían pagos del Estado, el cual les permite representar aquellas obras que estén de acuerdo con su política e intereses. Así, este género estaba vinculado completamente a la vida social y política. En consecuencia, el poeta es considerado como un “guardián de la verdad sublime”, es decir, un educador del pueblo. Por ejemplo, en el final de la obra “Las euménides” de Esquilo (ver imagen adjunta), el cortejo ora para la prosperidad del pueblo de Palas, demostrando su apoyo hacia el Estado. 

Recién cuando el siglo se acerca a su fin, el teatro logra incorporar elementos naturalistas, individualistas, subjetivistas y emocionales. Así, en la literatura se da lugar a la época de la biografía, mientras que el teatro se aproxima a la cotidianidad, adoptando el impresionismo de la lírica. En cuanto a la mitología, los sofistas serán los primeros que percibirán la figura de los dioses como creaciones históricas, productos del espíritu humano y de la mano del hombre. Por esta razón es que Nietzsche (2012) plantea que los griegos crearon a estas divinidades, para poder sobrellevar las desgracias de su existencia: necesitaban esa evocación protectora que les permitiera vislumbrar el sueño olímpico, es decir, una cosmogonía.

–En el Período Prehelénico Cretense, la pintura se produce a partir de la técnica “fresco”. Retrata paisajes, el mundo vegetal y animal y las actividades humanas realizadas en distintas ceremonias o cultos. Se utilizan colores vivos y muy reducidos. Respecto a las esculturas, estas representan figuras animales y humanas y las cerámicas dan lugar a la producción de cuencos, jarras y vasos grandes,  con un “estilo floral” y un “estilo marino”.

–En la Edad Arcaica, el cuerpo humano es retratado resaltando las piernas, el torso y los músculos, reduciéndose a lo imprescindible. Aquí se percibe la influencia de los prototipos egipcios, dando lugar a esculturas muy estoicas y rígidas. 

–La arquitectura se desarrolla principalmente en torno a santuarios y templos dedicados a dioses y que no eran de público acceso a los fieles. En un principio, eran construidos con adobe y madera, luego con piedra y mármol, tras el ataque de los persas en el año 480 a.C.

–El arte griego despliega dos instintos diferentes, que se excitan mutuamente: el arte apolíneo (ligado al Dios de la juventud, la belleza y las artes Apolo) y el arte dionisiaco (asociado al Dios del vino, los excesos y las festividades Dionisio). Ambos engendran la tragedia ática.

–En la Edad Clásica, existe una tendencia a ser fiel a la naturaleza. También un afán a la medida y al orden. La escultura “Apolo de Belvedere” refleja un modelo ideal del cuerpo masculino: musculatura, distribución del peso corporal, etcétera.

–Hay un ideal vinculado a los dioses, presentados en forma humana y ligados a un atributo (el trueno, tridente, entre otros). Se retratan escenas bélicas, de batallas o mitológicas, donde alcanzan a tener cercanía con las personas, como portadores de pasiones humanas (caprichos) y seres no perfectos. Zeus es el Dios supremo. 

–Con el “idealismo”, el arte es utilizado para representar un mundo mejor y normativo. La tragedia se convierte en un teatro político, donde los poetas son considerados “educadores del pueblo”.

–En la Edad Helenística los estilos e invenciones griegas recibieron influencia de las tradiciones de los imperios orientales de la época (a partir de Alejandro Magno). En las obras comienzan a representarse la lucha dramática (lo retorcido, lo dionisiaco), exaltando sus movimientos, cuerpos y posiciones. Los rostros reflejan dolor y desesperación. Se les da más importancia a los seres humanos que a los dioses. 

–Se producen copias romanas para coleccionistas, turistas y adornos, las cuales aún en la actualidad se conservan, ya que gran parte del arte griego fue destruido o no perduró.

Según Nietzsche, lo apolíneo representa el arte en el sentido amplio de voluntad de ilusión, de anhelo de apariencia. Expresa las formas acabadas y bellas que se presentan en las artes figurativas; este dios representa el concepto de belleza o ideal de belleza, la perfección de formas, la cordura, el sueño y la poesía. Esta escultura fue redescubierta en el Renacimiento, es una copia romana del original griego que se perdió. Es considerada la representación ideal de la perfección física masculina de la antigüedad clásica.

Los teatros estaban construidos al aire libre, sin embargo, transmitían una acústica impecable. Solían establecerse al lado de una colina, con un escenario y un gran muro de fondo. Se considera a las grandes dionisias de Atenas como las precursoras del teatro griego. Consistían en fiestas anuales que duraban varios días, en honor a Dioniso.

En estas celebraciones masivas, la gente cantaba, bailaba y tomaba vino. El gran atractivo eran las representaciones dramáticas que realizaban algunos, como las tragedias de Eurípedes.

A finales del s. V, los artistas eran conscientes de su capacidad artística, mientras que el resto de los ciudadanos comenzó a interesarse por el arte en sí mismo, sin su intención/función religiosa o política.

Hubo un cambio de gusto, se deja lo sencillo y lo rígido. El arte se vuelve más refinado y delicado.

Prehelénico Cicládico (3300-2000 a.C). Técnica: fresco (pigmentos diluidos en agua). Temas: escenas paisajísticas, ceremonias cortesanas. Esculturas hechas con marfil, huesos, barro cocido y normalmente eran de animales y humanos. Las cerámicas tenían estilos florales y marítimos.

• Prehelénico Troyano (2920-1300 a.C.)

• Prehelénico Cretense o Minoico (2700 - 1200 a.C)

•Etapa Arcaica del Arte Griego (Finales del siglo VII a 480 a.C.). Cambio de mentalidad artística. Las esculturas desaparecen. Se resaltan las cualidades físicas de los humanos (los músculos, por ejemplo). Los temas de las pinturas solían estar relacionadas a la mitología griega.

•Etapa Clásica del Arte Griego (480 al 325 a.C.). La escultura en esta etapa tenía como tema principal la figura humana, la búsqueda de la belleza ideal. Estilo severo. EL GRAN CANON DE LA BELLEZA GRIEGA CLÁSICA SE DEFINIA EN MEDIDA, ORDEN Y PROPORCIÓN.

•Etapa Helenística del Arte Griego (325 - 150 a.C.). El Imperio Romano se apropia de la cultura griega. Expresión de las pasiones humanas. Enfoque en lo humano más que en lo divino. Exageración de movimientos. Arquitectura arquitrabada. Arquitectura representada por templos.

Explica Nietzche que estas figuras estaban divinizadas sin importar si su accionar fuera bueno o malo, en estos seres oníricos los griegos buscaron encontrar las respuestas a algo tan impredecible como el destino y a los malos tratos que este tenía, por ello los griegos tuvieron que crearlos "para poder vivir", y soportar su existencia, estos dioses serían la antítesis a su sufrimiento.

A la vez, que estos dioses resaltaban en belleza, propia de lo apolíneo, ya que tenían que ser dignos de ser glorificados, y funcionar como reflejo de la sociedad griega, para impulsarlos a luchar contra el sufrimiento.

De esta manera, se puede examinar que la escultura clásica griega se caracterizó por la adopción del naturalismo, buscando representar de manera realista los cuerpos y las actitudes humanas, logrando una representación equilibrada y armoniosa, en línea con la búsqueda de la "belleza ideal" propia de la época. A su vez, las figuras inamovibles del periodo anterior comienzan a dotarse de movimiento.

Paralelamente, este tipo de arte se relaciona de manera interesante con el concepto Apolíneo, donde se buscaba crear belleza a través de la forma, el orden y la medida, en contraposición al caos de la vida. La escultura apolínea buscaba elevarse por encima de las realidades cotidianas, escondiendo la vida detrás de creaciones estéticas y bellas.

En este contexto, las figuras escultóricas del periodo clásico comenzaron a adquirir movimiento, desapareciendo así la "sonrisa arcaica" característica de épocas anteriores. Los escultores griegos se enfrentaron al desafío de representar el cuerpo humano ideal con la mayor verosimilitud y perfección posible. Para ello, se inspiraron en los cuerpos musculosos de los atletas que frecuentaban la palestra y participaban en competiciones, desarrollando reglas y técnicas para lograr la representación proporcional adecuada de las partes del cuerpo humano.

Desde una perspectiva dionisíaca, se puede examinar en la escultura la representación de la vida tal y como es, en todo su exuberante caos, afirmando y abrazando la existencia. Se aleja de las ficciones y falsedades para abrazar la existencia en su autenticidad, destacando la belleza y la irracionalidad esplendorosa.

En el contexto helenístico, el culto a Dionisio inicia una exploración del lado oscuro de la personalidad humana, donde los temas heroicos pierden relevancia ante la exploración del erotismo, los vicios y el placer, reflejados con un sorprendente realismo en las obras artísticas. Tal y como se ha sugerido en algunas investigaciones, la escultura en cuestión podría representar a una mujer de alto rango social entregada al vicio de la embriaguez. Por otra parte, investigadores observan que el detalle del lágino decorado con pámpanos -atributo de Dionisio- refuerza la interpretación dionisíaca de la obra.

En cuanto a las características técnicas y estilísticas propias del periodo helenístico, se destaca el uso de poses dramáticas para expresar emociones intensas, como gestos de dolor y desesperación en los rostros, lo cual contribuye a una mayor expresividad y realismo en la representación escultórica.

Por un lado, el templo mostrado en la imagen, pertenece al estilo antiguo de la tribu dórica, que se distingue por no tener basa, a diferencia de los estilos Jónico y Corintio. Su columna está compuesta por el fuste, seguido por el collarino en la parte superior de la columna, luego el capitel que se estrecha en forma de botella, y finalmente el abaco en el arquitrabe. En el friso, en lugar de estar adornado con escenas o relieves como en los estilos Jónico y Corintio, se encuentran triglifos, marcando una gran diferencia entre estas arquitecturas; a continuación, se encuentra la metopa y para finalizar la cornisa. Estos templos, aunque tuvieron su origen en estructuras de madera, evolucionaron hacia construcciones de piedra con columnas que soportaban arquitrabes y entablamentos.

Por otra parte, el autor destaca a Atenas, que dentro de las ciudades-estado griegas, se destacó como la más famosa e importante en la historia del arte. Fue en Atenas donde tuvo lugar una notable revolución en el arte, posiblemente coincidiendo con la construcción de los primeros templos de piedra en el siglo VI a.C. Antes de esta época, los artistas de los antiguos imperios orientales buscaban mantener una perfección peculiar al emular estrictamente las normas aprendidas de sus antepasados (cfr. Ídem, 81).

En definitiva, el arte griego no solo era una expresión estética, sino también un medio para expresar valores, identidad y poder político. La relación entre arte y política en la antigua Grecia fue intrínseca y contribuyó significativamente al desarrollo y la evolución del arte en la historia.

Teniendo en cuenta lo propuesto por Bauzá en “El mito del Héroe” se destaca como ésta obra, se considera un mito heroico dentro del imaginario griego de la época. Aunque no se debe buscar una base histórica o explicaciones naturales en este relato, se puede entender como un relato mítico en torno a un héroe trágico. Sin embargo, también es posible analizarlo desde una perspectiva histórica y social, considerando que el mito puede ser un objeto de conocimiento histórico y de estudio de la sociedad (cfr. Bauzá, 1998, 109) 

Por otra parte, el concepto de lo apolíneo y lo dionisíaco propuesto por Nietzsche encuentra su síntesis en la tragedia griega, donde se unifican estos principios en una especie de alianza fraternal. La tragedia, según Nietzsche, representa la culminación del arte al lograr esta síntesis entre Apolo y Dionisio. 

En este sentido, en el mito de Edipo Rey, vemos una combinación de elementos apolíneos y dionisíacos. Por un lado, la figura de Edipo como héroe trágico representa la expresión dionisíaca de la vida, con su sufrimiento, tragedia y destino inevitable. La historia de Edipo revela el horror y el sufrimiento sin redención, aspectos centrales del enfoque dionisíaco de Nietzsche, que busca mostrar la vida tal como es, sin velos ni ilusiones. Por otro lado, la forma en que la obra de Sófocles se estructura y se presenta poéticamente también refleja elementos apolíneos. La belleza y la estructura ordenada de la tragedia, así como la figura del héroe trágico y los diálogos poéticos, representan la forma apolínea de expresar el mensaje dionisíaco. Es decir, a través de la forma apolínea se transmite el mensaje dionisíaco de manera estética y estructurada.

Por su parte, a modo de dato curioso proporcionado por el museo que hoy posee la obra, si bien los escritos que narran este suceso mítico de la muerte del sacerdote troyano se han perdido, se pretende que la obra tiene un gran valor histórico también para los romanos desde su perspectiva, pues, la muerte de este sacerdote se relacionaría con la huida de Eneas y por ende la posterior fundación de Roma.

• Pintura: se resalta principalmente actividades cotidianas, dibujos de animales y la naturaleza paisajística. Utilización de colores vivos y elegantes. Distinción de colores entre hombres y mujeres (relación con el arte egipcio)

• Escultura: se destacan esculturas de toros principalmente y diversas diosas. Materiales como hueso, marfil, barro y piedra para elaborar siluetas sencillas.

• Cerámica: dos momentos artísticos, primero exaltación de lo vegetal y luego una destacada presencia de figuras marinas. Jarrones y grandes vasos. Colores negros o azules brillantes "metálicos".

  La etapa arcaica:

• Escultura: recupera similitudes con la escultura egipcia. Se destaca por figuras rígidas caracterizadas por poner un pie delante del otro, destacando fuerza y forma casi geométricas. Principal material el bronce.

• Pintura: Vasijas y ánforas de cerámica principalmente, representaban escenas mitológicas o sucesos cotidianos (ánfora de la foto es de este período). Principalmente dos colores o figuras: negra o roja.

• Arquitectura: templos primitivos de estilo dórico de apariencia flexible. Elaborados con piedra.

  La etapa clásica:

• Escultura: mayor presencia del naturalismo y mayor dimensión del movimiento. Enfoque más apolíneo en tanto busca un ideal de belleza. Estatuas con expresión neutra, mayor concentración de detalles en telas y ropas (esculturas femeninas). Dioses concebidos con forma humana. Las estatuas estaban pintadas o coloreadas. Canon de Policleto de las 7 cabezas.

• Arquitectura: presencia de frisos.

  La etapa helenística.

• Escultura: Absorción cultural por parte del Imperio Romano, resalta la expresividad y el movimiento. Hay mayor expresividad en el rostro y se empieza a fijar más en lo humano.

Se ha elegido este templo debido a que su equilibrio y armonía en las proporciones, el orden y la geometría representan los valores constantes en el programa artístico de la sociedad clásica griega, por ello, esta construcción es uno de los ejemplos más claros del saber sobre geometría que tenían los matemáticos y arquitectos griegos. La búsqueda de la belleza ideal en el mundo griego, les había llevado al intento de corregir ciertos efectos ópticos que se provocan al contemplar los templos en su proximidad o lejanía. Los arquitectos consiguieron así que el efecto visual que mostrara el Partenón no permitiera apreciar ninguna deformación antiestética de los grandes monumentos.

Se ha elegido esta escena ya que este tipo de arte no encuentra belleza en la perfección, sino que se caracteriza por su irregularidad, impulsividad y reveladora visión del mundo. Dionisio muestra el caracter terrible del mundo y de la existencia dando paso a la visión de un mundo caótico, en el que el ser humano experimneta solor y sufrimiento.

Además, hay una gran relación entre este dios y el teatro que señala Nietzche, explica como parte del arte dionisiaco la tragedia griega, que es la obra de arte total, hay artes figurativas (escultura) y artes no figurativas (música). Es así que la tragedia, como «hecho social total» en la polis ateniense del siglo V a. C., era un medio de autorreflexión sobre la ambigüedad de la condición humana; mediante el uso de la ficción, se ponen sobre la mesa los problemas sociales y existenciales a través de instrumentos típicamente dionisíacos: ilusionismo, mímesis, máscaras, estados mentales alterados, etc. El individuo, gracias a la intercesión de Dioniso, disuelve su identidad y se funde en la realidad transfigurada: se convierte en un «hombre trágico».

De allí es que encontramos estatuas o pinturas de los líderes políticos y héroes de batalla, una de las figuras más representadas es la de Alejandro Magno debido a la huella que dejó este general macedonio tanto por sus hazañas como por su marcada personalidad. Fue de gran importancia para el pueblo griego ya que sus gestas estuvieron a la altura de los militares más audaces de la historia de la humanidad y fue fuente de inspiración de posteriores estadistas y estrategas. Venció al Imperio persa y conquistó un inmenso territorio que se extendía desde su Grecia natal hasta el norte de la India. Difundió la cultura griega que, fusionada con las culturas de las regiones sometidas, impregnó el lenguaje, la política, el arte, la literatura y la religión.

Por un lado, la escultura cretense, conocida como escultura minoica, destaca por sus representaciones de animales y humanos en materiales como marfil, hueso, piedra y barro cocido, con siluetas simples y brazos cruzados. Por otra parte, la cerámica cretense refleja intercambios culturales y evolución artística, con motivos florales y marinos en cuencos y vasos brillantes. Durante la etapa arcaica, se transita hacia la escultura en bronce y la pintura arcaica en cerámica con temas mitológicos.

Sin embargo, en la etapa clásica, la escultura se centra en la figura humana con una evolución hacia la naturalidad y expresiones realistas.

La etapa helenística muestra una absorción de influencias romanas y una expresividad mayor en las obras, enfatizando las emociones humanas y el dramatismo en las poses y gestos.

En definitiva, este arte refleja la evolución cultural y estilística de la civilización griega a lo largo del tiempo, tal cual lo menciona Gombrich “La gran revolución del arte griego, (…) es el período más extraordinario de la historia del hombre.” (Gombrich, 1998, 82)

La tradición griega-romana enseñó a sus hombres a reperese héroes y dioses en bellas formas, durante el siglo III se muentras que estaban familiarizados con procesos empleados en Pompeya.

La obra "Tres hombres en el horno de fuego ardiente" su principal propósito es evocar en uno de los fieles ejemplos del poder y clemencia del Dios.

La historia detras de la pintura nos cuenta sobre tres jóvenes judios: Ananías, Misael y Azarías que desafían la orden del rey Nabucodonosor II de Babilonoa, y este furioso ante la desobediencia ordena que los muchachos sean arrojados a un horno donde milagrosamente sobreviven y el rey espantado decretó que cualquiera que dijera una blasfemia contra Dios de los judíos, sea descuartizado y su casa se convertirá en muladar.

Datos artísticos de estas creencias quedaron en los restos de las ciudades griegas, que en su época clásica se llenaron de estatuas en honor de los dioses y los héroes, creadas a partir de un modelo de belleza establecido por los artistas. Buscaron la representación de un cuerpo humano ideal, tomando como referencia la figura de los atletas. Este ideal de belleza deriva de distinguir a los Dioses de los hombres ya que los griegos imaginaban a sus divinidades con apariencia humana, y para distinguirla de los mortales estas deberían de revestir una perfección inalcanzable.

En la acrópolis, lugar reservado a las construcciones más sobresalientes, tenían cabida santuarios, teatros, odeones, gimnasios, ágoras y stoas.

Las artes figurativas se subordinan a la arquitectura, aunque ésta tiene un protagonismo pictórico propio por la policromía escultórica, el uso de diversos materiales y por estar hecha para ser vista.

Aristóteles describe a la comedia mediante su comparación con la tragedia. Las obras trágicas se encargaban de idealizar a los hombres y a los grandes temas de la humanidad mientras que la comedia hacía justamente lo contrario: realizaba caricaturas de las personas para presentar su faceta más baja, más burlesca, más absurda. 

Este segundo género era usado por los autores para satirizar cuestiones que influenciaban a la sociedad griega del momento como la política, la filosofía, etc. En las comedias, los autores escribían en base a estereotipos de personas de la sociedad para crear la burla o situaciones risibles.

En consecuencia a esto, he decidido encarar el arte apolíneo, a través de la figura de la Venus de Milo (200 a.C). Una estatua realizada con mármol, que se caracteriza por su gran estatura de 202 cm y ser una representación evidente del período helenístico. Además, esta figura destacaba la necesidad de los griegos por emplear el uso de las imágenes y estatuas con el único fin de “(..) reproducir con la mayoría perfección posible el cuerpo humano, interpretar su belleza, comprender su figura sensible, libre de toda relación mágica y simbólica.” (Hauser, 1951: p. 19). Finalmente, podemos mencionar que esta estatua representa la búsqueda de la perfección física y la belleza idealizada.

Como he explicado previamente, Nietzsche (1886) marca que las fuerzas dionisiacas se basan en el caos, la pasión y la liberación de los sentimientos. Esta escultura se basa en el mito del rapto de Proserpina, la diosa griega Persefone, y el dios romano Plutón, llamado Hades por los griegos. En base a esto, he pensado que dicha obra no solamente representa como Plutón, un dios caprichoso, es guiado por una pasión desenfrenada y particularmente humana hacia Proserpina a quien decide raptar. Sino que, además, da como resultado una imagen dramática y dinámica, que refleja el intenso caos del propio mito.

En base a esto, la trama gira entorno a Antígona, hija de Edipo, quien lucha contra el poder de Creonte para dar sepultura a su hermano, de esta forma, podemos evidenciar cómo esta obra no solamente nos narra la historia de una tragedia ubicada en medio del conflicto, sino que, también, refleja diversas costumbres y ritos indispensables para los griegos, por ejemplo, la obligación de los ritos funerarios para que el difunto pueda encontrar la paz y que su alma no fuera condenada a vagar por la tierra.

De esta forma, la poesía no tiene ya el cometido de llamar a la lucha, sino que se le atribuye una función ligada con el entretenimiento para los héroes, que permiten aclararlos y ensalzar su nombre, con el objetivo de pregonar y eternizar su gloria. Cabe aclarar, que estos cantos heroicos eran dedicados únicamente a la nobleza guerrera; con el objetivo de satisfacer su constante deseo de alcanzar renombre ante la posteridad. E incluso Hauser admite que la Antigüedad clásica estuvo condicionada en gran medida por este afán de gloria. 

De esta manera, los poetas de los cantos heroicos se convierten en narradores de alabanzas, pregoneros de la fama; basan su existencia en esta función y reciben a partir de ella su inspiración.

Hijo de Venus y Mercurio, durante uno de sus viajes llega a un estanque de agua clara y fría. En él vivía una ninfa llamada Salmacis, que al ver a Hermafrodito se enamora por su belleza.

Hermafrodito rechaza a Salmacis, sin embargo, esta oculta lo espía mientras él se bañaba en el estanque.

Maravillada, Salmacis se desnuda y se arroja al estanque junto a Hermafrodito. Desesperada se aferra a él, forzandolo, pero el joven le rehuye.

Salmacis implora entonces a los dioses que de Hermafrodito nada la aparte. Los dioses la escuchan y consienten su petición.

Los dos cuerpos, de la ninfa y del joven, se hacen uno de repente; Dos caras una, hermosa y delicada. Los cuerpos ajustados parecen que son ambos, y ninguno. El varonil semblante del joven se torna afeminado.

Viendo su nueva condición Hermafrodito implora a sus padres, Venus y Mercurio, que todo aquel que en el estanque entre, sufra su mismo destino.

La explicación de la fábula es oor la muerte del valeroso Aquiles vemos que no era inmortal, y que los mas valientes mueren muchas veces á manos de los mas pusilánimes

Alcanzado el éxito en la juventud, sus últimos años estuvieron marcados por la tragedia y la ruina. Sus dibujos y pinturas siempre fueron muy populares, gozando también de gran predicamento entre los artistas y durante veinte años se convirtió en el maestro de casi todos los pintores neerlandeses.

Aunque Rembrandt gozó en vida del reconocimiento mundial, gastaba más de lo que tenía y al final entró en bancarrota, llegando a vivir en la pobreza sus últimos años. Fue enterrado en una tumba alquilada, sin señales que lo identificaran. Más tarde, sus restos fueron exhumados y destruidos y no hay ninguna marca del lugar de su descanso. También fue conocido por su debilidad por las mujeres y su prodigalidad con el dinero.

Elegí este autor por su historia y su gran "genialidad" con la pintura. Y más que nada porque dedicó retratos, muy famosos, a sus mujeres. Como el seleccionado de Hendrickje Stoffels, quien, se dice, fue la amante del pintor por muchos años. Entró a trabajar en la casa de Rembrandt y se supone que fue por ella que el artista dejó a Dircx (su ex mujer). En 1654, cuando estaba embarazada, tuvo que testificar ante la Iglesia por vivir en pecado y admitió haber cometido actos de prostituta con Rembrandt y le impidieron tomar la comunión. Rembrandt no podía casarse con ella para no perder la herencia que le había dejado su primer y única esposa.

En cuanto a las características del Barroco podemos destacar el dominio de la luz y sombra utilizado, también se nota la forma espontánea, esquemática, casi impresionista en la que está pintada. El sentido del movimiento y la complejidad y sensualismo que presenta esta mujer en la pintura.

Esta pintura formaba parte de una serie de cuatro bufones destinada a la Torre del Parador, particularmente, este personaje se inserta perfectamente en los motivos iconográficos del Barroco, donde se buscaba retratar la “fealdad”, mediante sus ojos bizcos y los detalles de su frente. Además de la posición forzada de sus piernas, donde el bufón parece estar entre sentado y arrodillado con sus articulaciones cruzadas y una sonrisa que resulta extraña. También, podemos apreciar una clara iluminación enfocada hacia el cuerpo del bufón, mientras que la zona trasera del cuadro, la cual podemos señalar como el punto de fuga, parece mucho más oscura, esto se utiliza como una técnica para otorgarle más perspectiva y volumen al retrato.

En esta obra, Caravaggio representa la muerte de María, quien se encuentra tirada sobre unas tablas de madera y un colchón de paja, con el rostro pálido y los pies desnudos, en medio de una estancia ruinosa. Además, su rostro se encuentra iluminado por un foco de luz, a partir de la técnica del tenebrismo desarrollada por el pintor. En consecuencia, su figura es la que más destaca a comparación de los apóstoles y María Magdalena, que se encuentran a su lado con un profundo desconsuelo.

Ha perdurado el rumor de que este cuadro estuvo inspirado en una cortesana que se ahogó en el Río Tíber, pero esto no está confirmado. Incluso, se plantea la posibilidad de que María pudiese estar embarazada, debido a su vientre abultado en la obra. Lo cierto es que esta representación causó mucho revuelo con la Iglesia, puesto que la virgen parecía más una prostituta que una "mujer sagrada" y por esa razón, en un principio, fue rechazada. 

Sin embargo, con el paso del tiempo la concepción de esta pintura fue cambiando y esa es la razón por la cual actualmente se conserva en el Museo del Louvre como una de las obras más importantes de Caravaggio; su tendencia a sobresalir, propia del movimiento Barroco, se demuestra a partir de la inspiración bíblica (con la cual establece una relación intertextual) y la representación de la sensualidad de la mujer (María) a partir de elementos sagrados y profanos, algo impensado para la época.

Por último, el motivo por el cual elegí a este artista se debe a su carácter revolucionario y rebelde, que no tuvo miedo de desafiar las normas de su tiempo y que, a pesar de llevar adelante una vida cargada de excesos y placeres, no se puede negar su contribución la historia del arte universal.

Cuenta la historia que un día, Júpiter descendió a la tierra y se enamoró de la ninfa, hallándola sola en una floresta satisfizo  su deseo, por lo que la ninfa quedó en cinta. 

Cuando Juno se entera de lo sucedido, como venganza convierte a Calisto en osa. Pasados los años su hijo Arcas, quien se había convertido en un gran cazador, se encuentra con su madre osa en el bosque pero cuando estaba a punto de dispararle, Júpiter interviene convirtiéndolo en oso y los eleva  a los dos al cielo como la osa mayor y el oso menor. 

En su taller pintó más de 3.000 obras con una versatilidad temática que  incluye pinturas sobre mitologia, religion, historias, retratos y paisajes, su pintura resalta por la grandilocuencia en un equilibrio con lo delicado,  una gran habilidad técnica y sensibilidad hacia los ritmos de la composición y la psicología de los personajes, además fue reconocido por pintar figuras muy musculosas y  rebosantes de carnalidad en la figura de las mujeres. 

La pintura que escogí es “Cabeza de medusa”, por el gran impacto visual que tiene gracias a los colores característicos del barroco, el juego de las luces y las sombras, el detalle en las escamas de las serpientes y los ojos de medusa cuya expresión es muy teatral/ dramática, además del dinamismo que tienen la escena plasmada.  

Esta obra es de las primeras de Caravaggio. Representa a una "pecadora arrepentida". El procedimiento ponderante es el tenebrismo, presentando sombra de fondo y luz en la figura de la dama.

Michelangelo Merisi nació en el año 1571, en la ciudad lombarda de Caravaggio. Se dice que en 1584 comenzó su trabajo como aprendiz del pintor Simone Peterzano.

El cardenal Francisco del Monte fue su mecenas más tarde, y lo empleó para proyectos importantes. Su vida se vio marcada por el conflicto, incluso asesinó a un hombre y escapó luego de ser sentenciado a muerte.

Emprendí la observación de las pinturas de Caravaggio, debido a que el modo en que se desenvuelve con el tenebrismo, ese violento contraste, me impacta. Además, esta obra en particular manifiesta cuánto se ha perfeccionado el artista.

Michelangelo Merisi da Caravaggio, fue un maestro pintor italiano nacido el 29 de septiembre de 1571 y fallecido el 18 de julio de 1610. Es considerado como uno de los padres del estilo Barroco al ser conocido por revolucionar este arte con su uso dramático del claroscuro, y por sus representaciones realistas y emotivas de temas religiosos y cotidianos.Llevó una vida tumultuosa que se vio truncada por sus peleas. Como un niño y estudiante de arte, entrenó en Milán con un maestro que había sido enseñado por el gran pintor italiano Tiziano en persona, y que lo expuso a las grandes obras de Leonardo da Vinci y los artistas lombardos. Llegó a Roma hambriento e indigente, e inmediatamente comenzó a trabajar para Giuseppe Cesari, el pintor favorito del Papa, y durante el final del siglo XVI creció su reputación como gran pintor. Su gran oportunidad llegó en 1599, cuando recibió el encargo de pintar la Capilla Contarelli en Roma, que se terminó en 1600. después de lo cual comenzó a recibir muchas comisiones, tanto públicas como privadas. Algunas de sus obras, siendo controvertidas en el tema (su estilo realista inaceptablemente vulgar) y modelos (una de sus modelos favoritas para la Virgen María era una prostituta), y algunas de sus obras fueron devueltas para ser pintadas o arregladas.

Como peleador callejero, sus registros policiales y procedimientos judiciales llenan muchas páginas. En 1606, mató a un joven en una pelea callejera y huyó a Nápoles, donde fue protegido por la familia Colonna. En 1608, fue arrestado y encarcelado por otra pelea en Nápoles, pero logró escapar. En su huida de la ley, viajó por Milán, Siracusa, Sicilia, Palermo, Malta y Messina, recibiendo continuamente comisiones. Volvió a Nápoles para vivir con la familia Colonna y pedir el perdón del Papa, y en 1606, se hizo un intento de asesinato de su vida, dejando su rostro desfigurado permanentemente.

— Pedro Pablo Rubens fue un destacado pintor barroco flamenco nacido en 1577 y fallecido en 1640. Es conocido por sus obras que exponen un estilo dinámico, vívido y lleno de emoción. Rubens fue un prolífico artista que trabajó para la nobleza y la iglesia, creando pinturas de temas religiosos, mitológicos, históricos y retratos. Su habilidad para representar el movimiento, la emoción y la anatomía humana lo convirtió en uno de los artistas más influyentes de su época y su legado sigue siendo admirado en la historia del arte.

"La fiesta de Venus" representa a la diosa Venus rodeada de otras figuras mitológicas, como Cupido y satiros, en un ambiente de exuberancia y sensualidad.

En sus retratos podemos ver mujeres desnudas, colores para realzar el dramatismo y la opulencia, podemos ver los movimientos, podemos ver que el festín de venus es un cuadro cargado en termino de ninfas, faunos, diosas, la representacion de la veneralia las cuales se identifican como antiguas fiestas romanas, etcétera.

La pintura es un ejemplo destacado del estilo barroco flamenco, conocido por sus colores vivos, dinamismo y representaciones dramáticas.

"El descendimiento de la cruz" es una de las obras mas destacadas de Rubens, donde muestra a Cristo cuando es bajado de la cruz y es una obra en la cual sobresale la intensidad emocional. Se trata de la tabla central de un tríptico, conservado en la Catedral de Amberes, realizado en óleo sobre tabla y que se completa con las tablas de la Visitación de la Virgen y la Presentación de Jesús en el Templo. Esta pintura es una clara representación del arte barroco y la teatralidad que lo envuelve, crea una pintura llamativa por su colorido, que genera una sensación de corporeidad entre los personajes.

A pesar de ser fiel a su labor en la corte, Velázquez recibió grandes influencias de otros grandes pintores del movimiento Barroco tales como Rubens y Caravaggio, así, se le atribuye al pintor español ser uno de los principales exponentes del nuevo naturalismo en España.

Sin embargo, fue Rubens quien en una visita a España tiene contacto directo con el pintor sevillano, y este último al observarlo pintar, adquiere una nueva inspiración para luego elaborar lo que sería su primera obra de carácter mitológico llamada "Los Borrachos, o El Triunfo de Baco".

Si bien esta obra recupera cierta inspiración del barroco flamenco en tanto representación de figuras mitológicas y cuerpos semidesnudos, podemos encontrar otras características como el contraste de luces y sombras, donde la iluminación nos da una representación teatral poniendo el foco de luz en Baco como personaje principal, a su vez, vemos una representación realista o natural de hombres de diversa índole (se puede observar a un mendigo entre los cinco hombres) a la derecha de la figura mítica, retomando esta dualidad de lo divino y lo terrenal.

Al mismo tiempo, el pintor hace un juego que involucra al espectador ya que dos de los personajes observan al frente.

Sumado a esto, encontramos marcadas expresiones o reflejos de las pasiones internas principalmente en el rostro de Baco, quien parece expresar disgusto o cansancio en contraste con los rostros festivos de los demás hombres. Finalmente, podemos destacar el movimiento de los personajes que se encuentran en posturas no naturales dado que frente al Dios griego vemos a un hombre arrodillado mientras que al costado de la divinidad vemos a un sátiro recostado y apoyando su propio peso en uno de sus brazos mientras que levanta una copa con el otro, sin perder de vista al sujeto en las penumbras que parece estar agachado o en cuclillas frente al árbol.

Sin embargo, su vida dio un giro trágico cuando fue violada a los 18 años por Agostino Tassi, un colega de su padre; tal como las actas del juicio posterior confirman y como ella misma declara: "Me arrojó al borde del lecho [...] y me puso la rodilla entre los muslos para que no pudiera juntarlos...". El trauma de esta experiencia la persiguió, agravado por la dificultad de obtener justicia en un sistema legal que favorecía a los hombres y estigmatizaba a las mujeres.

Pues, en esa época, la violencia sexual no se consideraba un delito contra la mujer, sino contra el honor familiar. Además, para obtener justicia, a la víctima se le exigía que demostrase haber tenido siempre una conducta casta y muy íntegra. Pese a su valiente testimonio durante el juicio, donde Tassi fue condenado, la reputación de Artemisia sufrió, siendo etiquetada como una mujer licenciosa y “demasiado Libre”.

Aunque estos desafíos fueron los más difíciles de su vida, Artemisia perseveró en su carrera artística, ganando reconocimiento y elogios en círculos académicos y nobles. Fue la primera mujer admitida en la Academia de las Artes del Dibujo en 1616, un logro notable en una era dominada por hombres.

Paralelamente, se examina que su talento y habilidad la llevaron a ser cortejada por reyes y a recibir encargos prestigiosos en toda Europa.

A lo largo de su vida, Artemisia desafió las expectativas de género y dejó un legado duradero en el mundo del arte. A pesar de las dificultades económicas y los prejuicios que enfrentó, su obra perdura como testimonio de su extraordinario talento y determinación. Aunque su vida estuvo marcada por la tragedia y la adversidad, su contribución al arte sigue siendo reconocida y apreciada en la actualidad. Con el paso del tiempo, su vida personal ha ganado más atención que su carrera artística, lo que ha disminuido el reconocimiento de su obra, la cual, según algunos expertos, alcanza niveles de calidad comparables a los del renombrado Caravaggio.

¿Por qué la elegí?

En primer lugar, llamó mi atención ser una de las únicas artistas mujeres vistas durante las clases, luego de observar su historia, puedo decir, que elegirla es ver a una artista admirable debido a su excepcional talento y a la valentía que demostró al enfrentarse a las adversidades de su tiempo, particularmente como mujer en un mundo dominado por hombres. Su historia de vida es una inspiración, ya que muestra cómo la pasión y la determinación pueden superar cualquier obstáculo.

Asimismo, elegir compartir su historia con el mundo es importante porque permite destacar lo fundamental de su contribución al arte y a la historia, así como resaltar la lucha por la igualdad de género. Al contar algunos momentos de su vida, observamos que esta pintora puede inspirar a otras mujeres a perseguir sus sueños y a no permitir que las limitaciones sociales les impidan alcanzar su máximo potencial.

Además, ésto puede ayudar a crear conciencia sobre temas como la violencia de género y la discriminación, promoviendo así el cambio social y la igualdad.

Su obra fue muy abundante y ofrece gran versatilidad temática e incluye pinturas de temas mitológicos como la fascinante historia mitológica de "El rapto de las hijas de Leucipo", pintado alrededor de 1618 por este magnífico artista.

Es una pintura realizada en óleo sobre lienzo esta impresionante pieza mide 224×210,5cm y esta alojada en la renombrada Pinacoteca antigua de Múnich.

En esta pintura Rubens captura el dramático momento en que Cástor y Polux, los heroicos gemelos de la mitología griega, raptan a las hijas de Leucipo, Hilaire y Febe.

Según la leyenda, Cástor y Polux también conocidos como los dioscuros eran hijos de Zeus y Leda. Fascinados por la belleza de las jóvenes, decidieron raptarlas para convertirlas en sus esposas. Este acto valiente y temerario fue inmortalizado por Rubens, con un dinamismo y una energía características del barroco.

El uso vibrante del color y la composición dinámica destacan la obra mostrando el talento de este pintor para crear escenas llenas de acción y drama. La interacción entre los cuerpos musculosos de los gemelos y las figuras femeninas es testimonio de su habilidad para representar la anatomía humana con gran precisión y belleza. Cada detalle, desde las expresiones faciales hasta el movimiento de las telas, contribuye a la sensación de inmediatez y realismo.

Los artistas de ese entonces en Holanda pintaban mayormente paisajes, bodegones y escenas de la vida cotidiana, esta nueva visión de Rembrant del arte había sido moldeada en la cultura artística en gran medida gracias al protestantisimo, sus escenas bíblicas transmite una gran pasión y capturan la emoción de sus personajes de una forma única. Esto se lograba, en gran parte, haciendo un uso magistral de la luz, ya que la mayoria de sus cuadros la luz surge de la oscuridad creando un movimiento que atra al espectador hacia el cuadro, una de las principales características de la pintura barroca de ese entonces.

Así como otros artisticas famosos asociados con el Barroco, como por ejemplo Caravaggio, Rembrant es considerado un maestro de la luz ya que la particularidad de su pintura tiene que ver con la maneraa en que usa la luz para dibujar sus imágenes (pinturas, dibujos o grabados) hasta el punto de dominarla para envolver a los espectadores de sus obras, fundiendoloso en uno solo con las figuras luminosas que emanaban de sus pinturas. En pocas palabras, la luz fue una verdadera obsesión para Rembrant, con las variaciones de luces y sombras, lograba mantener una distancia y al mismo tiempo una presencia casi como una reverberación.

El cuadro "La Caída de Faetón" representa el mito griego de Faetón, quien siendo el hijo del dios-sol Helios, pidió a su padre manejar el carro del sol para demostrar su divinidad. Como era de esperarse, no pudo controlar el carro, por lo que terminó por caer de él y morir.

Lo interesante de esta pintura es que en su época abrió horizontes tan nuevos como inesperados. En los comienzos del siglo XVII rompe con los ecos del renacimiento y del manierismo para proclamar los inicios del reinado barroco con el arremolinado dinamismo de los movimientos, la teatralización dramática de la luz, la torsión de las anatomías, la apertura de vacíos cósmicos, el óvalo que dibujan los cuerpos al precipitarse bajo el inmenso arco del firmamento iluminado…

Da Vinci es reconocido por su maestría en el arte y su insaciable curiosidad por la ciencia y la anatomía humana. Su legado artístico y científico lo convierte en una figura icónica del Renacimiento.

¿Por qué elegí este artista?

Elegí a Leonardo da Vinci por varias razones: Da Vinci es considerado uno de los artistas mas influyentes de la historia del arte, y su legado abarca no solo sus obras maestras, sino también su genialidad y innovación en múltiples campos del conocimiento.

También por su habilidad para capturar la belleza y la emoción en sus pinturas, por su profunda curiosidad por la naturaleza y el ser humano que se refleja en sus estudios anatómicos y científicos.

Idealización de la figura humana: Los artistas griegos tenían una obsesión por representar la belleza y perfección del cuerpo humano. Las esculturas y pinturas griegas suelen mostrar figuras proporcionadas, armoniosas y elegantes.

Realismo y naturalismo: A pesar de la idealización, el arte griego también buscaba capturar la realidad y la naturalidad en sus representaciones. Los escultores y pintores griegos se esforzaban por reflejar la anatomía humana con precisión y detalle.

Equilibrio y simetría: El arte griego se caracteriza por su sentido de equilibrio y armonía en las composiciones. Las obras suelen tener una distribución simétrica de las partes, creando una sensación de orden y estabilidad visual.

Expresión de emociones y narrativas: A través de sus esculturas, frisos y cerámicas, los artistas griegos expresaban emociones, narraban historias mitológicas o eventos históricos, y transmitían mensajes culturales y políticos.

Uso de columnas y proporciones arquitectónicas: En arquitectura, los griegos desarrollaron órdenes arquitectónicos como el dórico, jónico y corintio, caracterizados por el uso de columnas con capiteles específicos y proporciones matemáticas precisas.

Estas son solo algunas de las características más destacadas del arte griego, que influyó profundamente en el desarrollo del arte occidental.

Redactar un texto breve en torno a las reflexiones, puedo agregar una imagen como disparador. (Recuerden poner apellido y nombre)

En general, la crítica que recibe esta sociedad radica en que, además de difundir productos con un “nulo valor estético” –por ejemplo, los telequizzes– convierte los descubrimientos de la vanguardia en elementos de consumo. En este marco, se puede pensar que si se extienden a un público más amplio, pierden su fuerza o adquieren una función negativa, pero lo cierto es que a partir del avance de la tecnología y los medios de comunicación, se permite que las masas puedan tener un acceso a los bienes de la cultura, de los que antes eran privadas (Idem, p. 52). De esta manera, se introducen nuevos modos de composición, estilo o esquemas perceptivos que contribuyen al desarrollo de una renovación estética en el plano de las artes, lejos de una esclavitud de la imitación ante el rechazo de todo convencionalismo.

Si bien en la actualidad la cultura de masas es controlada por grupos de poder económico que buscan obtener determinados beneficios a partir de la fabricación, distribución y el consumo de productos industriales, esto no implica que se deba invisibilizar la iniciativa humana de modificar el sistema mediante alternativas revolucionarias, que dan lugar a nuevas sensibilidades para la evolución del arte. De la misma manera que podemos leer una obra “especializada”, también podemos vivenciar momentos recreativos, con libros que, a pesar de que sean difundidos a un mayor público, logran alcanzar una “(...) originalidad estructural, capacidad de superar los límites impuestos por el circuito de producción y consumo en que están inmersos, que nos permiten juzgarlos como obras de arte dotadas de absoluta validez” (Eco, 1984, p. 64).

El impacto de estos estilos históricos en la estética contemporánea es palpable en la forma en que consumimos y producimos arte y diseño. El gótico, con su rica complejidad y simbolismo, por ejemplo, se manifiesta en la moda y en el diseño de videojuegos, mientras que el legado de la antigüedad se revela en el resurgimiento de estilos neoclásicos y en la recreación de elementos arquitectónicos antiguos en contextos modernos. Estos estilos históricos, lejos de ser meras réplicas, se reconfiguran y adaptan a un contexto actual, ofreciendo una fusión de lo antiguo y lo nuevo. ¿Acaso no refleja esta reconfiguración una forma de apreciar la estética que combina respeto por el pasado con una respuesta vibrante a las tendencias contemporáneas?

La propuesta de Byung-Chul Han (2018) sobre la hipercultura proporciona una perspectiva clave para entender esta dinámica. Han describe un espacio cultural sin fronteras, donde diversos estilos y elementos se yuxtaponen sin una integración profunda, creando un panorama estético que es simultáneamente diverso y fragmentado. La hipercultura, como fenómeno contemporáneo, ilustra cómo la tecnología y los medios actúan como catalizadores que facilitan la rápida adaptación y mezcla de estilos históricos con nuevas influencias culturales. En este hiperespacio cultural, los elementos se combinan de manera instantánea y sin mediación, produciendo una estética en constante evolución que valora tanto la herencia cultural como la innovación tecnológica. En última instancia, esta apreciación pluralista de la estética refleja cómo el pasado y el presente se fusionan de manera fluida, ofreciendo una experiencia visual rica y multifacética que captura la complejidad de la cultura de masas actual. (pp. 84)

En esta sociedad existe un gran debate sobre qué es y a qué se considera “arte”. El arte en este momento, como todo en el mundo se encuentra en un estado de evolución, no se abstiene de principios ni reglas, sino que busca experimentar y superarse. A esto se le suman también la evolución de las técnicas de producción: el arte digital, los mundos 3D o realidad virtual, las Inteligencias Artificiales… Por ejemplo, uno de los más criticados hoy en día es el “arte conceptual”, el cual no sigue los cánones establecidos, y más que transmitir una estética o belleza, busca expresar una idea, un concepto.

Un ejemplo de esto es la muy difundida, en su momento, Obra “Comedian” (Banana pegada a la pared) realizada por Mauricio Cattelan.

Hay un análisis muy interesante que explica esta obra desde lo planteado por Zigmunt Bauman como “sociedad moderna líquida”. Este filósofo da este nombre a nuestra sociedad actual porque así como el agua, explica, la sociedad hoy en día es cambiante, flexible, se diluye, se transforma constantemente… fluye y no se estanca, desaparecen los valores sólidos y duraderos.

El arte conceptual justamente tiene que ver en este sentido con la modernidad líquida porque: primero, a diferencia de la modernidad sólida aquella comenzada con la revolución industrial que busca que sus obras perduren y trasciendan a través de las épocas, la modernidad líquida entiende al objeto como algo fugaz; en segundo lugar la modernidad sólida, busca perpetuarse, en cambio en la modernidad líquida el arte está “hecho para el olvido”, para lograr su minuto de fama en redes sociales y después desaparecer; y tercero, se plantea que la modernidad sólida era una de productores, la líquida es una de consumidores, y en ella las piezas se vuelven objetos de consumo, el interés por ellas no es recesivo ni de admiración, sino que existen para tomarse una foto con ellos y ya.

La obra de Cattelan fue una muy difundida en redes sociales, convirtiéndose esta, así, en una parte del proceso creativo con sus recreaciones, reinterpretaciones, parodias… hoy en día las redes son una pieza fundamental en la difusión y la trascendencia del arte.

 ¿Pero qué tiene el arte del pasado remoto que no tenga el de hoy? La simpleza y la complejidad, la belleza y la fealdad, el fin práctico unido al artístico, las ganancias o la lucha, son dualidades que atraviesan la historia universal del arte. El paso del tiempo es uno de los factores que incrementan el valor de las producciones artísticas. Quizás lo reciente de su creación sea lo que las vuelve intrascendentes en este momento.

 Se dice que el arte en la actualidad se mueve por el mercado y la demanda. Pero esto no es nuevo si recordamos el mecenazgo.  Algunas veces las personas opinan que gran parte de lo que se lanza como arte, no es más que una tentativa que no pasa de ser una forma de expresión, algo decorativo, más o menos estético, quizás con tinte lúdico, pero carente de calidad y sofisticación desde el proceso de trabajo, el soporte, hasta el contenido. 

Desde mi perspectiva, definitivamente hoy no se presentan límites claros acerca de lo que el arte es, lo cual provoca desacuerdos y problemas. En ese sentido podríamos estar en un momento utópico en el cual cualquier producción tiene derecho a ser llamada arte, o también podríamos estar ante un fraude, como sostiene la crítica Avelina Lésper: “Que se nos pida alienar nuestra percepción para aceptar como arte algo que no demuestra valores estéticos es pedirnos que mutilemos nuestra inteligencia, nuestra sensibilidad y por supuesto nuestro espíritu crítico” (Lésper en Mora, 2018).  

-Danto, Arthur. (2005). “La belleza y la definición filosófica del arte”. En El abuso de la belleza. Barcelona: Paidós.

-Mora, José Eduardo. (2018). Semanario universidad. Costa Rica. Recuperado de:

El fraude del arte contemporáneo según la crítica mexicana Avelina Lésper • Semanario Universidad Consultado el 24/08/2024

Pero este debate cobra una nueva dimensión ya que entran en juego factores que hasta ahora no tienen antecedentes en la historia: la globalización, la cultura de masas, tecnologías y medios de comunicación. Todas estas bajo una regla que pareciera general, somos una sociedad del consumo donde priman aquellos productos y bienes que lleguen a la mayor cantidad de personas posibles. Hoy en día el arte, la moda, la publicidad o el diseño no se distinguen entre sí y forman un todo ya que se dan entremezclados y son consumidos sin exigencias de pureza de origen. La obra de arte ha perdido a estas alturas su carácter especial, vehiculador de experiencias cuasi místicas y portador de valores esenciales como era su “intención” en otras épocas, buscaba mover al ser humano tocar algo en su interior. De esta manera, su unicidad y su genialidad ya no son hechos fundamentales a considerar en la era de la reproducción masiva

“Por primera vez en la historia universal, la reproductibilidad técnica emancipa a la obra artística de su existencia parasitaria en un ritual. La obra de arte reproducida se convierte, en medida siempre creciente, en reproducción de una obra artística dispuesta para ser reproducida..” (Walter Benjamin, 1936).

De esta manera vemos como la cultura de masas propone un nuevo tipo de concepción del arte en el que se busca la masividad y viralidad muchas veces efímera antes que una pieza que trascienda en el tiempo gracias a su sensibilidad. Pero debo admitir que aunque esta sea mi posición, no puedo ignorar el hecho de que estos debates en torno a qué es arte y qué no sucedieron cada vez que surgía una forma novedosa de expresarse. Sucedió con la fotografía y el cine por ejemplo, ambos primero generaron mucha polémica y peleas, pero con el tiempo se reconoció su potencial artístico para crear algo destacable y estético, y hoy en día se consideran para la mayoría arte. Así que no cierro mi postura dictaminando que estas nuevas formas de arte no puedan serlo en un futuro, siento que pueden ser el germen de algo novedoso al igual que el caso mencionado, pero que solo el tiempo dirá si se perpetuará o es un momento pasajero en la historia del arte.

Mi ejemplo son los kaws, esculturas y figuras de arte contemporáneo en las que se combinan elementos de la cultura popular, el arte callejero y la estética del diseño de juguetes. Es un claro ejemplo de la intervención y la desarticulación de la iconografía contemporánea, más detalladamente en el comic, la imagen publicitaria y la caricatura televisiva: Mickey Mouse, Bob Esponja, los Pitufos, los Simpson, Pinocho, Michelín o Snoopy, cambiando su contexto comercial, su significado mediático y masivo. Primeramente se exhibían en museos, pero Posteriormente, se enfocó en la creación de figuras coleccionables, pinturas, esculturas de gran tamaño, y colaboraciones con marcas de moda.

En base a esto, podemos percibir a la cultura de las masas como un punto de encuentro, a partir del cual cualquier ciudadano que permite la difusión "(...) entre masas enormes que antes no tenían acceso al beneficio de la cultura". (Ob. cit. 52). Ahora bien, considero que la problemática en esto es la falta de una formación artística adecuada que nos permita apreciar críticamente ciertas formas estéticas dentro de esta masa homogénea. ¿No les parece que para en una sociedad que se caracteriza por la enorme cantidad de formación estamos enormemente desinformados? ¿Cuántas personas conocen algo mas que solamente el nombre de artistas reconocidos mundialmente, como Van Gogh, Miguel Ángel, Picasso, Velázquez, Da Vinci, etcétera.? Eco mismo nos define como el obrero o el pequeño artesano que disfrutaba con superficialidad toda obra artística, cuando miramos una obra y no podemos identificar ninguna de las técnicas o a materiales que el autor ha utilizado. Aunque eso no tendría que ver de ninguna forma con la existencia del arte, justamente somos los espectadores los desinformados ¿Y el artista? Vivimos en una época de crisis, donde el artista se encuentra atravesado por el ideal de originalidad, debe crear algo completamente innovador para ser considerado como arte. Aquí entra mucho esta idea de originalidad, la cual es posible refutar rápidamente que hasta los mas grandes artistas se han inspirado en algo, un movimiento previa o un pensamiento determinado por cierta época.

Sumado a esto, nos encontramos ante una noción pesimista, donde el arte deja de ser arte cuando forma parte de un mercado, cuando la encontramos dentro de una red social o cuando se empieza a monetizar mediante este. ¿Pero si vivimos en una sociedad que nos pide dinero para vivir que le podemos pedir a ellos? La conciencia social no tienen en cuenta los factores que difieren de un momento a otro, debemos ser consientes que nos encontramos ante una sociedad capitalista impulsada por el intercambio del dinero y la compra y venta para formar parte de esta. De esta forma, y tomando como base a lo expuesto, puedo asegurar que el problema no se trata si hay o no arte, sino a si estamos dispuestos a hacerle frente al discurso popular que proclama: "Ya no hay arte como antes", donde se hace presente ese sentimiento de nostalgia y deseo de volver que tanto caracteriza a nuestra sociedad. Debido a esto, he decidido subir una publicación de una artista que sigo en mis redes sociales, como muestra que el arte esta presente, lo único que falta es la capacidad para verlo.

Hoy en día, el mundo se encuentra sumergido en una masa constante de elementos culturales que no paran de circular: la rapidez, la exposición, lo fugaz marcan una concepción diferente a lo que brindaban años anteriores los artistas y esto se ve  impulsado en su mayoría por la influencia de las redes sociales, medios de comunicación que hacen accesible la información y los contenidos culturales, así puedo comprender que el arte de masas tiene muchos aspectos a considerar como para definirla, la realidad es que el arte desde sus diversas etapas ha respondido a las exigencias de una época, ha representado, derrocado y establecido normas estéticas con el paso del tiempo, sin embargo hoy el panorama es difuso y en constante circulación, como dice Carroll:

En el mismo sentido, las artes de reproducción mecánica, como el cine, la fotografía y la radio, simbolizan para Benjamin la conciencia emergente del proletariado; mientras que las artes electrónicas, ilustradas plenamente, según McLuhan, por la televisión, señalan una etapa de la conciencia global cuyo potencial alcanza todo el mundo. Un rasgo obvio de la aproximación hegeliana a la filosofía del arte consiste en que es histórica. Ciertas obras artísticas ejemplifican ciertas etapas del desarrollo de la conciencia de una época, y luego las cosas cambian. (Carroll, s.f.:107)

Así, resultamos envueltos en el arte de masas como consecuencia del avance tecnológico, donde las imágenes en sus diversos formatos, los contenidos audiovisuales, las novelas, entre un gran universo de producciones culturales se producen de manera constante y en grandes cantidades, influenciando y metiéndose de lleno en nuestro día a día.