En este periodo los hombres eran cazadores y recolectores, y a raíz de esto, descubrieron e inventaros distintas herramientas que le permitían grandes avances a su forma de vida, por ejemplo el descubrimiento del fuego, que lo realizaban de dos formas, frotando un palo sobre un tronco o chocando dos piedra, eso fue un avance muy importante, ya que no solo lo usaban para darse calor en el inverno y durante las noches, sino que también le permitían cocinar los alimentos. Otro gran invento fue la construcción de las primeras herramientas hechas con piedras, y fueron fundamentales para su supervivencia, ya que les permitían cazar más y mejor. 

Con la llegada de la agricultura y la ganadería termina el periodo paleolítico, aproximadamente en los años 11.000 a.C, y comienza el neolítico. 

 Lo más representativo fueron las pinturas rupestres. Las primeras obras de arte son de hace 35.000 años aproximadamente, y estas eran decoraciones en techos y paredes de las cuevas donde vivían; eran polícromas, esto quiere decir que eran de diferentes colores, y utilizaban la rugosidad de la roca para crear volumen.  Estas pinturas por lo general representaban formas de animales, plantas, antropomorfos (formas humanas), y composiciones abstractas de signos y símbolos. 

También, pero no en gran cantidad como las pinturas, se encontraron grabados y esculturas de la época. Los grabados se realizaban sobre rocas y las esculturas (como la Venus de Willendorf) eran la representación del ideal femenino. 

No se encuentran artistas destacados de la época.

         

Debido a que el clima se vuelve más cálido, los humanos se van adaptando a diferentes hábitats, donde practican el nomadismo y viven de la recolección, de la caza y de la pesca. Poco a poco, van abandonando las cuevas en las que se refugiaban del frio, y van creando pequeños asentamientos al aire libre.

El arte en este periodo fue evolucionando, y aparecen nuevas manifestaciones artísticas influenciadas por el cambio en factores como el clima. 

A diferencia del arte rupestre (en la época del paleolítico), en este periodo se observan modelos más organizados, que representan movimientos. El hombre comienza a desarrollar el arte en pieles de animales, en donde se realizaban pinturas que describían, principalmente, las batallas de esa época; para esto el color que más usaban era el rojo. 

En este periodo se comienza a trabajar la cerámica, donde se creaban como recipientes para guardar los alimentos que se recolectaban. 

Se encuentran, también, representaciones artísticas, en pequeñas rocas pulidas, que se utilizaban como decoración. Por otro lado desarrollaron herramientas con punta (como la flecha), que eran elaboradas con hueso y madera, para cazar a los animales. 

Se destacan también las representaciones de animales en morteros de mano y en los mangos de los cuchillos.

En cuanto a la escultura se realizan tallados en madera, una de las obras más conocida es Shigir Idol. 

Debido al desarrollo de la agricultura y la domesticación de los animales, pasaron de ser nómades a ser sedentarios. Este hecho ha permitido el desarrollo de las primeras comunidades, que se ubicaban a las orillas de ríos y lagos.

Con el aumento de la producción de alimentos, surgiría la necesidad de almacenamiento. En este periodo se produjo un gran desarrollo del arte de la cerámica. 

La pintura Neolítica se destaca por tener una mayor variedad de temas, donde la figura humana gana importancia sobre la de animales. Estas figuras se vuelven más estilizadas y próximas al simbolismo, en vez de al naturalista. 

Se organizan múltiples elementos para la representación de escenas. Las pinturas son monocromáticas, con preponderancia a los colores rojo y negro. Los trazos suelen ser gruesos y abundan las formas esquemáticas. 

En cuanto a la arquitectura Neolítica, una de las características sobresalientes de este periodo fue la construcción de grandes monumentos de piedras, llamadas megalíticas. Se trata de una serie de estructuras realizadas con varios bloques, que se creen que se utilizaban para usos funerarios, ya que bajo de estos se encontraron tumbas. Pero también se creen que lo utilizaban como observatorios, multas religiosas, conmemorativos o para delimitar un territorio. Estas construcciones megalíticas se lo dividían en 3: 

·         Menhir: Una sola piedra grande dispuesta de forma vertical.

·         Dolmen: Son dos piedras verticales y una horizontal (de manera que fuera un techo).

·         Cromlech: Conjunto de los dos anteriores, pero dispuesta de manera circular. 

En cuanto a la cerámica Neolítica, supuso una revolución tecnológica, permitiendo la fabricación de recipientes, en los que almacenaban el agua y la comida, brindando así, una mayor independencia en cuanto a los puntos de agua y caza. 

Por último la escultura en la época Neolítica. En esta se destacaron dos técnicas, primero el tallado sobre piedra, y segundo el modelado con arcilla. El tema de la fertilidad está muy presente en estas obras, donde destacan las siluetas femeninas, y muchas de ellas son mujeres embarazadas o con atributos de animales. Se cree que con estas representaciones se intentaba favorecer a las cosechas. 

El arte del antiguo Egipto está constituido por las manifestaciones materiales que han pervivido de la antigua civilización egipcia. Esta tuvo una función trascendental en la vida de los egipcios. Funcionaba como vínculo con las divinidades y era el medio en el que se materializaba la vida espiritual.

Pintura en Egipto: La pintura egipcia tenía la función de reproducir el mundo en las tumbas, para ayudar a los muertos en el pasaje a la eternidad. Estas pinturas se caracterizaban por tener varios puntos de vista en una sola imagen, ya que dibujaban las cabezas de perfil, pero los ojos de frente; cuerpos de frente de la cintura para arriba, con las piernas de costado y un pie delante de otro. Otras de las características es que estas pinturas empleaban la perspectiva jerárquica, ya que los personajes más importantes tenían un tamaño más grande. El espacio es plano, no existe tridimensionalidad, y las imágenes se distribuían en bandas horizontales que funcionan como registros narrativos. 

Escultura en Egipto: La escultura egipcia era frontal y rígida. Se manifestó en esculturas de bulto (objetos tridimensionales) y en relieves. El material predominante fue la piedra, pero también se utilizaba madera o marfil. En esos casos, las piezas solían estar policromadas, es decir, pintadas de colores que imitaban la realidad. Para evitar que estas obras se rompieran, lo que hacían es no realizar elementos que sobresalieran, como piernas o brazos. Por lo general estas esculturas, que eran representaciones de personas, se las realizaba de pie, con la pierna izquierda delante, o sentados. Cuando se trataba de esculturas de faraones, estas siempre estaban en un trono. 

Arquitectura en Egipto: La arquitectura egipcia está asociada a la religión, y estas identificadas en tumbas y templos. Dada su importancia simbólica y su función, los arquitectos egipcios eran sacerdotes. 

Las tumbas eran la morada final de los faraones, considerados divinidades por los antiguos egipcios. Se construían para acompañar el viaje del faraón al más allá. 

Los templos eran la casa del dios y se construían de piedra como una imagen del mundo, por lo tanto, todos sus elementos tenían una función simbólica.

 

Los primeros templos eran monumentos funerarios de los faraones, pero con los siglos evolucionaron hacia edificios de culto.

La Antigua Grecia fue una civilización de la antigüedad que se asentó en el sur de la península balcánica y desde allí se expandió hacia otras áreas del mar Mediterráneo.

La cultura griega ejerció una extraordinaria influencia sobre otras civilizaciones que entraron en contacto con ella, especialmente la civilización romana. Su estructura de razonamiento lógico junto con su desarrollo filosófico constituyen la base de la cultura occidental hasta la actualidad.

Pintura en Grecia: En la Antigua Grecia la pintura se usó abundantemente en la decoración de las obras arquitectónicas de todo tipo: religiosas, civiles, funerarias. Las pinturas más valoradas fueron aquellas pintadas en tabla. Pero al ser la madera un material tan vulnerable a la erosión, muchas obras no pudieron sobrevivir. 

Escultura en Grecia: Las esculturas griegas se caracterizaban por la representación de la belleza física y el equilibrio espiritual, se observan muchas obras de cuerpos desnudos. Las esculturas en esta época tenían una representación del movimiento, los escultores comenzaron a trabajar con formas rígidas. Los movimientos refuerzan los valores expresivos de la cultura. 

Los materiales que utilizaban los griegos para realizar las esculturas fueron: piedra caliza, mármol, bronce, terracota, madera, criselefantina (una combinación de oro y marfil) e incluso hierro. 

Arquitectura en Grecia: Las manifestaciones más importantes de esta época eran los templos, el lugar donde se resguardaba la estatua del dios protector. La arquitectura seguía ciertas reglas se aseguraban las adecuadas proporciones y la armonía de la obra. Cada parte del templo estaba en relación con las demás partes, de acuerdo con un orden determinado. 

Los griegos inventaron el teatro, y muchas de estas todavía perduran en la actualidad y son el antecedente de los teatros actuales. Estas tenían forma semicircular y se construían aprovechando las laderas de las montañas. 

Pintura en Roma: La mayor parte de la pintura que sobrevivió de la Antigua Roma son murales y procede de la Ciudad de Pompeya. En este periodo se utilizaban cuatro estilos de pintura:

·         Primer estilo: Las paredes se pintaban imitando placas de mármol de colores.

·         Segundo estilo: Se simulaba un espacio exterior, como si la pared no existiera. 

·         Tercer estilo: Las paredes se pintaban de colores planos y se incluían pequeños detalles. 

·         Cuarto estilo: Se buscaba una síntesis entre el segundo y el tercer estilo. Sobre paredes de colores planos, se abrían espacios con escenas naturalistas.

Escultura en Roma: La escultura romana se caracterizó por la introducción de dos géneros: el retrato y el relieve narrativo.

Los retratos buscaban reproducir de manera naturalista los personajes que representaban. Los relieves narrativos son descripciones históricas realizadas sobre piedra; por lo general representaban las glorias militares de los emperadores y generales, se desplegaban en altares, arcos de triunfo, columnas conmemorativas y tumbas.

Arquitectura en Roma: La arquitectura predominó en este periodo. Se realizaron varias construcciones de grandes obras para uso público. Estas construcciones son las que quedaron mejor documentadas; no solo perduraron numerosas construcciones, sino que se conserva un tratado teórico.

La arquitectura romana se caracteriza por el empleo de hormigón y el elaborado uso de ladrillos de distintas formas, también por la incorporación del diseño de amplios espacios interiores, y la planificación del espacio urbano. 

En este periodo se desarrolla nuevas tipologías arquitectónicas. Algunas de estas fueron:

·         Anfiteatro: Edificios cerrados, ideado para realizar espectáculos públicos, como las luchas de gladiadores.

·         Basílicas: Amplio espacio cerrado ubicado en los foros de las ciudades importantes, donde se realizan actividades judiciales y comerciales.

·         Circo: Pistas para carreras de carros de caballos, con graderías para el público.

·         Termas: Edificios con una función similar a la de los clubes actuales. Tenían baños públicos, salones para realizar deportes, bibliotecas y salas de reuniones. 

·         Arco de triunfo: Estos arcos, cubiertos de relieves conmemorativos, reproducían las puertas de acceso a las ciudades y recordaban las hazañas de los generales victoriosos. 

También dentro de la arquitectura romana, se crearon caminos, puentes y acueductos, estas se construyeron por todo el territorio del Imperio. 

Las obras destacadas de este periodo fueron:

En la arquitectura se encuentra la obra llamada Pont du Gard, ubicado sobre el río de Gard en Francia. 

El arte bizantino se manifestó especialmente en la arquitectura y la pintura. La escultura no tuvo gran desarrollo más allá de los relieves sobre piedra y marfil.

Pintura en Bizancio: La pintura bizantina estaba ligada a la concepción religiosa del mundo. Estas pinturas, conocidas como íconos, son representaciones religiosas de Cristo, la virgen María o los santos que se consideran cargadas de presencia divina, lo que las hace sagradas.

Las representaciones de las pinturas de esta época fueron convencionales, en general, las figuras de los personajes son idénticas y se distinguen unas de otras por los atributos que llevan. El uso del color es simbólico, el dorado representa la luz divina; el blanco la vida espiritual; el rojo la pasión de Cristo; y el púrpura el poder imperial. 

Escultura en el Bizancio: Muy pocas piezas escultóricas fueron creadas durante el período bizantino. Se solían esculpir pequeños relieves en materiales como el marfil. Esto se usaba principalmente para adornar portadas de libros, cajas que contenían reliquias y otras obras de menor escala. 

Si bien no hubo esculturas a gran escala significativas, las personas más adineradas sí solicitaban la creación de elementos esculpidos.

Las talladuras de marfil más comunes eran dípticos y trípticos, de temática religiosa, que representaban escenas bíblicas, como la crucifixión de Cristo.

Arquitectura en el Bizancio: La expresión más importante de la arquitectura bizantina fueron los templos. Estos edificios eran espacios simbólicos en los que cada elemento, desde la planta hasta la ornamentación se organizaba como imagen del universo.

Se introdujeron, los templos de planta central, con varias naves y gran cúpula central como Santa Sofía de Constantinopla (actualmente mezquita musulmana) en la que el espacio, fragmentado a través de la luz, genera una sensación de ingravidez y misterio.

Se manifestó de manera más relevante en arquitectura, caracterizándose por su aspecto de solidez y por el uso del arco de medio punto y las bóvedas de cañón y de arista. Por este motivo, cuando el estilo comenzó a ser identificado y estudiado en el siglo XIX, se le dio el nombre de «románico» al ser considerado una derivación del arte romano.

Pintura en arte Románico: Gran parte de la pintura románica se ha perdido. Han quedado manifestaciones de decoraciones en iglesias, realizadas con la técnica del fresco, y escasos ejemplos de pintura sobre tabla e ilustraciones de libros.

la función de la pintura era narrativa, por lo tanto la mayor preocupación de los artistas era la claridad y la expresividad de las imágenes. Estas toman formas esquemáticas y sintéticas, con rasgos convencionales que se repiten en distintas obras.

Escultura en el arte Románico: Su manifestación más característica son los relieves, especialmente los que se ubicaban en los portales de las iglesias. Otro soporte de relieves fueron los capiteles de las columnas. Se trata, en todos los casos, de una escultura sintética, repetitiva y esquemática, sin intención de realismo o naturalismo.

Arquitectura en el arte Románico: La manifestación más clara de la arquitectura románica son las iglesias.

 Para generar un espacio eficiente, tanto para la liturgia habitual como para el culto de las reliquias, durante el románico se desarrolló un tipo de planta con naves laterales, crucero y ábside con capillas, que permitía la circulación de los peregrinos por la iglesia.

Los rasgos más característicos de las construcciones fueron las coberturas abovedadas, normalmente resueltas con bóvedas de cañón corrido y de crucería. Para resistir el empuje de la cobertura abovedada, las paredes eran gruesas y macizas y sus aberturas estrechas, de forma abocinada.
Obras importantes de la época:

. Tímpano de la fachada occidental de la iglesia de San Trófimo de Arlés, en Francia.

.Bóveda de cañón en la iglesia de Santa Fe de Conques, Francia. 

Fue un arte ligado al humanismo teológico surgido a finales de la Edad Media. Esta corriente desarrolló una sensibilidad religiosa al mismo tiempo humanista y espiritualista que consideraba que los seres humanos eran la obra más perfecta de la Creación y buscaba conectar a las personas con la divinidad de una manera más directa y natural.

Pintura Gótica: Se destacó en las obras religiosas para representar a Cristo, los santos, los ángeles y las vírgenes, figuras que se empleaban para decorar las imponentes construcciones arquitectónicas. A la pintura gótica se la consideraba como una representación de las narraciones de la Biblia y los Evangelios.

Las técnicas utilizadas eran la pintura sobre tabla, el temple y el óleo. La representación de la luz y los juegos de contraluces, generaban la sensación de volumen y realismo en estas obras. 

Escultura Gótica: La escultura gótica se caracterizó por representaciones naturales tal como se percibían en el mundo real, sin aplicar significados simbólicos como sucedía con la arquitectura y el manejo de la luminosidad.

Se caracterizaba por el realismo en las figuras y posturas corporales. A través de este realismo también se podían observar las expresiones como el dolor, ternura, empatía, etc. 

Arquitectura Gótica: La arquitectura fue la máxima expresión del arte gótico, estuvo basada en el concepto de la luz como fundamento y símbolo de la divinidad. 

Surgieron nuevas técnicas constructivas como el arco apuntado u ojival, los arbotantes, contrafuertes con pináculos y las bóvedas de crucería que permitieron construir edificios de gran altura, livianos y estilizados.

Al no tener una función estructural en el edificio, las paredes dejaron de ser macizas y se cubrieron de ventanas. Estas se decoraban con vitrales: escenas narrativas realizadas con vidrios de colores que filtraban una luz de apariencia irreal dentro del edificio.

Ganaron relevancia las fachadas. En general tenían un gran rosetón cubierto con vitrales y portales profundos con complejos relieves narrativos.

Artistas destacados de la época:

·         Pintura: Cimabue (1240-1302): pintor y mosaiquista italiano.

·         Escultura: Nicola Pisano (1215/20- 1278/84). Escultor italiano.

·         Arquitectura: Peter Parler (1330/33-1399): arquitecto alemán, constructor de la catedral de San Vito y el Puente de Carlos, en Praga.

El arte renacentista se caracterizó por recuperar aspectos de la cultura clásica greco-romana, como la armonía y la proporción como ideal de belleza, además de los temas mitológicos. Buscaba la perfección, simetría y proporción en las líneas, tanto en la pintura como en la escultura, para representar el cuerpo humano.

Pintura en el Renacimiento: La pintura renacentista se caracterizó por la perfecta representación de los detalles, en cuanto al balance, la armonía y la perspectiva. 

La nueva técnica al óleo sobre el lienzo, que predominó sobre la clásica pintura al temple o témpera de secado rápido, permitió perfeccionar el efecto de las luces y las sombras, permitiendo alcanzar mayor realismo en los retratos y cuerpos desnudos.

Escultura en el Renacimiento: En la escultura se destacaron los detalles perfeccionistas y proporcionales del cuerpo humano debido a que los artistas adquirían, cada vez más, conocimientos sobre anatomía, física y matemáticas, además de la observación. Las obras solían ser plasmadas en mármol y bronce.

Arquitectura en el Renacimiento: Las características de los edificios renacentistas incluyen la utilización de los órdenes clásicos y de medidas matemáticas precisas para calcular la altura y la anchura; esto se combina con el deseo de simetría, proporción y armonía. 

Artistas destacados de la época:

·         Andrea Palladio (1508 – 1580). Arquitecto del Teatro Olímpico en Vicenza.

·         Leonardo Da Vinci (1452 – 1519). Pintor de La Gioconda y La última cena.

·         Miguel Ángel (1475 – 1564). Pintor de la obra en la Capilla Sixtina.

Obras destacadas de la época:
.  La creación de Adán, forma parte de la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina realizada por Miguel Ángel Buonarroti entre 1508-1512.

. La última cena, de Leonardo da Vinci.

El manierismo es subjetivo e inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción.

Pintura en el Manierismo: En este periodo el uso del color pasa a ser arbitraria, predomina una paleta de colores fríos, sorprendentes e irreales. La luz es irracional y desmaterializa la forma. En este tipo de obras la ubicación de los personajes son inciertas, muchas no muestran un espacio arquitectónico definido y limitado; otras figuras están atrapadas en marcos estrechos, dando sensación de angustia y agobio. 

Escultura en el Manierismo: Deja de ser tan realista y comienza a tener más detalles, transmitiendo una sensación de tensión. Las composiciones usualmente muestran figuras en un balance que parece frágil, usualmente con contorsiones exageradas, impartiendo dinamismo.

Arquitectura en el Manierismo: En la arquitectura manierista, los edificios pierden la claridad visual y pierden solemnidad con respecto al clasicismo pleno. Se continuaron utilizando algunos elementos clásicos como los tímpanos, los arcos de medio punto y los capiteles clásicos, pero ahora de una manera anticlásica. La decoración gusta por compartimentar las fachadas de los edificios.

Artistas destacados de la época:

·         Jacopo Carrucci (Pontormo) (1494-1557): pintor italiano.

·         Benvenuto Cellini (1500- 1571): escultor, orfebre y escritor italiano.

·         Giulio Pippi (Giulio Romano) (1499-1546): pintor, arquitecto y decorador italiano.

Obras características de este periodo:
. Jean Boulogne (Gianbologna), Rapto de las sabinas, 1582 y 1574, mármol, 410 cm. Loggia della Signoria, Florencia, Italia. 
. Pontormo, Descendimiento de la cruz, 1525-1528, óleo sobre madera, 313 cm × 192 cm. Iglesia de Santa Felicita, Florencia, Italia.

Pintura en el Barroco: En la pintura barroca convivieron distintas líneas. Estas buscaban representar la realidad tal cual es, sin idealización ni embellecimiento de los elementos. Se utilizaba mucho la luz para acentuar los elementos, dar teatralidad a las escenas y dirigir la mirada del espectador. También se emplearon claroscuros fuertes para generar efectos dramáticos. Busca representar el movimiento y el momento culminante de la acción. 

Escultura en el Barroco: Las esculturas barrocas son dinámicas y naturalistas. Se buscó representar la psicología de los personajes, así como los estados de ánimo y los sentimientos.

Las esculturas se caracterizan por su expresividad con formas abiertas que avanzan hacia el espectador. Los artistas pusieron énfasis en la obtención de diversidad de texturas mediante distintas técnicas de trabajo con los materiales.

Arquitectura en el Barroco: La arquitectura barroca fue concebida en relación con el espacio donde se ubican los edificios. En Italia predominaron las construcciones con líneas curvas y formas dinámicas.

En Francia, la arquitectura estaba orientada a la construcción de palacios para la monarquía y la aristocracia. El estilo predominante fue más solemne y formal, con el predominio de formas clásicas y líneas rectas.

Artistas destacados de la época:

·         Miguel Ángel Merisi (Caravaggio) (1573-1610): pintor italiano.

·         Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680): arquitecto y escultor italiano.

·         Louis Le Vau (1612-1670): arquitecto francés.

Obras destacadas del periodo:
. Louis Le Vau (1612-1670): arquitecto francés.

. Las meninas (1656), pintura de Diego Velázquez.

Pintura en el Rococó: La pintura Rococó se caracterizó por su preferencia en el uso de colores claros y luminosos para representar tanto temas alusivos a la vida cotidiana de las clases altas, como temas que reflejaran sus deseos de diversión y placer.

La pintura rococó representó fiestas, romances, desnudos en escenas mitológicas, asuntos eróticos, interiores domésticos y actividades de los niños.

Escultura en el Rococó: La escultura Rococó es una mezcla de realismo y de idealización, este estilo fue expresado mediante la escultura de porcelana.

Los escultores de esta época pudieron conseguir una expresión psicológica, sobre todo con un gran detalle de labios y ojos.

Arquitectura en el Rococó: En arquitectura, apareció el concepto de interior como parte del diseño arquitectónico, tanto en la decoración como en la búsqueda de comodidad.

El exterior de los edificios se hizo menos rígido y más sencillo, mientras que en los interiores, la ornamentación comenzó a tomar formas muy elegantes y refinadas.

En Francia, el rococó se utilizó sobre todo en palacios particulares. En cambio, en Alemania, donde tuvo gran difusión, el estilo aplicó a edificios públicos y privados, e incluso a edificios religiosos.

Artistas destacados de la época:

·         Jean-Antoine Watteau (1684-1721): considerado el pintor que dio inicio al rococó en Francia.

·         François Boucher (1703-1770): pintor muy apreciado en la corte francesa, donde desarrolló el estilo galante tan apreciado por los nobles.

·         Giambattista Tiepolo (1696- 1770): pintor y grabador italiano, quien fue una de las figuras más importantes del rococó italiano.ç

Obras destacadas de la época:
. Retrato de Madame de Pompadour, François Boucher, Francia 1756.


. Retrato de Madame de Pompadour, François Boucher, Francia 1756.

Pintura del Neoclasicismo: Para la pintura del neoclasicismo fue de mucha importancia el dibujo, en pos de construir las formas pictóricas. Asimismo se le dio mucha importancia a la simetría en la composición y al uso de formas sencillas y simples. 

En la pintura neoclásica predominaban las superficies y fondos uniformes que solían estar en penumbras en un segundo plano, con los personajes que se destacaban por el uso de la luz y tonos claros.

Escultura del Neoclasicismo: La escultura neoclásica se caracterizó por el uso del mármol blanco sin pintar o sin policromar. Para los artistas neoclásicos la frialdad del mármol blanco connotaba sencillez y belleza, en especial, en las figuras humanas, que tenían expresiones sutiles, sus cuerpos eran más verosímiles y con menor cantidad de ornamentos que los empleados por el arte barroco.

Arquitectura del Neoclasicismo: La arquitectura neoclásica se caracterizó por ser imponente en cuanto al tamaño de las construcciones, pero con terminaciones menos ornamentales. Se destacaron las columnas, arcos y cúpulas en construcciones horizontales y robustas.

Artistas destacados de la época:

·         Jacques Louis David (1748-1825): formado en Roma, fue el principal pintor neoclásico. Pintor de la Revolución francesa y de Napoleón Bonaparte.

·         Jacques-Germain Soufflot (1713-1780): arquitecto francés que construyó la iglesia de Santa Genoveva, transformada en el Panteón de los héroes luego de la Revolución francesa.

·         Antonio Canova (1757-1822): artista italiano, protegido por Napoleón Bonaparte, que se caracterizó por sus figuras muy pulidas en mármol blanco.

Obras destacadas de la época:
. Jacques-Louis David, El juramento de los horacios, 1784, óleo sobre lienzo, 330 x 425 cm, museo del Louvre.

. Jacques-Germain Soufflot, Panteón, construcción 1758-1790, París.

. Antonio Canova, Paulina Bonaparte como Venus Victrix, 1805-1808, mármol blanco, 92 cm de alto, Galería Borghese, Roma.

Fue tan exitoso que pronto se esparció por Occidente entero, incluidas las Américas.

Se le considera el primer movimiento cultural que cubre Europa en su totalidad. Su apogeo llegó más tarde, aproximadamente entre 1800 y 1850.

Los orígenes de las ideas del Romanticismo datan de la Revolución Francesa y el idealismo de libertad, fraternidad e igualdad que lo impulsaba.

Pintura en el Romanticismo: La pintura en esta época se hizo más dinámica y expresiva, tomando como modelo a las producciones del barroco.

La libertad artística de los artistas románticos tuvo como consecuencia el desarrollo de tendencias bien diferenciadas. Por ejemplo, en Alemania, el romanticismo influido por las ideas filosóficas de Kant tuvo una tendencia más espiritual; mientras que en Francia los artistas tuvieron más interés en los hechos políticos contemporáneos, tales como las revoluciones y las luchas independentistas, como la griega.

Escultura en el Romanticismo: La escultura del romanticismo tuvo un desarrollo menor que la pintura. En un principio, los escultores mantuvieron el interés en la mitología clásica y los cánones de representación tradicionales. Sin embargo, poco a poco aparecieron escultores que modificaron algunas reglas. Así, se usaron diagonales para crear composiciones trianguladas, se buscó crear dinamismo y mayor tensión dramática y se introdujo el interés por los efectos de claroscuro.

Arquitectura en el Romanticismo: La arquitectura del Romanticismo cobró relevancia más que nada en los años 1.800. Recuperó el gusto por las edificaciones medievales, sobre todo en Inglaterra. Pero en Francia, en cambio, las obras reflejaron los gustos de la nueva burguesía fruto de la Revolución, que adoptó el tren como principal símbolo de modernidad.

Artistas destacados de la época:

·         Antoine-Louis Barye (Francia, 1786-1875). Escultor. Obras representativas: León y serpiente, Roger y Angélica montados sobre un hipogrifo.

·         Eugene Delacroix (Francia, 1798-1863). Pintor. Obras representativas: La libertad guiando al pueblo; La barca de Dante.

·         François Rude (Francia, 1784-1855). Escultor. Obras representativas: La partida de los voluntarios de 1792 (La Marsellesa); Hebe y el águila de Júpiter.

Obras destacadas de la época:
. Eugene Delacroix: La libertad guiando el pueblo. 1830. Óleo sobre lienzo. 260 × 325 cm. Museo del Louvre, Paris.

. Barye: Roger y Angélica montados sobre un hipogrifo, h. 1840-1846, bronce, 50,8 x 68,6 cm.

Los artistas realistas proponían abandonar los temas históricos, mitológicos y religiosos, así como las situaciones ideales para describir la realidad cotidiana, plasmando solo lo que se puede experimentar con los sentidos.

Pintura en el Realismo: Surge como reacción a la pintura romántica. En un contexto de industrialización, el artista toma conciencia de las consecuencias de la misma y asume y denuncia los problemas sociales derivados a través de sus obras. El arte es un “medio” para denunciar la realidad. El hombre aturdido por su trabajo abrumador, es un tema frecuente en las obras.

Escultura en el Realismo: En escultura, el realismo también se manifestó. Como en la pintura, los escultores buscaban retratar personas y situaciones sin idealizaciones.

Se caracteriza por ser la más ajustada aproximación a lo natural, que en escultura se calibra por la semejanza con el modelo.

La preferencia fue por temas contemporáneos y, a menudo, adoptó una postura política.

Arquitectura en el Realismo: La arquitectura realista trataba de adaptarse al nuevo contexto social. La arquitectura busca responder a las nuevas necesidades urbanas generadas por el proceso de industrialización. Las ciudades no exigen de ricos palacios y templos. Ellas necesitan de nuevos edificios con funciones específicas, como fábricas, almacenes, estaciones ferroviarias, tiendas, bibliotecas, escuelas, hospitales y hoteles, ya fuera para los propios trabajadores como para la nueva burguesía.

Artistas destacados de la época:

·         Gustave Courbet (1819-1877): fue el iniciador del movimiento. Originario de Ornans, una localidad del interior de Francia, retrató el mundo de la burguesía rural. De ideas socialistas, participó de la Comuna de París en 1871.

·         Honoré Daumier (1808-1879): fue un dibujante, caricaturista, ilustrador y escultor. Se caracterizó por representar escenas de la clase baja parisina en un estilo expresivo y poco detallado. También caricaturizó a la clase política en medios gráficos y mediante pequeñas esculturas.

·         Jean Francois Millet (1814-1875): retrató la realidad de los trabajadores rurales con un estilo refinado y estetizante.

Obras destacadas de la época: 
. El Ángelus, 1857-1859, óleo sobre lienzo, 66 cm × 55,5 cm, Museo de Orsay, París, Francia. Jean Francois Millet.

. El hombre que cae (1882); Rodin

El impresionismo fue una parte importante de los cambios históricos en el arte, especialmente en el mundo occidental. Aunque no se le considera parte de las vanguardias artísticas, sí sentó las bases para que los artistas vanguardistas desarrollaran su creatividad y expresividad.

Pintura en el Impresionismo: La pintura impresionista quiere, a grandes rasgos, plasmar la luz y el instante, sin importar demasiado la identidad de aquello que la proyectaba. Las cosas no se definen, sino que se pinta la impresión visual de estas cosas. 

Este movimiento se caracteriza por el uso de colores puros sin mezclar, y por supuesto darle protagonismo ante todo a la luz y el color. De esta manera las formas se diluyen imprecisas dependiendo de la luz a la que están sometidas, y una misma forma cambia dependiendo de la luz arrojada sobre ellas, dando lugar a una pintura totalmente distinta.

Escultura en el Impresionismo: La escultura impresionista es un tipo de escultura que se caracteriza por el uso de luces y sombras para crear una impresión del sujeto. Este tipo de escultura se utiliza a menudo para crear una sensación de movimiento o para añadir profundidad a una escena. La escultura impresionista suele crearse con diversos materiales, como la piedra, el metal y la madera.

Arquitectura en el Impresionismo: Como tal, no hubo un tipo de arquitectura en específico que se pudiera denominar como “Arquitectura impresionista”, pero, en la época que se desarrolló el movimiento, si es cierto que surgieron muchos estilos que se relacionaban con el impresionismo. 

Entre estos estilos podemos encontrar al eclecticismo y el inicio de la arquitectura modernista.

Se observan estructuras con piezas rígidas en consecuencia de la revolución industrial. Se empezó a valorar mucho más el funcionalismo en una estructura que su estética. Se buscaba que las estructuras tuvieran su estilo único, pero que esto se lograra sin tener la necesidad de adornarlas.

En esta etapa se inició la era de los rascacielos.

Artistas destacados de la época:

·         Pierre-Auguste Renoir (1841-1919): quien tuvo gran interés por la figura humana. Le interesaba plasmar situaciones de disfrute de la vida, sereno y bello.

·         Auguste Rodin; Francia, 1840 – 1917

·         Camille Claudel; Francia, 1864 – 1943

Obras destacadas de la época:
. Pierre-Auguste Renoir, Baile en el Moulin de la Galette, 1876, óleo sobre lienzo, 131 × 175 cm, Museo de Orsay, París.

. Soy bella; Auguste Rodin

Pintura en el Postimpresionismo: se caracterizaba por la importancia de lo simbólico, lo personal, las emociones y los recuerdos. El objetivo era conectar con el espectador a un nivel más profundo. En esta época se inclinaron hacia la abstracción, abriendo el camino hacia el arte abstracto más radical. 

Las tendencias artísticas de esta época era: puntillismo, japonismo, sintetismo, primitivismo, etc. 

Escultura en el Postimpresionismo: Los escultores que reflejaban esta tendencia, lograron crear elementos armoniosos en completo equilibrio con el ambiente. El escultor que más se destacó fue Aristide Maillol, el cual admiraba la escultura primitiva griega, usaba figuras de féminas desnudas como representación de victoria, mezclando la emoción con la sobriedad.

Arquitectura en el Postimpresionismo: Buscaba la simetría y se empieza a emplear la geometría, dejando a un lado los estilos asimétricos. Se perseguía la idea de hacer composiciones simples, cargadas de armonía. Solía construirse con estilo barroco y gótico, considerados de los más adecuados. Las líneas espirales y curvas fueron las figuras centrales.

Artistas destacados de la época:

·         Vincent van Gogh | 1853 – 1890. Pinta paisajes y figuras con formas serpenteantes y resplandecientes que dejan ver su fuego interior. Es un apasionado de los colores como forma de expresar las depresiones y las angustias que le tocó vivir.

·         Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901). Artista francés que utilizó recursos de las artes gráficas para realizar pinturas caracterizadas por la síntesis en las que tomó como tema la vida del ambiente nocturno de la bohemia parisina.

·         Paul Cézanne (1839-1906). Se inició en el impresionismo y participó en la primera exposición de este movimiento.

Obras destacadas de la época:
. Vincent van Gogh: Habitación en Arlés (primera versión), 1888, óleo sobre lienzo, 70.5 x 90 cm, Museo Van Gogh, Ámsterdam.

. Paul Cézanne, Los jugadores de naipes, 1894-95, óleo sobre lienzo, 47,5 × 57 cm, Musée d’Orsay, París, Francia.