Caractéristiques : art pariétal, art objet (bijoux, statuettes et objets ayant une fonction) et mégalithisme.

- Art pariétal : dominance des noirs et des rouges au paléolithique ; pigments utilisés : noirs, rouges, ocres ; obtenus à partir de sable, d’argile pure, de goethite et de limonite pour les ocres; d’oxyde de manganèse, de charbon de bois ou d’os et de charbon minéral pour les pigments noirs et d’argiles, d’ocres teintés naturellement par des oxydes de fer, d’hématite et de goethite pour les pigments rouges

- Art objet : le matériau utilisé donne sa couleur à l’objet (argile rouge des céramiques, blanc de la calcite, beige du calcaire cf. vénus de Willendorf 24/22 000 av JC).
- Mégalithisme (au Néolithique) : "pierres levées", cairn, dolmen, menhir... ex : Carnac (5000/2000 v JC) => couleur du matériau gris et rose du granit ou bleu de l'ardoise par ex.
- PIGMENT : substance naturelle (ou chimique avec les différentes phases d’ industrialisation) colorante insoluble dans le milieu qu’elle colore. Extrait
minéral ou organique, connus pour certains depuis la Préhistoire => TERRE.
- FEU => un outil pour fixer la couleur à l’Antiquité cf. céramiques.
Grotte Chauvet. La grande fresque de la salle du fond et main en négatif © Jean Clottes -
Ministère de la Culture entre 32 000 et 24 500 avant JC.
c est surtout la couleur vert.

Polychromie : le bleu et le vert en Egypte, couleurs rares et chères. Ornementation des bâtiments. 

1er colorant synthétique de l’histoire (environ 4500 ans).  

Symbolique du bleu : souffle divin.

Production similaire au bleu mais appauvrissement en cuivre et enrichissement en sodium. 

Permet d’obtenir un aspect velouté – une peinture c’est aussi un objet, matérialité dans le rendu. 

Symbolique : vie qui renaît. Le visage peint en vert = résurrection.

- Débute au XIV^ème -XV^ème siècles Quattrocento  > Italie puis Europe et 

- Termine vers la fin du XVIe siècle Cinquecento (fin moyen Âge )> Début maniérisme (temps modernes.

 

 

 

-       Invention de l’imprimerie = diffusion des savoirs 

-       Invention de la peinture à l’huile par  Jan van Eyck

-       La perspective > 1^ère définition scientifique par Leon Battista Alberti 

 

-       Début de l’humanisme = fin de la pensée médiévale portée par l’autorité divine 

-       Échanges commerciaux facilités > nouveaux pigments 
- Le statut des artistes évolue (artisans jusqu'alors)> ils sont de plus en plus libres dans leur expression

 

- Recherche de réalisme

- Utilisation de la perspective 

- Recherche de lumière

- Nouvelles techniques

- Nouveaux sujets

 

- Raphaël

- Michel-Ange

- Botticelli

- Titien

- Jean Van Eyck 

- Leonardo da Vinci
- Sofonisba Anguissola 
- Artemisia Gentileschi 

 

-       Création du Cercle chromatique > couleurs primaires et complémentaires  = l’ensemble des couleurs peut être obtenu par le bleu, rouge et jaune

-       Couleurs crues et éclatantes 

-       Superposition des couleurs 

-       Utilisation des vernis pour mélanger les teintes et obtenir de la transparence.

 

o   Blanc : innocence, sagesse, pureté, sérénité, paix

o   Bleu : Noblesse, associé à l’homme

. 

o   Rouge : Incarnation du sang , de la victoire,  immoralité par les Protestants. Couleur féminine
(Couleur prédominante au Moyen-Âge, es robes de mariées seront rouges jusqu'au XIXème).

 

o   Jaune : Trahison,mensonge

 (couleur décriée, peu utilisée)

o   Or :  prestige

 

-       Rouge de kermès 

-       Blanc de plomb 

-       Bleu d'azurite et lapis-lazuli produit ce bleu si typique de la Renaissance.

Le baroque est un mouvement artistique qui trouve naissance en Italie et s’étend à l’Europe et à l’Amérique latine

Le mot « baroque » qualifie une esthétique de l’irrégularité, du mouvement, de l’excès.
Caractéristiques :

C’est le dessin qui donne forme aux êtres, c’est la couleur qui leur donne vie.

Le classicisme apparaît en Italie à la fin du XVII^e siècle avant de se développer et de s’épanouir en France.

Il se caractérise par une recherche de la perfection, que ce soit dans les formes ou dans les compositions.

Distinction entre couleurs du peintre et les autres couleurs naturelles.

Les couleurs sont vives et claires (les zones d'ombres sont réduites), la lumière est douce et uniforme.

Le néoclassicisme est un mouvement qui se développe dans une grande partie de l'Europe, ainsi qu'en Amérique du Nord, en réaction au style roccoco.

·         reproduction faits historiques (références à l’antiquité gréco romaine)

·         association du beau académique et du bien

·         fait entrer la morale dans l’art

·         composition claire, très lisible

·         référence à l’architecture antique

La couleur entretient un rapport complémentaire avec le dessin. Sacrifie les couleurs au service de la ligne. Les couleurs sont pâles.

https://www.beauxarts.com/encyclo/le-neoclassicisme-en-3-minutes/

https://youtu.be/AQcglPmYNa0

 

Le style Roman s’étend dans toute l’Europe du XIe au XIIIe siècle.

Les supports de ce style sont principalement l’architecture des églises.

Les églises Romanes sont reconnaissables par leurs murs bas et épais, peu d’ouvertures, simplisme des architectures, peu de lumière/sombres, voutes en plein cintre (en arrondies), contrefort massif, les édifices on la forme d’une croix.

L’art roman se décline en sculpture, peinture murale, mosaïque, verre et enluminure.

Le style au service du partage de la foi chrétienne.

Image :
Tapisserie de Bayeux, Normandie

XI siècle 

La peinture de la Grèce antique couvre toute la période de la Grèce antique, depuis l'âge du bronze, puis les époques archaïque, classique et hellénistique. Sur cette longue durée, du x^e au i^er siècle avant l'ère commune, elle s'est métamorphosée sous toutes les formes qu'elle a prises, qu'il s'agisse de la peinture sur céramique — qui demeure la partie la mieux conservée de cette pratique artistique — sur panneaux ou murale et parfois sur stèles. 

La Grèce antique est une civilisation de l'Antiquité des peuples de langue et de culture grecque développée en Grèce et dans la partie occidentale de l'Asie Mineure, puis, à la suite de plusieurs phases d'expansion, dans d'autres régions du bassin méditerranéen (Chypre, Sicile, Italie du sud, Égypte, Cyrénaïque) et du Proche-Orient (Syrie, Palestine), constituant des points d'implantation jusqu'en Espagne à l'ouest et en Afghanistan (Bactriane) à l'est.

Cette civilisation prend forme en particulier durant l'époque archaïque (v. 800-480 av. J.-C.), et se développe pleinement durant l'époque classique (480-323 av. J.-C.) 

En ce qui concerne les Grecs, c’est le mode d’appréhension de leur environnement qui les aurait amenés à " considérer les phénomènes de la nature comme des dieux et des demi-dieux ", à les voir sous forme humaine parce que, selon lui, ils ne percevaient que les couleurs humaines (jaune, rouge, blanc, noir) et non les couleurs de la nature (bleu, vert). Si les textes de Pline semblent indiquer que les grands peintres de l’Antiquité grecque limitaient volontairement leur palette à quelques couleurs, voire à quatre seulement, comme s’ils craignaient un trop-plein chromatique, les découvertes archéologiques à partir du 18ème siècle viennent démentir cette idée que les Grecs étaient insensibles ou méfiants à l’égard des couleurs, même des plus vives. En effet, l’exhumation de sculptures originales peintes et surtout de la frise polychrome du Parthénon vient mettre à mal l’idée véhiculée par les copies romaines que tous les marbres grecs étaient blancs. 

Les analyses de Newton démontrent que la couleur est avant tout un phénomène lié à la décomposition de la lumière, tandis que pour Platon, la couleur n’est que simulacre ou apparence, il s’interroge sur la matérialité de la couleur. Il y voit un ensemble de " particules projetées sur l’organe de la vue. Son origine, son essence restent donc floues, énigmatiques, Aristote lui accorde déjà plus de réalité puisque pour lui il s’agit d’un " mélange de lumière et d’obscurité, une atténuation de la lumière blanche initiale " et non une véritable substance, variant en fonction des modifications de la lumière blanche d’une part et du noir d’autre part.

La peinture dans l’Antiquité ne s’agit-il que d’un simple ornement censé charmer l’oeil du spectateur ? elle est uniformément définie comme mimesis. Les différentes traductions de ce terme grec, « représentation » ou « imitation », montrent que la qualité de la mimesis, véritable critère d’appréciation des performances picturales pour les Grecs de l’Antiquité, a un statut différent selon les auteurs. Nous disposons de nombreuses anecdotes, chez Pline notamment, illustrant le pouvoir illusionniste de la peinture. Pouvoir de représenter le réel, de donner à voir les objets ou les êtres absents, la mimesis est surtout interprétée comme étant le pouvoir de rendre la vie, le mouvement, d’imiter la nature elle-même. C’est à ce titre que la nature peut devenir critique d’art : les animaux s’avèrent parfois les meilleurs juges de son pouvoir…

L’opposition du dessin et de la couleur posait déjà problème dans l’antiquité. Si la notion de dessin inclut souvent aujourd’hui celle de couleur, c’était loin d’être le cas pour des penseurs tels qu’Aristote ou Platon. L’antinomie classique dessin/couleur rejoint la problématique de la mimésis, puisqu’une simple esquisse est considérée plus pure et plus artistique que des taches de couleurs (le dessin est l’âme de la représentation), mais seule la couleur est susceptible de lui donner vie, corps, relief et de reproduire ainsi le réel.  Celui qui jetterait au hasard les couleurs les plus belles ne charmerait jamais la vue comme celui qui a simplement dessiné une figure sur fond blanc " (Aristote, Poétique 1450a-b)

Pline distingue deux catégories de couleur, celles qu’il appelle « colores floridi » (couleurs florides) et les « colores austeri » (couleurs austères). Cette dichotomie est intéressante en ce qu’elle reconduit dans la couleur elle-même l’opposition entre contour et couleur : un peintre qui choisit la sobriété dans les couleurs renforce ainsi l’importance de la ligne. Pline nous donne ici l’ exemple de deux peintres, Athénon de Maronée et Aristolaus, dont l’un est qualifié d’ « austerior », l’autre de « severissimus » et de « durus in coloribus ».

La théorie de Pline selon laquelle les plus grands peintres grecs étaient tétrachromistes a longtemps fait croire que les Grecs n’utilisaient qu’une palette limitée à quatre pigments ou colores austeri. Or les analyses scientifiques de la composition des œuvres démontrent amplement que cette palette était beaucoup plus riche.

Pour Platon, toutes les couleurs sont issues de mélanges et tout mélange est dangereux, parce que potentiellement incontrôlable. Car seul un Dieu sait bien comme on peut mêler en un même tout, pour les dissocier ensuite, des éléments divers, et seul il est aussi capable de le faire.  

Ainsi, plutôt que de se faire nécessairement sur la palette, le mélange pouvait se produire sur le tableau lui-même, et ce de différentes manières : que ce soit grâce à des superpositions de couches colorées ou par la juxtaposition de touches de couleur entraînant un mélange optique au niveau de la rétine (un phénomène théorisé par Ptolémée et utilisé aussi en mosaïque à la même époque ou beaucoup plus tard, au 19ème siècle, par les pointillistes) ou encore grâce à l’emploi de certaines techniques spécifiques comme l’encaustique ou l’atramentum rehaussant la luminosité de certaines couleurs à la manière d’un glacis ou d’un vernis. 

 

Le style gothique s’inscrit dans la période du XIIe au XVIe siècle, l’une des périodes artistiques la plus longues de l’histoire. 

Le style se développe en France, c’est là également que nait l’architecture gothique.

Les églises gothiques on comme caractéristiques architecturales des arcs boutant, voûtes d’ogive, arcs brisés et de larges vitraux et ouvertures laissant pénétrer la lumière. Le style Roman et gothique cohabite parfois comme la cathédrale de Bayeux.

Image : Vitraux de Chartres Vitrail de la vie de St julien L’hospitalier

1205-1240