En este ensayo el autor se dedica a explicar el porqué conforme pasa el tiempo una obra de arte puede cambiar drásticamente su significado según el contexto actual. Se puede expresar como la “muerte” del arte ya que se concibe como un cambio o una evolución de la misma.Se puede observar  a cómo la sociedad va transformándose con el cambio de las perspectivas y problemáticas sociales el valor del arte percibido va a cambiar, por lo que los movimientos también están constantemente evolucionando. 

Según Eco, U. (1970)“En este contexto histórico el placer estético ha ido poco a poco transformando su propia naturaleza y sus propias condiciones, y se ha convertido, de placer de carácter emotivo e intuitivo, que era en un principio de placer intelectual”.(p.256) Hoy en día las personas le asignan un valor al arte de una manera completamente diferente a como las personas de hace décadas lo solían hacer, esto también ha sido influenciado por la accesibilidad de la misma y la cantidad de formas que han surgido de ella para que sea reinterpretada una y otra vez. 

Eco, U. (1970). Dos hipótesis sobre la muerte del arte. La definición del arte. (pp. 250-267). Ediciones Martínez Roca.

 En la lectura de Umberto Eco, el autor hace una serie de preguntas para determinar el la importancia o la ausencia de la búsqueda de la forma,

¿Es posible un juicio crítico que no se convierta en un análisis estructural? Hasta el punto de que la elaboración en términos axiológicos resulte superflua. Lo cual significa en definitiva hacer un discurso descriptivo descriptivo (lo que algunos llamarían un discurso fenomenológico depende de una libre opción metodología o se hace necesario por la situación del arte contemporáneo )

En esta cita el autor plantea una serie de preguntas que tienen como objetivo determinar el cómo han cambiado las formas en que el espectador interactúa con el objeto artístico, además con esta serie de preguntas realiza una crítica de cómo se ha originado una predominancia de estructuras poéticas dentro del arte contemporáneo y cómo los artistas haciendo uso de discursos fenomenológicos que buscan una experiencia con el espectador de carácter descriptivo. Relevando recursos estructurales a una importancia secundaria, haciendo del ejercicio de la descomposición axiológica innecesario o redundante en algunos casos, Generando tensión entre un juicio valorativo y el análisis estructural del elemento pictórico

El autor plantea una separación entre las dos primicias ¡la persona se forma de la obra en contraposición con comprender la persona creadora hecha obra.

Donde la primera prioriza que el efecto en el receptor sea formativo o que genere un cambio en la percepción del autor, en esta ocasión la obra no depende del autor para generar sentido, a diferencia de la segunda afirmación donde la obra se entiende mediante el creador.

Uno de los argumentos centrales de Tatarkiewicz sostiene que el concepto de arte, tal como hoy lo concebimos, es una construcción moderna. El autor afirma:

“El arte, en el sentido en que hoy lo entendemos, es una invención moderna” (Tatarkiewicz, p. 25).

Esta afirmación es interesante ya que desafía la noción habitual de que el arte ha estado presente desde épocas antiguas con un significado compartido. Tatarkiewicz indica que en tiempos antiguos no había una única clasificación que incluyera la pintura, la escultura, la música o la literatura. Por ejemplo, en el universo griego, el término téchne incluía cualquier labor técnica o productiva, desde la carpintería hasta la medicina. No se refería a "artistas" en la interpretación contemporánea, sino a artesanos o técnicos.

Esta perspectiva histórica permite poner en duda la supuesta universalidad de la noción de arte. El surgimiento de la categorización moderna se destaca particularmente en el siglo XVIII. Esta reciente agrupación se fundamenta en su habilidad para generar disfrute estético, reemplazando aspectos como la funcionalidad o la habilidad técnica.

Ampliación filosófica:

Esta visión permite considerar el arte desde una perspectiva constructivista, en la que nuestras categorías estéticas no son innatas ni eternas, sino históricamente intermedias. Filósofos modernos como Nelson Goodman, en su obra Ways of Worldmaking (1978), argumentan que incluso nuestras maneras de interpretar y categorizar el mundo son estructuras culturales. Por lo tanto, el arte no es algo que se descubre simplemente, sino que se forma culturalmente.

Esta teoría también plantea cuestiones metodológicas relevantes: si en ciertos periodos o culturas, como la egipcia o la medieval europea, no había un concepto de "arte" parecido al moderno, ¿es adecuado continuar empleando ese término para aludir a sus obras? Algunos expertos sugieren la aplicación de términos más imparciales como "creaciones visuales" o "expresiones culturales", que evitan imponer una perspectiva contemporánea sobre épocas pasadas y facilitan un análisis más contextual.

-Un segundo argumento destacado por Tatarkiewicz es la transformación constante del concepto de arte a lo largo del tiempo:

“El concepto de arte fue variando tanto, que lo que se entendía por arte en un tiempo, no siempre se ha entendido así en otro” (Tatarkiewicz, p. 28).

Este argumento permite desmontar cualquier intento esencialista de definir el arte de manera universal. Tatarkiewicz nos recuerda que lo que se considera arte ha estado sujeto a los vaivenes culturales, filosóficos y sociales de cada época. Por ejemplo, en la Edad Media, muchas de las creaciones visuales estaban al servicio de la religión, y su valor no residía en su belleza sino en su capacidad de comunicar verdades trascendentes.

Pensemos en el célebre Fountain de Marcel Duchamp, un urinario firmado con su nombre y exhibido como obra de arte en 1917, que conmovió a la audiencia e inaugura una nueva etapa en la teoría del arte.Debate contemporáneo:

El planteamiento de Tatarkiewicz se refleja en escritores como Arthur Danto, quien en su obra La transfiguración del lugar común (1981) sugiere que el arte ha ingresado a una etapa poshistórica, donde ya no se puede identificar por sus características materiales ni por un estilo específico. Por otro lado, es el entorno filosófico e institucional el que define lo que se considera arte.

Esto lleva a reflexionar sobre el institucionalismo del arte, propuesto por George Dickie, que sostiene que una obra se considera arte si una "institución del mundo del arte" (críticos, museos, curadores) la reconoce como así. Esta perspectiva genera interrogantes acerca del poder y la inclusión en el ámbito artístico actual.

La interpretación de Tatarkiewicz motiva a eliminar cualquier esfuerzo por encontrar una definición del arte universal y atemporal. En realidad, nos desafía a interpretar el arte como un dispositivo cultural, propenso a transformaciones históricas y filosóficas. Esta visión no disminuye la idea de arte, sino que la potencia: nos permite ser conscientes de sus diversas funciones, formas y sentidos, y nos prepara para debatir su futuro con una visión más crítica, plural y consciente de su complejidad.

El arte, en suma, no es una esencia, sino una historia.

Referencias

Danto, A. C. (1999). La transfiguración del lugar común: una filosofía del arte (F. Duque, Trad.). Barcelona: Paidós.

Dickie, G. (1974). Art and the aesthetic: An institutional analysis. Ithaca, NY: Cornell University Press.

Wikipedia contributors. (2025, 20 marzo). Fountain (Duchamp). Wikipedia. https://en.wikipedia.org/wiki/Fountain_(Duchamp)

Goodman, N. (1978). Ways of worldmaking. Indianapolis: Hackett Publishing.

Tatarkiewicz, W. (1986). Historia de seis ideas: arte, belleza, forma, creatividad, mímesis, experiencia estética (A. Castañón, Trad.). Madrid: Tecnos.

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