Nombre: El bisonte de Altamira

Cultura: Franco-Cantábrica

Fecha: Periodo Paleolítico Superior (15,000 - 12,000 a.C)

Técnica: Pigmentos naturales sobre piedra

Lugar: Cueva de Altamira, Cantabria 

Autor: Desconocido

En Altamira se encuentran obras importantes representativas del arte rupestre del periodo Paleolítico, que a su vez representan un gran descubrimiento para la Historia del Arte. Estas son obras hechas sobre una pared de piedra, en este caso, dentro de la cueva de Altamira en Cantabria, España. Fueron estos murales fueron descubiertos en 1879 por María Sautuola hija del paleontólogo Marcelino Sanz de Sutuola, las obras se datan entre 15,000 y 12,000 a.C (en el periodo Magdaleniense). 

Ahora, en términos de la imagen, se puede identificar que es un bisonte, este animal está aislado de las demás pinturas de animales en la cueva, no se encuentra en ningún escenario concreto. Tampoco se identifica una narrativa clara, sin embargo, la obra se puede ubicar como una obra simbólica pues en aquella época los hombres eran nómadas y cazadores, que se refugiaban en estas cuevas y podrían hacer rituales para propiciar la caza o, ser una representación o admiración de uno de los animales que cazaban. Este animal puede ser símbolo de alimento, abrigo, fuerza y supervivencia para los hombres en ese entonces, por ende, su interés o necesidad en representarlo en las paredes de las cuevas.

Continuando con el análisis formal de la obra, en primer lugar, los materiales o técnica son pigmentos naturales sobre la piedra de la cueva. Además, cabe resaltar que los trazos de la obra están en sincronía con la textura y relieve de la piedra en la que se hizo. Esto le da profundidad y textura a la obra que con el color de los pigmentos genera diferentes tonos y sensación de profundidad, oscuridad y claridad. En cuanto al color, de observan colores rojizos, terracotas y ocres. Estos se deben a los pigmentos utilizados, que pueden ser de sangre, grasa, tierra y minerales entre otros. La silueta del animal está delimitada con una línea negra y el cuerpo en un tono rojo no uniforme. Con el uso del color representa la vida y la carne del animal que cazaban los hombres.

Referencias
HistoriaDelArte. (2022). Recuperado el 11 agosto 2022, de https://www.historiadelarte.us/prehistoria/bisonte-de-altamira/

Iesguadalpeña. (2022). Recuperado el 10 agosto 2022, de http://www.xn--iesguadalpea-khb.es/sites/default/files/Bisonte%20de%20Altamira.pdf

Nombre: La Tríada de Micerino 

Cultura: Egipcia

Fecha: Dinastía IV reinado del faraón Micerino (2532 – 2504 a.C)

Técnica: Bloque de grauvaca

Dimensiones: 93cm de altura

Lugar: Templo del Valle del conjunto funerario de Micerino en Guiza (hallado en excavaciones entre 1908-1910)

Referencia

Reisner, G. Mycerinus. The Temples of the Third Pyramid at Giza

Nombre: León de Ishtar

Cultura: Mesopotámica

Fecha: Ladrillo vidriado

Dimensiones: 97.2cm de altura

Lugar: Mesopotamia, Babilonia actualmente Hillah

Esta obra se sitúa en Mesopotamia, el día de hoy es Hillah en Irak y parte de Siria, en las orillas del río Tigris y Éufrates, sus significado es entre ríos. Este león es un fragmento de una puerta llamada Puerta de Ishtar, a través se ingresaba a la ciudad de Babilonia durante el segundo imperio, era el ingreso principal. Nabucodonsor ordenó la reconstrucción de la antigua ciudad de Babilonia en la primera mitad del milenio a. C.  La puerta completa tenía una altura aproximada de 12 metros y se conectaba con las murallas que rodeaban la ciudad. La puerta se compone por ladrillos vidriados, lisos y algunos modelados con relieve para darle profundidad y dimensión a la obra. Las murallas y puertas están llenas de figuras míticas y animales como dragones y serpientes, no obstante, se hará énfasis en el análisis del león. 

Los animales y bestias míticas presentes en las murallas y puertas de la ciudad tenían un simbolismo de protección. Se consideraba que estos animales protegían este camino sagrado, especialmente cuando las estatuas de los dioses Babilónicos pasaban y cuando se celebraban fiestas importantes como las de año nuevo. Este león simboliza a la diosa Babilónica Ishtar, la cual de nombre a una de las ocho puertas monumentales en la muralla. Esta diosa representaba el amor, la belleza, la vida, la fertilidad y especialmente la sexualidad. El león es su animal asociado, la representa, invoca sus poderes y la protege. La figura del león esta hecho en cerámica vidriada dorada y el fondo es azul, este color se da por el lapislázuli. La ausencia de materiales hacia que utilizaran otros mas precarios como la cerámica de barro secada al sol a cambio del metal, la madera o grandes piedras. Sin embargo, a través de los colores, especialmente con el contraste del azul y el dorado y la figura del animal se da énfasis y estatus a la figura. Además, al estar cargado de un significado poderoso para las creencias mesopotámicas, se creía que tenia poderes asociados a la protección y a la representación de la diosa, se presenta como una gran obra imponente que cumple su función y marca un cambio en la antigua ciudad.

Referencias
Met Museum (2022) León de Ishtar. Recuperado el 17 de agosto de 2022, de https://www.metmuseum.org/es/art/collection/search/322586#:~:text=Le%C3%B3n%20de%20Ishtar%20604%E2%80%93562%20a.&text=Este%20le%C3%B3n%2C%20que%20simboliza%20los,la%20V%C3%ADa%20Procesional%20en%20Babilonia.
Historia del Arte (2022) La puerta de Ishtar. Recuperado el 17 de agosto de 2022, de 

Estilo: Clasicismo griego

Fecha: Grecia clásica 450-440 a. C.

Técnica: Bronce y mármol

Dimensiones: 2,10m de altura

Lugar: Grecia 

Autor: Policleto

Estilo: Griego helenístico, escuela de Pérgamo

Fecha: Grecia clásica 230-220 a. C.

Técnica: Copia en mármol, la original fue en bronce

Dimensiones: 93cm de altura y 187cm de longitud 

Lugar: Pérgamo 

Autor: Se cree que fue Epígono

Análisis visual comparativo
En primer lugar, se introduce la Grecia clásica y la helenística, que corresponden al periodo entre la revuelta de Joni, 499 a. C. al finalizar la época Araica y el reinado de Alejandro Magno (336 – 323 a. C.), es decir en los siglos V Y IV antes de cristo y desde 323 – 33 a. C. respectivamente. Durante el periodo de la Grecia clásica suceden distintos eventos que tienen un efecto en el arte tales como, las guerras Médicas, la democracia y hegemonía Ateniense, Esparta y las guerras del Peloponeso. En este, se observa un claro interés por conseguir la belleza y el naturalismo. Después, durante el periodo helenístico, que su comienzo está marcado por la muerte de Alejandro Magno, es una evolución de la Grecia clásica. Con este suceso, se da el surgimiento de nuevos centros de cultura griega como en Egipto, Siria y Anatolia entre otros y a raíz de esto, se genera una mayor demanda de esculturas para decorar templos y reforzar los regímenes autocráticos en estos. Con este cambio, los escultores ampliaron sus temáticas, en la época helenística se puede ver una gama más amplia de esculturas, en términos de expresiones, personajes, escenas, emociones, detalles y energía. 

 

En primera instancia, cabe resaltar que la primera obra, Doríforo fue hecha bajo el canon de Policleto, el autor, este consistía en tener una relación fraccional en el cuerpo, exactamente de 7 cabezas debería ser la altura. Además, es importante el contraposto, la cadera del lado de la pierna flexionada esta mas abajo que la otra, el peso del cuerpo está sostenido por la pierna recta, también tiene relación y balance con el brazo correspondiente. Este equilibrio en la obra permite representar al humano con mayor detalle y cercanía a la realidad. En términos del color, este está dado directamente por el material, el original fue hecho en bronce, por ende, tenía un color marrón metálico el cual capta o refleja la luz e ilumina los puntos altos como el rostro y el pecho y marca mayor oscuridad en las hendiduras y zonas inferiores. En la imagen adjunta se observa la copia en mármol blanco, que, aunque sea la misma obra, cambia debido al color blanco y la materialidad pues se ve muy claro en los puntos que alumbra la luz y oscuro en las zonas de sombra como la parte inferior del codo doblado o el pie apoyado. 

Por otra parte, observando la obra elegida de la Grecia helenística, el Gálata moribundo, fue una obra ordenada por Atalo I de Pérgamo a modo de celebración y conmemoración de su victoria contra los Gálatas. Se cree que la estatua original fue realizada en bronce y que la copia en mármol blanco pudo ser pintada, aunque actualmente el color está desgastado. La obra muestra vívidamente un gálata con una herida que sangra en el pecho, en su pose y en su rostro se puede ver el sufrimiento y la agonía que sentía el guerrero. En comparación con la obra anterior, se puede observar el impacto y el cambio entre un periodo al otro. La segunda obra presenta un mayor expresionismo, en el movimiento y en su postura muestra su emoción con un gran detalle en el rostro y en el cuerpo. Además, se presentan las imperfecciones humanas y se presenta un detalle anatómico más cercano a un cuerpo real. A diferencia de la primera obra en la que el hombre se presenta sereno, casi inexpresivo a partir de su rostro y caminando de manera lenta. 

Montemayor García, A.: "Entre palabras y las imágenes: Policleto de Argos y el discurso de la escultura", en Arqueología y tradición.

Las Esculturas (2022) El Gálata moribundo. Recuperado el 25 de agosto de 2022 de https://lasesculturas.com/escultura-griega/galata-moribundo/

Estilo: Arquitectura romana

Fecha: Entre los años 118 y 125 d.C. 

Técnica: Granito egipcio, mármol, hormigón romano

Dimensiones: 43.44m de altura

Lugar: Roma 

Autor: Construcción ordenada por el emperador Adriano, se cree que el diseño fue idea de Agripa

 

Referencia

Rome Museum (2022) Panteón de Agripa de Roma. Recuperado el 1 de septiembre de 2022 de https://www.rome-museum.com/es/panteon-roma.php

Estilo: Escultura romana antigua

Fecha: Finales del siglo 1 a. C.  

Técnica: Mármol

Dimensiones: 205cm de altura

Lugar: Roma 

Autor: Anónimo 

 

El arte en la república romana fue altamente influenciado por las culturas itálicas precedentes, el etrusco y la griega. El retrato tiene gran relevancia en este periodo y para la cultura, en su comienzo son realistas y después tienen influencia en el índole perfeccionista e idealista helenístico. Este arte es altamente condicionado por su ámbito político, con la consolidación del imperio romano tuvo gran importancia como medio de comunicación y representación de poder al igual que glorificación y conmemoración de victorias. 

Un tema recurrente son los retratos togatos en los que se esculpe al emperador con toga y manto sobre la cabeza representándolos como el máximo pontífice. En este caso, la obra elegida es un Augusto togado, el primer emperador romano. Fue adoptado por su tío abuelo, Julio Cesar y gobernó por 4 décadas. 

La obra esta compuesta por dos partes, hechas con casi un siglo y medio de diferencia, fueron unidas artificialmente, la cabeza es un retrato de Octaviano (después nombrado Augusto) velado, con una función sacerdotal. El cuerpo es también un cuerpo togado, sin embargo, es de más de un siglo después, momento en el cual la representación de un cuerpo velado y togado no tenia la misma importancia imperial.

Las togas eran un elemento importante en la civilización romana, con su color se podía determinar información sobre el individuo, incluyendo edad, estatus social y económica y estado civil. Las estatuas estaban pintadas, la toga, la cenefa, incluso la piel y la boca para hacer una representación más realista. – Un concepto errado hoy en día es creer que las obras tenían el color blanco y la pureza del mármol, muchas de las estatuas tenían color e intención representativa, sin embargo, esta se ha desgastado con el tiempo. - Junto con la representación de los riesgos faciales, los pliegues y los detalles en la toga y velo se hace une representación acercada a la realidad que muestra al emperador no solo con su poder mandatario sino como una figura religiosa y como ciudadano del pueblo.

 
Referencia

Museo del Prado (2022) Augusto togado. Recuperado el 1 de septiembre de 2022 de

https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/augusto-togado/6383ff9e-8188-4cdb-bfb3-17c839513c1d

Mural en madera y hojilla de oro, 1958

Esta obra se encuentra en el edificio de los juzgados en Bogotá, fue pedido al artista antes de que el edificio se destinara para esta función; cuando se pasaron la oficinas la obra se deterioró pues no tuvo el cuidado adecuado, se recargaban muebles sobre el mural. Inicialmente se instala en el edificio del Banco de Bogotá.

En el mural el artista integra la cultura precolombina con la abstracción y la geometría; al yuxtaponer estos elementos se crea una representación de la historia a través de la modernidad. El artista comunica esta modernidad y la historia de la tradición y cultura colombiana mediante la obra tridimensional compuesta por figuras geométricas que a través de la abstracción y la organización de las figuras monocromáticas en conjunto con el fondo logran crear este mural monumental. La obra encaja perfectamente en su contexto, el edificio del Banco de Bogotá fue considerad el edificio más alto y moderno en la época de su construcción (a comienzos de los años cincuenta) sobre la, recién inaugurada, carrera décima. Es así entonces como esta obra logra cumplir este deseo de representación y de imagen de modernidad en su ámbito especifico. 

Otro aspecto importante es el nombre y su simbolismo en la historia colombiana y en su obra, se nombre después de la leyenda de El Dorado en la laguna de Guatavita, el rito religioso en la Balsa Muisca que se realizaba. Ahora, la obra encadena tradiciones no solo históricas sino artísticas como la técnica de madera recubierta en hojilla de oro comúnmente usada en iglesias en la época virreinal. El oro y su el color dorado representan a su vez la leyenda y el oro precolombino que se encontraba en la región y con el que se hacían ofrendas. Ramirez Villamizar une todos los elementos anteriormente descritos en un mural que representa la historia y el camino hacia la modernidad para el contexto de la época. 

 

Referencia 

Modernidad y tradición en el arte colombiano de mediados del siglo XX : El Dorado de Eduardo Ramírez-Villamizar de Ana María Franco

Estilo: Collage

Fecha: 1967

Técnica: Cartulina blanca 

Lugar: Colombia 

Autor: Eduardo Ramírez Villamizar

El artista nace en Pamplona, Norte de Santander a comienzos del siglo XX, era arquitecto de profesión y desde un momento temprano tuvo un gran interés en el arte, se dedica al arte, no obstante, su profesión se presenta como una herramienta y vehículo importante en su creación, en su técnica y en su interés escultórico arquitectónico con inclinación a la geométrica, el constructivismo y la abstracción. El artista tiene una sinergia entre la tradición y la modernidad; combina la cultura precolombina, los altares barrocos y las ruinas monumentales (como Machu Picchu) y hace una abstracción geométrica de estos elementos para generar una representación de modernidad, cultura y memoria. 

Comenzando con la obra, Relieve Blanco, cabe resaltar que no es propiamente una obra finalizada, este relieve blanco, y todos los relieves blancos realizados por el artista son bocetos o maquetas tridimensionales de sus futuras obras (para las esculturas). Estas maquetas las hace con el propósito de probar el equilibrio, la modulación y la monumentalidad con las que quiere proyectar sus obras. Además, a través de la sobreposición y cortes en la cartulina logra crear sombra (de la mano con la luz), dimensiones y profundidad. Es una metodología interesante para realizar bocetos pues generalmente los artistas los hacen en dibujo, en dos dimensiones, con esta técnica logra representar los elementos y propiedades anteriormente descritos. Estos bocetos o maquetas se convierten entonces en una obra de arte. A través de cortes, pliegues y uniones de esta cartulina monocromática el artista hace una representación de profundidad, ciclos y crecimiento. En la forma circular de la figura, se puede entender un tipo de ciclicidad, repetición o unión. Todos los fragmentos del relieve conviven y forman la figura a través de uniones y de interrupciones. 

Referencias
Modernidad y tradición en el arte colombiano de mediados del siglo XX : El Dorado de Eduardo Ramírez-Villamizar de Ana María Franco
Visita guiada de la exposición

Estilo: Escultura abstracta geométrica

Fecha: 1965

Técnica: Acrílico 

Lugar: Colombia 

Autor: Eduardo Ramírez Villamizar

En segundo lugar, analizando la obra Saludo al Astronauta, se ve una estructura geométrica de color blanco. Esta, al igual que la obra anterior, está construida a partir de diversos fragmentos, que al unirse forman esta figura alargada con plataformas y una especie de techo en la parte superior. Para esta obra, uno de los elementos importantes a analizar es su contexto o posicionamiento, como se puede ver en la segunda imagen, la fotografía tomada por Hernán Díaz, esta se posiciona en el desierto de Sabrinsky y con relación a su título, se presenta en un paisaje rocoso y deshabitado como se imaginaría la luna. Es así como con el juego de la perspectiva y su ubicación, se presenta la obra como si tuviera un tamaño monumental, como si estuviera una gran nave o estación en la luna y se hace el saludo del astronauta. La obra comunica la monumentalidad y modernidad en sus uniones, bordes y formas pues tiene dinamismo y flujo sin estar en movimiento.

Finalmente, realizando una comparación entre ambas obras, en términos de elementos formales se tienen similitudes como, el color blanco, la tridimensionalidad, la profundidad, la luz y la sombra. Sin embargo, también tienen diferencias, como la materialidad y técnica, una es realizada con recortes e incisiones de cartulina (por lo que se genera volumen, sin embargo, es una obra relativamente plana) y la otra es realizada con piezas de acrílico blanco ensambladas de manera tridimensional. La primera obra demuestra un tipo de ciclo que, a pesar de tener interrupciones o fragmentos diferentes unidos o sobrepuestos, muestra continuidad y fluidez. En el caso de la segunda obra también se tiene una construcción de continuidad y de fluidez, pero no dada a partir de el circulo o de un ciclo sino de los planos y bordes de la escultura con fragmentos rectos y puntas que permiten que haya continuidad y movimiento. También, considero que en la segunda obra se tiene un tema del cambio o del desarrollo, en relación con la forma de la estructura moderna, con relación al espacio, las aeronaves y los astronautas y con sus bordes y puntas explicadas anteriormente. A diferencia de la primera obra, esta fluidez plasma el camino o instrumento de cambio, lo cual se relaciona con su contexto a la tecnología y al espacio, como el camino y la importancia que tuvo la llegada del hombre a la luna dos años después de este saludo al astronauta del artista. De esta manera, ambas obras a pesar de sus contextos distintos, materialidad y técnica, logran representar la fluidez y la modernidad a través de las figuras y fragmentos yuxtapuestos.

Referencias
Modernidad y tradición en el arte colombiano de mediados del siglo XX : El Dorado de Eduardo Ramírez-Villamizar de Ana María Franco
Ramírez Villamizar: Geometría y abstracción
Visita guiada de la exposición

Estilo: Primer cristianismo, Paleocristiano

Fecha: 250-300  

Técnica: Fresco

Lugar: Catacumbas de Priscila, en Roma 

Autor: Anónimo 

Fractio Panis, de su nombre en latin, significa fracción del pan, del acto de la Eucaristía. Este fresco se encuentra en la Capella Greca en la catacumba de Santa Priscila en Roma. Esta es una representación simbólica y una obra importante para el cristianismo pues hace alusión a la bendición y a la fracción del pan, acto importante en la literatura cristiana. En la imagen se pueden observar 7 personas, de las cuales seis son hombres y una es mujer. En un extremo se identifica una figura con barba abundante y con una postura un tanto alejada de los demás, demuestra su nivel o mayor importancia. En la mesa se pueden ver platos con comida y canastas de pan. En el arte paleocristiano se tienen dos enfoques para la iconografía, el primero es la observación directa y el segundo la indirecta o simbólica. En este caso, se entiende el acto litúrgico de la repartición y fracción del pan y su significado en las cuatro acciones de la eucaristía, el ofertorio, la consagración, la fracción y la comunión para recibir el pan o cuerpo de Cristo. Otro factor relevante para analizar es la ubicación de la obra, al estar en una catacumba, tiene directamente un carácter privado y selecto. Con respecto al uso de color en la obra, se puede observar principalmente un color cálido o cobrizo y uno azul. Estos son los colores que se conservan en el fresco, son los pigmentos que quedaron impregnados químicamente en la pared después de años y después de la recuperación (el fresco estuvo cubierto por estalactitas). El color principal es el cobrizo y el azul delimita los bordes de la pintura, con el cobrizo y con la ausencia de color o con un tono mas claro se representan a las personas, los rostros, el pelo y el velo, la vestimenta y la mesa con la comida. Con el color se la de principal importancia a la comida, especialmente al pan y al individuo con barba que lo reparte y a las demás personas que lo reciben en simbolismo de la entrega del cuerpo de Cristo.

Referencia
WILPERT, in 1895, monografía Fractio Panis, die älteste Darstellung der eucharistischen Opfers (Freiburz in Br.) 

Estilo: Iconografía Bizantina

Fecha: 546-48, los mosaicos

Técnica: Teselas de mármol o barro

Lugar: Basílica de San Vitale, Rávena, Italia 

Autor: Encargado por el obispo Eclesio, luego supervisado por el arzobispo Maximiano

Estilo: Cristianismo medieval oriental

Fecha: Alrededor del año 600 

Técnica: Tempera y pan de oro

Dimensiones: 22.4 x 32cm

Lugar: Monasterio de Santa Catalina del Monte Sinaí, Egipto

Autor: Libro de San Juan Clímaco, petición del abad

La escalera del divino ascenso, originalmente escrito en koiné, por San Juan Clímaco es un importante libro que muestra y explica el camino correcto para los monjes; para una correcta vida religiosa. Esta escalera consta de 30 escalones que suben al Paraíso, viene de la escalera de Jacob, y es una escalera mencionada en la biblia, en el génesis, por la cual los ángeles ascendían al cielo y descendían a la tierra para acompañar (ascender) y para conocer (descender) a Jacob, hombre santo. 

Simbólicamente, esta escalera tiene y encapsula varios significados, primero, basada en la escalera de Jacob, de la cual se cree que la perfección se alcanza con un proceso gradual, a partir de pequeños pasos (escalones). El número de escalones también tiene un significado, 30 fueron los años que vivió Jesús antes de su bautismo. Cada escalón tiene un significado, por ejemplo, del primer al cuarto escalón es la renuncia del mundo y la obediencia al padre espiritual (proceso gradual). Para el final de la escalera, en el escalón número 30 es la vinculación de la trinidad suprema entre las virtudes, se resume todos los pasos anteriores y tiene en cuenta la caridad, la esperanza y la fé.

Ahora, analizando la obra, esta es una interpretación dramática del texto del divino ascenso mencionado anteriormente. La escalera atraviesa diagonalmente la obra por la mitad. Esta división hace alusión al cielo y al infierno, al observar la escalera, suben los monjes, encabezados por San Juan aspirando llegar a la cima donde los espera Cristo. Por el camino se pueden ver demonios con alas que hacen caer a los monjes que no cumplen con las 30 frases para la evolución espiritual. Entonces, si tienen falta de fe, de virtud o tienen vicios y caen en las trampas del ascetismo (orgullo, pereza, estancamiento mental) caen de la escalera a la condena y no llegan a la salvación.

El color es un argumento importante en la obra, primero, el color principal y el de mayor relevancia es el color dorado que proviene del pan de oro. Este color en el fondo y en los espacios posiciona la escalera y a loa individuos en un espacio aislado. Al no tener ningún indicador de espacios o de objetos, se separa del mundo natural. Lo anterior concuerda con la escena y e proceso que narra pues se encuentra en un limbo, en el camino entre la tierra y el cielo, entre la condena y la salvación o entre el pecado y la virtud; un espacio de transe y evolución espiritual. El color dorado también le da un carácter de divinidad, además, con la luz proveniente de arriba, la parte superior de la obra luce iluminada en un color dorado claro lleno de luz, nuevamente haciendo alusión a la llegada de la salvación. Los demás colores de la pintura como los cuerpos o vestimentas de los monjes son oscuros y hacen contraste con el color dorado de fondo. Especialmente, el color negro de los demonios con alas hace contraste con el fondo y en este caso solo se enfoca en la figura y en su simbolismo, sin utilizar más colores ni detalles para estos cuerpos. 

Referencia

Rohuela (2014) La escalera del divino ascenso. Recuperado el 23 de septiembre del 2022 de https://rohuela-rohuela.blogspot.com/2014/05/la-escalera-del-divino-ascenso-artista.html

Estilo: Arquitectura románica

Fecha: Fin de obras en 1292

Técnica: Piedra

Lugar: Bari, Italia

Autor: Construcción colectiva

Referencia

Cedec (Sin fecha) La iglesia en la Edad Media y el arte románico. Recuperado el 28 de septiembre del 2022, de https://descargas.intef.es/cedec/proyectoedia/PMAR/contenidos/viaje_plena_edad_media/La_iglesia_en_la_Edad_Media_y_el_arte_romanico.pdf

Estilo: Arquitectura gótica

Fecha: Siglo V

Técnica: Piedra, vidrio

Lugar: Paris, Francia

Autor: Construcción colectiva

En el presente texto, se hará un análisis visual comparativo de dos obras arquitectónicas pertenecientes al estilo románico y gótico. En primer lugar, se presenta la Catedral de San Sabino en Bari, catedral construida sobre restos de un templo anterior. Esta está dedicada al obispo, por quien se le da su nombre, cuyas reliquias se encuentran en esta catedral. El concepto de las reliquias es importante, en la época de las cruzadas la búsqueda de reliquias (pedazos de cadáveres de santos o elementos que tuvieran contacto con cuerpos santos) era una práctica cristiana. Para el culto a estos reliquias se creaban relicarios y se construían iglesias como las que se presentan a continuación. En relación estilo románico y más adelante en el gótico, se tratan los temas de la iglesia militante y triunfante. En ambos momentos y estilos, la iglesia es la institución que une todos los reinos bajo la cristiandad. Continuando con el arte románico, este se da en un ambiente rural relacionado con los campesinos y el feudalismo. La catedral de San Sabino es un ejemplar del arte románico; en términos de la estructura se pueden observar características importantes como la poca cantidad de ventanas y su reducido tamaño, una fachada simple en piedra, la escasa ornamentación, los arcos de medio punto y las columnas gruesas y macizas. Las anteriores están relacionadas con el estilo rural, la necesidad de solidez y protección, las capacidades y conocimiento arquitectónico de la época. Se realizaban pocas ventanas y pequeñas pues la estructura no podía sostener unas de mayor tamaño, es por esto por lo que se utilizan los arcos de medio punto, sin embargo, se siguen utilizando columnas anchas y paredes gruesas para poder soportar la construcción. Lo anterior esta directamente relacionado con el color, o en su defecto, la falta de color. Al tener ventanas pequeñas la luz entra en una pequeña cantidad por lo que la catedral (y en general las catedrales románicas) son bastante oscuras, tampoco se pueden hacer vitrales en estas pequeñas ventanas. Esta oscuridad y representación de fortaleza se relaciona con su significado, se quería proteger la iglesia militante y combatir las fuerzas oscuras hasta el día del juicio final. Algunas catedrales tenían frescos, el arte románico tiene un estilo más expresivo que decorativo y es no naturalista. Adicionalmente, como se puede observar en las imágenes, en la cripta se utiliza color dorado y verde. Estos colores se usan en la cripta pues es el lugar de oración y culto a los restos del obispo. El color dorado tiene un simbolismo de divinidad y grandeza, además, representa la luz ausente en la catedral. 

 

En segundo lugar, se presenta la Basílica-Catedral de Saint-Denis como ejemplar del arte gótico. Esta iglesia se construye sobre la tumba de este santo, primer obispo y mártir de Paris. A diferencia del arte románico, el arte gótico se desarrolló en ciudades, en lo urbano, marcado por los nobles y la burguesía. Directamente en línea con lo anterior, en la cripta están enterrados numerosos reyes, reinas, princesas y príncipes franceses. Analizando la obra, se observa una diferencia clara con la Catedral de San Sabino, tanto en la fachada como en su interior. Primero, observando la fachada, a pesar de que ambas son blancas y tienen un rosetón, tienen diversos aspectos diversos. El primero es la diferencia en la altura, la arquitectura gótica creía en la construcción vertical como forma de acercamiento hacia el cielo, mientras que en la románica era más horizontal. En segundo lugar, la iglesia gótica tiene esculturas y grandes tallas en los arcos de las entradas (ambas iglesias tienen tres entradas, pero tienen diferencias notorias). Por último, tiene más ventanas y de mayor tamaño que en el ejemplar anterior. En el interior se características importantes, la primera el cambio del arco de medio punto al arco ojival (apuntado), este es característico del arte gótico y ayuda con la problemática de la estructura, con este tipo de arco se dirige el peso de forma vertical disminuyendo el esfuerzo que tienen que hacer las paredes y pilares. Con lo anterior se pueden observar una cantidad numerosa de arcos y columnas decoradas (a diferencia de las columnas macizas y planas del románico). Esto también influye en la construcción del techo, se cruzan varios arcos para crear estas estructuras geométricas (también ayuda con la estructura y carga de peso). Finalmente, con la ayuda estructural de los elementos anteriores se pueden crear más decoraciones y permite la posibilidad de grandes y abundantes ventanales. Este elemento es el más importante con relación al color, primero, permite el ingreso de luz y la iluminación de decoraciones, ornamentaciones, del altar y de los oratorios. El tema de la luz es fundamental por su carácter divino, adicionalmente, al combinarlo con el uso de vitrales de colores, cambia totalmente el ambiente y simbolismo dentro de la iglesia. El artista gótico utiliza el color con el fin de representar lo sagrado de forma más veraz y emotiva, creando obras que son arte y figuras válidas y simbólicas por si mismas.

En ambos templos, los estilos, el uso del arte y la arquitectura son una respuesta directa al ámbito del momento, primero la iglesia militante, luego la triunfante. Con base en lo anterior, la necesidad del nuevo mundo cristiano, primero de protección y después del reflejo de un mundo nuevo a través de construcciones que proclaman el cielo. 

 

Referencias

Cedec (Sin fecha) La iglesia en la Edad Media y el arte románico. Recuperado el 28 de septiembre del 2022, de https://descargas.intef.es/cedec/proyectoedia/PMAR/contenidos/viaje_plena_edad_media/La_iglesia_en_la_Edad_Media_y_el_arte_romanico.pdf

Ramírez Laguna, A. (2013). Vista al Románico de Apula. Recuperado el 28 de septiembre del 2022, de https://dialnet.unirioja.es/descarga/articulo/4736117.pdf 

GOMBRICH, E. H. (1992). HISTORIA DEL ARTE (15a. ed.)

Nombre: Venus de Urbino

Estilo: Renacimiento siglo XVI

Fecha: 1534

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 1.19 x 1.65m

Lugar: Galería degli Uffizi

Autor: Tiziano

El cinquecento, es un periodo muy importante pues se llega a la madurez del renacimiento europeo (corresponde al siglo XVI). En este periodo se desarrolla el paso del teocentrismo al antropocentrismo humanista, proveniente de la Edad Moderna inspirada en la antigüedad clásica con foco en la imitación de la naturaleza. Lo anterior es relevante pues se desarrolla la importancia del humano y del ser humano como centro de todo y no Dios, como se creía en la Edad Media. En línea con lo anterior, se destaca la importancia del individuo y del autoconocimiento, de ahí la necesidad e interés por experimentar y explorar, así se da el movimiento llamado humanismo. La cuna del arte en este periodo fue Roma, donde los grandes mecenas fueron los papas. 

En primer lugar, la Venus de Urbino, es una obra encargada por el Duque de Urbino como regalo para su esposa Giulia Varano, lo anterior es crucial pues la pintura tiene un simbolismo importante del matrimonio. Es relevante resaltar que esta se basa en otra obra renacentista de Giorgione hecha 30 años antes, la Venus dormida. Analizando concretamente la obra, se puede ver a la Venus, la diosa del amor y la belleza que a su vez representa la sensualidad y la importancia del desnudo femenino. En esta obra, a diferencia de la Venus dormida, la mujer está consciente de su alrededor y de su efecto en este. Su pose y mirada sensual y directa son símbolos del erotismo, poder y belleza. Otro símbolo importante es el perrito acostado junto a ella, esto representa la fidelidad y lealtad. Finalmente, se puede observar en el fondo a la derecha, una niña buscando algo en un baúl, lo cual representa la maternidad. Como mencionado anteriormente, la obra tiene una gran relevancia en su contexto y en su propósito, el duque quiere mostrarle a su esposa estos aspectos del matrimonio como lo son la sensualidad y el erotismo, la lealtad y la maternidad. Finalmente, analizando formalmente el uso del color se puede identificar un contraste claro entre el cuerpo de la mujer y el telón o pared trasera de la cama. El color blanco de la piel representa la belleza y pureza, que a su vez se diferencia del color blanco de la sabana sobre la cual está recostada. El color dorado del pelo tiene connotación de valor y luz, como el oro, al igual que las ornamentaciones en los tapices y las decoraciones de la habitación. A pesar de que el fondo y ciertos elementos como los muebles y tapices tener mayor detalle y colores, el elemento más llamativo es la figura desnuda de la Venus y su rostro. La piel, las mejillas coloradas doradas y los ojos alargados con sombra cálida atrapan la atención del observador. Los contornos difuminados se complementan con el uso del color y le dan un aspecto angelical y sensual al cuerpo de la mujer. Es así como el cuerpo humano, específicamente el cuerpo desnudo femenino se toma como centro; lo anterior, con una composición armónica representa el canon de belleza y perfección que, a su vez, son aspectos que se esperan en el matrimonio.

 

Referencias

Historia Arte (2022). Cinquecento. Recuperado el 20 de octubre del 2022, de https://historia-arte.com/movimientos/cinquecento

National Geographic (2018). El renacimiento, obra de los mecenas. Recuperado el 20 de octubre del 2022, de https://historia.nationalgeographic.com.es/a/renacimiento-obra-mecenas_11183

Uffizi (2022). Venus of Urbino. Recuperado el 20 de octubre del 2022, de https://www.uffizi.it/en/artworks/venus-urbino-titian 

Nombre: Autorretrato

Estilo: Renacimiento europeo

Fecha: 1498

Técnica: Óleo sobre tabla

Dimensiones: 52 x 41cm

Lugar: Museo del Prado, Madrid

Autor: Alberto Durero

Referencias
Museo del Prado(2022). Autorretrato. Recuperado el 20 de octubre del 2022, de https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/autorretrato/8417d190-eb9d-4c52-9c89-dcdcd0109b5b

Nombre: La antigua ciudad de Agrigento

Estilo: Neoclasicismo

Fecha: 1787

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 110 x 164cm

Lugar: Musée du Louvre, Paris

Autor: Pierre Henri De Valenciennes

Humanidades (2022). Neoclasicismo. Recuperado el 3 de noviembre del 2022, de https://humanidades.com/neoclasicismo/

Nombre: Dido construye Cartago

Estilo: Romanticismo

Fecha: 1815

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 155.5 x 232cm

Lugar: National Gallery, Londres

Autor: Joseph Mallord William Turner

En primer lugar, observando la pintura ejemplar del neoclasicismo, La antigua ciudad de Agrigento, demuestra el renacer del periodo clásico. Las pinturas logran plasmar un momento que cuenta historias, mitos y relatos de la antigüedad. En este caso, podemos observar un paisaje que encapsula montañas, agua, naturaleza, cielo, ruinas de construcciones y personajes. Se evidencian características neoclásicas, en primer lugar, la pintura invita a cuestionar o a pensar la razón de su realización. También la representación de la naturaleza como divinidad y conexión con lo espiritual. La pintura logra un equilibrio entre la precisión de la representación y la razón o intención literaria. Al observar la obra se puede ver cómo el uso del color, específicamente el uso de colores oscuros y sombras y la difuminación dan un tono melancólico y reflexivo. Incluso parece ser una introspección del artista, la forma en la que ve su realidad se condiciona por su individualidad y sentimientos. En medio de las sombras se ve el reflejo del sol que entra desde el lado izquierdo y alumbra discretamente ciertos puntos de la pintura. Estos pequeños reflejos de luz que envuelven la obra proyectan esperanza y luminiscencia dentro de este paisaje oscuro. 

 

En segundo lugar, la pintura romántica, Dido construye Cartago, también muestra un paisaje con agua, montañas ruinas o construcciones y personajes. A diferencia del estilo anterior, cuestiona el raciocinio exclusivo con el uso de la razón y el pensamiento científico pues se reconoce la existencia de cosas misteriosas que no pueden ser explicadas por medio de estos. En medio de este grito de liberación se puede evidenciar como cambia la pincelada, esta es mucho más expresiva lo que también comunica los sentimientos del artista y del lugar retratado. En esta pintura, por medio del color, la composición y la pincelada retrata una escena de calma y sinergia entre los personajes, el artista y la naturaleza. En esta imagen, a diferencia de la anterior se ve el sol, este proyecta una luz que abarca toda la pintura, dando un color cálido y mayor saturación de los colores. Esta saturación y contraste entre colores vividos transmite plenitud. Sin embargo, también es una pintura sublime. Ambas obras muestran paisajes similares, no obstante, la representación, el cómo, sobre todo, es lo que las diferencia. Los artistas dentro de su movimiento y pensamiento respectivo plasman el paisaje encadenándolo a su pensamiento y situación. 

 

Referencias

 

Historia Arte (2022). Romanticismo. Recuperado el 3 de noviembre del 2022, de https https://historia-arte.com/movimientos/romanticismo

Humanidades (2022). Neoclasicismo. Recuperado el 3 de noviembre del 2022, de https://humanidades.com/neoclasicismo/

Imaginario, A. (2022). Neoclasicismo: características de la literatura y el arte neoclásicos. Recuperado el 3 de noviembre del 2022, de https://www.culturagenial.com/es/neoclasicismo/

Nombre: Falaises près de Pourville
Autor: Oscar- Claude Monet

Estilo: Impresionismo

Fecha: 1882

Dimensiones: 65.8 x 100.5cm

La obra elegida es un claro ejemplar de la corriente impresionista. Este estilo se caracteriza por el uso del color, la importancia de la luz y del foco de iluminación, la pincelada gestual y la representación de un momento a partir de la emoción y no la razón. En esta obra se evidencian cuatro elementos pictóricos principales: la arena, la roca, el mar y el cielo. Cada par tiene una similitud significante en términos del color. Es decir, la arena y la piedra tienen una tonalidad y saturación similar, tienen colores rosados-naranjas, con tonalidades claras. El diferencial en estos elementos son la textura y profundidad de los materiales, a partir de estos, se cambia el tono del color que se utiliza. En el caso de la piedra, tiene tonos más oscuros para acentuar la sombra y la rocosidad. Para el mar y el cielo el artista emplea colores azules y verdes que se contrastan con la espuma y las nubes que tienen colores rosados-amarillos. Otra característica importante es la sombra, en el borde de la playa y de la roca se presenta la sombra a través del uso de colores más oscuros como el azul y morado. El uso del color en conjunto con la pincelada muestra la intención del artista, el representar un momento como una colección de instantes y de movimientos. La pintura en su totalidad logra representar un instante de tranquilidad y plenitud. Esta plenitud se proyecta a partir de la coordinación entre colores y elementos, todos están en sintonía. Representan un instante único pero cambiante y en movimiento lo cual puede dar cuenta del sentimiento del artista al situarse en el lugar de la obra. Transmite un sentimiento de paz con incertidumbre del futuro, de lo cambiante y de lo nuevo.

Bibliografía
Craies. (2022). Excursion de Dieppe à Pourville. Retomado el 10 de noviembre de 2022 de
https://craies.crihan.fr/?page_id=3018

Nombre: Nacimiento de los deseos líquidos

Estilo: Surrealismo

Fecha: 1932

Técnica: Óleo y collage sobre tela

Dimensiones: 96.1 x 112.3cm

Lugar: Peggy Guggenheim Collection, Venecia 

Autor: Salvador Dalí

La obra de las vanguardias artísticas elegida es un ejemplar surrealista de uno de los pintores más reconocidos y controversiales, Salvador Dalí. Esta vanguardia se describe como un automatismo psíquico en el que se expresa el funcionamiento del pensamiento y su naturaleza sin la intervención reguladora de la razón ni la preocupación estética o la moral. Así, propone una teoría y manifiesto basado en lo inconsciente, lo imaginario y lo irracional como vehículo de cambio y transformación del mundo, comenzando desde el entendimiento del pensamiento. Salvador Dalí, genera una conexión entre el surrealismo y el psicoanálisis, a través de la cual se logra alcanzar y dar forma a la información del subconsciente mediante una expresión de la realidad interior. Además, genera el método paranoico-crítico, Dalí plantea que todas las personas tienen un problema o paranoia que se puede encontrar y proyectar a través del automatismo artístico del surrealismo.

Específicamente en este cuadro, el artista logra expresar esta paranoia o conflicto psicológico interior. Es una obra de alta complejidad y tiene distintas simbologías, alegorías y significados o interpretaciones variables (dependen también del observador y su mente). Uno de los elementos principales al que la pintura hace alusión es el asalto paterno, inspirado por la leyenda de Guillermo Tell quien debía disparar una flecha a una manzana que estaba sobre la cabeza de su hijo. En la obra, la manzana es sustituida por un pan. Este pan está situado en la mitad de la obra, en la mitad de una fisura en la piedra amarilla que cubre una gran parte de la obra y con un claro de luz o iluminación focal. La luz y el color resaltan este elemento y hace un contraste al conectarse con la masa negra en la parte superior. En el centro se observa una pareja, esta también puede hacer alusión al rechazo de su padre pues el artista se casó sin su consentimiento. Esta pareja a su vez demuestra la decadencia en vez de pasión, amor o deseo; la mujer con el rostro de rosas totalmente desfigurado e ilegible y la figura masculina con pecho de mujer tiene relación con la venta del alma al diablo. Esta disparidad también se puede entender a partir del color, el velo o vestido blanco de la mujer tiene un carácter mortuorio y es opuesto al color de la piel del hombre. Esta diferencia en los colores y en las texturas generadas con las sombras y relieves en ellos acompañado de la posición y gestualidad de las manos representan la incompatibilidad o extrañez de la pareja. El siguiente elemento para analizar es la gran roca o figura amarilla tiene una forma y curvas que se asemejan a un violín que, adicionalmente, puede simbolizar el cuerpo humano. También se encuentra una masa oscura y elevada con rocas, un mueble con un cajón abierto y una caída de agua. Con su color negro y la forma en la que fluyen las figuras en ella se puede entender un momento oscuro del artista. 

Finalmente, las dos figuras humanas a los lados parecen estar desconcertadas. El hombre a la izquierda se asoma en un tipo de cueva con agua para buscar algo, como si estuviera buscando una respuesta. La mujer también tiene relación con el líquido pues lo está vertiendo al pie de la figura masculina. Esta escena puede hacer alusión al lavado de pies por parte de Cristo a sus discípulos. La figura femenina tiene un color claro azul con amarillo, casi igual al color del cielo del fondo, sin embargo, con la detallada pincelada se crea el cuerpo, las manos y la vestimenta de la mujer lo que la diferencia del fondo. Por lo contrario, la figura masculina al lado izquierdo está compuesta por colores más oscuros, cercanos al color de la cueva oscura en la que está asomado, mostrando esta búsqueda confusa en el interior del artista y de cada espectador de la obra. La obra esta llena de pequeños objetos como relojes, huevos, conchas que pueden desencadenar efectos en la imaginación y en la introspección de cada persona. Los objetos y personajes, su representación pictórica y el color generan una composición y reflejo del inconsciente del artista y de cada espectador de la obra. 

Referencias

Fundación Gala-Salvador Dalí (2007). Nacimiento de los deseos líquidos. Recuperado el 15 de noviembre del 2022, de https://www.salvador-dali.org/es/obra/catalogo-razonado-pinturas/obra/288/nacimiento-de-los-deseos-liquidos

Kripkit. (2022). El nacimiento de los deseos líquidos. Recuperado el 16 de noviembre del 2022, de https://kripkit.com/el-nacimiento-de-los-deseos-lquidos/

Masdearte. (2022). Surrealismo. Recuperado el 16 de noviembre del 2022, de https://masdearte.com/movimientos/surrealismo/