Os primeiros artefatos vêm do Paleolítico, ou Idade da Pedra Antiga, na forma de entalhes, gravuras, imagens pictóricas, esculturas e arranjos feitos em pedra.

A arte deste período dependia do uso de pigmentos naturais e esculturas em pedra para criar representações de objetos, animais e rituais que governavam a existência de uma civilização.

O objetivo de uma obra de arte desse período varia de acordo com a civilização que a produziu, mas a maior parte da arte servia a propósitos semelhantes: contar histórias, decorar objetos utilitários como tigelas e armas, exibir imagens religiosas e simbólicas e demonstrar status social. Muitas obras retratam histórias de governantes, deuses e deusas.

Muitas das obras de arte produzidas nos primeiros anos do período refletem essa escuridão, caracterizada por imagens grotescas e cenários brutais.

A arte produzida nessa época centrava-se na Igreja. Com o passar do primeiromilênio, surgiram igrejas mais sofisticadas e elaboradamente decoradas; janelas e silhuetas eram adornadas com temas bíblicos e cenas da mitologia clássica.

Este período também foi responsável pelo surgimento do manuscrito iluminado e do estilo de arquitetura gótica. Exemplos definitivos de arte influente deste período incluem as catacumbas em Roma, Hagia Sophia em Istambul, os Evangelhos de Lindisfarne, um dos exemplos mais conhecidos do manuscrito iluminado, e Notre Dame, uma catedral parisiense e exemplo proeminente da arquitetura gótica.

O Renascimento atingiu seu apogeu em Florença, Itália, em grande parte devido aos Medici, uma rica família de mercadores que apoiava inflexivelmente as artes e o humanismo, uma variedade de crenças e filosofias que enfatizavam o reino humano.

O designer italiano Filippo Brunelleschi e o escultor Donatello foram os principais inovadores durante esse período.

A arte em toda a Renascença foi caracterizada pelo realismo, atenção aos detalhes e estudo preciso da anatomia humana. Os artistas usaram perspectiva linear e criaram profundidade por meio de iluminação e sombreamento intensos.

A arte começou a mudar estilisticamente logo após o Alto Renascimento, quando os choques entre a fé cristã e o humanismo deram lugar ao maneirismo.

Frequentemente, as figuras tinham membros graciosos e alongados, cabeças pequenas, feições estilizadas e detalhes exagerados. Isso resultou em composições mais complexas e estilizadas, em vez de depender dos ideais clássicos de composição harmoniosa e perspectiva linear usados ​​por seus predecessores renascentistas.

Alguns dos artistas maneiristas mais famosos incluem Giorgio Vasari, Francesco Salviati, Domenico Beccafumi e Bronzino, que é amplamente considerado o pintor maneirista mais importante de Florença durante sua época.

Rococó é caracterizado pela leveza e elegância, com foco no uso de formas naturais, design assimétrico e cores sutis.

Pintores como Antoine Watteau e François Boucher usaram tratamentos despreocupados, pinceladas ricas e cores frescas.

O estilo rococó também se traduziu facilmente em prata, porcelana e móveis franceses. Muitas cadeiras e armários apresentavam formas curvas, desenhos florais e um uso expressivo de dourado.

Os ideais presentes em cada uma dessas formas de arte rejeitam a ordem, a harmonia e a racionalidade, que eram adotadas tanto na arte clássica quanto no neoclassicismo. Em vez disso, os artistas românticos enfatizaram o individual e a imaginação. Outro ideal romântico definidor era a apreciação pela natureza, com muitos se voltando para a pintura ao ar livre, que tirou os artistas de interiores escuros e permitiu que pintassem do lado de fora.

Os artistas também se concentraram na paixão, emoção e sensação acima do intelecto e da razão.

Pintores românticos proeminentes incluem Henry Fuseli, que criou pinturas estranhas e macabras que exploraram os recessos sombrios da psicologia humana, e William Blake, cujos misteriosos poemas e imagens transmitiram visões místicas e seu desapontamento com as restrições sociais.

Artistas influentes da Art Nouveau trabalharam em uma variedade de mídias, incluindo arquitetura, design gráfico e de interiores, joalheria e pintura.

O designer gráfico tchecoslovaco Alphonse Mucha é mais conhecido por seus pôsteres teatrais da atriz francesa Sarah Bernhardt.

Artistas impressionistas usaram a vida moderna como tema, pintando situações como salões de dança e regatas em veleiros, em vez de eventos históricos e mitológicos.

Como visto em muitas das obras do próprio Matisse, a separação da cor de seu propósito descritivo e representacional foi um dos elementos centrais que moldaram esse movimento.

O fauvismo foi um importante precursor do cubismo e do expressionismo.

A arte expressionista procurou desenhar os sentimentos do artista, usando uma distorção da forma e cores fortes para exibir ansiedades e emoções cruas.

Os pintores expressionistas, em busca de autenticidade, buscaram inspiração além da arte ocidental e frequentaram museus etnográficos para revisitar as tradições folclóricas nativas e a arte tribal.

As raízes do expressionismo podem ser encontradas em Vincent van Gogh, Edvard Munch e James Ensor. Grupos proeminentes, incluindo Die Brücke (The Bridge) e Der Blaue Reiter (The Blue Rider) foram formados para que os artistas pudessem publicar obras e expressar seus ideais coletivamente.

Os surrealistas denunciaram a mentalidade racionalista. Eles atribuíram a culpa por esse processo de pensamento a eventos como a Primeira Guerra Mundial e acreditaram que ele reprimia os pensamentos imaginativos.

Os surrealistas foram influenciados por Karl Marx e teorias desenvolvidas por Sigmund Freud, que explorou a psicanálise e o poder da imaginação.

Artistas surrealistas influentes como Salvador Dalí usaram a mente inconsciente para retratar revelações encontradas na rua e na vida cotidiana. As pinturas de Dalí, em particular, combinam sonhos vívidos e bizarros com precisão histórica.

Esses pintores e escultores abstratos romperam com o que era considerado convencional e, em vez disso, usaram a espontaneidade e a improvisação para criar obras de arte abstratas. Isso incluía obras em escala colossal, cujo tamanho não podia mais ser acomodado por um cavalete. Em vez disso, as telas seriam colocadas diretamente no chão.

Artistas ativos neste estilo usaram formas, cores e padrões para criar imagens que pareciam estar em movimento ou desfocadas, geralmente produzidas em preto e branco para o contraste máximo. Esses padrões abstratos pretendiam confundir e excitar os olhos.

Os artistas usaram solo, pedras, papel, corda e outros elementos de terra para evocar um sentimento pré-industrial. Como resultado, muitas das obras notáveis ​​durante esse movimento são esculturais.

Os artistas incentivaram os espectadores a se concentrarem precisamente no que estava diante deles, em vez de traçar paralelos com realidades externas e pensamentos emotivos por meio do uso de formas purificadas, ordem, simplicidade e harmonia.

A Arte Contemporânea se prolonga até aos dias atuais, período esse denominado de pós-modernismo, propondo expressões artísticas originais a partir de técnicas inovadoras.