En esta unidad nos ocuparemos de los modos de crear una ilusión de profundidad y volumen plástico en una superficie bidimensional.

Podemos mantener el plano con el mínimo de profundidad introduciendo solo aquellos signos de espacio que no entren en conflicto con la naturaleza del plano.

 

Podemos negarle al plano toda realidad psicológica y hacer de éste una ventana que se abre al espacio profundo.   

 

Podemos conservar algunas de las cualidades del espacio profundo, pero relacionarlas con el plano de la imagen de tal modo que no neguemos que existe. Por ej. A través de superposición de varios puntos de vista a la manera de Cezànne o el Cubismo, elevando la línea de horizonte, evitando las progresiones diagonales, utilizando la perspectiva invertida, entre otros.  

 

Dividir en 4 una hoja Nº 6 blanca, dejando un margen de aprox. 2 cm. y realizar 4 propuestas en base a la descripción teórica del TP1 TP2 TP3 y a los ejemplos  publicados en cada columna. Pueden ser en blanco y negro o con el agregado de color.   
Una vez terminados los 4 ejercicios de cada TP, fotografiar el trabajo y publicar en el classroom para su corrección.

Consiste en establecer una constancia entre los elementos de la composición, ya sea por representación o por semejanza de forma. Cuanto más grande el objeto, lo percibimos más cerca, cuanto más pequeño, lo percibimos más lejos. 

 

Lo que hacemos es inclinar el plano de tierra hacia arriba de modo que ocupe todo o buena parte del plano de la imagen. Esto tiende a disimular la profundidad del espacio. Las figuras colocadas más abajo parecen más cercanas, mientras que las ubicadas más arriba parecen más lejanas.

 

Es la correlación entre la agudeza visual y la distancia. Esto significa que la cantidad y la nitidez del detalle dependen de la distancia virtual que inflingimos a esas figuras. Los objetos cercanos se observan nítidamente y los lejanos parecen fuera de foco.

 

Un mismo esquema da dos o más posibilidades de interpretación espacial sin que predomine ninguno de ellos generándose una reversibilidad figura – fondo.

Con la línea, que puede ser modulada en grosor y tono, se acentúan el volumen y distancia de los objetos.

Con el claroscuro se puede modelar el volumen, la luz y la sombra en forma arbitraria para dar fuerte organización y profundidad espacial sin importar la iluminación real de la escena.

 

Consiste en simular el efecto atmosférico que se percibe al comparar los objetos de acuerdo con su lejanía. Así, por ejemplo, las montañas que aparecen al fondo de un paisaje pierden definición y temperatura adquiriendo un tono grisáceo, claro y azulado como si entre ellas y el observador se interpusiera una gran masa de aire. 

 

Se produce cuando a través de un cuerpo traslúcido pueden verse los objetos de atrás claramente generando una situación bivalente en el área superpuesta, pues expresa dos posiciones simultáneas en el espacio.  

 

Se refiere a los contrastes de temperatura por lo cual, los colores fríos tienden a retroceder y contraerse, mientras que los cálidos tienden a avanzar y expandirse.

Lo Orgánico y lo Inorgánico son formas que resultan de diferentes “voluntades o actitudes del arte”.

 

Podemos clasificar dos tipos de Arte representativo o Figurativo. 

En términos generales es la manera que usamos cuando trabajamos una naturaleza muerta o un paisaje. Nos inspiramos en imágenes conocidas y “reales”.

FIGURATIVO / ORGÁNICO: Es una figuración con tendencia a lo dinámico, lo sensible, lo subjetivo, lo volumétrico, lo sensorial. Colores más terrestres y reales.

Referencias: Todo el arte clásico, y en el siglo XX Fauvismo, Dadaísmo, Expresionismo, Surealismo, Neofiguración. (Ej. Francis Picabia,  Ana Eckel, Marcia Schvartz, Rómulo Macció, Luis Felipe Noé, Jorge de la Vega) 

FIGURATIVO / INORGÁNICO: Es una figuración  con tendencia a lo geométrico, lo lineal, lo estable, lo constructivo, lo racional. 

Referencias: Arte Egipcio, Cubofuturismo, Pop Art. (Ej. Fernand Léger, Juan Gris, Emilio Pettoruti, Edgardo Giménez, Roy Lichtenstein, Keith Haring)

 

También podemos clasificar dos tipos de abstracciones o Arte NO Figurativo.  

En términos generales es la manera que usamos cuando trabajamos una imágenes compuesta por elementos y formas que no podemos asociar con el mundo “real”.

NO FIGURATIVO / ORGÁNICO: Es una abstracción con tendencia a lo biomórfico, lo improvisado, lo irregular, lo expresivo, lo informal, lo gestual, el automatismo.

Referencias: Informalismo, Action Painting, Abstracción lírica, Expresionismo abstracto (Ej. William De Kooning, Jackson Pollock, Antonie Tapies)

NO FIGURATIVO / INORGÁNICO: Es una abstracción con tendencia a lo geométrico, lo organizado, lo regular, lo planimétrico, lo estable.

Referencias: Arte Concreto, Op Art, Neoplasticismo, Minimalismo, Constructivismo (Ej. Piet Mondrian, Victor Vasarely, Jesús Soto, Raúl Lozza)

Cuatro trabajos –cada uno en una hoja Nº 6 diferente, dejándole 2,5 cm. de marco blanco- 

Puede ser apaisado o vertical. La técnica es a elección, preferentemente acrílico, témpera o acuarela, pero también pueden usar birome, lápices de colores, pasteles o marcadores. 

Rotular en la parte superior de la hoja –borde blanco- con el título de cada TP. 

Si tienen dudas sobre la imagen, me pueden mandar las propuestas en lápiz antes de encarar el color.   

Los trabajos son con temática libre pero las imágenes deben respetar las consignas de cada ejercicio: 

Una vez terminados me envían fotos de los trabajos para su corrección. También pueden ir mandando a medida que los van terminando y hacer consultas previas. 

Cualquier duda que tengan, me preguntan a este correo. 

Referencias: Todo el arte clásico, y en el siglo XX Fauvismo, Dadaísmo, Expresionismo, Surealismo, Neofiguración. (Ej. Francis Picabia,  Ana Eckel, Marcia Schvartz, Rómulo Macció, Luis Felipe Noé, Jorge de la Vega) 

Referencias: Arte Egipcio, Cubofuturismo, Pop Art. (Ej. Fernand Léger, Juan Gris, Emilio Pettoruti, Edgardo Giménez, Roy Lichtenstein, Keith Haring)

Referencias: Informalismo, Action Painting, Abstracción lírica, Expresionismo abstracto (Ej. William De Kooning, Jackson Pollock, Antonie Tapies)

Referencias: Arte Concreto, Op Art, Neoplasticismo, Minimalismo, Constructivismo (Ej. Piet Mondrian, Victor Vasarely, Jesús Soto, Raúl Lozza)

Consiste en añadir algo o ponerlo encima de otra cosa. Cuando un objeto cubre parte de otro, sabemos por experiencia que debe estar delante de él, por lo tanto está más cerca.

 

Consiste en la utilización del movimiento dinámico de las diagonales para crear espacio o utilizar líneas paralelas sin hacerlas convergir hacia un punto de fuga (Perspectiva caballera). A veces las diagonales no necesariamente existen como líneas, sino que se completan perceptualmente al asociar objetos o formas, lo que sugiere profundidad. 

 

Consiste en recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos comunes a distintas distancias. 

Si miramos fijamente un punto con un ojo, nuestro esquema visual puede ser reproducido por la perspectiva. Una de sus leyes fundamentales es que las rectas paralelas se representan como convergentes hacia uno o más puntos de fuga.

 

Se utiliza para hacer referencia a un cuerpo ​ en posición oblicua o perpendicular al nivel visual. El efecto existe en todos los cuerpos con volumen. El escorzo es entendido como desviación de un objeto frontalmente simétrico. Las partes no deben desaparecer unas detrás de otras, ni exhibir cortes que atenten contra la continuidad total de la figura, ni parecer más simple de la figura de la cual proviene.