Fatale, if this is not a sign.

È ciò che mi domando molto spesso e il fatto che sia stato ciò su cui mi sia caduto l’occhio, appena varcata la soglia per accedere alla biblioteca, penso sia fortemente ironico.

Tra tutti, quelli che mi hanno rapita particolarmente, che ho scelto di riportare e a cui dedicare una sorta di monografia, sono opere annoverabili nella filosofia del kintsugi: gli “evening gloves”, 1936, di Elsa Schiaparelli e “sucking mud”, del 2018, di Lara Favaretto e “adam and eve”, 2008, di Karavan.

Sì, ritrovata, in tutti i sensi.

Per chi non conoscesse questa pratica: il “kintsugi” è una tecnica di restauro nata alla fine del ‘400, che si occupa e preoccupa di riparare e dare nuova vita a oggetti in frantumi (principalmente ceramiche), riunendone i pezzi, incollandoli con l’oro e rendendoli opere d’arte.

Le linee di frattura vengono lasciate appositamente visibili: impreziosite con l’oro, vengono anzi evidenziate, a comunicare quanto la fragilità possa diventare un punto di forza e perfezione nell’imperfezione.

Da una ferita, anche la più profonda, può fiorire e scorrere un rivolo prezioso di vita che tiene insieme tante parti di sé: si può sbocciare di nuovo, irradiando come la luce emanata dall’oro, maggiore bellezza.

In particolare allego questi guanti perché a mio avviso non sono solo un complemento d’abbigliamento, ma un veicolo avant-garde drammatico e sensuale di personalità e rottura con i dettami del tempo, con la reintroduzione della moda dei guanti a 20 bottoni.

Onirici, con richiami fortemente surrealisti, vengono ideati nel 1936 da Elsa Schiaparelli, donna eclettica e poliedrica, stilista, sarta e costumista italiana, attraverso l’uso di materiali “classici” ma totalmente reinventati e magistralmente remixati, come pelle e velluto neri con artigli in metallo dorato.

Il tutto opera non solo sul passato ma anche sul presente: trattiene e sublima tracce di deterioramento, attraverso l’impreziosimento dell’oro.

Bene. La vedete questa medusina su, in foto? Forse un po’ stilizzata e (non proprio precisa) sofferente, ma pur sempre una medusa, dai. In fondo chi è che sta sempre al massimo?

Avevamo optato per raccontare la sua storia, la quale, nuotando, si imbatteva in uno di noi e lo pungeva, per poi tornare a nuotare indisturbata.

Questo era ciò che avremmo voluto rappresentare, ma il risultato è stato, diciamo diverso

Come posso raccontarmi?

Come posso esprimermi al meglio?

Cosa mi piace?

Cosa mi rappresenta?

Cosa mi rappresenta?

Come posso raccontarmi al meglio?

Cosa voglio esprimere?

Come mi voglio far conoscere?

Abbiamo optato per un altro soggetto, questa volta un uccellino, la cui lore proposta, raccontava la metafora di come non sia opportuno ripetere un’azione che sappiamo ricondurrà allo stesso risultato, assemblata a un suono non propriamente naturalistico, ma più maximale ed eclettico, che esplicitava proprio il concetto sotteso.

Scopriamolo

La struttura è stata pensata in moduli componibili e interscambiabili per quattro individui: rimane un oggetto di design giocoso ma logico nella sua componibilità e varietà di forme, morbido ma pulito nelle sue linee futuristiche, rese perfettamente dall’uso di materiali stretch e dettagli in metallo, che ne esaltano oltretutto la sensualità.

L’ambiente si presenta già da subito luminosissimo. Nel genkan poi vi sono dei comodi cassetti nei quali riporre varie tipologie di oggetti.

Gli oggetti non sono mai neutri

Sottsass parla del design come di una “scatola ottica” che solo lui sa far funzionare, per mostrare i suoi ricordi: è una metafora potentissima per descrivere il design come collettore per progettare la memoria.

Martin Gallo, ha esplorato la luce nelle sue infinite declinazioni e potenzialità, mettendo da parte tradizionali materiali, da sempre usati nel mondo del design della luce, mostrandoci quanto ancora ci sia da scoprire in merito.

C’è un ricorrente richiamo alla sua relazione con i paesaggi.

Contrapponendo la struttura della nostra vita quotidiana alla vasta incertezza del tempo geologico, il lavoro di Skaer ci ricorda che il valore e il significato sono astratti e in continua evoluzione, e in questo c'è un potenziale utopico di ridefinizione.

Iconico, riconoscibile ovunque: l’armour ring di Nana mi ha conquistata subito, nell’esatto istante in cui, vedendo per la prima volta l’anime, ha fatto la sua comparsa il personaggio di Nana Osaki, di cui l’anello è a tutti gli effetti un’estensione e, per cui, diventerà già dalle prime scene, protagonista insieme a lei, divenendo quasi parte della sua personalità.

Sebbene Ai Yazawa (la mangaka della serie) e la stilista ideatrice di questo anello (vivienne westwood) non abbiano mai fatto una collab (finora!!), questo oggetto di design ha segnato nella mente degli amanti del manga una vera e propria partnership stilistica e una sorta di alleanza spirituale, consacrando “Nana” come uno dei manga/anime più iconici e stilosi di sempre.

Sembra quasi che Ai Yazawa abbia pensato e cucito Nana O. su questo anello.: esso riproduce un’armatura sinuosa in miniatura, proprio come la figura e il carattere forte e determinato ma allo stesso tempo emotivo e dirompente di Nana, il tutto accompagnato da uno stile rock/punk inconfondibile.

Parola “d’ordine”: immaginazione

Prese le misure (diametro: 3 m, lato del cilindro: 9,42 m) e, tracciate in seguito le linee guida, abbiamo ritagliato il tutto e unito le parti ricavate con lo scotch, pompando con un ventilatore l’interno per dare volume alla struttura.

L’esperimento, secondo il mio punto di vista, puntava a farci consapevolizzare sulle infinite possibilità di creare e abitare spazi indipendenti E integrabili/integrati con la realtà circostante e collettiva, malleabili a seconda delle idee, delle necessità, delle possibilità locali a livello climatico e geologico, per creare sistemi che raccontino delle storie

Non ho potuto fare a meno di provare meraviglia entrando nella struttura: mi sono sentita catapultata in una realtà altra, una dimensione a tempo, purtroppo.

Pensavo che sarebbe davvero interessante e stimolante poter partecipare alla realizzazione di progetti di cupole o strutture di questo tipo, anche con forme ancora più fantasiose e arzigogolate, impensabili, per vedere cosa succeda, cosa si possa inserire al loro interno, come possa evolvere il tutto.

Sabato 13/12 mi sono recata a visitare uno spazio espositivo totalmente anticonvenzionale (casa in ristrutturazione), svoltosi in un appartamento su due livelli sovrapposti (duplex, per l’appunto) in via santa croce in Gerusalemme 91 (terzo e quarto piano), per una doppia mostra che ha unito scultura, fotografia e architettura, e, tra gli artisti coinvolti, Wang Yongxu e Fabrizio Fioravanti.

una scala, un’ascensione: una mano che stringe un rosario che la conduce, CI conduce, verso un piano superiore, un po’ in tutti i sensi. Questo, il messaggio che l’autore dell’installazione ha voluto veicolare e comunicare, attraverso la scala/rosario, a chiunque guardi l’opera.

Un’installazione con un paio di forbici chirurgiche che fendono il cemento, materiale scelto per esprimere appieno l’antitesi al concetto di vita, a ricordarci quanto sia tutto scomodo un niente e quanto ciò che ci mette al mondo (strumento chirurgico) possa darci la morte

trovo affascinante che forme così all’apparenza semplici, ci facciano tornare al passato più antico, ma ci suggeriscano anche che stiamo vivendo la visione del futuro di qualcun altro.

trovo affascinante che forme così all’apparenza semplici, ci facciano tornare al passato più antico delle dimore tipiche ad esempio della regione di Harran a Sanliurfa-Turchia, oppure ancora le case a cupola in Nord America, come gli hogan dei Navajo e gli igloo degli Inuit ma suggeriscano anche che stiamo vivendo la visione del futuro di qualcun altro.

31 foglietti prestampati + 49 foglietti bianchi dalle dimensioni di un A5, carta sottile e traslucida giapponese.

L’oggetto di design in questione è una lampada a sospensione e si chiama “Zettel’z”.

Con questo kit, Ingo Maurer sfida l’user a sfoderare e usare tutta la propria creatività, dandogli la possibilità di scrivere sui foglietti in dotazione: schizzi, messaggi personali, insomma tutto ciò che possa passargli per la mente.

Questo non contribuisce altro che a rendere un oggetto di design, ancora più per E di “casa”, e ancora più personale e adattabile alle proprie esigenze e mood: in questo modo ogni lampada diventa davvero unica nel suo genere :)

se ho voglia isola, altrimenti arcipelago

La sua destinazione nel nostro progetto è quella di serra.

All’interno abbiamo posto un paio di travi incrociate di modo che sostengano la struttura internamente e vengano adoperate come canali per la raccolta dell’acqua piovana che scende da un foro praticato sulla sommità al centro del padiglione: l’acqua viene incalanata sulle travi, scende lateralmente e finisce in quattro canalini di irrigazione per le piante nella serra, le cui coltivazioni saranno a rotazione a seconda delle stagioni e del loro clima.

Si presenta come una struttura aperta, flessibile e delimitata da pannelli curvi e morbidi, per creare un’atmosfera perfetta per il raccoglimento personale.

Da una semplice circonferenza concentrica, si è creata una struttura a spirale, sviluppata in altezza, sostenuta da 5 pilotis.