Lo stile Art Nouveau era presente ovunque, nelle stazioni ferroviarie, nei saloni da tè e nei grandi magazzini, sia in ambienti pubblici che privati, e prosperò durante un periodo di rapido cambiamento sociale e tecnologico in Europa, in cui accelerarono i processi di industrializzazione, produzione di massa e urbanizzazione.

Oggi riconosciamo l'Art Nouveau per le sue caratteristiche linee fluenti, gli ornamenti floreali, le forme geometriche e l'uso di figure simboliche. Ma com'è nato lo stile e chi furono i suoi principali esponenti?Le origini dell'Art Nouveau si possono far risalire al movimento Arts and Crafts Movement (Arti e Mestieri) che si diffuse in Inghilterra nella seconda metà del XIX secolo. Arts and Craft è spesso considerato come una risposta alla crescente industrializzazione in Europa e all'aumento della produzione di massa nelle fabbriche, percepiti come eventi dannosi per l'artigianato tradizionale.

Lo scrittore, designer, architetto e socialista inglese William Morris (1834-1896) fu il suo esponente di maggior rilievo. Morris respinse gli ignobili valori della produzione e gli aspetti disumanizzanti del capitalismo vittoriano, scegliendo di concentrarsi piuttosto sui valori comuni dell'area medioevale. Gli ideali di maestria artigianale di Morris e il suo uso di forme floreali e organiche stilizzate trovarono il favore di molti artisti dell'Art Nouveau.

Il termine Art Nouveau apparve per la prima volta sulla rivista belga L'Art Moderne nel 1884, in riferimento a un gruppo di scultori, disegnatori e pittori votati alla riforma chiamati Les XX (or Les Vingts), , i cui membri fondatori includevano James Ensor (1860-1949) and Théo van Rysselberghe (1862-1926). Lo spirito del nuovo movimento si diffuse rapidamente in tutta Europa e il suo nome venne presto tradotto in varie lingue, come Jugendstil, Modernismo, Secession, Stile Floreale e termini simili.

Sin dall'inizio, gli artisti che operavano in linea con lo stile Art Nouveau promossero l'unità di tutte le arti e contestarono la discriminazione tra pittura e scultura da una parte e le arti decorative cosiddette inferiori. Gli artisti dell'Art Nouveau cercarono di integrare l'arte nel quotidiano, producendo splendidi oggetti per elevare la qualità di vita delle persone.

Questi voulmi vennero studiati non solo nelle scuole superiori di belle arti e architettura d'Europa, ma anche nelle scuole di disegno industriale del continente. La loro influenza si estese a importanti città europee, come Vienna e Budapest (al tempo parte dell'impero austro-ungarico).

Gli animali, e gli uccelli in particolare, venivano frequentemente utilizzati come motivi decorativi nello stile Art Nouveau. Le ali filigranate rendevano farfalle e libellule soggetti altamente decorativi, mentre i pavoni erano particolarmente attraenti a causa del loro spettacolare piumaggio e dei loro sfavillanti colori.

Anche l'emergere del Giapponismo svolse un ruolo importante, e libellule e gru erano soggetti preferiti sia da artisti giapponesi che dell'Art Nouveau. La conversazione interculturale è ben esemplificata dalla magnifica Stanza dei Pavoni del 1876-77 di Whistler. 

La forma e il movimento di un cigno, con il suo collo sinuoso e i movimenti fluenti delle increspature dell'acqua, possono essere considerati come un'emblema dell'Art Nouveau.

Le creature esotiche delle profondità marine, nelle loro forme sorprendenti e spesso surreali, esercitavano uno straordinario fascino sugli artisti visivi. Le forme di vita nautiche, come crostacei, meduse e anemoni di mare, ben si adattavano alle linee fluide e ai colori vivaci dello stile Art Nouveau. Gli artisti tracciavano inoltre analogie tra il misterioso mondo marino e la mitologia di sirene e ninfe, come illustra la metamorfosi del quadro Pesci d'argento (Sirene) del 1899 di Gustav Klimt.L'infatuazione dell'Art Nouveau per la natura abbracciava anche le stagioni e il ciclo della vita. Le stagioni di Alphonse Mucha (1860-1939) ritrae quattro splendide donne, ciascuna ritratta su uno sfondo naturale che evoca l'umore e il colore della stagione. La Primavera si muove con grazia tra i boccioli e il canto degli uccelli, l'Estate indossa una ghirlanda di papaveri, l'Autunno raccoglie frutti selvatici e crisantemi, mentre l'Inverno indossa un mantello per difendersi da freddo e neve.Gli artisti dell'Art Nouveau esplorarono anche temi più cupi della natura, come il ciclo della vita, decomposizione e morte, per creare visioni di aldilà dominati da forze oscure. Il soggetto del disegno O grave, where is the victory? del 1892 di Jan Toorop è tratto da una lettera di San Paolo Apostolo sulla vittoria della Fede sulla Morte. La Morte è ritratta come foriera di sofferenza terrena. Accanto a una tomba aperta, giace il corpo di un uomo intrecciato con spinosi rami, che simboleggia la dolorosa esistenza dell'uomo sulla terra. Due angeli serafini fluttuano sopra la tomba e liberano l'uomo morto dai rami.

A Parigi, l'architetto e designer Hector Guimard (1867-1942) sviluppò uno stile fluente astratto, con cui decorò tra l'altro Maison Coilliot a Lilla e Castel Béranger a Parigi. I motivi di Guimard per le stazioni della metropolitana di Parigi, costruita per l'Exposition Universelle del 1900, combinavano forme lineari con metodi di costruzione industriale, e rimangono tuttora famosi.A Bruxelles, gli architetti influenzati dallo stile Art Nouveau includevano Paul Hankar, Henry van de Velde e Paul Saintenoy, ma il più famoso di tutti era Victor Horta (1861-1947). Il suo lavoro era caratterizzato da spazi aperti e luminosi, soffitti in vetro e un uso innovativo di lavorazioni in ferro.

Horta usava ferro curvo, ispirato da forme naturali, per gli interni e gli esterni dei suoi edifici. Il lavoro svolto presso l'Hotel Solvay e l'Hotel Tassel dimostrano il suo approccio completo all'architettura: Horta disegnava ogni elemento, dalle maniglie delle porte agli arredi e alle vetrate colorate.Gli architetti e i designer dell'Art Nouveau cercavano di creare opere con un vocabolario visivo costante. Per loro, ogni elemento dell'ambiente, interno ed esterno, doveva essere disegnato tenendo in considerazione la visione d'insieme. Ai contorni organici dell'esterno degli edifici dovevano corrispondere interni altrettanto interessanti.

Le forme vegetali utilizzate negli oggetti in metallo, e in particolar modo nell'architettura, apparsero ben presto anche nell'argenteria, nelle lampade e negli articoli decorativi, come l'elegante caraffa raffigurata a sinistra, e il servizio da tavola in peltro mostrato sotto.

In Europa vennero lanciati diversi giornali e riviste sulle tendenze artistiche e decorative del momento, tra questi LLibre d'Horas, Ver Sacrum, The Savoy, La Plume, Dekorative Kunst e Jugend. Quest'ultimo era un popolare settimanale culturale che dettava le nuove tendenze, pubblicato da Georg Hirth, da cui derivò il nome del movimento Jugendstil. Nel suo sottile formato da venti pagine o poco meno, Jugend presentava abiti alla moda, letteratura e opere di Hugo Hoppner (Fido), Emil Hansen (Nolde), Ernst Barlach e Peter Behrens.

n Inghilterra, Aubrey Beardsley (1872-1898) era una figura importante nel campo dell'illustrazione vittoriana e del movimento estetico. Nato a Brighton, città di mare inglese, Beardsley si trasferì a Parigi nel 1892 su incoraggiamento di Edward Burne-Jones (1833-1898). Beardsley divenne famoso per un'illustrazione di Salomè con in mano la testa di Giovanni il Battista, pubblicata nel primo numero di The Studio.

Le illustrazioni altamente erotiche di Beardsley rappresentavano la decadenza di fine secolo e vennero associate alla rivista trimestrale di arti progressiste The Yellow Book. Quell'associazione terminò in seguito al processo e alla carcerazione di Oscar Wilde nel 1895, eventi questi che ebbero un forte impatto su tutte le persone a lui vicine. La carriera di Beardsley terminò bruscamente e tragicamente con la sua morte per tubercolosi, all'età di soli 25 anni.

Verso la fine del XIX secolo, manifesti e pubblicità diventarono un mezzo dominante di comunicazione di massa in Europa. Il nuovo processo litografico a "tre pietre" rendeva disponibile un'affascinante varietà di colori e la pubblicità divenne un mezzo popolare per molti artisti, tra cui Leonetto Cappiello (1875-1942) e Alfred Choubrac (1853-1902).

In Francia, la Belle Époque trovò la propria espressione nei manifesti di Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901) e Jules Chéret (1836-1932), entrambi influenzati dalle stampe Ukiyo-e giapponesi. Chéret era un pittore e litografo che divenne famoso come maestro dell'arte dei manifesti della Belle Époque.

Possono essere scelti qualsiasi tipo di supporto grafico.

Potete interagire sotto ogni post a vostro piacimento ma sempre attinente al tema affrontato.

Nella penultima sezione sarete chiamati ad affrontare una prova da consegnare entro il 20 Aprile.

Buon lavoro