Proliferan los casos de abandono de familia, vagancia infantil, delincuencia precoz, demencia, mendicidad y analfabetismo. Y en un plano más amplio, se trata de una gigantesca masa humana que no participa ni en los beneficios de su nación ni en las decisiones políticas o sociales.

Víctima de un conjunto de circunstancias, de un sistema, no puede hacer nada significante para mejorar las condiciones. Su desidia a veces, a veces su estado de ignorancia forzoso, a veces la urgencia dramática de ganar el sustento, a veces todos estos factores juntos y otros, impiden al hombre, a la mujer, al joven marginal, hacer oír su voz.

Este es un discurso en el cual se manifiesta la decadencia de una sociedad, las falencias de un estado y una critica social al sistema que no hace nada por ayudar a los sectores mas vulnerables, el corolario es una manera de plantear todo lo vivido en el documental, una critica mordaz a una sociedad del tercer mundo, un reflejo engañoso y malicioso de los documentales basados en la porno miseria, estos temas tan delicados que esta sociedad intenta cambiar son los mismos que unos cineastas sin principios toman para lucrarse, llevando estas filmaciones distorsionadas a países del primer mundo utilizando la decadencia y las necesidades de otros en beneficio propio, la industria del entretenimiento se lucra desde el morbo de las personas, convirtiéndose así en una economía del engaño.

Este fragmento se sitúa en la casa de un hombre “pobre” en la cual, está sucediendo una grabación. La escena a blanco y negro comprende un conflicto entre el hombre y el equipo de filmación, ya que el hombre esta siendo invadido por este. Posteriormente, intentan sacarlo con autoridad, pero no lo logran, de igual modo el productor intenta convencerlo de que se vaya con manipulación monetaria, sin embargo, el hombre se reúsa a recibir el dinero y diciendo “sabe que puede hacer usted con este dinero” deshace el fajo de billetes para úsalos como papel higiénico, justo en ese instante la escena se torna a color por unos segundos (23:26- 23:31). Acto seguido, el hombre les dice que se vayan, sacando dos machetes en forma de defensa. Todos salen corriendo asustados, pero él logra arrinconar a uno de los actores de la entrevista anterior diciéndole “abrí los ojos los ojos que te están filmando… Disfrazado de pobre ¡vendido!”, el actor sale aterrorizado mencionando que no le pagaron. Finalmente, el hombre con el machete le muestra el dinero que se encuentra en el suelo, hallando el rollo de la película y desarmándolo comienza a imitar al entrevistador de la escena anterior; saltando y cubriendo su cuerpo con la cinta acaba la escena al decir “corte… ¿estuvo bien?”
El cambio de color en la imagen entre los momentos de este fragmento no es casualidad, se utiliza como medio para pasar entre el documental y el detrás de cámaras del mismo, es así como este juego de narrativas donde la filmación es documentada convierte el cortometraje en una crítica. Este fragmento es precisamente el cuestionamiento de que los países de primer mundo solo ven a los países de tercer mundo como un producto al que pueden explotar de la manera que quieran.

VÍA CERRADA (1964) - Cortometraje argumental

Dirección: Luis Ospina. Producción: Luis Ospina. Sonido: muda. Formato: 16 mm, color. Duración: 5 minutos. Argumento: Un joven aburrido en Cali, toma un tren y se encuentra con su propia muerte.

ACTO DE FE (1970) - Cortometraje argumental

Dirección: Luis Ospina. Producción: Luis Ospina. Adaptación del cuento “Eróstrato” de Jean-Paul Sartre. Formato: Super 8, b / n. Duración: 17 minutos. Argumento: Adaptación del cuento de Jean-Paul Sartre Eróstrato filmada en Los Ángeles como primer proyecto para la escuela de cine de UCLA. Un hombre al borde de la desesperación decide comprar un revólver y sale a matar indiscriminadamente. Premios: Primer premio, I Festival de Cine Super 8, (Bogotá 1977).

AUTORRETRATO (DORMIDO) (1971) - Cortometraje experimental

Dirección: Luis Ospina. Producción: Luis Ospina. Sonido: muda. Formato: Super 8, color. Duración: 3 minutos. Argumento: Film experimental en el cual el director registra, con una cámara automática, diez horas de su sueño condensados ​​en tres minutos. Premios: Primer premio, I Festival de Cine Super 8, (Bogotá 1977).

OIGA VEA (1972) - Cortometraje documental

Dirección: Luis Ospina / Carlos Mayolo. Producción: Luis Ospina / Carlos Mayolo / Ciudad Solar. Formato: 16 mm, b / n. Duración: 27 minutos. Argumento: Documental de denuncia sobre el efecto en la ciudad de Cali de los VI Juegos Panamericanos, vistos desde el punto de vista de la gente que no pudo entrar a los estadios.

EL BOMBARDEO DE WASHINGTON (1972) - Cortometraje experimental

Dirección: Luis Ospina. Producción: Luis Ospina. Música: “La consagración de la primavera” de Igor Stravinski. Formato: 16 mm, b / n. Duración: 1 minuto. Argumento: Film de metraje encontrado en el cual se rea que Washington está siendo bombardeada desde el aire.

CALI: DE PELÍCULA (1973) - Documental

Dirección: Luis Ospina / Carlos Mayolo. Producción: Cine al Ojo / Cinesistema. Formato: 35 mm, color. Duración: 14 min. Argumento: Documental satírico sobre la Feria de Cali.

ASUNCIÓN (1975) - Cortometraje argumental

Dirección: Luis Ospina / Carlos Mayolo. Producción: Producciones Caligari. Formato: 35 mm, color. Duración: 15 minutos. Argumento: La venganza de una empleada doméstica contra sus patrones. Premios: Primer premio, II Festival de Colcultura, (Bogotá, 1977); Premio al mejor Guión, II Festival de Colcultura, (Bogotá, 1977)

En el año 1978 Luis Ospina realizaría Agarrando pueblo, un cortometraje que simula ser un documental donde se explota las condiciones marginales de la sociedad con el fin de despertar el morbo de la sociedad del primer mundo, usando esto para poder lucrarse, es una crítica al oportunismo del documental que se aprovechan de la porno miseria para poder vender mentiras en el exterior. Basado en la obra de Luis Buñuel, titulada Las Hurdes, tierra sin pan, un cortometraje que mostraba la miseria que sufría una población española, aislada de la civilización y de los privilegios de la nación.

Urbano, ruidoso y cotidiano. Éste es el ambiente que inspira. Entre sus muchas características, se destaca entonces una forma de usar el color en un juego que separa y a la vez fusiona aquello se que se ve en blanco y negro o a color. Interpretado como la realidad, el blanco y negro, se ve como una especie de detrás de cámara donde los protagonistas están en el agitado quehacer que les corresponde (haciendo lo que sea necesario para reunir el material). El color se usa para las escenas ya grabadas del documental que hacen los protagonistas. Hay una clara relación entre el mensaje que se quiere dar y el color utilizado. El color viene siendo lo que se muestra como realidad acoplada a lo que el director quiere que se vea, mientras que el blanco y negro viene siendo el recurso de realidad, que se hace responsable de mostrarla en contexto y sin filtros de ninguna clase, siendo una especie de observador que nos confía otra mirada. Al ver estas escenas a color a veces provocan el efecto contrario y muestran, en este fragmento, una inocencia que va más allá de la miseria o la no miseria.

En este marco de ideas, resalta la ciudad y el sistema interno que bien parecen comprender sus habitantes. Una dinámica de ruido y agitación, que se resalta no sólo en lo visual sino también en sus sonidos. Exteriores y luz del día, son elementos importantes que caracterizan la película en una esfera de cotidianidad en la cual cualquiera podría ubicarse fácilmente. Además, estéticamente percibimos imágenes crudas, fuertes y agresivas al ojo (tal vez por ser tan reales), que es posiblemente, justo aquello que se quería demostrar.

Específicamente, empezamos nuestro fragmento en una calle poblada de carros, personas, negocios y una señora que camina por entre los carros y es catalogada, por los protagonistas, como loca; razón por la cual se acercan desasosegados a buscar una toma. La mujer, ante la presencia de la cámara, procede a posar. La cámara va bajando hasta mostrar sus pies desnudos y dejando atrás la sonrisa de su rostro. Se meten, luego, al taxi que usan para este recorrido y graban las calles desde ahí. Un chequeo mental de aquello que les falta, empieza por la afirmación de ir a donde las putas (en la 11 con 10, aclara el taxista) y la necesidad de encontrar a otro loco, dicho de manera bastante despectiva. El loco que encuentran es un señor que, rodeado de una muchedumbre ansiosa, hace pruebas como quemarse la lengua con una antorcha, revolcarse en vidrios y pasar por un aro de cuchillos. Se devuelven al taxi y varios pares de ojos se quedan fijos tras las ventanas. Finalmente, muestran a unos niños desvistiendose con órdenes de lanzarse a la fuente de La Rebeca. El director, les propone hacer esto a cambio de dinero a lo cual ellos aceptan y se lanzan.  

Todas estas escenas son ejemplos claros de un término que más adelante mencionan. “La cultura de la miseria”, dice el director en un momento cercano al final y se corresponde directamente con el argumento que encontramos en este fragmento. ¿Cómo puede ser la miseria una cultura? Las tres escenas están dotadas de caracteres no necesariamente trágicos, sino que más bien, es una búsqueda por mostrar una “cultura”. Ésta, no trata de resaltarla por medio de respeto y orgullo, sino que quiere generar en el espectador pesar o incluso sentirse bien por tener que estar en situaciones como esa. Justamente esto es lo que se quiere criticar y por medio del lenguaje irónico, nos permiten un replanteamiento. Y si no será que la pobreza es más un hecho y no una cultura. Los locos y los niños, tienen en común que buscan dinero. La mujer está vendiendo en un semáforo, el hombre hace retos físicos para ganar dinero y los niños aceptan el soborno del director. Las oportunidades que se encuentran se utilizan y la única base en ello es una necesidad pero, ¿realmente en algún momento se hace como elemento cultural? 

 El texto "El corolario es casi inevitable" de Guillermo Vargas propone una aproximación crítica a la obra de Luis Ospina desde la teoría del arte contemporáneo. Primeramente, realiza una introducción desde el texto Pasajes a la escultura moderna de Rosalind Krauss para sumergir al lector en la obra de Luis Ospina. Posteriormente, sitúa al lector en los orígenes de la obra del cineasta haciendo referencia a su contexto. Acto seguido, habla de su formación en el cine y como esto le fue dando forma a su vida profesional. Finalmente, se analiza la obra de Luis Ospina tomando como referencia a otros autores que anteriormente escribieron acerca de ella y se enuncian sus técnicas para hacer documental desde la ficción, pero mostrando la realidad.