(traicy)

(traicy)

Légende de Florharmania

On raconte qu’au cœur des forêts oubliées, là où la lumière ne touche que les feuilles les plus anciennes, pousse une fleur que nul jardinier n’ose cueillir : Florharmania.

D’un bleu céleste éclatant, ses pétales semblent brodés d’étoiles. Mais ce n’est pas sa beauté qui piège les âmes — c’est sa voix.

Quand la lune est pleine, elle s’ouvre en silence et libère un chant. Une mélodie douce, enivrante, qui se glisse dans les esprits et éveille les désirs enfouis. Ceux qui l’entendent sont irrésistiblement attirés… et ne reviennent jamais.

Certains disent que Florharmania se nourrit des émotions humaines, qu’elle s’abreuve de souvenirs et de rêves. D’autres pensent qu’elle était autrefois une muse trahie, changée en fleur par les dieux, condamnée à charmer pour l’éternité.

Une chose est sûre : derrière sa beauté florale se cache une âme ancienne, aussi mélodieuse que maléfique.

L’hylozoïsme est une doctrine philosophique qui considère que chaque matière est un être vivant animé de vie propre.

Les installations architecturales de Beesley, qui mêlent nature et technologie, vont prendre vie au contact du spectateur. En déambulant dans ce qui semble être une forêt enchantée, ses mouvements vont être détectés par les «mailles géotextiles» de l’oeuvre, qui va dès lors interagir avec le

public.

Onirique et organique, cette végétation robotique questionne le futur de l’architecture interactive.

⚠️ Un seul des 3 projets va être exposé

La première œuvre connue à jour avec la modélisation/animation 3d est le court-métrage "Luxo Jr" réalisé par Pixar en 1986 afin de montrer le potentiel de la 3d sur ordinateur, qui amènera plus tard le film d'animation 3d, Toy Story en 95.

Mes intentions étaient que cet œil ait l'air;

-massif d'où le son qui vient d'un post internet sur "le son d'un trou noir" découvert par des chercheurs en amplifiant le son de 1,7x10²⁵,

-mystérieux dans le rendu où le spectateur ne sait pas vraiment ce que c'est et le fond noir et les ombres amplifient ce coté mystérieux qu'a l'œil pour qu'on se pose la question si cette chose est vivante.

Liens avec d'autres artistes :

- Ridley Scott; Alien 1979, sur le choix de la lumière et de la créature qui vient d'un autre monde.

-Louise Bourgeois; Maman 1999-2002, sur le rendu imposant de la créature.

On raconte qu’il y a très longtemps, une femme vivait près de cette colline. On venait la voir de partout pour lui demander conseil, car elle connaissait les secrets de la nature et les histoires des anciens. Certains disaient qu’elle pouvait exaucer des vœux, d’autres qu’elle donnait des leçons de vie en racontant des légendes.

Mais un jour, pour que son savoir ne disparaisse jamais, elle choisit de s’unir à la pierre. Son corps se fondit dans le rocher, et seul son visage resta visible, comme une trace de sa présence.

Depuis, on dit que ceux qui s’arrêtent un instant, qui ferment les yeux et posent une main sur la pierre, peuvent entendre un murmure : un conseil, une histoire, parfois même une réponse à leur question. La Dame du Rocher ne parle pas à tout le monde, mais à ceux qui savent écouter.

Titre de l’œuvre

La Gardienne des voeux

Description

Un visage sculpté/évoqué dans la pierre, installé sur un rocher près de la cantine. Il semble émerger de la matière minérale comme si la pierre s’animait et prenait vie. La figure est féminine, mystérieuse, associée à une légende : une femme-oracle qui exauçait des vœux et racontait des histoires, et dont le visage est resté figé dans la roche.

⸻

Techniques utilisées

• Matériaux naturels : utilisation du rocher existant comme support principal (site-specific art → œuvre conçue pour un lieu précis).

• Ajout plastique (argile auto-durcissante) pour former des volumes (reliefs du visage).

• Effet illusion du vivant :

• travail du relief pour que la lumière accentue les formes (yeux, nez, bouche),

• intégration au paysage pour brouiller la frontière entre le naturel et l’artificiel.

⸻

Intentions artistiques

• Donner l’illusion d’un être vivant enfermé dans la matière inerte : la pierre n’est plus morte, elle respire encore à travers ce visage.

• Créer un effet de mystère et de poésie, en faisant du rocher une présence féminine qui évoque l’oralité, la mémoire, la sagesse.

• Interroger le spectateur : la pierre regarde-t-elle ? Est-elle endormie, vivante ou pétrifiée ?

⸻

Justification de l’installation

• L’œuvre est in situ : elle s’appuie sur le rocher déjà présent, ce qui donne l’impression que la nature elle-même s’est transformée en figure humaine.

• L’emplacement choisi (près du rocher de la cantine) accentue le contraste entre un espace du quotidien et une apparition presque magique.

• Le spectateur devient acteur : en passant devant, il est confronté au regard de la pierre, ce qui provoque un trouble (entre familiarité et étrangeté).

⸻

Vocabulaire spécifique

• Relief : formes en volume qui sortent de la surface.

• In situ : œuvre conçue pour et dans un lieu précis.

• Hybridation : mélange de l’organique et du minéral.

• Illusion du vivant : technique qui consiste à donner une apparence animée à une matière inerte.

• Symbolisme : la figure féminine renvoie à la sagesse, au mythe et à la mémoire.

⸻

Références artistiques et culturelles

• Louise Bourgeois, Maman (1999) : une sculpture monumentale d’araignée qui, par sa taille et sa présence, crée une impression à la fois protectrice et inquiétante. Comme chez Bourgeois,ma figure transforme un élément en une présence vivante et symbolique.

• Grand-Mère Feuillage (l’arbre-oracle dans Pocahontas) : un arbre personnifié qui parle, raconte des légendes et guide les humains. Comme cet arbre, La Gardienne des voeux incarne une nature qui devient sage, féminine, et dotée d’une voix intérieure.

⸻

Conclusion

Avec La Gardienne des voeux, la frontière entre la pierre et le vivant est brouillée. L’installation propose une rencontre entre mythe et réalité, où la nature se fait mémoire et conseil. Le spectateur est invité à imaginer une légende et à questionner son rapport à la vie, à la mort, et aux récits que les lieux portent en eux.

⸻

Mes inspirations pour ce film sont :

Jeune fille à l'ombrelle, Monet : la représentation poétique de la Nature, les couleurs, les touches.

L'ange, Bokanowski : les expérimentations cinématographiques, la réalité transformée.

Un soir, alors que le soleil se couchait et que l’air devenait doré, une lueur apparut au-dessus d’elle. C’était une fée, vêtue d’une robe violette, dont les ailes scintillaient comme des éclats d’étoiles. Elle se posa doucement sur la branche. La petite fille la regardait avec émerveillement, sans oser parler.

La fée sourit et souffla une pluie de poussière lumineuse sur la branche. Alors, la branche vibra, frissonna, puis s’étira. De nouvelles ramures naquirent, des feuilles jaillirent comme des éclats de lumière verte, et peu à peu, la branche solitaire devint un arbre majestueux : un véritable olivier.

La petite fille, éblouie, voyait son terrain de jeu se transformer en un royaume enchanté. Désormais, elle ne se balançait plus seulement sous une branche, mais sous un arbre protecteur, immense et vivant, où chaque feuille brillait d’un éclat magique.

Et depuis ce jour, chaque fois qu’elle ferme les yeux sur sa balançoire, elle croit encore entendre le murmure de la fée, lui rappelant qu’avec un peu de rêve et d’imagination, une simple branche peut devenir un monde entier.

Je trouve qu’on peut avoir toute un génération dans ses yeux. Ce regard si profond qu’on arrive à déchiffrer même à travers un écran tellement il est puissant, une véritable souffrance mais à la fois une force inouïe !

Mes intentions étaient:

• de montrer que la vie n’est pas qu’intensité et vitesse mais aussi simplicité et calme, contrairement à ce que la société essaye de nous faire croire. Que tout n’est pas que performance, que les petites choses comptent tout autant.

• Qu’après avoir regardé ce court métrage les gens ce sentent heureux d’être en vie et qu’ils se rendent compte qu’être rapide ne mène à rien

Liens avec d’autres artistes:

• Claude Monet - La jeune fille à l’ombrelle (1886) par rapport au plans en extérieur et aux lumières vives qui représentent l’instant, modèles vêtus de blanc et de tissus larges et amples

• Gustave Courbet - Le désespéré (1843-1845) par rapport rapport à la représentation de la réalité et sans idéalisation avec certains plans comme celui de la fille allongée sur sont lit et des couleurs plus sombres

Mes inspirations sont :

Le film de Ridley Scott, sortie en 1979, ce film m’a inspiré pour le côté alien et la couleur verte du casque couleur dominante de ce film.

Le jeu vidéo fait par Hideo Kojima death Stranding, sortie en 2019, je poste apocalyptique, on suit Sam accompagné de son bébé. Son bébé fut mon inspiration pour créer le mien bébé abandonné par ses parents Sur une planète qu’il ne connaît pas Et enfermé dans un bocal comme mon bb dans son casque

Pour ce projet j'ai voulu représenter le vivant par un animal qui ne bouge pas de son plein gré, seul les courants font qu'elles se déplacent.

J'ai voulu m'inspirer de Duane Hanson pour le côté réaliste du projet et faire l'inverse de Louise Bourgeois, en faisant un animal à une échelle beaucoup plus petite que ce que ça devrait être.

"Frank l'inhumain" (titre de l'oeuvre) a été réalisé sur un médium de papier cartonné à échelle humaine (format 187 cm sur 50 cm environ), sur lesquel j'ai dessiné de façon réaliste son visage. De plus, pour le corps, j'ai crée du relief en utilisant de vrai habits que j'ai moi-même cousu sur le médium pour susciter une sensation de vivacité de l'oeuvre.

Mon projet est suspendu sur un arbre du lieu d'exposition (InSitu), par conséquent, suivant le point de vue du spectateur, les personnes peuvent s'imaginer qu'il tient debout. En plus, le vent aura la capacité de le faire légèrement bouger donc son corps sera en mouvement et accentuera la sensation de vivant.

Pour la production du projet j'ai pu m'inspirer de Louise BOURGEOIS et de son œuvre "Maman" pour l'échelle relativement grande de mon projet mais aussi d'inspiration de projet de couture dans des magasines tels que "Vogue" avec des marques comme "Dior", "Dolce et Gabbana" ou même "Versace".

Après plusieurs essais de projet j'ai enfin décidé de représenter celui-ci car il me semblait préfèrable pour ma part d'exploiter de nouveau médium (la couture) pour représenter le vivant car mon œuvre porte de vrai habits ce qui influence le réalisme du projet et l'idée de vivant.

C'est par le dessin sur très grand format (A2) et en utilisant des feutres très fins que j'ai réalisé mon projet pour le sujet "ça a l'air vivant".

Pour ce projet j'ai voulu représenter les cauchemars et les pensées négatives prenant vie pour venir hanter leur innovateur. En effet je me suis questionnée à savoir ce qu'il se passerait si nos pensées négatives prenaient bien vie. Viendraient-ils nous faire souffrir physiquement à défaut de ne plus pouvoir nous faire souffrir mentalement ?

De plus, j'ai non seulement personnifié ces faits de manière à leur donner vie mais j'ai aussi cherché à montrer une certaine vivacité de l'innovateur.

Mes intentions étaient donc que l'on puisse ressentir comme un appel à l'aide venant du personnage en question (ce qui ramène aux émotions/sentiments et donc, d'une certaine manière, au vivant) et par conséquent que le spectateur puisse peut être ressentir de la pitié envers toutes ces peurs/angoisses etc qu'aurait vécu ce personnage (ce fut, pour certains spectateurs, devenu presque un malaise).

Pour mener à bien ces intentions j'ai donc également élaboré un système afin qu'on ait l'impression que ce dessin nous suit du regard peu importe notre position. J'ai ainsi créé une illusion d'optique en manipulant les arrières plans (Même technique que pour l'ancienne animation 2D de Disney par exemple). J'ai aussi utilisé un très grand format et une taille réelle du personnage pour que le spectateur se sente un peu plus touché directement.

Liens avec d'autres artistes:

•Pour l'expression/émotion du personnage:

- Gustave COURBET, Le Désespéré

- Edvard MUNCH, Le Cri

•Pour le côté global de l'oeuvre qui représente l'angoisse/la folie..

- Francisco de GOYA

Au-dessus du bassin s’élève une porte construite à partir de bois et de végétation, ouvrant sur une forêt. Cette porte symbolise un passage vers l’infini et relie l’imaginaire au monde naturel.

L’installation, placée en extérieur, interagit directement avec son environnement : la lumière, le vent, et le temps qui passe modifient son apparence et rappellent le cycle du vivant. L’usage de matériaux vivants et éphémères rend l’œuvre sensible à la dégradation, comme dans L’Arbre des voyelles de Giuseppe Penone. Elle dialogue également avec La Jeune fille à l’ombrelle de Monet par la mise en valeur de la nature et du rapport direct au sensible. Elle peut aussi être rapprochée de Spiral Jetty de Robert Smithson, une œuvre de land art qui, comme mon projet, évolue et se transforme au rythme de la nature et du temps.

Découverte d'un espèce mystérieuse

Voici mon court métrage à but humoristique au sujet de l'apparition d'une mystérieuse nouvelle espèce dans le rocher de la cantine du lycée.

J'ai voulu représenter le vivant par l'idée singulière d'utiliser une créature nouvelle et de faux articles de science à son sujet afin de faire rire/sourire le spectateur. J'ai renforcé cette envie de faire sourire par le texte des articles, le nom du "miguelito", les effets sonores et mon jeu théâtral.

Les articles montrent aussi la peur des humains face à la découverte de cette nouvelle espèce, l'homme a peur du vivant et de l'inconnu.

Pour ce court métrage, j'ai utilisé la peinture et le collage pour créer le "miguelito", le montage audio et vidéo et j'ai travaillé le design pour créer les unes de presse.

Lien avec d'autres artistes:

-Labourage nivernais, de Rosa Bonheur,1849 car comme le début de ma vidéo, elle représente la vie en mouvement dans son espace naturel.

- métro Réaumur Sébastopol, de Hector Guimard, 1867-1942 pour la création d'un nouvel être vivant dans un espace de vie défini.

Il y a aussi un lien avec le programme d'hggsp sur la manière de traiter les informations dans les journaux.

poussiéreux et marron terre. Ces couleurs traduisent l’usure, la dégradation et le passage du temps, tandis que les feuilles disposées autour rappellent l’automne et le cycle des saisons.

La chaise n’est plus seulement un objet fonctionnel : abandonnée, elle devient le témoin d’une absence. Peu à peu, le vivant s’y réinstalle. La nature, symbolisée par les feuilles et les nuances verdâtres, reprend ses droits, transformant un objet usé en support de renaissance.

L’œuvre exprime ainsi la fragilité des créations humaines face au cycle de la vie et de la nature, où toute disparition porte déjà en elle une forme de renouveau.

Mes références artistiques sont Doris Salceso, qui utilise des chaises et des meubles comme symboles de mémoire et d’absence, et avec celui d’Andy Goldsworthy, artiste du Land Art qui crée avec la nature et laisse ses œuvres se transformer ou disparaître. Comme chez eux, la chaise abandonnée devient ici une métaphore du temps, de l’oubli et du cycle de la vie.

pour représenter le vivant, j’ai décidé de créer un cœur afin de faire vivre le caillou

Explication de mon projet :

The Other Woman

Mon projet s’intitule The Other Woman. Il s’inspire de l’univers sombre et poétique du film : « Les Noces Funèbres » de Tim Burton, connu pour son esthétique gothique et mélancolique qui mêle la mort, l’amour et la beauté du macabre.

À travers ce projet, j’ai voulu évoquer la mort, non pas comme une fin, mais comme une transformation, un passage entre deux mondes.

J’ai choisi d’utiliser comme matériaux principaux des os et du polystyrène, deux éléments opposés qui symbolisent la dualité entre la fragilité de la vie et la rigidité de la mort.

L’os représente la trace du vivant, ce qu’il reste après le temps, tandis que le polystyrène, plus artificiel, évoque le monde des illusions et du rêve, un univers souvent présent dans les œuvres de Tim Burton.

Mon intention est de créer une atmosphère à la fois inquiétante et poétique, où la mort devient un motif esthétique, presque romantique. Les formes organiques du projet rappellent les sculptures animées de Les Noces Funèbres, où la frontière entre les vivants et les morts s’efface dans une danse symbolique.

Ce travail s’inscrit aussi dans une réflexion sur le corps et l’âme, sur ce qu’il reste de l’être après sa disparition. Le choix des couleurs, des textures et des matériaux que j’ai utilisée cherche à montrer la beauté cachée dans ce qui semble morbide, à transformer la mort en une œuvre d’art.

Je me suis inspirée du style de Tim Burton pour son univers gothique et sa manière de donner vie à ce qui semble inanimé. Comme dans Les Noces Funèbres, la mort y devient presque vivante, porteuse d’émotion, de nostalgie et d’amour.

Ainsi, ma sculpture : The Other Woman, est la réalisation qui mêle matières naturelles et artificielles, réalité et imagination, mort et beauté, pour inviter le spectateur à réfléchir sur la frontière fragile entre le monde et sur la puissance poétique de l’au-delà.

Artiste : Leelou Bouvard

Date : 2025

Matériaux : Hibou en laine feutrée, bois, paille, corde, lierre naturel

Dimensions : environ 20 × 15 cm

Technique : Assemblage et mise en scène

Thème : « Ça a l’air vivant »

Pour répondre au thème « Ça a l’air vivant », j’ai créé une petite scène naturelle autour d’un hibou en laine feutrée que j’ai acheté. Je l’ai installé dans une cabane en bois, avec de la paille et du lierre pour rappeler un vrai habitat. J’ai voulu que l’ensemble donne l’impression qu’un vrai hibou s’est posé dans l’arbre. Cette mise en scène joue sur l’illusion du vivant et montre comment des éléments simples peuvent donner de la vie à un objet inanimé.

Le prénom du pianiste est un jeu de mot entre caribou et le grand pianiste Porkofiev

Mes intentions étaient :

• De donner vie à cette animale en plastique de façon singulière grâce à une animation musicale et visuelle

• De faire rire en synchronisant les images par rapport aux notes

• De montrer un morceau de piano que j’apprécie et de la parodier

Liens avec d’autres artistes :

• « Take on me » - a-ah (clip)         https://m.youtube.com/watch?v=djV11Xbc914&list=RDdjV11Xbc914&start_radio=1&pp=ygUKdGFrZSBvbiBtZaAHAQ%3D%3D

• « Carmen » - Stromae (clip)

https://m.youtube.com/watch?v=UKftOH54iNU&list=RDUKftOH54iNU&start_radio=1&pp=ygUOY2FybWVuIHN0cm9tYWWgBwE%3D

Kélia Dieryckx et Mathis Fourcade

Le prénom du pianiste est un jeu de mot entre caribou et le grand pianiste Porkofiev

Mes intentions étaient :

• De donner vie à cette animale en plastique de façon singulière grâce à une animation musicale et visuelle

• De faire rire en synchronisant les images par rapport aux notes

• De montrer un morceau de piano que j’apprécie et de la parodier

Liens avec d’autres artistes :

• « Take on me » - a-ah (clip)         https://m.youtube.com/watch?v=djV11Xbc914&list=RDdjV11Xbc914&start_radio=1&pp=ygUKdGFrZSBvbiBtZaAHAQ%3D%3D

• « Carmen » - Stromae (clip)

https://m.youtube.com/watch?v=UKftOH54iNU&list=RDUKftOH54iNU&start_radio=1&pp=ygUOY2FybWVuIHN0cm9tYWWgBwE%3D

Kelia Dieryckx et Mathis Fourcade

Le prénom du pianiste est un jeu de mot entre caribou et le grand pianiste Porkofiev

Mes intentions étaient :

• De donner vie à cette animale en plastique de façon singulière grâce à une animation musicale et visuelle

• De faire rire en synchronisant les images par rapport aux notes

• De montrer un morceau de piano que j’apprécie et de la parodier

Liens avec d’autres artistes :

• « Take on me » - a-ah (clip)         https://m.youtube.com/watch?v=djV11Xbc914&list=RDdjV11Xbc914&start_radio=1&pp=ygUKdGFrZSBvbiBtZaAHAQ%3D%3D

• « Carmen » - Stromae (clip)

https://m.youtube.com/watch?v=UKftOH54iNU&list=RDUKftOH54iNU&start_radio=1&pp=ygUOY2FybWVuIHN0cm9tYWWgBwE%3D

Kelia Dieryckx et Mathis Fourcade

Thème de travail :

Donner l’impression du vivant

⸻

Nature de l’œuvre :

Vidéo numérique et montage visuel et sonore mêlant images animées, bruitages, effets lumineux et travail sur le rythme pour évoquer la présence d’une licorne ailée née de l’imaginaire d’une enfant.

⸻

Intention artistique :

À travers ce projet, j’ai voulu donner l’impression du vivant en recréant, par des moyens numériques, la présence sensible d’un être disparu.

Mon œuvre s’inspire de mon texte poétique, dans lequel une petite fille ayant perdu son cheval le retrouve dans ses rêves sous la forme d’une licorne ailée.

La licorne symbolise la vie qui persiste au-delà de la perte, le souvenir qui respire encore.

Mon intention n’était pas de montrer une transformation visible du cheval en licorne, mais de faire ressentir cette métamorphose intérieure à travers la respiration des images, la vibration de la lumière, et la musicalité du son.

J’ai cherché à créer une œuvre vivante, non pas parce qu’elle bouge comme un corps, mais parce qu’elle évoque une émotion réelle, une présence presque palpable.

⸻

Analyse plastique et technique :

🎞️ Le médium numérique :

Le choix de la vidéo numérique m’a permis de donner vie à l’immatériel.

Grâce au montage, aux effets d’animation et de superposition, j’ai pu construire un univers visuel où le mouvement est subtil, organique, et continu.

💨 Le mouvement et le rythme :

Les mouvements lents et fluides évoquent la respiration, la douceur du vivant.

Les fondus progressifs traduisent la continuité entre le réel et l’imaginaire.

Le rythme du montage a été pensé comme un battement — une pulsation vitale — pour donner à l’image une présence presque organique.

🔊 Le son et le bruitage :

Le travail sonore est essentiel dans cette impression du vivant.

Les bruitages naturels (vent, battement d’ailes, souffle léger, hennissement lointain) et la musique éthérée créent une ambiance sensorielle immersive.

Le son agit comme une matière vivante : il donne une dimension émotionnelle, il enveloppe, il respire.

💡 La lumière et la couleur :

Les teintes claires et iridescentes symbolisent la pureté et le monde du rêve.

Les variations de lumière créent une pulsation visuelle, comparable à un battement de cœur.

La lumière devient une énergie vitale, suggérant que la licorne, bien que virtuelle, existe par sa lumière.

👁️ Le point de vue et la perception :

Le spectateur découvre l’animal à travers le regard de la fillette.

La caméra, le cadrage et la lenteur de l’image traduisent une émotion intérieure plutôt qu’une action.

Ainsi, le vivant n’est pas représenté, il est ressenti — à travers le souffle, la lumière, le son et le rythme.

⸻

Sens et interprétation :

Donner l’impression du vivant, pour moi, c’est faire ressentir la présence d’une âme, d’une émotion, d’un souffle.

La licorne devient ici le reflet d’un souvenir animé par le rêve : un être disparu qui continue d’exister autrement, dans un espace entre le réel et l’imaginaire.

Mon œuvre parle de la persistance de la vie dans l’absence, de la mémoire comme forme de vitalité.

Elle questionne la frontière entre vivant et virtuel, entre corps et lumière, entre matière et émotion.

⸻

Mise en relation avec des artistes :

• Bill Viola : pour son usage du ralenti, de la lumière et du silence qui donne une impression de vie intérieure et de respiration du temps.

• Pipilotti Rist : pour ses vidéos immersives et poétiques, où la couleur et la fluidité visuelle créent une expérience sensorielle vivante.

• Refik Anadol : pour son travail numérique qui transforme les données en matière organique lumineuse, donnant une vie artificielle à des éléments abstraits.

Comme eux, j’utilise le langage numérique et l’animation visuelle pour créer une présence émotionnelle — une forme de vie née du son, du mouvement et de la lumière.

⸻

Conclusion :

À travers “Là où les rêves ont des ailes”, j’ai voulu donner l’impression du vivant en explorant la capacité du numérique à animer l’invisible.

L’œuvre ne montre pas la vie, elle la suggère : par le rythme, la lumière et la respiration du son.

La licorne, née du rêve, devient ainsi une métaphore du vivant : fragile, lumineuse, et éternelle dans la mémoire.

Nature de l’œuvre :

Vidéo numérique et montage visuel et sonore mêlant images animées, bruitages, effets lumineux et travail sur le rythme pour évoquer la présence d’une licorne ailée née de l’imaginaire d’une enfant.

⸻

Intention artistique :

À travers ce projet, j’ai voulu donner l’impression du vivant en recréant, par des moyens numériques, la présence sensible d’un être disparu.

Mon œuvre s’inspire de mon texte poétique, dans lequel une petite fille ayant perdu son cheval le retrouve dans ses rêves sous la forme d’une licorne ailée.

La licorne symbolise la vie qui persiste au-delà de la perte, le souvenir qui respire encore.

Mon intention n’était pas de montrer une transformation visible du cheval en licorne, mais de faire ressentir cette métamorphose intérieure à travers la respiration des images, la vibration de la lumière, et la musicalité du son.

J’ai cherché à créer une œuvre vivante, non pas parce qu’elle bouge comme un corps, mais parce qu’elle évoque une émotion réelle, une présence presque palpable.

⸻

Analyse plastique et technique :

🎞️ Le médium numérique :

Le choix de la vidéo numérique m’a permis de donner vie à l’immatériel.

Grâce au montage, aux effets d’animation et de superposition, j’ai pu construire un univers visuel où le mouvement est subtil, organique, et continu.

💨 Le mouvement et le rythme :

Les mouvements lents et fluides évoquent la respiration, la douceur du vivant.

Les fondus progressifs traduisent la continuité entre le réel et l’imaginaire.

Le rythme du montage a été pensé comme un battement — une pulsation vitale — pour donner à l’image une présence presque organique.

🔊 Le son et le bruitage :

Le travail sonore est essentiel dans cette impression du vivant.

Les bruitages naturels (vent, battement d’ailes, souffle léger, hennissement lointain) et la musique éthérée créent une ambiance sensorielle immersive.

Le son agit comme une matière vivante : il donne une dimension émotionnelle, il enveloppe, il respire.

💡 La lumière et la couleur :

Les teintes sombre et iridescentes symbolisent la pureté et le monde du rêve.

Les variations de lumière créent une pulsation visuelle, comparable à un battement de cœur.

La lumière devient une énergie vitale, suggérant que la licorne, bien que virtuelle, existe par sa lumière.

👁️ Le point de vue et la perception :

Le spectateur découvre l’animal à travers le regard de la fillette.

La caméra, le cadrage et la lenteur de l’image traduisent une émotion intérieure plutôt qu’une action. Point de vue subjectif.

Ainsi, le vivant n’est pas représenté, il est ressenti — à travers le souffle, la lumière, le son et le rythme.

⸻

Sens et interprétation :

Donner l’impression du vivant, pour moi, c’est faire ressentir la présence d’une âme, d’une émotion, d’un souffle.

La licorne devient ici le reflet d’un souvenir animé par le rêve : un être disparu qui continue d’exister autrement, dans un espace entre le réel et l’imaginaire.

Mon œuvre parle de la persistance de la vie dans l’absence, de la mémoire comme forme de vitalité.

Elle questionne la frontière entre vivant et virtuel, entre corps et lumière, entre matière et émotion.

⸻

Mise en relation avec des artistes :

• Bill Viola : pour son usage du ralenti, de la lumière et du silence qui donne une impression de vie intérieure et de respiration du temps.

• Pipilotti Rist : pour ses vidéos immersives et poétiques, où la couleur et la fluidité visuelle créent une expérience sensorielle vivante.

• Refik Anadol : pour son travail numérique qui transforme les données en matière organique lumineuse, donnant une vie artificielle à des éléments abstraits.

Comme eux, j’utilise le langage numérique et l’animation visuelle pour créer une présence émotionnelle — une forme de vie née du son, du mouvement et de la lumière.

⸻

Conclusion :

À travers “Là où les rêves ont des ailes”, j’ai voulu donner l’impression du vivant en explorant la capacité du numérique à animer l’invisible.

L’œuvre ne montre pas la vie, elle la suggère : par le rythme, la lumière et la respiration du son.

La licorne, née du rêve, devient ainsi une métaphore du vivant : fragile, lumineuse, et éternelle dans la mémoire.

Vidéo qui vise à sensibiliser contre la chasse intensive et ses conséquences

Réalisé avec les applications : CapCut , background ereaser et picsart.

Pour réaliser les photos nous avons supprimé les fond des photos et ensuite inséré les animaux détourés sur les scène de chasse.

À travers cette œuvre, on a voulu montrer la puissance destructrice de la nature et la fragilité de la vie face au temps.

À travers cette œuvre, on a voulu montrer la puissance destructrice de la nature et la fragilité de la vie face au temps.

Cette œuvre explore la frontière entre objet et vivant, animation et identité, et s’inspire du surréalisme de René Magritte, notamment de son tableau La trahison des images (1929), qui transforme un objet ordinaire en énigme visuelle et poétique, provoquant un décalage entre familiarité et étrangeté.

Nous avons représenté le vivant avec notre tortue en plastique grâce:

- À la modification de la colorimétrie pour qu'elle soit plus chaude

- Au son représentatif des animaux autour et du mouvement de la mer

- À la vitesse et au rapprochement entre chaques images

- Au thème de la ponte de la tortue qui crée la vie.

Nous avons aussi répondu à des questions de pratique:

- Utiliser le bac à sable de saut en longueur du lycée

- Filmer au format portrait afin que les oeufs aient une taille proportionnelle à celle de la tortue et que le spectateur ne se focalise que sur elle.

Montaine et Mathis

Artiste en liens :

•Julian Voss Andreae

- cache ses œuvres par des points de vus

•Liu Bolin

- se camoufle dans l’arrière plan

Artiste en liens :

•Julian Voss Andreae

- cache ses œuvres par des points de vus

•Liu Bolin

- se camoufle dans l’arrière plan

Pour rendre notre projet plus crédible nous avons utilisé un montage dynamique. Le net et le flou pour mettre en avant la menace que représente le crocodile.

Les plans en plongé nous montre la scène dans son ensemble.

Nous avons aussi mélangé des plans réal pris dans des documentaires et nos propres plans pour que l’on puisse mieux imaginé la scène .

La scène d’attaque est un plan de l’ombre une fin in explicite.

La scène final montre un corbeau qui prend son envole corbeau que l’on avait déjà vue allégorie de la mort,la lionne a perdu son combats et le crocodile ,notre animal principal, lui vivra.

Nos inspiration sont :

Les génériques d’americain horror story surtout celui de la saison 3

Et les documentaires animaliers

Notre idée était de sensibiliser à la chasse et au braconnage, en montrant que les animaux méritent d’être protégés plutôt que tués. Nous avons utilisé des figurines d’animaux (lions, girafes, etc.) pour représenter les victimes de la chasse. À côté d’eux, nous avons ajouté des chasseurs, mais en remplaçant leurs têtes par les nôtres, grâce au photo montage. Ce choix symbolise le fait que l’être humain est directement responsable de la disparition de certaines espèces, et qu’il doit prendre conscience de ses actes. Le message est clair les animaux, eux aussi, devraient pouvoir « vivre » et ne pas être réduits à de simples trophées.

Notre vidéo ne dénonce pas une personne en particulier, mais cherche à faire réfléchir sur la place de l’homme dans la nature et sur le respect du vivant.

Notre idée était de sensibiliser à la chasse et au braconnage, en montrant que les animaux méritent d’être protégés plutôt que tués. Nous avons utilisé des figurines d’animaux (lions, girafes, etc.) pour représenter les victimes de la chasse. À côté d’eux, nous avons ajouté des chasseurs, mais en remplaçant leurs têtes par les nôtres, grâce au photo montage. Ce choix symbolise le fait que l’être humain est directement responsable de la disparition de certaines espèces, et qu’il doit prendre conscience de ses actes. Le message est clair les animaux, eux aussi, devraient pouvoir « vivre » et ne pas être réduits à de simples trophées.

Notre vidéo ne dénonce pas une personne en particulier, mais cherche à faire réfléchir sur la place de l’homme dans la nature et sur le respect du vivant.

Tout a commencé dans le silence.

Un matin banal, le lycée encore endormi.

Et puis, il est apparu.

Un gorille immense, couvert de sang, sur le toit du bâtiment principal.

Au début, personne ne bougeait.

On le regardait, figés, comme une erreur dans le décor.

Puis il a bougé. Lentement. Trop lentement.

Chaque pas résonnait. Le sol vibrait. Le vent frappait tout autour. Les arbres semblaient retenir leur souffle.

Et soudain… tout a craqué.

Les vitres éclatèrent, les murs se fendillent, le plafond menace de tomber.

Chaque pas du gorille faisait trembler le monde.

Et il avançait. Toujours…

Tout a commencé dans le silence. Un matin banal, le lycée encore endormi. Et puis, il est apparu. Un gorille immense, couvert de sang, sur le toit du bâtiment principal.

Au début, personne ne bougeait. On le regardait, figés, comme une erreur dans le décor.

Puis il a bougé. Lentement. Trop lentement. Chaque pas résonnait. Le sol vibrait. Le vent frappait tout autour. Les arbres semblaient retenir leur souffle.

Et soudain... Tout a craqué. Les vitres éclatèrent, les murs se fendille tu, le plafond menace de tomber. Les cris explosèrent. La panique se répandit comme un feu. On courait, on trébuchait, on hurlait. Chaque pas du gorille faisait trembler le monde. Et il avançait. Toujours.

Tout a commencé dans le silence. Un matin banal, le lycée encore endormi. Et puis, il est apparu. Un gorille immense, couvert de sang, sur le toit du bâtiment principal.

Au début, personne ne bougeait. On le regardait, figés, comme une erreur dans le décor.

Puis il a bougé. Lentement. Trop lentement. Chaque pas résonnait. Le sol vibrait. Le vent frappait tout autour. Les arbres semblaient retenir leur souffle.

Et soudain... Tout a craqué. Les vitres éclatèrent, les murs se fendille tu, le plafond menace de tomber. Les cris explosèrent. La panique se répandit comme un feu. On courait, on trébuchait, on hurlait. Chaque pas du gorille faisait trembler le monde. Et il avançait. Toujours.

Claude Monet

Essai de figure en plein-air : Femme à l'ombrelle tournée vers la gauche 1886 huile sur toile H. 131,0 ; L. 88,7 cm.

Réseaux sociaux

"Performance artistique" filmée

Créer des débats face au mystère de comment a marché cette machine à découper