Autor: Gian Lorenzo Bernini 

Fecha: Fue creada entre los años 1622 y 1625

Localización: Se encuentra en la Galería Borghese (Roma)

Estilo: Barroco

Descripción: Aparecen Apolo y Dafne. Esta escultura es de temática mitológica, ya que representa a Apolo, una de las principales divinidades olímpicas greco-romanas, persiguiendo a la ninfa Dafne, que intenta escapar y, tras invocar a su padre, se transforma en laurel para que el Dios no la pueda tomar como esposa.

Historia: Cuenta el mito de Apolo y Dafne que Apolo se burló de Eros.

 Eros molesto por la arrogancia de Apolo ideó vengarse de él,  y para ello le arrojó una flecha de oro, que causaba un amor inmediato a quien hiriese. Otro disparo hirió a la Ninfa Dafne con una flecha de plomo, que causaba el rechazo amoroso. Así que cuando Apolo vio un día a Dafne se sintió herido de amor y se lanzó en su persecución. Pero Dafne, que sufría el efecto contrario, huyó de él. Y la dríade corrió y corrió hasta que agotada pidió ayuda a su padre, el río Ladón, y a su madre la diosa Gea quienes determinaron convertir a Dafne en laurel. Cuando Apolo alcanzó a Dafne, ésta iniciaba la transformación: su cuerpo se cubrió de dura corteza, sus pies fueron raíces que atravesaron  el suelo y su cabello se llenó de hojas. Apolo se abrazó al árbol y se echó a llorar. Y dijo: «Puesto que no puedes ser mi mujer, serás mi árbol predilecto y tus hojas, siempre verdes, coronarán las cabezas de las personas en señal de victoria».

Composición: Es una composición abierta,  una figura tridimensional que permite la visión espacial de todos los ángulos de la escultura, con una gran línea diagonal que otorga a la escultura un gran movimiento y dinamismo a todo el conjunto, especialmente en los ropajes ondeados y en el cabello de Dafne. La posición cercana de los personajes otorga a la obra estabilidad.

Autor: Diego Velázquez.

Fecha: 1618, el siglo de oro.

Localización: Galería Nacional de Escocia.

Descripción: Se muestra a una señora de avanzada edad que está en un bodegón en el momento de freír unos huevos en una cazuela de barro vidriado sobre un hornillo, revolviendo el aceite con una cuchara de madera a la vez que se dispone a cascar otro huevo. La vieja levanta la mirada con expresión de ceguera hacia un muchacho que lleva un frasco de vino y un melón. 

Luz: Tenebrista ya que hace un gran contraste de sombras y luces, dándole un toque característico del barroco. Los objetos de la naturaleza muerta (melón, cebolla…) parecen muy naturales debido al virtuosismo en el que el pintor pintó brillos, cualidades y texturas opuestas (rugosas, como el melón y la cuchara y pulidas en el huevo y el cristal).

Composición: Sencilla, de muy pocos personajes aunque bien conseguida. El punto de vista es elevado. Además, la luz conecta objetos en planos entrecruzados.

Estilo: Barroco.

Técnica: Óleo sobre lienzo.

Autor: Michelangelo Merisi da Caravaggio

Fecha: 1598

Localización: Galería Uffizi, Florencia

Estilo: Barroco

Descripción: Esta pintura consta de un solo personaje, que como indica su nombre, es Baco, un joven dios con una túnica blanca que nos ofrece una copa de vino. Baco es el dios romano del vino, la borrachera y la fertilidad. En las pinturas, este dios sale siempre borracho, ya que pretenden simbolizar que el vino es un alimento de alegría y prosperidad. Además, las fiestas que se hacían eran llamadas bacanales, refiriéndose al dios. Es un símbolo de la belleza, mostrándonos parte de su torso y su brazo derecho. Esta pintura trata de una celebración. Tiene una composición piramidal, ya que va disminuyendo de tamaño al ir subiendo. Como podemos apreciar, tiene un rayo de luz que viene de la izquierda, debido a las sombras de las frutas y el propio Baco. Tiene un fondo de color negro. En cuanto a los colores, no tiene colores planos, sino que Caravaggio ha mezclado distintas pinturas para llegar a diferentes tonos de colores.  Un buen ejemplo es la corona de hojas que lleva el joven dios, podemos ver como alguna hoja tiene un tono distinto del color verde, no se repite. También se puede ver en el cuenco con fruta.

La obra está compuesta por una sola

figura, la jóven. Tal realce se debe a 

un contraste entre un fondo muy 

oscuro y lo que se puede ver del

 cuerpo vestido de la muchacha; es 

decir, hay un tenebrismo que en este caso resulta casi caravaggiano, aunque sin las actitudes dramáticas del estilo, y se mantiene la típica y cristalina tranquilidad que caracteriza a la mayor parte de las obras de Vermeer de Delft. Es una de las piezas más representativas del barroco flamenco. La joven de la perla ganó gran notoriedad gracias a su belleza expresiva y su perfección técnica. El cuerpo aparece totalmente de perfil, mientras su cabeza se ladea suavemente en medio perfil, orientando la mirada al espectador. La luz de la obra se enfoca en el rostro de la joven. La paleta de colores de Vermeer en esta pintura por primera vez: rojo (bermellón elaborado con cochinilla), amarillo y marrón (pigmentos de tierra), azul (ultramar e índigo), negro (carbón y hueso negro) y blanco (dos tipos de blanco de plomo). El fondo es negro y tiene colgando en forma de pendiente una perla. 

Autor: Caravaggio 

Periodo de realización: 1596-1598
Información:

Está realizado al óleo sobre lienzo y tiene unas dimensiones de 98 centímetros de alto por 84 de ancho. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia, Italia.

Baco fue pintado poco después de que Caravaggio se uniera a la casa de su primer patrón importante, el cardenal Del Monte, y refleja los intereses humanistas del cultivado círculo del cardenal.
Parece que el cardenal lo encargó para regalarlo a Fernando I de Médici con ocasión de las celebraciones de las bodas del hijo Cosme II. La imagen aludiría irónicamente a la conocida frugalidad del Gran Duque, que era incluso abstemio.

La pintura representa a un joven dios Baco, reclinado a la manera clásica con uvas y hojas de parra en el pelo, manoseando el cordel de la floja toga que le cubre. Sobre una mesa de piedra enfrente de él hay un cuenco de fruta y una jarra grande de cristal con vino tinto; con su mano izquierda ofrece al espectador un cáliz o copa de vino llana y ancha, aparentemente invitando al espectador a unirse a él.
El vino se ha servido hace poco, como indican la espumilla en la jarra, mientras que Baco sostiene en la mano el cáliz con poca seguridad como muestran las vibraciones; las mejillas, como las manos, están sonrojadas y contrastan con la palidez de la piel, indicando un estado de ligera ebriedad.

Autor: Leonardo Da Vinci

Fecha:1501

Localización: Colección Privada, New York, Estados Unidos

Hola,  nosotros somos Fran y Clara, bueno en este caso la virgen y su hijo y hoy os vamos a explicar un famoso cuadro de Leonardo Da Vinci. Se llama La Virgen de la Rueca y fue pintada con una técnica llamada óleo sobre lienzo en 1501. Esta pintura es de estilo Renacentista y es bastante pequeña la imagen, mide 50.2 cm x 36.4 cm.

Al menos hay tres versiones de este cuadro, en las tres en colecciones privadas de varios países. Una llamada "Virgen Landsowne" ,en honor a su anterior propietario y se encuentra ahora en Nueva York, perteneciendo  al magnate y coleccionista Carlos Slim. También, este cuadro perteneció al Duque de Buccleuch, quien la mantuvo en préstamo de la Galería Nacional de Escocia. La tenía colgada en su casa, en el castillo de Drumlanrig, hasta que  fue robada por ladrones que se hicieron pasar por turistas.

Esta imagen representa a la Virgen María con el Niño Jesús, que mira con nostalgia a una rueca que la Virgen está usando para hacer hilo,esta sirve como un símbolo tanto del carácter doméstico de María como de la Cruz en la que Cristo fue crucificado, y quizá también recuerda a las Moiraso Parcas, representadas tradicionalmente en la mitología como hilanderas.

Autor: El Greco

Fecha: 1580 aproximadamente

Localización: Museo del Prado

Breve descripción (A quién representa, como lo representa, como es la luz, y la composición): 

Este retrato representa al caballero cristiano, su posición y sus ideales además de la fisonomía del hombre.

 Se representa en el momento de hacer un voto. Indica no solo pio respeto, sino también una​ declaración de intenciones que es mantenida como cuestión, esto lo demostró Márquez Villanueva.

Es una obra en la que la luz se refleja tenuemente sobre el rostro del individuo, contrastado con colores oscuros y resaltando su parte humana gracias a una luz cenital (Luz que entra por una una abertura en el techo)

Está compuesta por óleo y lienzo, tiene una estructura piramidal que centra la atención en la cara, la mano y la espada. 

Autor: Rafael Sanzio 

Fecha: desde 1508 hasta 1517 

Localización: Museo nacional del prado 

Estilo: Renacimiento 

Descripción: El cuadro representa a un cardenal, seguramente miembro de la corte papal de Julio II. No ha sido identificado con seguridad, a pesar de la numerosas suposiciones de los estudiosos, que han visto en él a Bernardo Dovizi da Bibbiena, Innocenzo Cybo, Francesco Alidosi, Scaramuccia Trivulzio, Alejandro Farnesio, Bandinello Sauli, Ippolito d'Este, Silvio Passerini, Antonio Ciocchi, Matthäus Schiner o Luis de Aragón. El mismo personaje aparece también en La disputa del Sacramento, del mismo autor. 

Personajes: Cardenal 

Historia: Este cardenal tiene el nombre de Francesco Alidosi, Fue pintado durante el papado de Julio II, El retrato muestra media cuerpo, vestido con la ropa de cardenal de color rojo, está representada con realismo 

Composición: No Tiene 

Luz: La iluminación consiste en una gran representación de una luz que acaba representado en el rostro de este card

Alrrededor del año 1650.

Actualmente se encuentra en el Museo del Prado en Madrid.

Es de estilo barroco.

Es un óleo realizado sobre lienzo hacia 1650. Sus dimensiones son de 144x188cm. Aparece San José, el niño Jesús y la virgen María. Lo compró en 1744 Doña Isabel de Farnesio aunque ahora se encuentra en el Museo del Prado.

En este se representan valores como la generosidad, la discreción y la abnegación. Todo el cuadro, además, constituye un canto al trabajo y a la vida familiar y, en ese sentido, también enlaza con importantes corrientes de la religiosidad contemporánea.

-Autor: Domenico Ghirlandaio

-Fecha: 1489–1490

-Localización: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

-Descripción: 

*La pintura retrata a Giovanna degli Albizzi, una mujer de la nobleza florentina que se casó con Lorenzo Tornabuoni. Murió dando a luz en 1488, año de la pintura. Ha sido identificada gracias a otros retratos en la Capilla Tornabuoni, donde ella tiene el mismo peinado.

*Representa a una mujer joven de lado, llevando preciosas ropas, incluyendo una gamurra. A la derecha, detrás de ella, está colgado un collar de coral (quizás un rosario), un libro parcialmente cerrado y una inscripción latina, tomada de un epigrama del poeta del siglo I d.C. Marco Valerio Marcial.

*La luz se reparte igual por toda la obra.

*La modelo, de estricto perfil y busto, está retratada con los brazos en reposo y las manos juntas. Al fondo, en un sencillo marco arquitectónico, aparecen algunos de sus objetos personales. A la derecha, un cartellino con un fragmento de un epigrama de Marcial lleva inscrita en números romanos la fecha de su muerte.

Fecha: 1515

Localización: Galería Palatina

Breve descripción: la obra muestra el pleno dominio del color y de la luz que Rafael había obtenido apenas cumplidos los treinta años. En este periodo Rafael evita en los retratos los fuertes contrastes cromáticos para profundizar en los medios tonos y en la sutileza de las gamas oscuras. Es la luz la que cobra protagonismo y, reflejada en los tejidos de los personajes, ilumina y vivifica las composiciones. Ya en el retrato de Baltasar de Castiglione, pintado prácticamente al tiempo que la Velada, había dejado una nota única de color: los ojos azules del autor de El Cortesano. Con este cuadro comparte rasgos estilísticos, como la mencionada austeridad del colorido, un encuadre más cercano de lo habitual con las manos recortadas y una mirada de frente hacia el espectador que coloca en igualdad al retratado.

Existe un contraste notable entre la serenidad del rostro y las agitadas ondulaciones de los ropajes, aplicados con gruesas pinceladas para destacar la incidencia de la luz en las telas con relación a la suavidad de las canciones.

La mujer de la pintura aparece en otro retrato, La Fornarina, y fue tradicionalmente identificada como la fornarina (hija del panadero) Margherita Luti, amante de Rafael; sin embargo esta identificación no ha podido ser demostrada.

Fecha: 1510

Localización: Museo del Prado

Breve descripción: Es un retrato de composición sobria pero muy meditada. El retratado se muestra de medio cuerpo, con sus ropas de cardenal representadas minuciosamente, con gran realismo, en particular la seda de la muceta, con brillos tornasolados. La posición del brazo, como apoyado en el reposabrazos de un sillón que no se ve, da mayor solidez al diseño: el blanco del tejido subraya el rojo de la seda, y la mano avanza hacia el espectador en escorzo, ayudando al efecto de profundidad. El rostro muestra una personalidad reflexiva y reservada, con una gran seguridad en sí mismo; «la mirada resulta un tanto profunda y, a pesar de la dureza que intenta transmitir, posee ciertos rasgos afables».1​ Se detectan retoques en la posición de los ojos; rayos X han desvelado que el cabello era inicialmente más largo y que Rafael lo modificó. El color predominante es el rojo del vestido que destaca sobre fondo oscuro, casi negro. Del mismo color es el birrete de cardenal.  

Autor : Leonardo da Vinci

Estilo : Renacimiento

Su nombre, La Gioconda deriva de la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo, que realmente se llamaba Lisa Gherardini, de donde viene su otro nombre: Monna  Lisa. El Museo del Louvre acepta el título completo indicado al principio como el título original de la obra, aunque no reconoce la identidad de la modelo y tan solo la acepta como una hipótesis. Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 × 53 cm, pintado entre 1503 y 1519, y retocado varias veces por el autor. Se considera el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy característica de Leonardo, si bien actualmente su colorido original es menos perceptible por el oscurecimiento de los barnices. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado a temperatura estable para su preservación óptima.Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.

Artista: Johannes Vermeer

Ubicación: Mauritshuis

Período: Siglo de Oro neerlandés

Técnica: Óleo sobre tela

Fecha de creación: 1665

Autor: Rafael Sanzio 

Fecha: desde 1508 hasta 1517 

Localización: Museo nacional del prado 

Estilo: Renacimiento 

Descripción: El cuadro representa a un cardenal, seguramente miembro de la corte papal de Julio II. No ha sido identificado con seguridad, a pesar de la numerosas suposiciones de los estudiosos, que han visto en él a Bernardo Dovizi da Bibbiena, Innocenzo Cybo, Francesco Alidosi, Scaramuccia Trivulzio, Alejandro Farnesio, Bandinello Sauli, Ippolito d'Este, Silvio Passerini, Antonio Ciocchi, Matthäus Schiner o Luis de Aragón. El mismo personaje aparece también en La disputa del Sacramento, del mismo autor. 

Personajes: Cardenal 

Historia: Este cardenal tiene el nombre de Francesco Alidosi, Fue pintado durante el papado de Julio II, El retrato muestra media cuerpo, vestido con la ropa de cardenal de color rojo, está representada con realismo 

Composición: No Tiene 

Luz: La iluminación consiste en una gran representación de una luz que acaba representado en el rostro de este cardenal   

Cada tabla mide 47.5 cm x 39.5 cm, pero la de la izquierda está cortada. Han estado separadas al menos desde 1628, hasta que el retrato de Bárbara que por mucho tiempo se consideró perdido fue reatribuido a Durero en 1977.Los dos retratos se volvieron a reunir en la exposición de 2012 del Museo Nacional Germano, titulada "El primer Durero".

Se presenta a los modelos en tres cuartos, sobre un fondo verde, medio laqueado, el cual a pesar de estar coloreado suntuosamente, lo está en capas delgadas.​ Cada uno tiene una base blanca y una imprimación ligeramente roja con contenido de plomo.​ La forma y la postura de cada modelo repite, y en buena medida contrapesa, la del otro.Las similitudes de la construcción lineal de ambas tablas, especialmente cómo los pliegues y líneas de la ropa forman formas triangulares. La cola del tocado de Bárbara, que le cruza el pecho, se corresponde con la abertura del abrigo de piel de Alberto. Lo más habitual era que en estos retratos pareados el varón estuviera a la izquierda; la ubicación quizás indique que Durero originalmente pensó que el retrato del padre estuviera solo, pues pintó a Barbara tiempo después.

Se considera al retrato de Alberto Durero el Viejo como la superior de ambas obras. la pintura del padre es mucho más detallada, en especial en la ropa, que en el retrato de ella está más simplificada. Este contraste en los detalles también puede verse en el tratamiento del rosario, al que se da protagonismo y un color rojo brillante en el retrato del marido, pero es pequeño y secundario en el de ella.