Me parece que el texto de Klee es muy interesante, porque propone una concepción del arte que va más allá de lo superficial y lo convencional, y que invita al artista a explorar su propio mundo interior y a comunicarlo a través de formas novedosas y originales. Me hace reflexionar sobre el sentido y el valor del arte en la sociedad actual, donde muchas veces se privilegia lo comercial y lo masivo, y se pierde la capacidad de asombro y de crítica. Creo que el arte moderno tiene mucho que aportar a la cultura y a la educación, porque nos abre a nuevas perspectivas y nos hace cuestionar nuestras propias certezas y prejuicios. El arte moderno es un arte que nos desafía y nos enriquece, que busca crear un lenguaje propio y original.

 

La duda que me queda en referencia a la multidimensionalidad de elementos formales, es si hay una jerarquía dentro de estos elementos, y si hay unos elementos que tienen más importancia dentro de la obra de arte que otro. 

Klee cierra el texto con una conclusión que considero que recoge muy bien varias de las cosas abordadas anteriormente pues finaliza diciendo que representar algo “tal como es” se estaría haciendo una imagen del mundo, pero si por el contrario se representa algo “tal como podría ser” se estaría ejecutando la práctica artística en un estado puro.

Me pareció interesante darme cuenta de que, a partir de lo planteado en este texto, Klee compartiría varias ideas del arte con Maurice Denis pues ambos hablan del arte como fenómeno que promueve visiones subjetivas de la naturaleza, el arte como deformación de la naturaleza. Y ambos también se enfocan en el artista y su facultad comunicativa a través de elementos visuales creando símbolos o equivalencias plásticas que evoquen objetos del mundo fenoménico.

Estas dimensiones formales son la medida, el peso y las cualidades, que hacen referencia respectivamente a la línea, el claroscuro y los colores. A partir de estos elementos se puede hacer “construcciones”; “configuraciones”, que resulten en objetos. Una vez admitida la legitimidad del concepto objetual en el cuadro estos pueden asimismo obrar en conjunto hacia nuevas configuraciones. La manera en que los objetos se ponen en movimiento y tienen entre ellos una peculiar correlación hace posible encontrar una estructura; una nueva dimensión. 

Aun puede agregarse algo más: las relaciones que conforma el artista entre las anteriormente mencionadas dimensiones implican siempre formas de expresión definidas y específicas; cada estructura tiene su expresión constructiva particular. Klee llama esto un “gesto impulsivo” que culmina en lo que llamamos el estilo. El estilo es también una nueva dimensión dentro de la obra. Finalmente, esta acumulación de dimensiones hace una obra digna de ser llamada una composición. 

Klee considera el artista un medio para la expresión de la naturaleza. Este recoge los estímulos que, con los medios plásticos adecuados  y con total libertad en su proceder, vincula entre sí para formar una composición. Esta composición, dado que Klee la considera una “génesis”, nos deja claro que el producto no es jamás una imitación de la naturaleza. Una vez deformada, aquello que obtenemos es siempre nuevo. La novedad consiste principalmente en la preferencia del artista por las fuerzas formadoras y no por las formas-fines. En cuento el foco esté en aquellas fuerzas, la obra no se limitará a reproducir las cosas tal como son, sino tal como podrían ser; la obra es potencialidad; siempre génesis, nunca imitación. 

De este texto me llama la atención aquello que Klee llama el “enturbamiento” en contraposición con una “presentación elemental pura”, ¿por qué habla de una representación de un hombre con “la presentación pura del elemento lineal”? En ese caso, ¿podría haber asimismo una presentación pura de otros elementos, por ejemplo, del color? ¿o esta ya no sería pura porque el color implica el acoplamiento de la línea y el claroscuro? No creo haber entendido muy bien a qué se refiere hablando de una tal “pureza”. Además, ¿por qué una estructuración más realista de un hombre implicaría un enturbamiento? Klee dice que para esta estructuración se necesitaría una confusión lineal demasiado caótica y esto haría la obra ininteligible. ¿Qué es aquello que no podríamos aprehender? Creo que el texto en general tiene aportes formalistas muy valiosos, sin embargo, hay un punto en el que se insiste excesivamente en idealismos a través de conceptos como aquel de la pureza, lo primigenio, la “ley originaria”, etc. Oscureciendo así el rigor de su teoría formalista.  

Línea: Delimitada, segmentos medibles que forman segmentos y ángulos. 

Tonos de claroscuro: Peso, lo mas ligero es blanco mientras que lo más cargado es negro. 

Colores: no poseen mensurabilidad en termino de peso o longitud, es una cualidad determinada. 

Estas características formales, argumenta Klee, permiten al artista realizar un análisis más profundo de su psicología y, en última instancia, de su obra. Al comprender la interacción entre líneas, tonos de claroscuro y colores, el artista puede comunicar de manera más efectiva sus pensamientos, emociones y conceptos al espectador. Klee enfatiza que el arte moderno no solo se trata de la expresión personal del artista, sino también de la capacidad de conectarse con el espectador a través de diversas técnicas y dimensiones artísticas. 

Mee costo un poco entender el texto, pero mi mayor duda hace referencia a cómo afectaría la definición individual de cada dimensión en la multiplicidad de las mismas. 

Klee se dio cuenta de que su objetivo era proporcionar más contexto para que las personas comprendieran su obra en lugar de justificarla. Esto enfatiza la idea de que el arte se trata de cómo el espectador experimenta y se conecta con la obra, así como del mensaje que el artista desea transmitir. La interpretación es subjetiva y puede variar de una persona a otra.

La metáfora del árbol utilizada por Klee es muy potente. Enfatiza la idea de que los artistas sirven como puentes entre el mundo natural y humano al actuar como intermediarios que transmiten la belleza de la naturaleza a través de su arte. La belleza es transmitida e interpretada por el artista en lugar de ser "creada".

La dificultad de transmitir algo que tiene muchas dimensiones diferentes es un problema significativo. Esto refleja la complejidad del arte, que puede ser multidimensional y rico en significado. Dado que el lenguaje es lineal, puede resultar insuficiente para expresar la complejidad de una obra artística. Esto enfatiza la importancia de que la audiencia se sumerja en la experiencia artística y la interprete a través de su propia perspectiva.

El debate sobre tamaño, peso y calidad en relación con la línea, el color y el contraste demuestra cómo los artistas consideran cuidadosamente cada elemento formal de su obra. Esto destaca la importancia de la toma de decisiones en el proceso creativo, ya que el color, la forma y la composición pueden tener un impacto significativo en la interpretación de la obra. Las referencias a la fila cromática y las relaciones de color muestran cómo los artistas utilizan la teoría del color para lograr ciertos efectos en su obra. Esta comprensión de la teoría del color es esencial para crear una paleta de colores visualmente coherente y emocionalmente atractiva.

Finalmente, Klee enfatiza en el capitulo que el arte es un proceso complejo que implica la comunicación a través de múltiples dimensiones. Cada artista tiene su propio enfoque y estilo, pero todos enfrentan los mismos desafíos para expresar efectivamente su visión. El arte es un poderoso método de comunicación entre el artista y la audiencia, y se basa en la precisa interpretación y comunicación de la experiencia humana.

De la misma manera, Klee también le da mucha importancia al artista cuando explica que es quien es capaz de transmitir la belleza que encuentra en la profundidad. Más aún, Klee explica que el artista actúa como un vehículo o conductor entre dicha profundidad y los elementos formales. Para esto, hace uso de la metáfora del árbol, donde las raíces son lo profundo, el artista es el tronco y la copa del árbol es el producto artístico. Esta imagen nos hace entender que para Klee el arte solo puede ser comprendido por algunos, que deben poder traducirlo a un lenguaje pictórico con los tres elementos formales ya mencionados a través de diversas dimensiones, para que así pueda ser percibido por todos. 

Sobre esto último, es interesante que Klee explica que la imagen se deforma a través de distintas dimensiones de lo plásticos, en donde cada una tiene una incidencia diferente relacionada a un elemento formal. Estas transformaciones son las que permiten la construcción de la composición de la obra. 

Como comentario general, creo que leer a Paul Klee representa un reto al ser un ejercicio en el que él trata de plasmar y nosotros de comprender su experiencia como artista. Como lo menciona al inicio, poner algo en palabras que debería ser explicado por las obras mismas es una tarea difícil, pero, en el panorama del análisis general de esta clase, es muy enriquecedor. En particular, me llama mucho la atención la manera en la que interpreta la formación de una composición como una deformación de la naturaleza a características pictóricas y plásticas. Esta es una forma de entender el arte en la que se tiene muy en cuenta el proceso y lo importante que es el criterio del artista en este.

Es pertinente pensar en cómo los elementos formales de la obra permiten que el artista llegue a un nivel de patetismo; es decir, una forma de expresión máxima. Asimismo, llama la atención cómo estos elementos son capaces de construir una obra de arte. Según Klee las combinaciones de los elementos formales crean una “expresión constructiva particular.” A partir de esto se percibe cómo estos elementos tienen la capacidad de hacer algo mucho más grande que una construcción, Klee comenta que pasa a ser una composición. 
Por último, me parece interesante pensar en la idea de la dimensión objetual y cómo el artista es capaz de crear una idea de la naturaleza transformada y abstracta. Con esto se percibe como el artista no está ligado a la realidad y se relaciona más con el proceso de creación. 

Me parece interesante una teoría que habla principalmente del proceso de creativo de la obra. También es llamativo que la materialidad de la obra y la actitud o subconsciente del artista se presenta en la obra. 

En cuanto a reflexión se me hizo un poco difícil entender el texto de Klee, la divagación acerca de los mundos imaginarios, y los efectos multidimensionales me parece que a ratos no se articula de manera clara. Las diferenciaciones que él cree dejar claras en parte de la lectura verdaderamente considero que no lo hace con suficiente detenimiento como para que sea comprensible entender las diferenciaciones y asociaciones con el símil del árbol. Sin embargo, entiendo que Klee se adhiere a la escuela de la Bauhaus y cómo está impulsa a los artistas a repensar la creación artística después de la época de la posguerra. 

Klee organiza a los tres elementos formales en una jerarquía; la línea va en lo más bajo ya que es solo una unidad de medida; el claroscuro de segundas porque no solo se puede utilizar como una unidad de medida, sino que también es una característica que tiene peso; y de primeras está el color, un concepto que no solo cuenta con peso (su valor lumínico), medida (tiene límites y contorno) sino que también lo ve como una cualidad. El artista ideal de Klee empieza a jugar con todos estos elementos para poder crear formas y a través de ellas composiciones que logren crear un nuevo mundo en su lienzo; una obra abstracta que haga visible aquello que no suele ser contemplado en nuestro mundo sensible.  

Aunque Klee tenga ciertas ideas con las que me encuentro de acuerdo, lo que no he podido superar de este escrito es la rabia y elitismo con el que escribe Klee. Todo el ensayo se ha enfocado en recalcar como el profano es el que no entiende el arte que está tratando de defender (que es su propio arte), y eso hace que el ensayo se sienta como un mecanismo de defensa un poco personal y visceral.  

En la última sección del escrito, Klee le da valor al arte que puede ser considerado como “primigenio”, ejemplificado con el impresionismo. Este arte es un arte puro para Klee, que tiene una pureza capaz de sacar a la luz “lo secretamente contemplado”. De esta lectura, cuestiono el rol del profano, o en otras palabras, el espectador de la obra de arte que tiene intereses naturalistas y más tradicionales acerca del modo de ver el arte. Klee parece desestimar al papel que tiene este personaje a la hora de ver a la obra de arte. Por otro lado, me llama la atención la preferencia que le da Klee a la dimensión del color, pues es el elemento formal que es capaz de darle a la obra cualidad, peso y valor lumínico. Las otras dos dimensiones son más limitadas que el color en la propuesta de Klee.

Klee cree que el arte moderno es una respuesta a la complejidad y la fragmentación de la vida moderna. Argumenta que la sociedad está experimentando cambios rápidos y que el arte moderno es una forma de procesar y dar sentido a esos cambios. El artista moderno actúa como un "traductor" de la realidad moderna, creando obras que capturan la esencia de una época tumultuosa y cambiante.

Teniendo en cuenta que Klee sostiene de este arte alejado de las convenciones me surgió la pregunta: ¿Hasta qué punto el arte moderno, al liberarse de las convenciones tradicionales, corre el riesgo de volverse incomprensible o elitista para el público en general? 

Por otro lado, Klee piensa que el buen artista logra tener una composición pura y lógica entre los aspectos formales de la obra (los colores, la línea y el claroscuro). No obstante, la “buena” composición no radica, justamente, en la reproducción exacta. Más bien, Klee busca reproducir al hombre (o las cosas)  en las múltiples formas de cómo podría(n) ser. 

 

Por último, me gustó entender la posición del artista desde su mirada. Si bien el texto no es puramente académico, sí reúne los diferentes aspectos formales que le interesan a Klee desde un lenguaje incluso poético. Para entender la visión del artista me resultó muy útil el ejemplo que usa con el árbol en el que el artista es el tronco, un medio que une la raíz (lo profundo), con la copa. Sin embargo, para Klee el tronco no es un medio por el cual la raíz se expresa igual en la copa. 

Gracias a esta primera exposición podemos entender que para Paul Klee es la imagen transformada de la naturaleza la que se ve sujeta a una serie de dimensiones especificas de lo plástico donde hallamos ciertos elementos formales que permiten el acontecimiento de la obra de arte. El primer elemento formal es: La linea, pues al ser un agente delimitativo se cierne unicamente sobre la medida generando segmentos y dando forma a las cosas mesurables; El segundo elemento formal es: La tonalidad o claroscuro, debido a que en ella se deposita el peso o la ligereza que puede tener un objeto en la obra siendo un elemento gradual que predispone la importancia o inclinaciones en la obra; El tercer elemento formal es: El color, siendo este el mas complejo debido a que en el se atañen todo aquello que no se compete a lo diametral o gravitacional de la obra, en consecuencia es el color, partiendo de su entendimiento desde el circulo cromático, el único elemento formal cualitativo que da a la obra lo perceptual y sensorial. 

A traves de estos elementos formales Paul Klee nos construye una serie de relaciones pues aunque son distintos tienen relaciones entre si, expresándolo de mejor manera nos explica que en el color podemos encontrar el claroscuro y la linea pues es capaz de generar fronteras y pesos, en el peso podemos encontrar la linea en medio de las gradaciones y el peso mismo de las gradaciones. Y la linea como agente divisorio solo se desglosa en si misma. Gracias a esto podemos entender que toda obra de arte bajo estos elementos formales es un producto traducido de la naturaleza gracias al artista. Ahora mi pregunta o duda radica en, si bien estos términos buscan englobar al arte en general, ¿cómo podemos romper la barrera del arte imitativo y formal/abstracto con el intercambio de materiales en la técnica? Pues para mi en la actualidad el arte rompe el lienzo y se traslada a distintos medios que ya no se rigen bajo principios tan claro y entra la materia como nuevo factor formal que limita o encapsula todo el contenido buscado por el artista. 

Con esto en mente el autor introduce las tres dimensiones específicas de lo plástico que se hacen necesarias para la revelación de la realidad mediada por el artista: el color, lo claroscuro, y la línea. Según Klee cada una de estas es contenida por la anterior y a la base de todo está el color, con el cual se pueden crear los pesos generados por el claroscuro, y las líneas que producen medidas a lo largo del lienzo. 

Este texto de Klee me lleva a pensar un poco en el término de vida imaginativa de Roger Fry, pues al ver en el artista una capacidad de revelar la realidad mediante la penetración de lo visible, también ve un potencial elevado en la práctica artística. A pesar de esto, no me queda muy claro el tema de crear realidades a partir de la pieza artística, pues no veo como esta revelación de lo visible pueda crear más de una realidad sobre un mismo objeto.