Sus personajes no eran gente de la alta sociedad, no eran héroes típicos de las películas americanas; eran obreros, malhechores, desertores, prostitutas, criados, personajes de las clases más bajas de la sociedad. Eran películas pesimistas, que casi siempre acababan mal, pero eran verdaderamente hermosas. Concebían películas donde se enfrentaban el bien y el mal, a través de personajes malvados y otros íntegros, víctimas de un destino muy a menudo desafortunado.

A continuación, se presentan algunas de las características más importantes de este movimiento:

Representación de la realidad: El realismo poético se caracteriza por representar la realidad de manera objetiva y detallada. Los poetas de este movimiento se interesan por la descripción minuciosa de los objetos, las personas y los paisajes.

Lenguaje sencillo: El lenguaje utilizado en la poesía realista es sencillo y accesible para el lector común. Se evita el uso de lenguaje figurado o metafórico que pueda dificultar la comprensión de la obra.

Temas cotidianos: Los poetas realistas abordan temas cotidianos y cercanos a la vida de las personas, como el trabajo, la naturaleza, la familia, la sociedad, la pobreza, la enfermedad, entre otros.

Rechazo al idealismo: El realismo poético rechaza el idealismo y la búsqueda de la perfección. Se enfoca en la realidad tal y como es, sin tratar de embellecerla o idealizarla.

Sentido crítico: El realismo poético se caracteriza por tener un sentido crítico hacia la sociedad y sus problemas. Los poetas de este movimiento suelen denunciar la injusticia social, la explotación laboral y otros problemas de la época.

Uso de imágenes: Aunque el lenguaje utilizado es sencillo, los poetas realistas utilizan imágenes concretas y precisas para describir la realidad de manera más vívida y detallada.

AUTORES:

Director belga nacido en Bruselas. Desarrolló su carrera en Francia y Argentina. 

Se inició como documentalista y se destacó en el cine francés en los años 1930, principalmente con L'Alibi y Le dernier tournant, primera de las adaptaciones de la novela "El cartero siempre llama dos veces" de James M. Cain.

En 1929 realizó su primer cortometraje. En 1930 bajo la producción de la revista L'architecture D'ajourd'hui, filmó tres cortos donde se mostraba la nueva arquitectura francesa. Un año más tarde filmó Le Martyre de l'obèse inspirado por Colette Darfeuil que, para reavivar el amor de su marido, fingió estar enamorada de un joven obeso.

Adaptó Crimen y castigo de Fiódor Dostoyevski,, por la cual en 1935 fue nominado a la Copa Mussolini en el Festival Internacional de Cine de Venecia, y la novela contemporánea de Jack London, Les Mutinés de l'Elseneur con Jean Murat. 

Algunas de sus obras:

Director de cine francés. Su prematura muerte, a los 29 años, truncó una trayectoria prometedora. Con tan sólo tres películas (una de ellas inconclusa) y un documental, Jean Vigo entró en el Olimpo de los jóvenes mitos malogrados.

Se lo conoce sobre todo por dos películas que tuvieron una gran influencia en el desarrollo posterior del cine francés: Cero en conducta (1933) y L'Atalante (1934).

En 1951, fue creado en su honor en Francia el Premio Jean Vigo, que ha distinguido frecuentemente a jóvenes realizadores. 

Con respecto a sus obras, La natación, por Jean Taris o, simplemente, Taris (1931) es en sus manos algo más que un documental sobre un campeón y sus lecciones para moverse dentro del agua. Cero en conducta (1933) es prohibida por la censura. L'Atalante (1934) se erige así en la obra maestra de Vigo, quien se libera del encorsetamiento de una trama banal, para pintar la vida con trazos vigorosos. 

Vigo, el cineasta maldito de Francia, murió sin ver su obras triunfar como lo hizo 20 años después, cuando se levantó la prohibición a Cero en Conducta, y su vida y obra tomaron la dimensión del genio.

Es un director cinematográfico francés que tuvo desde temprano relación con el ambiente del teatro y llegó a formar parte de una de las compañías más importantes de la historia del cine francés: la del Odeón. Sus siguientes películas fueron adaptaciones literarias, (esto es algo muy habitual en el cine europeo), trabajos que demostraban la afición de este director por el teatro. Así, podemos mencionar El milagro de Lourdes (1924) y El abate Constantin (1925). Su primer éxito importante, una vez que ya había rodado un buen número de películas, fue Maria Chapdelaine (1934), filme rodado en Canadá.Un año después dirigió la que sería una de sus obras más importantes, La bandera (1935), sobre una novela de Pierre Mac Orlan. A pesar de que su nombre ha sido progresivamente olvidado con el paso de los años, Julien Duvivier fue un director que demostró en varias de sus obras fina sensibilidad, talento narrativo y capacidad para crear atmósferas en donde la violencia y la poesía se fundían con gran habilidad. No se puede negar que su figura es imprescindible para una correcta compresión del cine francés y europeo desde los años treinta hasta principios de los cincuenta. 

Es un director de cine francés y está influido por la estética de Max Reinhardt, que hacía más hincapié en la sutileza psicológica que en el dramatismo grandilocuente, también se interesó por el estilo expresionista de algunos directores alemanes como F. W. Murnau y Josef von Sternberg. Sin embargo, hay que resaltar su estilo personal característico, el realismo poético, fue siempre deudor de su propia sensibilidad poética, su gusto por el amor no correspondido y el mundo de las clases trabajadoras. El origen periodístico de Carné se refleja en el estilo de sus primeras películas, en las que trató de retratar la vida sencilla de la gente corriente en su ambiente cotidiano.

Sus obras principales son: Un drama singular (1937); El muelle de las brumas (1938), que provocó violentas críticas del gobierno de Vichy, al responsabilizarlo, junto a otros artistas, del clima moral que desencadenó la derrota de Francia ante los nazis; Amanece (1939); Les visiteurs du soir (1942) y Les enfants du paradis (Los niños del paraíso, 1945), un admirable hito del cine de posguerra (la película más cara hasta aquel momento del cine francés), interpretada por un reparto excepcional. Después de la guerra, sometido a un tribunal de depuración y posteriormente atacado con dureza por los jóvenes cineastas de la nouvelle vague, Marcel Carné no alcanzó la altura de sus obras anteriores y se vio obligado a retirarse progresivamente tras realizar algunas películas destacables

Este filme es un clásico imperecedero del cine francés, estrenada meses antes de la ocupación nazi de Francia, el filme fue prohibido por el gobierno colaboracionista de Vichy por su pesimista visión de de la sociedad francesa. Es una crónica de costumbres, narrada en varios “flash back” que dan a la historia un futuro oscuro y sin esperanza y así mismo consigue retratar a través de una desgarradora historia, plena de romanticismo, los infortunios que padecen los perdedores del sistema, que malviven en un decadente y deprimente hábitat urbano, y cuyas desventuras se hallan motivadas por unas irreflexivas decisiones, siendo el amor el principal motor que debe guiar las vivencias de los personajes.

Además, la película es relevante por las confluencias evidentes con el territorio del cine negro, desde el rol que desempeña el destino en el devenir de los acontecimientos, pasando por la utilización de algunos planos cenitales y sin olvidarnos de las escaleras o de la persecución policial con gases lacrimógenos, aspectos que hacen pensar en el cine negro más estilizado a pesar de que el elemento criminal no es el que hace progresar la ficción. Elementos, todos ellos, que se refuerzan para exhibir la atmósfera opresiva que domina la historia.

L’Atalante resume las características de lo que hasta ese momento había sido el estilo del joven director Vigo, cuyo lirismo visual y narrativo lo convirtió en el inspirador de los movimientos de la vanguardia cinematográfica francesa de los años 50 y 60. El realismo poético y naturalista se evidencian en su obra con un discurso anárquico que heredó de sus padres, los recuerdos de una infancia compleja y un espíritu revolucionario. En su cine lucha contra la establecida industria fílmica y sus derroteros represivos con la creación, reescribe los códigos dominantes en el cine de la época, muestra una auténtica visión estética y se acerca de forma crítica a la realidad social de su momento.

Gravemente enfermo, Vigo aprobó un primer montaje del film, con indicaciones para mejorarlo. Pero la muerte del director y los temores de los distribuidores ante un film ‘diferente’ llevaron a su mutilación, al cambio de título y a la supresión de la música de Maurice Jaubert. Muchos cambios sufriría la película antes de que Gaumont, en 1990, promoviera su recuperación según los deseos del director. Finalmente, hoy se puede admirar, al fin, como una pieza prodigiosa.

L’Atalante vivió olvidada hasta que en los años 50 los cineclubes franceses comienzan a dimensionar la figura de su creador y 57 años después –en 1985- se recupera una copia del metraje original sin editar y se realiza una reconstrucción fiel a su visión.

En la primera parte de presentación de la historia, se caracteriza por tener varios movimientos de cámara espontáneamente, el uso de la luz natural, planos narrativos, donde vemos a los personajes moverse en perspectiva hacia interior del cuadro, travellings laterales desde el río, sólidos planos picados y contrapicados, paneos de seguimiento.

La mayor parte del film es puro cine narrativo, estableciendo puntos de giro donde se intercalan escenas de contenido simbólico, que crean una ruptura con la realidad diegética y con la gramática cinematográfica.

"Pepe le Moko" es una película francesa de 1937 dirigida por Julien Duvivier y protagonizada por Jean Gabin. La historia sigue a Pepe, un famoso ladrón que se esconde en la Casbah de Argelia y se enamora de una turista francesa llamada Gaby.

La película es una mezcla de romance, drama y thriller, que explora temas como la vida criminal, el amor prohibido y la lucha interna de Pepe entre su deseo de escapar de su vida criminal y su lealtad a su pandilla y a la Casbah.

Uno de los aspectos más destacados de la película es la actuación de Jean

Gabin como Pepe. Gabin transmite una gran cantidad de emociones a través de su interpretación, desde la arrogancia y la confianza de su personaje hasta su profunda vulnerabilidad y desesperación. Su química con la actriz Mireille Balin, que interpreta a Gaby, también es impresionante, y juntos forman una pareja romántica muy convincente.

La película también tiene una gran atmósfera, en parte gracias a la recreación detallada de la Casbah y sus callejones laberínticos. La música de Vincent Scotto también es excelente y ayuda a crear un ambiente atractivo y emocionante.

En cuanto a las críticas, "Pepe le Moko" fue muy bien recibida tanto por el público como por la crítica en su lanzamiento original. La película sigue siendo considerada una obra maestra del cine francés y ha sido objeto de numerosos homenajes y referencias en el cine y la cultura popular.

En resumen, "Pepe le Moko" es una película impresionante que combina un gran reparto, una historia intrigante y una atmósfera cautivadora para crear una experiencia cinematográfica memorable.

 

Este movimiento era una necesidad tanto artística como social,  surge altamente influenciado por el movimiento literario de Angry Young Men (Los jóvenes enojados) donde los jóvenes están inconformes con la realidad sociopolítica y la mediocridad e hipocresía de las clases privilegiadas. El desencadenante y obra de referencia para ambos movimientos, fue la obra teatral de 1956 de John Osborne, Look back in anger; de la que posteriormente se haría una adaptación cinematográfica dirigida por Tony Richardson y también serviría como inspiración para la célebre canción del grupo Oasis, Don’t look back in anger. 

 

Con cierta influencia del neorrealismo italiano, podemos decir que es un movimiento con compromiso social. Un cine que podemos asociar con el realismo, con la vida complicada y por lo general injusta que lleva la clase trabajadora. Al fin y al cabo, el Free Cinema es de un realismo que muestra con crudeza, sin filtros, la vida doméstica y los dramas más comunes, que tienen que ver con la falta de trabajo, la falta de vivienda, el adulterio, los embarazos no deseados, el alcoholismo, y ciertos tabúes que tienen oprimidas a las personas además de su situación económica.

CARACTERÍSTICAS

La gran mayoría de las películas rodadas del Free Cinema buscaban acercarse a las personas, así como lo hizo el neorrealismo italiano. Es decir, rodajes fuera de los estudios, consiguiendo así una estética más cercana al cine documental.

Por eso es que el free cinema quiso darle una nueva identidad al cine británico desafiando los cánones desfasados y ajenos a la realidad que vivían en ese tiempo los británicos. Por esta razón las películas que venía de Hollywood no eran recibidas por el público, lo que obligó a que los cineastas británicos reformularan las historias que venían en aquellas películas. A lo que los directores de este movimiento  quisieron crear historias en las que la gente se sienta identificada.  

Siguiendo con la idea de crear historias en las que las personas se ven reflejadas. El free cinema dio la libertad a los cineastas de contar las historias que ellos quisieran sin tener un filtro previo por donde pasar. Lo cual da paso a que las injusticias, la violencia estatal y la decadencia social se empezara a verse constantemente en las producciones de este movimiento. 

El Free Cinema fue una sola parte de la revolución cultural, que vivió Gran Bretaña a mediados de la década de los cincuenta. La revolución literaria de los “Angry Young Men”, fue una fuente de la que se nutrió este movimiento.

AUTORES

Mayormente conocido por su colaboración exitosa con Los Beatles en películas como A Hard Day’s Night (1964) y Help! (1965), este director americano se vio atraído por lo nuevo que podía ofrecer el cine británico llegando a ser uno de los directores más reconocibles de ese periodo fílmico que en la resonancia del movimiento con las diferentes ramas artísticas, se centró en la explosión musical.

 

Su carrera como director consistió en periodos de actividad concentrada seguidos de tiempos muertos extensos. Entre 1962 y 1969, dirigió nueve filmes y después ninguno durante cinco años. Entre 1973 y 1976, hizo seis películas, y hasta su documental de Get Back (1991) que hablaba sobre el regreso de Paul McCartney a la banda de The Beatles mediante un viaje a través de sus conciertos en gira.

 

Dentro de las características de su obra encontramos un humor satírico y ácido sumado con el hábil ensamblaje del rigor constructivo y la audacia imaginativa en el encadenamiento de las imágenes. Su filmografía cuenta con títulos como: 

 

Recordado por su película  If... (1968) —que se llevó la Palma de Oro en el Festival de Cannes— la primera película de una trilogía protagonizada por Malcolm McDowell, Lindsay Anderson empezó su carrera en el periodismo con el puesto de crítico cinematográfico lo que le permitió a Anderson comenzar a dirigir en 1948, realizando documentales para una empresa industrial, ganando en 1955  un premio de la Academia por su cortometraje documental Thursday’s Children (1954).

 

Su cine iba muy en consonancia con el movimiento social, siendo principalmente un cine de carácter social y reivindicativo de la clase obrera británica que proponía el Free Cinema, incluso fue quien acuña este término mediante sus críticas.

 

Su filmografía cuenta con títulos como Un hombre de suerte (1973) y Britannia Hospital (1982), entre otros. También fue notable su participación en Carrozas de fuego, ganadora de un Academy Award, en la cual interpretaba un pequeño papel, a pesar de no ser un actor profesional.

Tony Richardson (1928, Shipley - 1991, Los Ángeles)
Director de cine

Fue un director inglés que trabajó tanto en el campo de la cinematografía, como en el del ámbito teatral. Es uno de los representantes del Free cinema por ser uno de los causantes de la revitalización del cine británico a mediados de los cincuenta. El aprovechó el momento de revolución cultural que se estaba viviendo en Gran Bretaña, para reunir todas sus historias y llevarlas a la pantalla grande. 

Sus obras más destacadas tales como: Mirando hacia atrás con ira (1959), Un sabor a miel (1961) o La soledad del corredor de fondo (1962) incluyen las adaptaciones cinematográficas de sus éxitos teatrales anteriores. 

Karel Reisz (1926, Chequia - 2002, Londres)
Director de cine

Fue uno de los directores más asociado con el Free cinema a finales de los cincuenta y principios de los sesenta. Aunque su producción fue pequeña y algunas de sus películas tuvieron un desempeño deficiente en la taquilla, Reisz obtuvo el respeto y la estima de la crítica como cineasta y crítico. Las películas más destacables de este director son: sábado noche, domingo mañana (1960) e Isadora (1968).

El movimiento del Free Cinema produjo una serie de películas importantes que tuvieron un impacto significativo en el cine británico y en la historia del cine en general. Estas son unas de las películas más destacadas del Free Cinema:

"Momma Don't Allow" (1956), dirigida por Karel Reisz y Tony Richardson

"Together" (1956), dirigida por Lorenza Mazzetti, junto con Karel Reisz y Tony Richardson.

"Wakefield Express" (1952), dirigida por Lindsay Anderson

"O Dreamland" (1953), dirigida por Lindsay Anderson

"Every Day Except Christmas" (1957), dirigida por Lindsay Anderson

  "We Are the Lambeth Boys" (1959), dirigida por Karel Reisz

  "Saturday Night and Sunday Morning" (1960), dirigida por Karel Reisz

"A Taste of Honey" (1961), dirigida por Tony Richardson

"The Loneliness of the Long Distance Runner" (1962), dirigida por Tony Richardson

ANÁLISIS PELÍCULAS

Saturday Night and Sunday Morning (1960)

Es una película británica dirigida por Karel Reizs, quien plasmó una tragicomedia realista, considerada el mayor éxito del cine británico de la década. Reizs fue uno de los fundadores del free cinema que nació como una contrapropuesta a la realidad artificial que pintaba Holllywood y el cine británico clásico. 

Saturday Night and Sunday Morning se basó en la primera novela del escritor británico Alan Sillitoe, autor del guion. Sillitoe basó el sombrío pero convincente argumento en su propia experiencia de trabajo en una fábrica y utilizó la trama como un alegato a favor de que la generación más joven de británicos rompiera las ataduras que les limitaban a unas vidas predecibles e insatisfactorias.

El filme nos narra la rebeldía de la época y el futuro de desencanto y frustración a corto plazo, caracterizándose por implementar una estética realista en el cine de ficción y cine documental, retratando historias inspiradas en lo cotidiano y en la realidad social de esa época. 

Los espacios donde se recrea el filme son siempre los mismos: los suburbios de la ciudad y sus alrededores; las ruidosas tabernas y las diminutas habitaciones. La cámara que acompaña a la trama, se vuelve inquieta de forma progresiva. Los encuadres fijos dan paso a angulaciones extrañas y a seguimientos de la acción con cámara al hombro. La fotografía se torna oscura a medida que lo hace la narrativa.

La obra hace parte de la serie de películas de realismo de fregadero de cocina, auge que comenzó a finales de los años 50; este movimiento está basado en jóvenes enojados y frustrados con la sociedad moderna utilizando ese realismo social del Free Cinema y describiendo la cotidianidad domestica de la clase obrera.

Una de las cosas más novedosas de esta película es la cercanía de los personajes, los héroes dejan de ser distantes para el público ya que el espectador se identifica con ellos y da la sensación de que cualquiera podría ser el protagonista de la historia.

Esta película ha trascendido a la cultura popular teniendo fuertes influencias por ejemplo en la música de Arctic Monkeys, donde deben el título de su primer álbum, Whatever People Say I Am, That's What I'm Not”, a una de las frases del guion de la célebre película. Karel capta a la perfección el ambiente de posguerra entre las clases trabajadoras. Sin duda, el filme perdurará como un inestimable comentario social de la vida británica.

IF (1968)

If es una película británica de 1968 dirigida por Lindsay Anderson y protagonizada por Malcolm McDowell. La película es considerada un clásico del cine británico y una de las películas más importantes de la década de 1960. 

 

La película sigue la vida de un grupo de estudiantes rebeldes en una escuela privada en la Inglaterra de los años 60. El personaje principal, Mick Travis (interpretado por McDowell), es un estudiante desencantado con la vida y con la sociedad en general. Junto con sus amigos, comienza a rebelarse contra la autoridad y la jerarquía establecida en la escuela, lo que lleva a una serie de confrontaciones violentas. 

La película se destaca por varias razones. En primer lugar, es una obra cinematográfica innovadora que desafía las convenciones cinematográficas y se adentra en terreno poco explorado. El director Lindsay Anderson utiliza un estilo visual único, que combina una narrativa realista con elementos surrealistas, para crear una atmósfera opresiva y tensa que refleja la lucha de los estudiantes contra las normas y convenciones establecidas.

Otro factor que contribuye a la destacada reputación de la película es la interpretación de Malcolm McDowell. En su primer papel principal, McDowell ofrece una actuación impresionante como el personaje principal, Mick Travis. Su interpretación es intensa y emotiva, lo que ayuda a dar vida a la historia y a los temas que la película explora.
 
También aborda temas importantes como la rebelión juvenil, la opresión institucional y la violencia. Si bien es una película provocadora y a menudo controvertida, también es una obra cinematográfica poderosa que sigue siendo relevante hoy en día. 
 

Para terminar, If es una película notable que desafía las convenciones y despierta preguntas sobre la sociedad y la autoridad. Con su estilo visual impactante, su fuerte crítica social y sus actuaciones sobresalientes, esta película es sin duda una de las obras más importantes del cine británico de los años 60.

 

Este movimiento era una necesidad tanto artística como social,  surge altamente influenciado por el movimiento literario de Angry Young Men (Los jóvenes enojados) donde los jóvenes están inconformes con la realidad sociopolítica y la mediocridad e hipocresía de las clases privilegiadas. El desencadenante y obra de referencia para ambos movimientos, fue la obra teatral de 1956 de John Osborne, Look back in anger; de la que posteriormente se haría una adaptación cinematográfica dirigida por Tony Richardson y también serviría como inspiración para la célebre canción del grupo Oasis, Don’t look back in anger. 

 

Con cierta influencia del neorrealismo italiano, podemos decir que es un movimiento con compromiso social. Un cine que podemos asociar con el realismo, con la vida complicada y por lo general injusta que lleva la clase trabajadora. Al fin y al cabo, el Free Cinema es de un realismo que muestra con crudeza, sin filtros, la vida doméstica y los dramas más comunes, que tienen que ver con la falta de trabajo, la falta de vivienda, el adulterio, los embarazos no deseados, el alcoholismo, y ciertos tabúes que tienen oprimidas a las personas además de su situación económica.


𝐂𝐀𝐑𝐀𝐂𝐓𝐄𝐑𝐈́𝐒𝐓𝐈𝐂𝐀𝐒

La gran mayoría de las películas rodadas del Free Cinema buscaban acercarse a las personas, así como lo hizo el neorrealismo italiano. Es decir, rodajes fuera de los estudios, consiguiendo así una estética más cercana al cine documental.

Por eso es que el free cinema quiso darle una nueva identidad al cine británico desafiando los cánones desfasados y ajenos a la realidad que vivían en ese tiempo los británicos. Por esta razón las películas que venía de Hollywood no eran recibidas por el público, lo que obligó a que los cineastas británicos reformularan las historias que venían en aquellas películas. A lo que los directores de este movimiento  quisieron crear historias en las que la gente se sienta identificada.  

Siguiendo con la idea de crear historias en las que las personas se ven reflejadas. El free cinema dio la libertad a los cineastas de contar las historias que ellos quisieran sin tener un filtro previo por donde pasar. Lo cual da paso a que las injusticias, la violencia estatal y la decadencia social se empezara a verse constantemente en las producciones de este movimiento. 

El Free Cinema fue una sola parte de la revolución cultural, que vivió Gran Bretaña a mediados de la década de los cincuenta. La revolución literaria de los “Angry Young Men”, fue una fuente de la que se nutrió este movimiento.

𝐀𝐔𝐓𝐎𝐑𝐄𝐒 

Mayormente conocido por su colaboración exitosa con Los Beatles en películas como A Hard Day’s Night (1964)y Help! (1965), este director americano se vio atraído por lo nuevo que podía ofrecer el cine británico llegando a ser uno de los directores más reconocibles de ese periodo fílmico que en la resonancia del movimiento con las diferentes ramas artísticas, se centró en la explosión musical.

 

Su carrera como director consistió en periodos de actividad concentrada seguidos de tiempos muertos extensos. Entre 1962 y 1969, dirigió nueve filmes y después ninguno durante cinco años. Entre 1973 y 1976, hizo seis películas, y hasta su documental de Get Back (1991)que hablaba sobre el regreso de Paul McCartney a la banda de The Beatles mediante un viaje a través de sus conciertos en gira.

 

Dentro de las características de su obra encontramos un humor satírico y ácido sumado con el hábil ensamblaje del rigor constructivo y la audacia imaginativa en el encadenamiento de las imágenes. Su filmografía cuenta con títulos como: 

 

Recordado por su película  If... (1968) —que se llevó la Palma de Oro en el Festival de Cannes— la primera película de una trilogía protagonizada por Malcolm McDowell, Lindsay Anderson empezó su carrera en el periodismo con el puesto de crítico cinematográfico lo que le permitió a Anderson comenzar a dirigir en 1948, realizando documentales para una empresa industrial, ganando en 1955  un premio de la Academia por su cortometraje documental Thursday’s Children (1954).

 

Su cine iba muy en consonancia con el movimiento social, siendo principalmente un cine de carácter social y reivindicativo de la clase obrera británica que proponía el Free Cinema, incluso fue quien acuña este término mediante sus críticas.

 

Su filmografía cuenta con títulos como Un hombre de suerte (1973) y Britannia Hospital (1982), entre otros. También fue notable su participación en Carrozas de fuego, ganadora de un Academy Award, en la cual interpretaba un pequeño papel, a pesar de no ser un actor profesional.

Tony Richardson (1928, Shipley - 1991, Los Ángeles)
Director de cine

Fue un director inglés que trabajó tanto en el campo de la cinematografía, como en el del ámbito teatral. Es uno de los representantes del Free cinema por ser uno de los causantes de la revitalización del cine británico a mediados de los cincuenta. El aprovechó el momento de revolución cultural que se estaba viviendo en Gran Bretaña, para reunir todas sus historias y llevarlas a la pantalla grande. 

Sus obras más destacadas tales como: Mirando hacia atrás con ira (1959), Un sabor a miel (1961) o La soledad del corredor de fondo (1962) incluyen las adaptaciones cinematográficas de sus éxitos teatrales anteriores. 

Karel Reisz (1926, Chequia - 2002, Londres)
Director de cine

Fue uno de los directores más asociado con el Free cinema a finales de los cincuenta y principios de los sesenta. Aunque su producción fue pequeña y algunas de sus películas tuvieron un desempeño deficiente en la taquilla, Reisz obtuvo el respeto y la estima de la crítica como cineasta y crítico. Las películas más destacables de este director son: sábado noche, domingo mañana (1960) e Isadora (1968).

𝐏𝐄𝐋𝐈́𝐂𝐔𝐋𝐀𝐒 𝐃𝐄𝐒𝐓𝐀𝐂𝐀𝐃𝐀𝐒

El movimiento del Free Cinema produjo una serie de películas importantes que tuvieron un impacto significativo en el cine británico y en la historia del cine en general. Estas son unas de las películas más destacadas del Free Cinema:

"Momma Don't Allow" (1956), dirigida por Karel Reisz y Tony Richardson
https://youtu.be/je24WUx7EcE

"Together" (1956), dirigida por Lorenza Mazzetti, junto con Karel Reisz y Tony Richardson.
https://youtu.be/YG_N9PbkrDo

"Wakefield Express" (1952), dirigida por Lindsay Anderson
https://youtu.be/AgJbHpTc6uI

"O Dreamland" (1953), dirigida por Lindsay Anderson
https://youtu.be/UkOq1NAE9C0

"Every Day Except Christmas" (1957), dirigida por Lindsay Anderson
https://youtu.be/q8IUUj96FZQ

  "We Are the Lambeth Boys" (1959), dirigida por Karel Reisz
https://youtu.be/ANb3l-jRfh0

  "Saturday Night and Sunday Morning" (1960), dirigida por Karel Reisz
https://youtu.be/P9Ms04cAkws


𝐀𝐍𝐀́𝐋𝐈𝐒𝐈𝐒 𝐃𝐄 𝐏𝐄𝐋𝐈́𝐂𝐔𝐋𝐀𝐒

Saturday Night and Sunday Morning (1960)

Es una película británica dirigida por Karel Reizs, quien plasmó una tragicomedia realista, considerada el mayor éxito del cine británico de la década. Reizs fue uno de los fundadores del free cinema que nació como una contrapropuesta a la realidad artificial que pintaba Holllywood y el cine británico clásico. 

Saturday Night and Sunday Morning se basó en la primera novela del escritor británico Alan Sillitoe, autor del guion. Sillitoe basó el sombrío pero convincente argumento en su propia experiencia de trabajo en una fábrica y utilizó la trama como un alegato a favor de que la generación más joven de británicos rompiera las ataduras que les limitaban a unas vidas predecibles e insatisfactorias.

El filme nos narra la rebeldía de la época y el futuro de desencanto y frustración a corto plazo, caracterizándose por implementar una estética realista en el cine de ficción y cine documental, retratando historias inspiradas en lo cotidiano y en la realidad social de esa época. 

Los espacios donde se recrea el filme son siempre los mismos: los suburbios de la ciudad y sus alrededores; las ruidosas tabernas y las diminutas habitaciones. La cámara que acompaña a la trama, se vuelve inquieta de forma progresiva. Los encuadres fijos dan paso a angulaciones extrañas y a seguimientos de la acción con cámara al hombro. La fotografía se torna oscura a medida que lo hace la narrativa.

La obra hace parte de la serie de películas de realismo de fregadero de cocina, auge que comenzó a finales de los años 50; este movimiento está basado en jóvenes enojados y frustrados con la sociedad moderna utilizando ese realismo social del Free Cinema y describiendo la cotidianidad domestica de la clase obrera.

Una de las cosas más novedosas de esta película es la cercanía de los personajes, los héroes dejan de ser distantes para el público ya que el espectador se identifica con ellos y da la sensación de que cualquiera podría ser el protagonista de la historia.

Esta película ha trascendido a la cultura popular teniendo fuertes influencias por ejemplo en la música de Arctic Monkeys, donde deben el título de su primer álbum, Whatever People Say I Am, That's What I'm Not”, a una de las frases del guion de la célebre película. Karel capta a la perfección el ambiente de posguerra entre las clases trabajadoras. Sin duda, el filme perdurará como un inestimable comentario social de la vida británica.

IF (1968)

If es una película británica de 1968 dirigida por Lindsay Anderson y protagonizada por Malcolm McDowell. La película es considerada un clásico del cine británico y una de las películas más importantes de la década de 1960. 

 

La película sigue la vida de un grupo de estudiantes rebeldes en una escuela privada en la Inglaterra de los años 60. El personaje principal, Mick Travis (interpretado por McDowell), es un estudiante desencantado con la vida y con la sociedad en general. Junto con sus amigos, comienza a rebelarse contra la autoridad y la jerarquía establecida en la escuela, lo que lleva a una serie de confrontaciones violentas. 

La película se destaca por varias razones. En primer lugar, es una obra cinematográfica innovadora que desafía las convenciones cinematográficas y se adentra en terreno poco explorado. El director Lindsay Anderson utiliza un estilo visual único, que combina una narrativa realista con elementos surrealistas, para crear una atmósfera opresiva y tensa que refleja la lucha de los estudiantes contra las normas y convenciones establecidas.

Otro factor que contribuye a la destacada reputación de la película es la interpretación de Malcolm McDowell. En su primer papel principal, McDowell ofrece una actuación impresionante como el personaje principal, Mick Travis. Su interpretación es intensa y emotiva, lo que ayuda a dar vida a la historia y a los temas que la película explora.
 
También aborda temas importantes como la rebelión juvenil, la opresión institucional y la violencia. Si bien es una película provocadora y a menudo controvertida, también es una obra cinematográfica poderosa que sigue siendo relevante hoy en día. 
 

Para terminar, If es una película notable que desafía las convenciones y despierta preguntas sobre la sociedad y la autoridad. Con su estilo visual impactante, su fuerte crítica social y sus actuaciones sobresalientes, esta película es sin duda una de las obras más importantes del cine británico de los años 60.

Autores del Neorrealismo Italiano
Algunos de los autores más destacados del neorrealismo italiano incluyen:

Vittorio De Sica - director de películas como "Ladrón de bicicletas" y "Umberto D."

Roberto Rossellini - director de películas como "Roma, ciudad abierta" y "Alemania, año cero"

Luchino Visconti - director de películas como "La terra trema" y "Rocco y sus hermanos"

Federico Fellini - director de películas como "La Strada" y "La dolce vita"

Cesare Zavattini - guionista de varias películas del neorrealismo italiano, incluyendo "Ladrón de bicicletas" y "Umberto D."

Estos son solo algunos de los muchos artistas que contribuyeron al movimiento del neorrealismo italiano.


Filmes representativos del Neorrealismo Italiano

Estos filmes se caracterizan por su enfoque en las vidas de las personas comunes y su lucha diaria por sobrevivir en un mundo difícil y a menudo injusto.  Ejemplo de esto, el ladrón de bicicletas, donde un hombre luego de comprar una bicicleta para su trabajo, le es robada  y tiene que partir con su hijo a encontrar la bicicleta.

Roma Ciudad Abierta (Roma Cittá Aperta) 1945

Director: Roberto Rossellini.

Contextualizada durante la ocupación nazi a Italia. Estando Roma ocupada por los nazis, la temible Gestapo trata de arrestar al ingeniero Manfredi, un comunista que es el líder del Comité Nacional de Liberación. Pero en la redada Manfredi consigue escapar y pide ayuda a Francesco, un camarada tipógrafo que en unos días se casará con su novia Pina, una viuda con un niño. Además el cura de la parroquia, Don Pietro, también apoya la causa e intenta ayudar a Manfredi y los partisanos de la resistencia.

Está película se grabó mientras Italia seguía en guerra con los nazis, solo Roma había sido liberada; Rossellini hace una crónica y al mismo tiempo una denuncia moral sobre los horrores de la guerra.
Al mezclar una historia melodramática con un ambiento socio-político, muestra los sentimientos de y la desolación de la posguerra, en una sociedad destruida. Se grabó en los escenarios reales donde hubieron la guerras.
En este film, se comenzó a utilizar a actores naturales, aunque también hubieron profesionales.


Obsesión (Ossessione) 1943

Director:  Luchino Visconti

Cuenta la historia de un triangulo amoroso, Gino, quién es una especie de andariego que llegó a hospedarse y trabajar a un restaurante. En ese lugar conoce a Giovanna, la cocinera y esposa de Guiseppe, el dueño del restaurante, por quien Giovanna ya no siente amor, debido a su maltrato.
Gino y Giovanna apenas se ven, sienten una fuerte atracción que los lleva a involucrarse sentimentalmente. No obstante, por culpa de que ella es casada, ellos no podían disfrutar su amor libremente, entonces planean asesinar al esposo de Giovanna, y así poder estar juntos siempre.

Obsesión se considerar la precursora del neorrealismo italiano, porque se hizo bajo el gobierno fascista y de censura de Mussolini.
Este film, es una adaptación del libro 'El Carteros siempre llama dos Veces', del escritor de literatura clásica estadounidense James M. Cain. Esta obra le permitió a Visconti, por llevar al cine escenarios naturales, el empobrecimiento y la miseria en que estaba sumida el sur de Italia. Un andariego que trata de sobrevivir a la pobreza, y una mujer que renuncia a sus comodidades para estar al lado de la persona que quiere. El neorrealismo está también puesto, en cada personaje, y la tristeza que cada uno lleva.

Muestran escenarios reales, como una vieja y abandonada estación de tren, un hotel donde llegan trabajadores explotados en busca de alcohol. El lugar donde se ven hombres trabajando, un barrio muy precario. 

 

Fue un movimiento fílmico vanguardista iniciado en 1995 por los directores daneses Lars von Trier y Thomas Vinterberg, quienes redactaron el “Manifiesto del Dogma 95” y el “Voto de Castidad”

 

Este movimiento buscaba volver a las raíces del séptimo arte, despojándose de todo y aferrándose a la máxima de que para hacer una película solo se necesita una cámara, un grupo de actores y un buen guión. La mayor parte de sus representantes eran artistas daneses, pero este grupo de directores tenía algo en común más allá de su tierra: una aberración hacia el sistema hollywoodense de las superproducciones.

 

Ellos se oponían a los universos prefabricados y a la artificialidad de la ficción. Con una cámara al hombro, nada de trípode ni steady cams, el énfasis estaba puesto en la potencia del guion y su interpretación. Así comenzaron a salir, a finales de los 90 y principios del 2000, una serie de películas que descolocó a gran parte de la cinefilia. Como sucedió con el punk en la música, en el cine el Dogma no buscaba ser querido en su totalidad.

CARACTERÍSTICAS 

Las películas del Dogma 95 se oponían a los universos prefabricados y a la artificialidad de la ficción. Con una cámara al hombro, nada de trípode ni steady cams, el énfasis estaba puesto en la potencia del guion y su interpretación. Así comenzaron a salir, a finales de los 90 y principios del 2000, una serie de películas que descolocó a gran parte de la cinefilia.

Las películas que integraban el Dogma 95 eran de lo más variadas en temáticas. Si bien una de las reglas era no hacer películas de género, se las tenía que distinguir por ciertos tamices. Pero si se presta atención, todas las películas rompen con algún ítem del manifiesto, porque el sentimiento más punk del movimiento es que toda regla existe para romperla, incluso las promulgadas por ellos mismos. 

El movimiento había nacido para demostrarle al mundo una forma diferente de hacer películas, pero se encerraron una vez que se encontraron con que todo el mundo podía hacer una película Dogma. La contradicción estuvo en alardear algo popular y luego institucionalizarse.

AUTORES

Lars Von Trier (1956)

Cineasta conocido por sus películas oscuras e intensas. Reconocido por establecer su propio género en la industria del cine con una carrera prolífica y controvertida. Estudió cine en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca. 

En el año 1995, junto a otros cineastas daneses, elabora las bases del Dogma 95, movimiento estético y cinematográfico que defiende la pureza artística y exige que todas las películas se filmen con luz natural, sin trucos de montaje, sin música añadida y sin flashbacks.

Dirigió la aclamada Rompiendo las olas, ganadora de el Gran Premio del Jurado del Festival de Cine de Cannes de 1996 y una Nominación de la Academia de Hollywood para Emily Watson como Mejor Actriz Principal.

Søren Kragh-Jacobsen (1947)

Es un director de cine danés, además de músico y compositor. Comenzó a ser conocido en Dinamarca como músico. Estudió en la escuela de cine de Praga y volvió a Dinamarca donde ha dirigido y escrito películas y producciones televisivas. Además, es uno de los co-fundadores del movimiento cinematográfico Dogma 95. Actualmente vive en Copenhague con su mujer y sus dos hijos.

Ha sido reconocido internacionalmente con premios como el Oso de Plata Gran premio del jurado - Berlín 1999 de la Berlinale (por Mifune) o el emmy por La isla de Bird Street.

 

Thomas Vitenberg (1969)

Es un director de cine, cofundador del movimiento cinematográfico Dogma 95, con el que se buscaba recuperar la pureza del cine estableciendo estrictas reglas para simplificar la producción de películas. Esta propuesta tan radical y agresiva se plasmó en una docena de películas que tuvieron una gran repercusión en el mundo del cine. Las más recientes obras de Vinterberg no respetan esos postulados

Con La celebración de 1998 colaboró con el movimiento Dogma y se convirtió en un autor conocido en todo el mundo. Cabe destacar que en los créditos de la película y en IMDB no aparece ningún director, sin embargo, tanto él como la película recibieron numerosas nominaciones y premios.

Kristian Levring (1957)

Ha vivido ocho años en Francia, como complemento para su formación como cineasta. Graduado en edición en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca, ha trabajado en la producción de un gran número de documentales y películas. Además de toda su labor como documentalista y editor, Kristian Levring ha dirigido en solitario tres películas: Et skud fra hjertet (1986), The King is Alive (2000) y The Intended (2002).

FILMS IMPORTANTES

“La celebración” (1998) 

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=vKe_AxTFGXc&ab_channel=NimbusFilm

 

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=sWaPAQwDS5s&ab_channel=isthemoviegood

 

“La última canción de Mifune” (1999) 

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=o6PsTbD8tZQ&ab_channel=NimbusFilm

‘’Fuckland’’ (2000)

Trailer:
 https://www.youtube.com/watch?v=d5b5ScVN7OQ
 

Trailer:
 https://www.youtube.com/watch?v=EMbADYIJE5g


 

  RESEÑAS

 “A MEDIA ESCALERA” (2002) 
DE ANDREAS DRESEN

 
"A media escalera" (en alemán, "Halbe Treppe") es una película alemana del 2002 dirigida por Andreas Dresen que narra la vida cotidiana de un grupo de amigos que residen en un barrio de Berlín. La trama se centra en la relación entre dos parejas, Katrin y Chris, y Uwe y Ellen, y en cómo su amistad y amor se ven afectados por el aburrimiento y la monotonía de su rutina diaria.

La película es una reflexión sobre la vida en la ciudad, la soledad y la búsqueda de la felicidad. Dresen utiliza un estilo de cine directo y realista que se centra en los personajes y en su cotidianidad. La banda sonora juega un papel importante en la película, con canciones que reflejan el ambiente de la ciudad y la situación emocional de los personajes.

En definitiva, "A media escalera" es una película cautivadora y conmovedora que ofrece una visión realista y auténtica de la vida en la ciudad y de las relaciones humanas. Es una película que invita a la reflexión sobre la vida, el amor y la amistad.

 
 

“La celebración” (en danés, Festen) es una película danesa del año 1998, dirigida por Thomas Vinterberg y co-escrita por Vinterberg y Mogens Rukov. La trama sigue a una familia acomodada que se reúne para celebrar el cumpleaños del padre en una granja en Dinamarca. La celebración se ve afectada cuando el hijo mayor, Christian, revela un secreto oscuro sobre su padre.

 

Siguiendo las características del movimiento, la película se enfoca en la idea de volver al cine en su forma más pura y auténtica, por lo que la película fue filmada con una cámara de mano y utilizando técnicas de iluminación natural. Además, se utilizaron actores no profesionales para algunos de los papeles, lo que le dio un sentido de autenticidad y espontaneidad.

 

La película trata temas muy sensibles como el abuso, la represión emocional y la disfunción familiar. La actuación de los actores es sobresaliente, especialmente la interpretación de Ulrich Thomsen como Christian. Los diálogos son fuertes y directos, lo que hace que la película sea muy impactante emocionalmente.

 

"Festen" es una película impactante que explora temas oscuros y difíciles, pero también aborda la importancia de enfrentar la verdad y confrontar los problemas familiares. La película recibió el premio del jurado en el Festival de Cannes en 1998 y es considerada como una de las mejores películas danesas de todos los tiempos.