bermellón, el amarillo limón, el azul ultramarino, el verde esmeralda junto con el blanco y negro. En la obra consigue una personal y extraña sensación

atmosférica. 

Antoni Tápies nace en Barcelona el 13 de diciembre de 1923 y muere el 6 de febrero de 2012 

En su adolescencia sufre una enfermedad pulmonar que le hace abandonar los estudios de Derecho y, en el comienzo de su andadura artística, hacia los años cuarenta. 

En 1948 expuso por primera vez su obra en el I Salón de Octubre de Barcelona, mostrando dos obras de 1947: Pintura y Encolado. Viajó a París (1950), donde consiguió exponer en el concurso internacional Carnegie de Pittsburgh, y donde conoció a Picasso. Fue seleccionado para representar a España en la Bienal de Venecia, donde participó varias veces. Expuso en Chicago y Madrid; en el mismo año en el que la marchante Martha Jackson le organizó una exposición en Nueva York, dándolo a conocer en Estados Unidos.

En 1960 participó en la exposición New Spanish Painting and Sculpture en el MOMA de Nueva York. Se dedicó al cartelismo, realizando en 1984 una exposición con su principal obra cartelística, así como a la producción gráfica, no dejó de recibir numerosos reconocimientos tanto a nivel nacional como internacional, organizándose exposiciones retrospectivas de su obra en los mejores museos y galerías del mundo. Debido a los estragos de la II Guerra Mundial y el lanzamiento de la bomba atómica, expresó su interés por el polvo, la tierra, la materia y los átomos a través de técnicas innovadoras. 

El autor dio una clase magistral sobre cómo debe dibujar un artista.En primer lugar, se trata de medir el tamaño de la hoja de papel y se empieza a definir la forma de un rinoceronte, por ejemplo. Pero luego, cuando se da un paso hacia atrás, puedes ver lo mal que está dibujado, y que el imbécil que lo ha hecho tendría que saber hacerlo mejor. Después de cuarenta años de dibujo,Kentridge afirmó que su dibujo era realmente malo ,diciéndole a los alumnos ‘’Entonces se le da la instrucción de que vuelva y lo haga mejor. Y luego dice: bueno, es verdad, no es tan fácil, y ese diálogo continúa siempre´´.

El artista ,nacido en Johannesburgo en 1955 e hijo de un abogado antiapartheid, Kentridge comenzó su formación superior cursando estudios de Ciencias Políticas y Estudios Africanos. Posteriormente se matriculó en Bellas Artes en la fundación de Arte de Johannesburgo. En la década de 1980 cursó estudios de teatro en París. Sin duda su formación multidisciplinar le convierte en un artista único pues en su obra combina el cine con el dibujo, el diseño y el teatro.

Sus mayores referentes son referentes: Goya, Picasso y Max Beckmann.También lo son sus padres,ambos abogados comprometidos con la lucha antiapartheid. Su padre fue defensor de Nelson Mandela y Desmond Tutu. Gracias a la educación recibida en su casa, Kentridge considera que en su  condición de sudafricano, blanco y privilegiado, lo menos que puede hacer es trabajar duro.

Es imposible clasificar a Kentridge en un solo estilo,ya que es contemporáneo,multidisciplinar,polimórfico,y su mayor cualidad es la de su compromiso contra la lucha antiapartheid,reflejado constantemente en su obra. El carboncillo es su fundamental forma  de expresión alternándose con incursiones en el mundo del cine y el teatro. Comienza a tener relevancia en los años 80 a través de una serie de dibujos a gran escala. En su primera obra abordó el apartheid en pósteres para los sindicatos. 

Extiende su plástica a montajes de ópera y teatro con obras que han sido representadas desde la Biennale de Venecia a la Documenta de Kassel, el Reina Sofía o el MET de Nueva York. Obras llenas de poética,incertidumbre, movimiento y provisionalidad que encuentran en el absurdo un hilo conductor para interpretar la realidad.Funda la incubadora The Centre for the Less Good Idea para potenciar una manera de crear más abierta entre músicos, bailarines y artistas. 

 

Kentridge considera que podría ser un buen pintor amateur ya que se le  dan bien las naturalezas muertas, pero los materiales de la pintura no le sirven para entender el mundo, eso solo puede darse  el dibujo. Para él, el dibujo es una forma de reflexionar.

Para terminar de conocer bien al autor,es necesario saber algunos datos que él mismo ha dado , como que :´´Hay un tipo de arte político que tiene que ver con la representación de las certezas, pero a mi me interesa más la ambigüedad y la incertidumbre’’ y por último : “Para oponerse al ‘apartheid’ viviendo en él, uno debía aprender a convivir con la contradicción. Mi familia eligió esa opción para enfrentarse a él desde dentro”,

-El artista ,nacido en Johannesburgo en 1955, comenzó su formación superior cursando estudios de Ciencias Políticas y Estudios Africanos. Posteriormente se matriculó en Bellas Artes en la fundación de Arte de Johannesburgo. En la década de 1980 cursó estudios de teatro en París. Sin duda su formación multidisciplinar le convierte en un artista único pues en su obra combina el cine con el dibujo, el diseño y el teatro.

 

Extiende su plástica a montajes de ópera y teatro con obras que han sido representadas.

-Kentridge considera que podría ser un buen pintor amateur ya que se le  dan bien las naturalezas muertas, pero los materiales de la pintura no le sirven para entender el mundo, eso solo puede darse  el dibujo. Para él, el dibujo es una forma de reflexionar.

En los primeros años 90, su obra estuvo centrada en el trabajo en madera.

En 1966 realiza su primera exposición individual en la galería Benedet de Oviedo.

En la actualidad es profesor de la Escuela de Artes Aplicadas de Oviedo.

Para Saura, la risa es muy importante porque forma parte de la cultura española, de la fiesta, y de la poesía moderna. En el caso de la serigrafía de la colección, se dan además algunos elementos de la cultura popular como la música o el cómic.
Otra particularidad de la obra gráfica de Saura es que, mientras que en sus pinturas utiliza una paleta que prácticamente se reduce al negro, blanco y gris, aquí introduce un colorido que va en consonancia con la escena representada, rojos, azules, anaranjados o amarillos acompañados del color plateado de las envolturas de chewin gum que introduce como collage. 
El "Coctail Party" de nuestra colección forma parte de una serie, aunque en realidad el artista revisita el tema en diversas ocasiones, de ahí que encontremos otros "Cocktail Party" en lugares como el Metropolitan de Nueva York o en la colección del Museo de Arte Abstracto de Cuenca.

De salud frágil desde la infancia, el pintor confiesa su ilusión por la vida y los coqueteos continuos con la muerte que se ven reflejados en sus cuadros. La pintura ha sido su terapia contra el dolor y la enfermedad.

Autodidacta que por primera vez expone en Madrid, viaja a París en el año 1951. Vuelve en 1954 hasta 1956, donde contacta con el surrealismo, muy pronto lo abandona y comienza a explorar el mundo de la abstracción. 

En España, fundó el grupo El Paso junto a otros artistas, que también están representados en la colección del Bernaldo de Quirós.

En su etapa de madurez, evoluciona hacia un estilo absolutamente personal teniendo como referentes a maestros españoles como Goya o Velázquez.

 

En este cuadro de gran tamaño, titulado Maternidad se aprecian dos figuras, una más grande que ocupa la gran parte del cuadro, y otra más pequeña entre los brazos de la anterior. Se puede deducir que es el cuerpo de una madre sosteniendo a su hijo. Todos los colores utilizados en el cuadro son en tonos pastel con el fondo negro, usa diferentes graduaciones del color carne, color piel, oscureciéndose a medida que se acerca al útero de la mujer. se trata de un oleo sobre tela.

La iluminación se proyecta de arriba hacia abajo, incidiendo más en la figura más pequeña, el autor considerará esa figura la más importante.  El hecho de que la figura de mayor tamaño no tenga cabeza, puede significar, que lo más importante de la maternidad está en sus anchas caderas, ya que eso es una parte fundamental para el parto, nos recuerda a las antiguas venus prehistóricas.

 

Por lo tanto, el cuadro no es realista, únicamente “dibuja” a través de formas redondeadas hacienso alusión al físico de una mujer.

«Sólo vivía para pintar y dibujar», declaraba su viuda, que contó luego que siguió haciéndolo, al menos dibujar, mientras su salud se lo permitió. En cierto modo, a los del impresionista francés.

El artista tuvo que afrontar la muerte de su única hija, Sandra, en un accidente de tráfico, una tragedia personal que marcó su vida y la de su esposa y que cambió profundamente su relación con la pintura.

Habitual de las tertulias y muy amigo de sus amigos, construyó en La Corrapiedra, en Las Caldas, un hogar para su familia y un lugar para recibir a sus amistades. Allí Manuel y Pilar crearon un microcosmos de cariño, de recuerdos, de buenos momentos y bastantes lágrimas, rodeados de cuadros, antigüedades y objetos de todo tipo que tenían una pequeña historia afectiva.

En 1960 Manuel del Río Castro (nacido en San Julián de Mos, Lugo, en 1926) tomó posesión de su plaza como docente en el Instituto Femenino de Enseñanza Media. Desde entonces ha vivido siempre en nuestra ciudad, como profesor en el Aramo, en la Escuela de Artes y Oficios y en la Escuela Universitaria de Magisterio, ocupando la cátedra de Expresión Plástica hasta su jubilación.

Había estudiado Manuel en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando gracias a la concesión de una beca de la Diputación de Lugo. Una vez finalizada la carrera se estableció durante seis años en París, malviviendo en una modesta buhardilla de Montmartre junto con el pintor extremeño Antonio Martín Romo, condiscípulo suyo en Madrid.     En un ángulo de la finca está el estudio de Manuel, un edificio abarrotado de pinturas, utensilios, recortes de prensa, libros y apuntes. Porque para él la pintura no era sólo un oficio, era una forma de entender la vida, una rutina diaria, incluso una obsesión. Su obra, pintada al óleo en su inmensa mayoría, incluye, además de paisajes asturianos, retratos familiares, estudios de la figura humana y bodegones. «Sólo vivía para pintar y dibujar», declaraba ayer su viuda, que contó luego que siguió haciéndolo, al menos dibujar, mientras su salud se lo permitió

Su obra, pintada al óleo en su inmensa mayoría, incluye, además de paisajes asturianos, retratos familiares, estudios de la figura humana y bodegones. Algún crítico se refirió a él como «el Cézanne asturiano» porque su técnica y su estilo recuerdan, en cierto modo, a los del impresionista francés. Aunque era poco amigo de exponer sus cuadros, Miguel del Río protagonizó una exposición en el año 1998 en el Centro de Arte Moderno «Ciudad de Oviedo», ahora desaparecido, que fue organizada por el Ayuntamiento y la Universidad de Oviedo.El artista tuvo que afrontar la muerte de su única hija, Sandra, en un accidente de tráfico, una tragedia personal que marcó su vida y la de su esposa y que cambió profundamente su relación con la pintura.Sus amigos le recordarán como un hombre bueno y afable, al que su viuda, Pilar Balsa, define como «un hombre entrañable, amigo de sus amigos y que sólo vivía para la pintura».

Es un pintura de pequeño formato que recrea un paisaje asturiano. En primer plano aparece una construcción típica de Asturias que se funde con el paisaje: pradera, árboles y montañas al fondo.

Usa tonalidades pasteles, y mezcla colores fríos( azules, morados) con algunos cálidos (rojo de las tejas)

En cuanto a las líneas: predominan las rectas en la cabaña y perpendiculares en las montañas.

Tuvo estudios de filosofía y letras, aunque los abandonó debido a la guerra.  Después de esto adopta el pseudónimo de Manuel Viola y se exilia a Francia donde empieza a exponer obras en la Escuela Española de París.

En 1949 regresa a España y 9 años después se integra al grupo pictórico de vanguardia El Paso. Se le consideraba alguien culto, aunque su apariencia fuera completamente diferente.

Para obtener su posterior pintura desde 1957, con La Saeta, de 1958, como emblemático cuadro, utiliza diversos componentes que combina con pocas variantes. Los fondos suelen ser negros, a veces algo alterados por otros colores, para que tengan un tono misterioso y dramático.

Hecho en una tabla de táblex (tablero de fibra de alta densidad) hecho con un estilo abstracto, surrealista y expresionista.

Utiliza tanto pinceladas gruesas como finas para dar volumen y dimensión a la obra 

Luz, espacio y vacío son los elementos que Viola destacaba más. Tiene un tratamiento en sus pinturas colorista e informalista.

En sus primeras pinturas figurativas usa temas como los gallos de pelea, cabezas de toreros y rostros de figuras masculinas y femeninas.

su primer período abstracto fue entre 1950 y 1956. Las abstracciones de 1950 tienen dos vertientes, preludio, en un caso, de los cuadros que representan el inicio de su obra personal, desde 1956, con el famoso cuadro La fragua.

En 1980 le otorgan La Medalla de Oro de la Ciudad de Zaragoza, en 1984 termina el telón de embocadura para la Compañía de Teatro Vocacional del Real Coliseo de Carlos III de El Escorial.