Fecha: Paleolítico Superior; 26.000-24.000 antes de 1950.

Autor: Desconocido

Dimensiones (en cm): 3.65 cm de altura, 2.2 cm de ancho, 1.9 cm de grosor

Material: Marfil de mamut

Lugar y fecha de descubrimiento: Grotte du Pape, Yacimiento de Brassempouy, Francia; s. XIX. 

Lugar en el que se encuentra: Museo de Arqueología Nacional, en Saint-Germain-en-Laye, Francia. 

La Venus de Brassempouy es un artefacto diseñado en el Paleolítico Superior. Fue encontrado en la Grotte du Pape, cerca a Brassempouy, Francia a finales del siglo XIX. Su nombre se deriva de la época en la que fue encontrada; surgió como forma de simbolizar la belleza y maternidad de las mujeres (White, 2006). Actualmente, se encuentra en el Museo de Arqueología Nacional en Saint-Germain-en-Laye.

 

La pieza muestra la representación tridimensional del rostro de una mujer. Específicamente, se observa que el autor desarrolló las facciones de los ojos, la nariz y el cabello, y omitió la boca. Se ha señalado que es una mujer por su cabello o tocado. Llama la atención que este parece ser la representación del cabello crespo. Podría argumentarse que la pieza es la representación de la mujer y que el autor no tenía la intención de hacer un retrato. Sin embargo, también podría intuirse que la pieza es un retrato si se utiliza la definición de Martínez-Artero (2004) de que es la representación de una mujer, ya que no se tiene certeza de si es una pieza simbólica o si es la representación actual de una persona.

 

Las dimensiones de la pieza y la caza como forma de supervivencia en el periodo Paleolítico (Jones et al., 2003) lleva a intuir que el artefacto fue diseñado para ser transportado. Adicionalmente, el material de la pieza es marfil de un Mamut, lo cuál puede asociarse con la posibilidad de desarrollar las piezas utilizando materiales accesibles para ellos. Por último, se observa que está rota en el cuello, lo que lleva a pensar que el resto de la figura puede ser similar a otras piezas de mujeres de la época -cadera y busto pronunciado-.

 
Referencia Ficha Técnica:

Google Arts & Culture (2022). Venus de Brassempouy. Recuperado en https://artsandculture.google.com/asset/venus-of-brassempouy/YQFAmrp33jswYg?hl=es

Jones, D., Gamble, C., Bahn, P., Hahn, J., Andersen, S., Bogucki, P., Eogan, P., Harding, A. y Champion, S. (2003). Prehistoric Europe. Oxford Art Online.

Martínez-Artero, R. (2004). El retrato. Del sujeto en el retrato. Barcelona: Montesinos.

White, R. (2006). The women of Brassempouy: A century of research and interpretation. Journal of Archeological Method and Theory, 13(4), 251-304.

  

 

Lo primero que resalta de la obra es la simetría entre ambos lados del rostro, un claro ejemplo de  la simplicidad y solemnidad clásica del estilo del Antiguo Egipto, y su mayor enfoque en la perfección que en la belleza (Gombrich, 1992). Lo segundo que resalta son los detalles en las mejillas, cuello y cejas, y la utilización de los colores ¿Cuáles colores? en la piel y corona que hacen que la obra se perciba como una representación realista de la reina. Si bien existe la perfección en el retrato, en este periodo de tiempo hubo una transformación cultural que llevó a un cambió en la forma de hacer arte, por lo que se plasmó un mayor realismo que en periodos anteriores (Gombrich, 1992). 

 

Lo tercero que resalta a la vista en la pieza es la diferencia entre los dos ojos. Se observa una representación exacta del ojo derecho y un vacío en el espacio del ojo izquierdo. Se han elaborado varias teorías al respecto, pero aquellas que han tenido más peso son que esta era un modelo para realizar otras piezas o que no pudo ser concluida y que tenía un fin de contemplación y no de permanencia en un espacio privado como las obras de arte características de la época realizadas para rituales funerarios (Gombrich, 1992). Podría considerarse que esta pieza se desarrolló por la importancia que tuvo la reina en Egipto ya que ella acompañaba a su esposo en todas las decisiones políticas y religiosas (Staatliche Museen zu Berlin, 2022).  

Referencia Ficha Técnica:
Google Arts & Culture (2022). Bust of Queen Nefertiti. Recuperado en https://artsandculture.google.com/asset/bust-of-queen-nefertiti-thutmosis/4gELir_-zWAaIg

Referencias:
Gombrich, E.H. (1992). Historia del arte (15a. ed.). Madrid: Alianza.
Maes, H. (2015). What is a portrait? British Journal of Aesthetics. 55(3), 303-322.
Martínez-Artero, R. (2004). El retrato. Del sujeto en el retrato. Barcelona: Montesinos.
Museo Egipcio de Berlín (2022). Room 2.10: Bust of Queen Nefertiti. Recuperado en http://www.egyptian-museum-berlin.com/c53.php

Staatliche Museen zu Berlin (2022). Bust of Nefertiti. Recuperado en https://www.smb.museum/en/museums-institutions/aegyptisches-museum-und-papyrussammlung/collection-research/bust-of-nefertiti/

Título: Cabeza de Arundel

Fecha: 199-100 aC; arte griego helenístico

Autor: desconocido

Dimensiones (en cm): 29.21 cm

Material: bronce

Ubicación actual: British Museum

Título: Retrato de Pericles

Fecha: 430 aC; arte griego clásico

Autor: desconocido

Dimensiones (en cm): 58.4 cm

Material: mármol

Ubicación actual: British Museum

El retrato de Pericles es una de las copias romanas en mármol de un retrato del periodo clásico de Grecia en bronce. Este objeto representa a un hombre de mediana edad con un casco corintio, el cual se ha identificado como el político Pericles por la inscripción que aparece en la parte inferior del busto y su semejanza con otras obras que lo identifican. De la obra se destaca su barba y pelo crespo, su forma alargada del rostro, sus cejas y ojos proporcionalmente trazados, y su boca ligeramente abierta. 

 

La cabeza de Arundel es una obra en bronce del periodo helenístico de Grecia. Este objeto representa a un hombre de mediana edad. De la obra se destaca su boca ligeramente abierta, su barba y cabello grueso recogido con una banda, sus rasgos faciales marcados tales como sus mejillas y frente arrugada y ojeras bajo sus ojos. Se cree que esta es la representación del poeta Sófocles. 

 

Ambos podrían definirse como retratos al representar a sujetos específicos con características físicas que permiten distinguirlos (Martínez-Artero, 2004). Además, las obras originales de ambos estaban realizadas en bronce, el cual se utilizaba por su facilidad de trabajo. Sin embargo, se observan diferencias entre ambas obras. Se observa que el retrato de Sofocles es un retrato mucho más realista que el retrato de Pericles. El primero muestra un rostro con líneas de expresión y ojeras que no se observa en el segundo, el cual fue representado de forma más idealizada. Además, hay una diferencia entre sus expresiones de carácter. Si bien ambos reflejan serenidad y autoridad, el primero refleja una actitud pensativa en los ojos que pareciera estuvieran mirando hacia abajo y su ceño que está fruncido, mientras que el segundo no refleja ninguna expresión en particular. Adicionalmente, el material del primero refleja mayor similitud con la corporalidad humana en movimiento mientras que el del segundo refleja una mayor rigidez (Smith, 2016).

Referencias Fichas Técnicas:

British Museum (2022). The Arundel head. Recuperado en https://www.britishmuseum.org/collection/object/G_1760-0919-1

British Museum (2022). Portrait bust. Recuperado en https://www.britishmuseum.org/collection/object/G_1805-0703-91

Google Arts & Culture (2022). Bronze head from a full-length portrait. Recuperado en https://artsandculture.google.com/asset/bronze-head-from-a-full-length-portrait/jQEVde_TzziqUw?ms=%7B%22x%22%3A0.5%2C%22y%22%3A0.5%2C%22z%22%3A9.191099037663793%2C%22size%22%3A%7B%22width%22%3A1.0302547770700634%2C%22height%22%3A1.6523273749947387%7D%7D

Referencias

Smith, R. (2016). “Power and pathos”: Hellenistic bronzes as realism in the flesh. The New York Times. Recuperado en https://www.nytimes.com/2015/12/25/arts/design/power-and-pathos-hellenistic-bronzes-as-realism-in-the-flesh.html

Titulo: Retrato en mármol del emperador Caracalla

Fecha: 212-217 d.C.

Artista: Desconocido

Material: mármol

Dimensiones (en cm): 36.2 cm

Ubicación actual: Museo de Arte Metropolitano de Nueva York

 

 

El retrato de mármol del emperador Caracalla es una obra de autor desconocido de la Roma imperial tardía. En este es posible observar el rostro rectangular del emperador, el cual se cree está inclinado a la izquierda como una forma de parecerse a Alejandro Magno (Fondazione Torlonia, 2022; ). De la obra se resalta la musculatura marcada de la frente y mejillas del emperador, que pareciera formar una X en el centro de su rostro (Canal Smarthistory, 2018). Se cree que el artista lo representó de esta forma para que se viera imponente e intimidante. A este emperador se le atribuyen múltiples muertes, incluyendo de la de su hermano.

 

Adicionalmente, se resalta la forma de realizar el vello facial. El artista lo realizó insertando una herramienta en el mármol en vez de representarla en tres dimensiones, lo cual hace que se vea más realista. Este vello y su cabello en toda la parte de atrás de su cabeza representan un estilo de corte utilizado por los militares en momentos de guerra, lo cual simboliza la fortaleza militar que tuvo durante su periodo de gobierno. 

 

Más aún, se observa que el emperador fue representado mirando hacia arriba, lo que algunos autores creen fue para simbolizar su propia creencia de que los emperadores eran divinidades (Canal Art History 101, 2017). Otros autores creen que fue una forma de representar la presencia y constante observación al pueblo por parte del emperador para mantener el orden en un periodo en el que hubo inestabilidad política y económica (Canal Smarthistory, 2018). 

 

Se puede catalogar a esta obra como un retrato porque representa a un sujeto en su corporalidad e individualidad (Martínez-Artero, 2004). Más aún, se han encontrado múltiples estatuas que representan al mismo sujeto como aquellas en el British Museum y la Fondazione Torlonia, lo que permite identificar a la obra como un retrato. Este tipo de retrato siguió realizándose en múltiples periodos de gobierno, lo cuál marcó un cambio en la realización de retratos a comparación de periodos anteriores donde se representó a los emperadores de forma idealizada como ocurrió en la Grecia antigua.

 

Museo de arte Metropolitano de Nueva York (2022). Marble portrait of the emperor Caracalla. Recuperado en https://www.metmuseum.org/art/collection/search/253592

 

Canal Art History 101 (). Portrait of Caracalla [Archivo de Youtube]. Youtube. https://www.youtube.com/watch?v=dAkZSRUIDNo

Canal Smarthistory (28 de abril de 2018). Rome’s history in four faces at The Met [Archivo de Video]. Youtube. https://www.youtube.com/watch?v=gciDo_svj-A

Fondazione Torlonia (2022). Portrait of Caracalla on an Ancient Unrelated Bust. Recuperado en https://www.fondazionetorlonia.org/torlonia-collection/portrait-caracalla-1.html

Martínez-Artero, R. (2004). El retrato. Del sujeto en el retrato. Barcelona: Montesinos.

Título: 16 torres

Autor: Eduardo Ramírez Villamizar

Año: 1972

Material: concreto

 

Título: Aerolito

Autor: Eduardo Ramírez Villamizar

Año: 1992

Material: metal oxidado

 

 

Nota aclaratoria: se realiza este análisis comparativo sobre dos esculturas ya que uno de los guías menciona que Ramírez Villamizar no trabajo retratos dentro de su obra.  

 

La obra 16 torres de Eduardo Ramírez Villamizar ubicada en el centro de Bogotá sobre la avenida circunvalar es una escultura de 16 torres hechas en concreto. Cada una de estas torres está compuesta por dos rectángulos que no tienen línea inferior, los cuales están conectados entre sí en la parte inferior a cada uno de los lados del rectángulo. Se observa que entre cada una de estas torres se mantiene el mismo espacio y que estas están encima de una plataforma de concreto, la cual se encuentra encima de un monte lleno de pasto. En la foto es posible observar el tamaño de la obra: parecieran ser aproximadamente tres personas las que medirían lo mismo que la escultura. Al momento de su inauguración la obra contrastaba con el paísaje capitalino, el cual era bastante plano para la época.

 

La obra Aerolito del mismo autor es un cubo tridimensional de metal oxidado apoyado por una de sus puntas en una plataforma del mismo material. Es posible observar que el volumen del cubo no es totalmente de metal oxidado, sino que parte de este volumen fue cortado para dar origen a nueve torres del mismo material dentro del cubo. El tamaño de esta obra es de aproximadamente un tercio de una persona. 

 

Contrastando ambas obras, es posible observar que en ambas se ve la esencia del autor de trabajar figuras abstractas explorando la geometría. Sin embargo, existen diferencias marcadas entre ambas. En primer lugar, hay una diferencia en el tamaño de ambas. Una de estas se podría reproducir aproximadamente 9 veces para que alcanzara el mismo tamaño de la otra. Se cree que esta diferencia de tamaño puede ser por la intención del autor. En una de las piezas se cree estaba intentando simbolizar los edificios de Nueva York y el desarrollo que tendría Bogotá en periodos de tiempo subsiguiente imitando esta forma de desarrollo. Su tamaño podría verse como una sensación de pequeñez en medio de algo inmenso. La otra pieza es la representación del choque de material del espacio en la tierra, lo que representa lo pequeño de la tierra. 

Además, es posible observar la diferencia en materiales ya que una de estas es en concreto y la otra es en metal oxidado. Esto se cree puede ser porque en la primera obra se buscaba representar lo duradero de las estructuras y el ser humano, mientras que en la segunda se buscaba representar la fragilidad del tiempo y el cambio del ser humano. Así, hay un contraste entre la representación del papel del ser humano en ambas obras. Por último, si bien ambas están compuestas por figuras rectangulares, es posible observar que la obra de 16 torres busca que el rectángulo salga de la plataforma en el que está apoyado, mientras que en Aerolito el rectángulo se mete dentro del cubo. Esta “metida” dentro del cubo podría representar el choque entre el espacio y la tierra que hace que esta se contraiga. La “salida” de la otra obra podría representar el potencial del ser humano de acercarse al espacio mediante los edificios. 

 

Escrito y fichas técnicas basadas en la exposición Archivo Ramírez Villamizar, Cajas y Papeles, Centro Cívico, Universidad de los Andes.