Los colores que resalta son ocre y rosado, su semblante es de frescura, con sus brazos arriba demuestra un cuerpo sensual y su mirada refleja tranquilidad a quien posa para quien la pinta.

En lo personal, encuentro especialmente bella la disposición del cuerpo, el modelado cuidadoso del brazo en reposo habla de la importancia del dibujo y de la academia. La pose misma es una vuelta al pasado, recuerda a La Piedad de Miguel Ángel o al Santo Entierro de Caravaggio, lo que nos hace asociar al personaje principal con la figura del mártir. 

La Obra narra la historia de Napoleón a la cabeza de su gran ejercito atravesando los Alpes en 1800 para dirigir la invasión del norte de Italia mostrando su liderazgo un genio de ambición ilimitada, todo en la pintura es catalogado como épico, la composición de encuadre, el caballo encabritado el viento que agita la capa, el brazo señalando la cima de la montaña El simbolismo continúa en la parte frontal de la pintura, donde es posible leer inscripciones con los nombres de Bonaparte, Aníbal y Carlomagno,  el rostro de Bonaparte donde el artista no necesitaba pintar su rostro sino su carácter es una imagen exageradamente del personaje  , porque  en realidad en el viaje Napoleón iba en mula con ropa normal de campaña sin traje  y sin ejercito solo con un guía de la zona, la obra fue un poderoso recurso de propaganda política. David realizo cinco copias mas donde el gesto del  emperador  cambia  y están destinadas a un palacio distinto. 

1795 - 1800. Óleo sobre lienzo, 97,3 x 190,6 cm

La obra de la maja desnuda esta inspirada en la diosa venus realizada por Goya entre 1795-1800, en ella  puedo admirar colores en tonos cálidos que tiene  una técnica más acabada ,más libre , más suelta, es un estilo romántico ;el tono oscuro del fondo y la luz que rodea el cuerpo nos transporta a un lugar intimo entre el artista y su musa, es una obra atrevida para la época de una mujer con una expresión  y  actitud que emana sensualidad  en la obra ,  ella se ve cómoda y tranquila.  se puede deducir que la luz entra por una pequeña ventana,   pero algo que noto en la obra es su cabeza la cual no logro encajarla en el cuerpo ...                                                                                             

 

Artista estadounidense que introduce el impresionismo en los Estados Unidos. Vive gran parte de su vida en Francia y logró formar parte, gracias a Degas del grupo de impresionistas que surgieron en la época. 

El baño de la niña, dejó ver la relación maternal entre madre e hija, tema recurrente en sus obras cargadas de naturalidad y sencillez, por ello se asegura que Mary Cassatt estuvo influenciada por el arte japones, debido a que el tema central, de sus obras, se basó en la cotidianidad y el paisaje. 

La suavidad de los colores, las pinceladas que trazan flores sobre sobre el jarrón, las paredes, el tapete del piso y las fuertes líneas del vestido, no distraen y permite detallar las luces que caen sobre la piel de la niña, la frente de la mujer y los trazos dentro de la tina de agua, que reflejan el movimiento de la misma en el jugueteo de los pies de un infante desnudo. Esta obra, causó revuelo y severas críticas, pero no le impidieron seguir representando la maternidad y la relación estrecha de madres e hijos en momentos o situaciones íntimas. 

 La artista rompió con el estigma, de que la mujer no podría acercarse al arte debido a que los espacios o escenarios eran solo para hombres e infortunadamente, a esto lo acompañó la apreciación de que ella no podría entender ni comprender la anatomía humana y que sus obras serían tildadas de mediocres. Afortunadamente, Mary Cassatt se convirtió en una de las pioneras del arte tanto en Francia como en Estado Unidos y se abrió paso entre los hombres más reconocidos del arte francés. 

delicadeza suficientes como para cerrar la 

mosquitera de la cuna de la niña.

Lo apagado del color, la fluidez de los tra-

zos, el estatismo de ambas figuras: todo 

invita al sosiego, a la calma, al silencio, al 

sueño. Si bien este cuadro goza de una ex-

celente salud estética, La Historia, que a veces hace justicia, lo ha 

elevado  a  la  cumbre  representativa  del 

sueño infantil, por encima de otros ejem-

plos  como  Jean  Monet  en  su  cuna,  de 

Claude Monet

Pienso que la obra continúa siendo revolucionaria porque el reconocimiento del cuerpo y su exploración sigue siendo un tema complejo socialmente. Sin restar importancia a la obra y bajo el conocimiento de que la pieza probablemente fue comisionada para un hombre, debo mencionar que también es la mirada masculina sobre el cuerpo de una mujer. 

Son varias las etapas de su vida. A través de sus múltiples viajes, de los altibajos que su temperamento sombrío ofrecía, anhelante de conocer nuevas culturas, de su afan por descubrirse, decide dejar a un lado su bienestar económico y por ende a su familia. Vuelve la  mirada a las formas rusticas y primitivas del dibujo y el color para expresar a través de ellos a la naturaleza, las emociones de su gente y el entorno a través de un lenguaje simbólico.
La visión tras el sermón, una de las obras donde el pintor, simboliza el sentimiento y el pensamiento de las mujeres que, influenciadas por el sermón dominical del sacerdote, evocan y representan la lucha de un personaje bíblico y un ser divino. Pareciera que el pintor procura contagiar al observador del gran misterio que envuelve a las mujeres, la interpretación y análisis de la obra se convierte en un asunto particular. 

En esta obra las figuras planas, los colores puros y los contornos de sus figuras delimitados con una línea oscura, algunas veces gruesas y en otras imperceptible es definida como una influencia del arte japones. 

Esta nueva forma de arte que Gauguin ofreció fue el camino hacia el arte abstracto y el surrealismo.

 

Me queda incierta la idea de Gauguin como la persona, comprendo sus continuos viajes de exploración, pero también soy consciente de que hace parte del colonialismo; además, como muchos de los artistas hombres en la historia, no puedo ignorar la fuerte relación de poder con sus parejas desde la edad. 

El espectador sólo tiene dos posibilidades, el unirse a la masa, o el ser arrasado por ella. El pueblo es la unión de clases: se representa al burgués con un autorretrato de  Delacroix con su sombrero de copa y empuñando el fusil, al lado un andrajoso y un herido que pide clemencia. Al fondo aparecen brumas y humos de la batalla que diluyen un barrio francés bastante realista. A los pies de la Libertad un moribundo la mira fijo indicándonos que ha valido la pena morir por ella.

En una carta fechada el 18 de octubre de 1830 escribió a su hermano: "He comenzado un cuadro de tema moderno, una barricada... y, si no he luchado por la patria, por lo menos pintaré para ella". 
Siendo clara la posición del artista. Llama la atención como el autor se pone a sí mismo dentro de la obra, se hace partícipe de la escena, nos refleja ese deseo idílico de lucha por sus creencias. Además, mostrar su participación individual dentro del suceso colectivo de manera más alegórica que presencial. Dejándonos a nuestra disposición una obra con una técnica excelente que en su simbología vislumbra las características principales del movimiento al que pertenece.

Destacar el equilibrio oscuro y brillante que nos hace oscilar entre: el sol y su proyección, para seguido volver al sol y continuar en dirección de aquel navegante que refleja, junto con el agua, el movimiento de la escena.

Manteniendo un equilibrio perfecto entre luces y sombras utilizadas para destacar los protagonistas de la imagen del fondo, previendo el uso de tonos azules verdaceos en compañía de sus complementarios rojizos, dando preferencia a un contraste que destaca al personaje principal de esta obra maestra: EL PUNTO ROJO, EL SOL NACIENTE

Cabe pensar que estas decisiones podrían ser alcanzadas por un artista con conocimientos básicos sobre el comportamiento del color. Que no son la gran cosa, sin embargo, esto solo evidencia las capacidades técnicas del autor, pues sus elecciones, tomadas a la perfección, acompañaron a una composición gestionada por un ojo entrenado por la experiencia que puede representar lo hermoso de lo efímero 

Todo lo que concierne a la obra es parte de ella, el titulo nos contextualiza y ubica en la calidez y fugacidad de un amanecer.

En mi opinión, el contexto, eso es lo que separa e inmortaliza para la historia del arte a esta obra. Lo revolucionario, el subconsciente colectivo madura y se permite fallar, apreciar lo hermoso del proceso, dejar de un lado el perfeccionismo, una pequeña trascendencia o ampliación de lo bello, se dejan a un lado los detalles innecesarios que el tiempo apremia dejar a un lado, debido a la fugacidad de los instantes referentes. En cierto aspecto, humanizamos el arte.

quién eres? de dónde vienes? adónde vas?

Ya podemos imaginarnos la infinidad de veces que a Gauguin se le fueron formuladas estas preguntas. A las que responde en un momento crítico en su vida y mientras se enfrentaba al deseo de terminar con su vida… Pareciera que con la idea de muerte siempre llega la de vida. Antes de entregarse al infinito busca pluralizarse, preguntarse y responder esas cuestiones que de no tenerse claras, nos afligen.

Gauguin se embarca hacia Tahití ya que necesitaba dejar a esa civilización europea que estaba gobernada por todo lo que era artificial y convencional. Los cansados europeos como Gauguin ( al menos esa era su visión ) pensaron que quizá allí encontrarían la belleza natural, sin estropear, del jardín del Edén y un pueblo que vivía en serena armonía en aquel paraíso terrenal. Así como expresa:

Los tahitianos han inventado la palabra "No artu", que significa "¡Me trae sin cuidado!". Aquí equivale prácticamente a una serenidad y naturalidad completas. No tienes idea de cómo me he acostumbrado a esa palabra. Con frecuencia la digo... y la comprendo. Paul Gauguin, carta a Georges Daniel de Monfreid, 7 de Noviembre de 1891

Cuando entramos en la obra podemos observar que es una lectura invertida, iniciando con el personaje de más edad, tapándose los oídos como quien no quiere aceptar su fin. En el otro extremo el bebe, cuidado por 3 mujeres tahitianas. En el medio el hombre que baja la fruta, la niña, los animales, las personas que hablan al fondo y el que las observa. Con esto nos responde, derecha a izquierda las 3 preguntas, las 3 etapas que nos resumen, las 3 cuestiones que al formularnos y decidir nos hace humanos

de donde venimos?, ¿quiénes somos? y a donde vamos?

Se observa una pieza que destaca por su horizontalidad, lo que enfatiza en su lectura más que en su observación aleatoria. Utilizando tonalidades que armonizan y reflejan aquella naturaleza que nos contiene y que contenemos. Dos composiciones triangulares y entre ellas el hombre central desplazado a la derecha. Cada una de ellas permite interpretar y enriquecer esa narrativa visual, que al igual que la historia cada página solo cobra sentido cuando se pone dentro de su libro.