Gabriel Miró (1879-1930) cultivó en “Nuestro padre San Damián” o “El obispo leproso”, que transcurren en Oleza (trasunto de Orihuela), lo que se llamó novela lírica: obras en las que la trama cede terreno a una elaborada descripción de ambientes y a un exquisito tratamiento de la psicología de los personajes. Miró recuerda el modernismo en su vertiente decadentista y entronca con la novela lírica de Azorín. Se puede destacar su excepcional capacidad para captar sensaciones, por la que Dámaso Alonso lo denominó “gran poeta en prosa”. Cabe destacar a Ramón Pérez de Ayala (1880-1962) Nacido en Oviedo, ciudad donde estudió Derecho y fue discípulo de Leopoldo Alas 'Clarín'. Realizó estudios en Inglaterra, Alemania e Italia. Durante la I Guerra Mundial fue corresponsal en Buenos Aires. En 1928 ingresó en la Real Academia Española. Estuvo vinculado con José Ortega y Gasset y con Gregorio Marañón a través de la Agrupación al servicio de la República, de la que fue embajador en Londres. Al estallar la guerra civil emigró a Buenos Aires, donde permaneció hasta 1954. Periodista y escritor de poesía, novela, ensayo y crítica, en su obra de ficción se reconocen dos etapas: En la primera, correspondiente a su época juvenil, aparece como un escritor realista con una visión pesimista de la vida, que se trasluce a través de una sutil ironía. Pertenecen a esta etapa una serie de novelas en parte autobiográficas (el protagonista, Alberto Díaz de Guzmán, es el alter ego del autor) como Tinieblas en las cumbres (1907), historia cruda de libertinaje, publicada con el pseudónimo de Plotino Cuevas; La pata de la raposa (1911), segunda parte de la anterior, análisis del amor puro y sensual; (1910), que causó cierto escándalo por su descripción de un internado administrado por jesuitas, y Troteras y danzaderas (1913), descripción de la vida bohemia de Madrid. En estas novelas se realizan algunos experimentos narrativos, como la alternancia de puntos de vista en contrapunto. De transición pueden considerarse las novelas cortas Prometeo, Luz de domingo, La caída de los limones y El ombligo del mundo, donde se encuentra una visión muy negra y sórdida de la brutalidad y violencia caciquista de la vida rural. Con Belarmino y Apolonio (1921) empieza su segunda etapa, donde abandona el realismo en favor del simbolismo caricaturesco y la novela se acerca al ensayo. En ella analiza el tema de la duda trascendental en un alma profundamente religiosa. Pertenecen también a esta etapa Luna de miel, luna de hiel (1923) y su segunda parte, Los trabajos de Urbano y Simona (1923). Se trata de la historia de dos jóvenes educados tan estrictamente que no saben qué es el sexo. Tigre Juan (1926) es considerada como la mejor novela de Pérez de Ayala, y refleja la evolución de un hombre extremadamente machista. La segunda parte, El curandero de su honra, constituye un sutilísimo examen psicológico del machismo, que coloca a Pérez de Ayala en la cima de la narrativa psicológica en castellano. El estilo de Ramón Pérez de Ayala se caracteriza por la ironía y un lenguaje donde abundan las alusiones, las citas encubiertas y la intertextualidad, así como, ocasionalmente, las técnicas degradantes del esperpento. También se sirve del perspectivismo y el contrapunto. Su afán innovador dio lugar a la llamada novela intelectual donde la acción no es lo más importante, sino los diálogos y las ideas que en ellos se defienden, así como el carácter alegórico de sus personajes.

Pérez de Ayala cierra pronto su obra narrativa. Publica sus novelas entre 1907 («Tinieblas en las cumbres») y 1929 («La revolución sentimental»), y se retira del género con esta última. A partir de entonces se dedica a asuntos públicos, a la política y a la diplomacia, y escribe preferentemente ensayos: género que se adecuaba mejor a su estilo pulido, artificioso, irónico, arcaizante, levemente humorístico, que se burla de sí mismo, que el género narrativo, muchas veces interrumpido por largos excursos o digresiones, a modo de expresiones ensayísticas intercaladas, que unas veces dispersan y otras detienen la acción. Como ensayista, Pérez de Ayala se manifiesta como uno de los escritores españoles más cultos de su tiempo.

La lectura de unos poemas de Rubén Darío alentó sus tendencias renovadoras, y los poetas románticos – Bécquer, Byron, Heine – cargaron sus versos de una melancolía muy acorde con sus aprensiones y temores. Llamado a Madrid en el año 1900 por Rubén y Villaespesa para apoyar el Modernismo, allí viajó con el manuscrito de su libro Nubes. Aconsejado por Rubén y Valle-Inclán, dividió la obra en dos volúmenes: Ninfeas y Almas de violeta, cuyo sentimentalismo adolescente le movió a repudiarlos en años posteriores. Después de estos libros de aprendizaje, toda su producción es una búsqueda incansable del absoluto a través de la poesía. Ya en Rimas de sombra (1902) se atenúa el tono exaltado inicial. Sus temas son la nostalgia, la persecución de algo misterioso y la presencia de la muerte, y conectan con el clima de esteticismo y decadentismo de la época. En 1903 publicó Arias tristes, y de este periodo son también Jardines lejanos y Pastorales, donde pese a la melancolía y el cromatismo, los metros sencillos (octosílabos, romances) y el lenguaje sobrio alejan a esta poesía del modernismo ornamental; se trata más bien de un intimismo simbolista con influencia de Bécquer, el Romancero y poetas catalanes y gallegos. Ensaya nuevas formas métricas e introduce elementos orientales (Las hojas verdes, 1905).

Los ropajes del Modernismo (1908-1915)

A partir de 1908 (Elejías) y hasta 1915 (La soledad sonora, Melancolía, Laberinto, Poemas májicos y dolientes…), se produce en su poesía un enriquecimiento de la métrica – alejandrinos, endecasílabos – una vigorización de los sentimientos y una variación en los colores, con uso destacable de la sinestesia; son los ropajes del Modernismo, como él los llamará, aunque su lenguaje es más intimista y depurado, con lo que adelanta la desnudez que caracterizará la siguiente etapa. Están presentes en sus versos el amor, la tristeza y la nostalgia. Le inquieta la fugacidad de lo vivo y reflexiona sobre el tema de su propia muerte.

El proceso de abstracción se intensifica en sus últimos libros: En el otro costado (1936-1942), que contiene el poema en prosa “Espacio”, Romances de Coral Gables (1948), centrado en el dolor de la soledad, y Dios deseado y deseante (1948-1949), poemario traspasado por un extraño misticismo “neoplatónico” donde ese “dios” se identifica con la naturaleza, con la belleza o con la propia conciencia creadora. Utiliza el verso libre y un lenguaje conceptual, profundo y oscuro. Crece, pues, en estos libros escritos en el exilio, la intensidad y la profundidad en el camino del conocimiento y la aspiración al absoluto. Se considera a Juan Ramón Jiménez el mayor renovador de la lírica española del siglo XX, ya que facilitó la aparición de las vanguardias y de la Generación del 27 al acercar a España la obra de los poetas extranjeros más innovadores (T. S. Eliot, Paul Valery, etc.). Pero su concepto elitista e íntimo de la poesía, dirigida “a la inmensa minoría”, le atrajo la crítica y el distanciamiento de autores más comprometidos con lo humano, como Pablo Neruda, que abogaron posteriormente por la “rehumanización” del arte. En definitiva, el inclasificable Juan Ramón se convierte en el escritor destacado de una generación sin otras figuras de primer orden, por lo que el novecentismo se puede considerar como un movimiento inaugural del siglo XX con más brillo por su esfuerzo teórico que por sus frutos literarios. A caballo entre el 98 y el 27, un poco oscurecido por ambos, sentó las bases de lo que será nuestra época contemporánea. 

Los ismos no forman un sistema coherente y cerrado; antes al contrario, son muy diversos y, a veces, contradictorios entre sí, pues frecuentemente una vanguardia se enfrenta a la anterior. Sin embargo, podemos señalar algunos rasgos comunes a todos ellos: · Su carácter de ruptura y revolución artística contra el arte del pasado, en especial contra el realismo. Pero también reaccionan contra la sensibilidad romántica y hacen gala, como los novecentistas, de un marcado antisentimentalismo. · Es innegable su pretensión de originalidad y novedad absolutas, su rechazo de normas y tradiciones y, en consecuencia, la búsqueda y experimentación constante de nuevas técnicas expresivas, a menudo por la vía de la provocación. Los vanguardistas, efectivamente, son provocadores: desprecian al gran público y a la burguesía, a la que buscan escandalizar con sus actitudes insolentes y agresivas. De lo anterior se deriva un alejamiento del gran público: el arte vanguardista es un arte para minorías. · Un rasgo común es su escasa duración: si exceptuamos el expresionismo y el surrealismo, los distintos movimientos se siguen unos a otros en intervalos de pocos años y duran poco en el panorama artístico. · La conciencia de grupo se expresa a través de los respectivos manifiestos con los que se dan a conocer y que, además de impugnar la tradición cultural, dejan traslucir frecuentemente la idea de que la revolución estética forma parte de un cambio más profundo, de carácter moral y social.aísmo y el creacionismo).

El EXPRESIONISMO (1905) surgió en los países germánicos. Hace hincapié en la expresión de las emociones interiores en los sentimientos más íntimos del ser humano (frente al “impresionismo” que captaba la realidad conocida a través del sentido de la vista). Los temas se refieren a la angustia, el miedo, la opresión,el mundo moderno masificado e inhumano. Se caracteriza por el uso de imágenes intensas y violentas y la insistencia en el poder de lo irracional. Se situarían en esta línea cuadros como El grito, del pintor noruego E. Munch, aunque es algo anterior.

El CUBISMO literario fue creado por el escritor francés Guillaume Apollinaire en 1913 como derivación del cubismo pictórico (Picasso, Braque, Gris). Se basa en los siguientes presupuestos: descomposición de la realidad para recomponerla después libremente mediante la simultaneidad de planos y el collage; importancia de la disposición tipográfica visual-espacial de las palabras, como en los famosos caligramas de Apollinaire, cuyos versos dibujan el objeto del que hablan. Son también rasgos característicos el antisentimentalismo y el humor.

El FUTURISMO (primer manifiesto en 1909) lanzó una estética que ensalzaba la civilización urbana y las máquinas. “¡Matemos el claro de luna!”, decían; “un automóvil es más bello que la Victoria de Samotracia”, decía MARINETTI, el creador del futurismo. Los aviones, las fábricas, las muchedumbres, las ciudades se convirtieron en temas predilectos (poemas dedicados a automóviles, a una máquina de escribir...). En el Manifiesto del Futurismo, dicen: “Cantaremos las grandes multitudes agitadas por el trabajo, por el placer y por la insurrección [...]; las fábricas erguidas a las nubes por las retorcidas espirales de sus humaredas; los puentes semejantes a gimnastas gigantes, que cabalgan sobre los ríos, relampagueantes al sol con esplendor de puñales...”

El DADAÍSMO (1917). El nombre de Dadá surgió abriendo un diccionario al azar; ‘dada’ es una voz infantil, un balbuceo; su líder es el rumano TRISTÁN TZARA. Rechazaba no sólo los valores estéticos aceptados, sino el estado de cosas que había conducido al desastre de la Guerra Mundial. Reivindicaron la negación total, la rebeldía pura, la destrucción del arte tradicional. Llega un momento en el que muchos artistas se alejan de Dadá, porque comprenden que no sólo hay que destruir sino construir algo distinto, y de esa ruptura nacerá el SURREALISMO.

El SURREALISMO: se considera su creador al poeta francés ANDRÉ BRETON, quien en 1924 publica su primer manifiesto surrealista (“Surrealismo: Automatismo psíquico por el que nos proponemos expresar verbalmente el funcionamiento real del pensamiento [...] dictado del pensamiento en ausencia de todo control ejercido por la razón y libre de toda preocupación estética o moral [...] El surrealismo se basa en la creencia de la realidad superior de ciertas formas de asociaciones [...] en lo poderoso del sueño”). El surrealismo estuvo influido por las teorías psicoanalíticas y muy vinculado al movimiento comunista internacional. Más que una revolución estética, pretende ser un movimiento de liberación total del hombre: liberación de los impulsos reprimidos (según FREUD) y de las trabas impuestas por la sociedad burguesa (a partir del Segundo manifiesto recibieron el influjo de MARX). Pretenden descubrir y reflejar la auténtica realidad, la “superrealidad” (en francés “sur-realité”, de donde viene “surrealismo”) que está reprimida. De ahí la escritura automática (dejar que la mano vaya anotando lo primero que le dicta la cabeza, por incoherente que pueda resultar), la transcripción de los sueños (escritura onírica, ya que el inconsciente se libera en los sueños), la asociación libre de palabras; en definitiva, la libertad de la imaginación contra el reinado de la lógica. El lenguaje surrealista (“verso libre” y “versículos” con metáforas irracionales, imágenes de tipo onírico, uniones inesperados de palabras, enumeraciones caóticas...) no se dirige a nuestra razón, sino que quiere despertar en nosotros sentimientos y reacciones subconscientes. Las imágenes surrealistas están faltas de coherencia y de lógica, y es difícil explicarlas. El poema hay que “sentirlo” más que “entenderlo”, captarlo de forma intuitiva, dejarse llevar por sus significados connotativos y por lo que las imágenes sugieran ; ejemplo: “A veces las monedas en enjambres furiosos taladran y devoran abandonados niños” (“Poeta en Nueva York” de LORCA).

Las vanguardias europeas se hicieron notar muy rápidamente en España. Ya en 1910 se publicó un manifiesto futurista y se notó actividad en tertulias literarias. Gómez de la Serna, Ortega y Gasset, y en general, algunos novecentistas, contribuyeron decisivamente a su expansión. Así en 1923 Ortega funda la Revista de Occidente, y en 1925 escribe la Deshumanización del arte que será fundamental para el surgimiento de la Generación del 27. Importante papel tuvo La Gaceta Literaria de Ernesto Giménez Caballero. La característica más notable y original de las vanguardias en España es el hecho de no ajustarse por completo a las características cerradas de los movimientos europeos. De este modo, futurismo, creacionismo, surrealismo se mezclaron dando lugar a originalísimas obras. Asimismo los poetas del 27 mezclaron la vanguardia con la tradición logrando unas obras de una altísima calidad estética y humana. En España el periodo culminante de las vanguardias coincidió con una nueva fase del reinado de Alfonso XIII, en la que se dio una progresiva descomposicióndel sistema de la Restauración a partir de 1917, año de la huelga revolucionaria. Otros acontecimientos esenciales fueron en 1921, el asesinato del presidente Eduardo Dato, el pavoroso desastre militar de Annual y la dictadura de Primo de Ribera (1923-1929), a la que sucede la II Republica y el estallido de la Guerra Civil. Todo esto tuvo su reflejo en el mundo de la cultura y del pensamiento. Se tenía conciencia de las causas, de vivir un tiempo nuevo y de que ello afectaba al arte. Los historiadores suelen distinguir cuatro ETAPAS en el desarrollo del VANGUARDISMO ESPAÑOL:

§ De 1908 a 1918. Primeras manifestaciones de la vanguardia, protagonizadas esencialmente por Ramón Gómez de la Serna. 

§ De 1918 a 1925 (o 1927), desde la llegada de Huidobro a España hasta los primeros ecos del Surrealismo. Son los años del Ultraísmo y el Creacionismo. Predomina lo, lúdico, la exaltación vital y la deshumanización.

§ De 1925 (o 1927) a 1930. Influjo dominante del Surrealismo, con lo que se inicia una “rehumanización” acompañada de cierta angustia o rebeldía ante los efectos “deshumanizantes” de la sociedad moderna. 

§ De 1930 a 1936. Las inquietudes del momento llevan hacia un “nuevo romanticismo”. Tras ciertos intentos de conciliar vanguardia estética y vanguardia política, la situación del momento llevará a un ocaso del vanguardismo español. Abordaremos la exposición de estos periodos atendiendo a los autores y movimientos más que a las fechas, ya que es difícil sistematizar un movimiento, que si precisamente se caracteriza por algo, es por la ausencia de orden y sistema.

Las primeras manifestaciones de la vanguardia están protagonizadas esencialmente por Ramón Gómez de la Serna (1888-1963). Este autor es el máximo impulsor de las vanguardias en España. La obra de Gómez de la Serna es muy original y a menudo inclasificable. Su mayor aportación es la greguería. A la que él mismo la definió como humorismo + metáfora, y consiste esencialmente en una ingeniosa asociación de ideas o una metáfora insólita, resumida en una breve frase: 

· La pistola es el grifo de la muerte. 

· En las cejas tachó algo la naturaleza. 

· La lechuga es toda enaguas. 

· En la noche helada cicatrizan todos los charcos. 

· Tocar la trompeta es como beber música empinando el codo. 

· La ametralladora suena a máquina de escribir de la muerte. 

· El cometa es una estrella a la que se le ha deshecho el moño.

· ¡Oh!: puñetazo por sorpresa en un ojo de lo escrito. 

· El hielo se derrite porque llora de frío.

Gómez de la Serna pronuncia conferencias vestido de torero, o en un circo a lomos de un elefante; celebra un banquete en un quirófano, cultiva lo extravagante, lo grotesco, lo provocativo. Además de los varios tomos de greguerías, Ramón escribió multitud de cuentos y varias novelas, como El novelista (1923), El torero Caracho (1926) y El caballero del hongo gris (1928). En ellas, y siguiendo su idea de la novela libre, el argumento es sustituido por reflexiones, divagaciones, cuadros, etc. Es autor también de ensayos (El Rastro), biografías (Quevedo, Goya, Valle-Inclán), memorias (Automoribundia, su propia autobiografía) y teatro, completamente innovador: El drama del palacio deshabitado, Los medios seres, Escaleras.

Aparece en España hacia 1918 por influencia de Cansinos Assens. El primer manifiesto aparece en 1919, en la revista Cervantes. Su nombre (Ultra o Ultraísmo) indica su voluntad de ir “más allá” del Novecentismo imperante. Sus rasgos característicos son: integración de diferentes artes, sustitución de los signos de puntuación por signos matemáticos, exaltación de las máquinas y del mundo moderno, uso del caligrama, ruptura de la disposición tipográfica tradicional y renovación de la metáfora. Autores y obras: Helices (1923), de G. de Torre; El ala del sur (1926), de P. Garfias; Espejos (1921), de J. Chabás; Poemas póstumos (1924), de J. de Ciria y Escalante, etc.

Este movimiento se inició en París a cargo del poeta chileno Vicente Huidobro y el francés Pierre Reverdy. En 1918, Huidobro lo dio a conocer en España. Su principal divisa es “hacer un arte que no imite ni traduzca la realidad” (Huidobro), “crear lo que nunca veremos” (G. Diego), es decir, romper con la realidad visible para crear una nueva realidad que tenga sentido por sí misma. El poema será un objeto autónomo, “creación” absoluta. El poeta cultivará el “juego de azar de las palabras". Pueden destacarse los siguientes recursos en este movimiento: total libertad en la elaboración de imágenes, desconexión de los referentes racionales, supresión de puntuación, escritura ideográfica, distintos tipos de letra en un poema. Obras destacadas dentro del creacionismo son Altazor, de V. Huidobro, Versión celeste, de Juan Larrea e Imagen y Manual de espumas, de G. Diego.

El surrealismo es la Vanguardia histórica más perdurable. España es posiblemente el país europeo en que la repercusión del surrealismo fue mayor. El movimiento fue conocido tempranamente en nuestro país, al publicar en 1925 la Revista de Occidente la traducción del Manifiesto Surrealista que André Breton había dado a conocer en Francia un año antes. A ello hay que añadir las visitas de Breton a Barcelona en 1922 y de Louis Aragon a la Residencia de Estudiantes de Madrid en 1925 (donde vivían Lorca, Buñuel, Dalí, etc.). La difusión del Surrealismo en España debe mucho al poeta Juan Larrea. Su obra se inicia en el Ultraísmo y el Creacionismo, pero ya en 1924 conoce a los surrealistas en París,donde residirá desde 1926. A Larrea debe atribuirse la orientación surrealista de varios poetas del 27. Para otros es fundamental la influencia de Dalí o de Buñuel. Lo cierto es que casi todos los componentes del grupo en cierto momento de su evolución quedaron fuertemente marcados por el Surrealismo. Destacamos dos libros fundamentales: Sobre los ángeles de Alberti y Poeta en Nueva York de Lorca. Ambas son obras maestras de la poesía española. Entre la temática y las técnicas surrealistas destacan la libertad, el azar, el reflejo del mundo interior a través de metáforas arriesgadas y oníricas, lo instintivo, lo maravilloso, la asociación de ideas, la representación extrema de estados de angustia o confusión producidos por las experiencias personales o el mundo; la crítica a los convencionalismos y a la sociedad burguesa, las asociaciones absurdas y humorísticas en las que se pueden mezclar lo macabro y lo naif o ingenuo, los contrastes, la fascinación por los objetos, el verso libre o versículo.Debe señalarse, sin embargo, que en general el Surrealismo español no es “ortodoxo”: los poetas españoles no llegaron a los extremos de la pura creación inconsciente, ni practicaron la “escritura automática”, salvo algún grupo como el grupo de Santa Cruz de Tenerife. Lo que sí hubo es una liberación de la imagen y un enriquecimiento del lenguaje poético. La irrupción del Surrealismo significa la crisis del ideal de pureza y deshumanización que había prevalecido durante muchos años. Lo humano e incluso lo social, lo político y lo popular penetrarán de nuevo en la literatura, precisamente por los cauces de la expresión surrealista: así lo prueban, entre otras, las trayectorias de Lorca, Alberti o Neruda. En la obra poética del Grupo del 27 el surrealismo es esencial, además de los aludidos, todos los componente de este grupo se vieron influidos en mayor o menor medida por el movimiento, su espíritu o sus técnicas. Esta fue la gran aportación de la literatura de Vanguardia a la literatura española.

El nacimiento de estos poetas en fechas cercanas, el compañerismo y la amistad que se profesaron, la influencia y el intercambio cultural entre ellos hicieron que Dámaso Alonso divulgara la expresión Generación del 27. La fecha hace referencia a acontecimientos significativos. El 1927 se conmemoró el tercer centenario de la muerte de Góngora, y un acto celebrado en el Ateneo de Sevilla reunió a la mayoría de los miembros del grupo. En él reivindicaron al poeta cordobés y la relación de éste con la poesía pura. En torno a 1927 y 1928 se publicaron revistas importantes: Verso y Prosa, Carmen y Lola, junto con Litoral (1926), y libros significativos: Perfil del aire (Cernuda), El alba del alhelí (Alberti), Romancero gitano (Lorca), Ámbito (Aleixandre) y Cántico (Guillén). Entre los poetas más destacados del grupo figuran Pedro Salinas, Jorge Guillén, Gerardo Diego, Federico García Lorca, Rafael Alberti, Vicente Aleixandre, Luis Cernuda, Emilio Prados, Manuel Altolaguirre y Dámaso Alonso. Pero hay otros nombres estrechamente unidos al grupo que no aparecen en la relación del 27 porque la Guerra Civil motivó su muerte o los obligó al exilio: entre ellos, María Teresa León, Juan Larrea, Pedro Garfias, Juan José Domenechina y Juan Chabás. A esta nómina de autores hay que añadir a José Bello, único miembro con vida de la Generación, que no escribió poesía pero que sirvió como nexo de unión entre ellos. Recientemente ha fallecido con más de cien años de edad. 

Como señalaba Dámaso Alonso, “lo primero que hay que notar es que esa generación no se alza contra nada”. Junto a su cosmopolitismo y apertura hacia las aportaciones que llegaban de Europa y América, los poetas del 27 valoraron el pasado y rescataron autores y estilos diversos, realizando una verdadera síntesis de vanguardia y tradición. Del pasado literario español rescataron formas de la poesía tradicional (canciones, villancicos, romances), en la tendencia llamada neopopularismo de la poesía del Siglo de Oro prestaron especial atención a Góngora, en quien reconocían la capacidad de crear una realidad poética propia y de renovar una retórica estereotipada, pero también a Gracilaso de la Vega, san Juan de la Cruz, Lope de Vega o Quevedo; de la poesía del siglo XIX recibieron la influencia del intimismo de Bécquer, de las innovaciones métricas y el uso de las imágenes de Rubén Darío, de la concepción de la realidad como algo que puede serpensado, soñado o imaginado de Unamuno y Machado, y establecieron relación directa con la poesía simbolista, especialmente la de Mallarmé y Valéry. La estancia de muchos de ellos en países europeos y el dominio de otras lenguas les permitió conocer a los grandes poetas contemporáneos. De las vanguardias incorporaron diferentes temas y recursos, aunque no se decantaron por ninguna en particular. Se denominan vanguardias a los movimientos artísticos que se desarrollaron a principios del siglo XX con la voluntad de rebeldía frente a la concepción del arte basada en la imitación de la realidad. El término vanguardia procede del lenguaje militar y hace referencia a la parte de una fuerza armada que va por delante de la fuerza principal.

En los jóvenes poetas de la Generación del 27 ejercieron un magisterio fundamental dos figuras clave en la cultura de la época: - Juan Ramón Jiménez. Fue un verdadero guía en la iniciación literaria de muchos de ellos a través de la revista Índice y de sus observaciones críticas. Su poesía pura constituyó el referente poético más claro del panorama español, sobre todo a partir de Diario de un poeta recién casado. - José Ortega y Gasset. La influencia de Ortega fue ideológica y teórica. En La deshumanización del arte (1925) estableció los rasgos del nuevo arte a partir de la observación de la literatura de su época: deshumanización y autonomía de la obra artística, arte de minorías, intranscendencia, juego, ironía y predominio de la metáfora.

Los grandes asuntos del ser humano – el amor, el universo, el destino, la muerte- pueblan las obras de los poetas del 27. Aun así, se observa que los motivos temáticos están relacionados con la apreciación de los avances técnicos, del desarrollo urbano, de la eclosión artística. Y también del sentido de la libertad como principio que abarca todas las vivencias del individuo: - La ciudad. Aparece unida a la visión futurista, impregnada de optimismo. Los poetas del 27 amaron la ciudad, valoraron el confort, el cine, la publicidad; pero también observaron el aspecto negativo del desarrollo urbano. - El amor. Se presenta como la plenitud del individuo y admite todas las manifestaciones posibles, con un sentido de libertad: amor heterosexual y también homosexual. Sin embargo, el choque entre esta actitud y la realidad en que vivían llevó muchas veces al dolor. - Las artes. Influidos claramente por las vanguardias literarias, las artes se convirtieron en tema de creación poética. - La naturaleza. Concebida unas veces como entorno, en otras se convierte en parte del yo poético, que llega en algunos casos a una visión panteista.

hablaban por imágenes”.Con ellas consiguieron la renovación del lenguaje poético. Los poetas del 27 cultivaron tanto la imagen como la imagen visionaria, que relaciona los objetos, no por su semejanza física, sino por las emociones que despiertan. Si comparamos la métrica de estos poetas con la del Modernismo, la primera impresión es que se ha operado una reducción: se renuncia a muchas de las brillantes y sonoras variedades de versos que usaron los modernistas; se prefieren formas más sencillas, pero, junto a las formas tradicionales y clásicas, los poetas del grupo desarrollaron ampliamente el verso libre y el versículo. También en esto contaron con precedentes: Juan Ramón Jiménez -en su madurez- y los vanguardistas.

Aun teniendo en cuenta las diferencias entre los distintos autores, pueden señalarse, en conjunto, las siguientes etapas: - Primera etapa (hasta 1929): esta etapa de juventud, en la que el grupo se formó como tal, coincidió con el esplendor de las vanguardias, aunque los poetas del 27 no rechazaron el pasado literario, logrando un equilibrio entre vanguardia y tradición. En estos años cultivaron la poesía pura, sobre todo en su rechazo del exceso retórico. - Segunda etapa (desde 1929 hasta 1936): hacia 1929, autores como Lorca, Alberti o Cernuda sufrieron profundas crisis personales y encontraron en el surrealismo una forma de plasmar sus conflictos. Los nuevos temas produjeron un proceso de rehumanización poética con la exploración del yo y de las emociones humanas. Este hecho coincidió con una complicada situación política, que no permitía que los artistas se mantuvieran al margen. Se dejó sentir la influencia del chileno Pablo Neruda, por entonces residente en España, que reclamaba una “poesía impura”, comprometida, cuyo ideal no era la belleza, sino la comunicación. - Tercera etapa (desde 1939): en 1939 la generación del 27 se desintegró como grupo de forma dramática. Uno de sus miembros (Lorca) había sido asesinado, otros debieron exiliarse y algunos permanecieron en España. En el exilio, la nota dominante será, al correr de los años, la nostalgia de una patria perdida (sobre todo en Cernuda y Alberti). En España, la poesia deriva hacia un humanismo angustiado (Dámaso Alonso) o abiero hacia una nueva solidaridad (Aleixandre).