Nell'immagine che ho scelto, il cielo sembra raccontare una storia. Una storia fatta di luce e oscurità, di fine e di inizio; ma anche di rinascita come preannunciare un nuovo inizio.

Le nuvole scure dominano la parte alta della scena, come a rappresentare i momenti difficili, le sfide, la incertezze che a volte oscurano la nostra vita.

Ma proprio sotto di esse, l'orizzonte si accende di un'arancione intenso, quasi infuocato.

E' il sole che scende, ma non lo fa in silenzio: lo fa con forza, lasciando dietro di sé una scia luminosa che parla di speranza.

Questo contrasto tra buio e luce è ciò che rende il tramonto così potente. Non è solo la fine del giorno: è un passaggio. E' un momento in cui tutto sembra fermarsi, ma in realtà qualcosa sta cambiando.

Il sole che tramonta non scompare per sempre, ma lascia spazio alla notte perché possa compiere il suo corso, con la promessa di tornare puntuale il giorno dopo.

IL riflesso del cielo sull'acqua, calmo e quasi perfetto, amplifica questa sensazione di pace e rinascita. E' come se la natura stessa ci ricordasse che ogni cosa ha il suo tempo, e che dopo ogni buio può sempre nascere una nuova luce.

Anche le sagome delle case e dei lampioni, immerse nell'ombra, sembrano aspettare qualcosa. Non c'è paura, ma solo silenzio e attesa. Perché la rinascita non sempre avviene in modo improvviso: a volte è un processo lento, che comincia dentro di noi e cresce un po' alla volta, come la luce che arriva gradualmente. In questo tramonto vedo un messaggio forte: la bellezza può nascere anche nei momenti più difficili. E ogni fine, se guardata con occhi nuovi, può diventare l'inizio di qualcosa di migliore.

L’opera Fractura Aurum nasce come esplorazione visiva e materica di un processo di frantumazione e rinascita interiore. Il cuore del progetto è un mezzobusto femminile, realizzato in gesso e applicato su una tela completamente nera, simbolo di vuoto, silenzio e assenza. La figura è attraversata da una spaccatura verticale che parte da sotto il collo e arriva allo stomaco, evidenziando un punto cruciale: lo stomaco, da sempre considerato il “secondo cervello”, diventa qui il luogo della rottura ma anche della trasformazione.

La crepa non è solo ferita, ma apertura. Da essa fuoriescono farfalle dorate, che simboleggiano la rinascita, la libertà e la bellezza che può scaturire dal dolore. Il colore oro, in contrasto con il nero di fondo, rappresenta una luce preziosa che emerge dall’ombra, un frammento di anima che riesce a liberarsi.

L’ispirazione è duplice: da una parte l’opera si nutre dell’immaginario scultoreo della svedese Jennie Vinter, capace di combinare forme classiche con segni di frattura e fragilità. Dall’altra parte, le parole di Alda Merini, nella poesia Farfalle libere, hanno guidato il senso poetico e concettuale del progetto:

“Mangerete polvere,

cercherete di impazzire

e non ci riuscirete,

avrete sempre il filo

della ragione che vi

taglierà in due.

Ma da queste profonde

ferite usciranno farfalle libere.”

— Alda Merini

In Fractura Aurum la frattura non è solo una lacerazione dell’Io, ma una soglia da cui può nascere la trasformazione. È un atto di dissoluzione necessario per lasciar emergere qualcosa di più autentico e vitale.

AUTORE: Giulia Aresu Porru 5^C

TECNICA: Illustrazione digitale

A volte ci si ferma lungo il tragitto della vita, e ci si perde nella tristezza, nella mancanza, nell'assenza, nell'esistenza che abbiamo vissuto e stringiamo dentro un ricordo, a pugni stretti.

Restiamo immobili, con il dolore che cade a picco sotto il mento, nell'attesa di essere trascinati via da questo tormento.

Incoscienti che dentro di noi, in fondo, possediamo la forza di risollevarci, di combattere l'agonia che ci ha piegato e resi deboli.

Ognuno di noi possiede un raggio di Sole che non si spegne mai, neanche nella tempesta più furiosa.

Abbiamo la vita e il coraggio per ritornare a splendere.Sempre.

Il fiore illustrato è un Asfodelo, comunemente conosciuto nella mitologia greca per la sua fioritura nei campi dell'oltretomba; tuttavia quest'ultimo possiede un doppio significato, infatti per la sua ineguagliabile caratteristica di rigenerarsi e "rinascere" dunque dalle ceneri(in quanto è capace di sopravvivere al calore impertinente del fuoco) esso è per me l'esempio perfetto di rinascita, nuova vita e ripresa del possesso delle proprie capacità al cessare di una grande sofferenza.

I colori sono arbitrari, e si ispirano sia per la sua componente cromatica che per la sua stesura, al Neoimpressionismo di Seurat e Signac, ma in particolare all'opera dell'Albero Rosso di Mondrian.

Infine a sostituire i pistilli del fiore, sono delle mani protese verso l'esterno, che accompagnano una figura, vista in tre momenti, la cui più vicina e nitida è intenta a recuperare la sua luce....

Dimensioni: 50x70

Tecnica: tecnica mista acquerello, pastelli ad olio

Descrizione:

Una sublime ed immortale divinità dalla forma draconica avvolge le carni e tendini oramai decomposti di un uomo perito. Le propaggini estense della maestosa creatura vengono infilzate nell'epidermide in fase di desquamazione.

Viene iniettata una sostanza che strarippava dalla stessa carcassa.

Era una linfa lenitiva revitalizzante che riassemblava pezzo dopo pezzo il necrocumulo di parti umane; risaldava ossa, cellule e ridonava perfino il pneuma.

Accadde uno scherzo della natura, In quella notte cremisi, la morte fu solo una muta, e l'abominio rinaque sottoforma di sacriderma.

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Terminologia specifica:

Sacriderma: neologismo ottenuto con l'unione di due parole "sacro" e "derma" (che in medicina è la pelle)

Propaggini: diramazioni di tentacoli (in questo caso)

Draconico: appartenente alla famiglia dei draghi (es: draghi, viverne, Hydra, chimere eccetera)

titolo: Oltre la pelle

dimensioni:33x48

la mia opera vuole rappresentare la rinascita della donna, incarnando la forza di rigenerarsi e di dare vita anche quando tutto attorno sembra pervaso dall'oscurità e dalla distruzione.

La donna, da sempre portatrice di vita, trova nella sofferenza e nelle difficoltà la spinta per rialzarsi. La composizione dell'opera evoca un ritorno alla vita attraverso il movimento del corpo, che sembra emergere da un passato doloroso per abbracciare un nuovo inizio.

ho utilizzato colori caldi enfatizzando così il concetto di rinascita come processo inarrestabile.

Le pennellate decise e i contrasti cromatici vogliono esaltare la robustezza della figura femminile, la postura rappresenta una forza interiore che prende coscienza della propria identità e del proprio potere, affermando la capacità di risorgere ed arrivare alla luce.

Lo sfondo infine vuole rappresentare la luce, che sembra irradiarsi dal centro dell'opera, distaccandosi dai cerchi rossi che rappresentano il buio, diventa così simbolo di speranza e della capacità della donna di illuminare la propria esistenza, porta così un senso di rinascita e vitalità.

Asia Steri 5A

Titolo: Libera di rinascere

Tecnica e materiali: acrilico e gesso su carta

Dimensioni: 33x48cm

Concept: L'immagine raffigura una figura femminile vista di spalle, seduta, delineata esclusivamente da linee e macchie cromatiche. La figura si distingue dallo sfondo monocromatico verde, che funge da base neutra e valorizza la complessità interna della donna. All’interno del corpo, i colori si intrecciano senza un ordine apparente, ma con un’energia che comunica vita, movimento e trasformazione. L’opera è realizzata con colori acrilici e gesso su una base in carta. Le pennellate sono dense e materiche, con colori accostati, creando un forte dinamismo.

La tavolozza comprende tinte accese e contrastanti: gialli solari, rossi intensi, blu profondi, rosa tenui, verdi e arancioni, tutti amalgamati in forme astratte che ricordano organi, energie vitali, pensieri e sensazioni. Le linee non sono rigide, ma fluide, come se la figura fosse in continua metamorfosi.

L’opera può essere letta come una potente allegoria della rinascita femminile. Il corpo della donna, non definito nei contorni classici ma costruito con una moltitudine di colori e forme, rappresenta il ricostruirsi dalle ferite.

Non si tratta di una figura idealizzata o stereotipata, ma di una donna reale, fatta di esperienze, traumi, ricordi, gioie e desideri.

Il fatto che la figura sia vista di spalle e non guardi l’osservatore perché è rivolta verso sé stessa, in un gesto simbolico di introspezione e rinascita personale. Il caos cromatico all’interno del corpo può essere interpretato come la rappresentazione visiva di un processo di ricostruzione: la donna, spezzata o frammentata in passato, sta ora riorganizzando la propria essenza. Il colore verde dello sfondo, spesso associato alla natura e alla speranza, rafforza il tema della rinascita. È come se la figura stesse emergendo da un terreno fertile, pronta a rifiorire in una nuova versione di sé stessa.

Leonardo Nateri 5ªA

DIMENSIONE: 50x50 cm

TECNICA: Matite colorate e penna su carta

CONCEPT: Il sole ha un grande significato simbolico per l’essere umano sin dati tempi delle civiltà mesopotamiche. Che fosse essenziale per la vita è infatti noto sin dall’antichità, tanto che spesso ne veniva fatto un culto, come nella cultura egizia con Amon Ra.

Rappresenta quindi la vita che si dilaga, ma è legata anche al concetto di resurrezione: il sole infatti nasce, vive, muore e rinasce con una nuova alba ogni giorno. La rinascita però non è solo legata alla vita e alla luce, ma anche al buio e alla morte: per vedere l’alba bisogna vivere il buio della notte, bisogna prima morire per poter rinascere davvero. Nonostante nell’opera i raggi arancioni possano richiamare una rosa dei venti, sono elementi classici dell’iconografia del sole

L'idea principale era quella di unire un estratto della canzone "I'm Blessed" di Labrinth con la Rinascita.

Il Testo dice: There's somebody in the sky watching over me, I know all the reason why they care for me, I wake up every day with no fear 'cause I'm blessed",(traduzione: "C'è qualcuno nel cielo che veglia su di me, conosco tutti i motivi per cui si prendono cura di me, mi sveglio ogni giorno senza paura perché sono benedetto").

Riferendomi alla prima parte del testo ho raffigurato me stessa rinata dopo un errore che guarda dall'alto la me che è ancora sulla terra che affronta le conseguenze di quell'errore come se fosse una specie di angelo custode.

Lo sfondo dietro di me è ovviamente il cielo ma anche una reference alla copertina dell'album da cui proviene la canzone.

si spegne l'ombra, torna la speranza...

Il tempo scorre e porta via il passato;

rinasce il giorno, splende nella stanza.

Nel cielo limpido volano i pensieri,

lontani i giorni bui, i giorni neri.

Nel nuovo giorno torno a respirare,

rinata adesso pronta a ricominciare.

Giulia Catani 2°B

Dimensioni :2,20x1,50

Tecnica: soak-stain (imbibizione a macchia) - smalti ad acqua

Questo astratto e stato realizzato su un telo utilizzando colori vivaci e decisi. Il lavoro è stato fatto su un grande tessuto, dove i colori si mescolano creando sfumature.

Sono stati usati principalmente il rosso, il blu, l’arancione, il giallo, il bianco e il rosa. Ognuno di questi colori ha un significato importante:

•Il Rosa rappresenta la tenerezza e la protezione.

•Il blu trasmette calma, serenità e stabilità.

•L’arancione comunica allegria, entusiasmo e creatività.

•Il giallo è legato alla felicità, alla luce.

•Il bianco simboleggia la pace e l’ordine.

•   Il rosso che rappresenta la l’energia e la passione

Nel telo possiamo vedere i colori che si trasformano uno dentro l’altro: dal rosso intenso, che parla di emozioni forti, si passa al rosa, che rende quelle emozioni più dolci. L’arancione porta movimento e vita. Il giallo dà luce e speranza. Il bianco è il punto di partenza, come una nuova pagina.

Non ci sono forme precise, ma proprio per questo ogni parte del telo sembra viva, in trasformazione, come se stesse crescendo o cambiando.

È come se l’opera raccontasse un viaggio: da qualcosa di  difficile, verso qualcosa di più calmo e luminoso.

Rinascita vuol dire questo: non tornare come prima, ma diventare nuovi, più forti, più consapevoli, più veri.

Tecniche miste con acquerello e pantoni con colori freddi per esaltare l’eleganza  e la purezza.

Dimensioni : 30x21 cm

Questo opera  rappresenta uno dei 9 animali spiriti guida dei Totem.

Il Totem per gli antichi nativi americani  era un’entità naturale che ha un significato simbolico e al quale ci si sente legati per tutta la vita.

Ho voluto rappresentare il pavone, simbolo di  resurrezione e di nuovo inizio.

Ha la capacità di cambiare positivamente ciò che viene percepito come pericoloso e dannoso: rappresenta quindi la capacità di trasformare in positivo ogni situazione negativa.

Trasmette fiducia primordiale nella rinascita dopo la morte.

Ho utilizzato come sfondo il colore giallo per dare più visibilità al soggetto.

Tecnica: chiaroscuro con crete colorate su carta

Dimensioni: 50×48

Il giglio rappresenta la purezza, in particolare nelle culture cristiane dove è simbolo della resurrezione di Cristo.

Spesso viene utilizzato nelle celebrazioni pasquali e nelle cerimonie funebri come simbolo di speranza e di nuova vita.

La composizione è composta da due mezzi triangoli perché anche questa figura geometrica ha un significato simbolico di rinascita.

Nel contesto della simbologia, è spesso associato alla rinascita e alla rigenerazione. In molte tradizioni, il triangolo rappresenta la trinità, il passaggio da un ciclo ad un altro e la capacità di tornare ad un punto di partenza.

I colori che vengono utilizzati per i gigli sono le tre tonalità di viola: viola scuro, viola chiaro e uno ancora più chiaro tendente al bianco.

In genere il viola, nella psicologia dei colori, viene spesso associato a sensazioni di tranquillità e calma, ma anche ad un senso di spiritualità e rinascita.

Per lo sfondo vengono utilizzate altre tonalità di colore, ma di giallo, arancione e giallo più chiaro.

Il perché di questa scelta cromatica è il fatto che, le varie tonalità di giallo, rappresentino il tramonto, il sole, e in ambito simbolico rappresenta il ciclo vitale di morte e rinascita, con il tramonto che simboleggia la morte e il sorgere del sole che indica il nuovo inizio. Questa simbologia è presente in molte culture e tradizioni, dove il sole viene venerato come fonte di vita e luce.

Il corpo della scultura è avvolto in uno straccio imbevuto di gesso bianco, che conferisce l’aspetto di un tessuto mosso dal vento, pesante e aderente.

Dietro la figura, un elemento decorativo dorato, che ricorda delle ali, realizzato con una spugna per fiori modellata in forme che richiamano le opere di Niki de Saint Phalle.

Rappresenta un corpo femminile privato della propria identità e della propria autonomia.

In questo contesto, la Venere non è più solo icona di bellezza classica, ma metafora della donna contemporanea che, pur velata, non è sottomessa: è in attesa, è in divenire. La sua rinascita è imminente, silenziosa ma potente, come un atto di resistenza che passa attraverso la riscoperta del proprio corpo e della propria vo

ce.

Il fiore aperto, dai petali caldi e avvolgenti, è un simbolo della terra, del grembo, della forza generatrice della natura. È dalla profondità del terreno spesso duro, oscuro e misterioso che nasce la bellezza. Allo stesso modo, la rinascita personale richiede di affondare le radici nelle esperienze più difficili della nostra vita: è lì che si coltiva la forza per risalire.

La nudità della figura umana non è mai esposta, ma offerta con dignità: rappresenta la vulnerabilità autentica, quella che ci permette di spogliarci delle maschere e tornare alla nostra essenza. Rinascere non significa diventare qualcuno di nuovo, ma ricordarsi chi si è sempre stati, prima che il mondo ci chiedesse di essere altro.

Lo sfondo, una spirale di luce che si irradia, che suggerisce un’espansione dell’anima, una connessione con qualcosa di più grande: la guarigione, il sole interiore, la coscienza. I colori oro, blu, arancio si intrecciano in armonia, evocando la fusione tra spirito e materia, tra emozione e saggezza.

Le foglie che fluttuano attorno alla figura vengono portate da un vento gentile: sono i pensieri, i ricordi, le parti di noi che si muovono nel tempo ma non si perdono. Alcune ci accompagnano, altre ci lasciano, ma tutte fanno parte del processo.

E così, il messaggio che ho deciso di dare al mio disegno è chiaro e profondo:

“Anche dopo il buio più profondo, la vita trova sempre la via per sbocciare. Rinascere significa accettare le proprie radici, abbracciare la luce, e lasciare che la propria essenza fiorisca di nuovo, più forte, più libera, più vera.”

Questo non è solo un disegno. È un atto di fiducia. È un respiro. È la testimonianza visiva che la rinascita è possibile, per chiunque, in qualunque momento della vita.

Disegno di Murgia Alessandra 4^C

Realizzato in digitale

Questo frame viene da un cortometraggio di mia creazione, dove con la simulazione di una tecnica tradizionale cinematografica della doppia esposizione ho sovrapposto l'immagine di un Somniflorens renascens, un tipo di albero molto raro, sovrapposto a una strada che esce dalla città, annegante nel buio della notte, il tutto immerso in un baviano rosso che comunica la paura del cambiamento accompagnata dal senso sublime dell'ignoto e della rinascita, l'incertezza dell'effettiva direzione della macchina, la curiosità di dove si finirà dopo aver toccato il fondo, l'energia della vita che ci scorre dentro quando l'unica cosa che ci viene da fare è fare quello che non vorremo fare.

Marco Zedda 4D

Tecnica:smalti ad acqua e carboncino su tela.

L’opera astratta è ispirata alle forme di un’orchidea, nello specifico della specie chiamata “phalaenopsis”, che tradotta dal greco indica la somiglianza della pianta con le falene;

la rinascita può avvenire in tanti modi e in diversi momenti della propria vita, anche per diversi motivi.

Attraverso forme non figurative, volevo catturare l’essenza vitale del fiore e trasformarlo in un  attimo di colore, luce e movimento.

Penso che per rappresentare questo concetto così ampio i fiori siano i soggetti più adatti ed esteticamente esaustivi per via della loro simbologia che varia in qualsiasi cultura.

Il loro ciclo di fioritura e rifioritura è visto come segno di nuove opportunità, simbolo di resilienza e speranza.

Ho scelto questi due colori sia per creare visivamente del contrasto, attirando l’attenzione dello spettatore, sia per ricordare i colori della notte, momento di riflessione e silenzio interiore:le varie tonalità di blu rappresentano il cielo notturno mentre il giallo riporta le varie luci naturali che possiamo osservare quando cala la sera.

Le forme dei petali e i colori sfumati simboleggiano la leggerezza e la delicatezza che i fiori hanno, ma anche la potenza di un possibile cambiamento.

e lacrime e sussulti, la paura portò.

Il silenzio ci ingannava

e un’eco lontana avanzava…

un mattino fortunatamente

la rinascita porterà prossimamente.

Le ferite del passato, ora fiori in fiore,

ogni passo è un invito a riscoprire l’amore.

non scorgevo alcuno svago,

ogni nuova avventura

mi recava paura.

Paura di ritornare lì

in quei posti dove non c’è il dì.

La rinascita ti permette di cambiare

e soprattutto di reiniziare,

tutte le cose lasciate in sospeso

prima che il mondo perdesse il suo colore acceso.

Giorgia Lampis 2 B

ora la Terra rinasce,

come una fenice, riempendosi

di prati, fiumi e laghi,

dove tempo prima

era visibile solo cenere.

Ora primeggia l’equilibrio,

come quando il Sole l’oscurità

scaccia via con energia.

Di questo nuovo mondo

è ora di godere,

tutti accoglie,

e in pace fa sentire,

come fossero in un abbraccio caldo.

Marta Zimmari 2B

crolla tutto,

pezzi di me sparsi ovunque.

Fa freddo tra le macerie,

silenzio e polvere nell'aria.

Pensavo fosse la fine.

Poi, piano,

qualcosa si muove.

Un soffio, un battito,

una luce lontana.

Forse da qui si riparte...

ora sboccerà un nuovo fiore.

Dalla neve che si scioglie come il sole

al tramonto,

rinasce la vita, un girasole

Dal buio un respiro si erge,

lentamente nella natura si immerge.

La luce ritorna, come un’aurora,

e così il passato ignora.

L’aria si rallegra, evitando ogni vizio,

la vita riprende, con un nuovo inizio.

Nicola Solla 2^B

L'eco del vuoto nell'aria

rumori di tristezza,

fiocchi stringono la vita

alcune corde tirano verso fuori, Invitano ad uscire fuori via dal tunnel con visioni speranzose.

Un filo di luce attira lo sguardo verso l'esterno e in un attimo le ali mi trasportano via, come un bombo

che sui susini in fiore si leva.

Mi pare tutto un sogno a prima vista, all'uscita del tunnel..

Tutto ciò che vedo è luce.

Picci Lorenzo

un nuovo giorno inizia a brillare.

Dopo l'inverno, la vita si risveglia,

ogni fiore è un segnale di speranza da coltivare.

Le cicatrici del passato si riempiono di luce,

ogni dolore diventa un passo verso la forza.

Nel giardino dell'anima, cresce ciò che è utile,

la rinascita ci invita a guardare un avanti con gioia.

Ogni giorno è un'occasione, un nuovo inizio.

Con il cuore aperto, abbracciamo il momento, la rinascita

è un passo, un sogno che si realizza.

Dopo l'oscurità rinasce il sole, con la sua luce caccia via le tenebre, ma al suo tramonto all' orizzonte, l'oscurità gli fa fronte,

rinascendo entrambi all'infinito, senza che mai ci sarà un vinto,

continuando un cicio eterno, come un girone dell' inferno.

come un faro che dal buio sorge

e lentamente la vita si rende

un filo d’oro che dal dolore emerge.

Il volto che piangeva ora sorride,

nelle sue mani una forza che cresce,

ogni cicatrice è il segno che divide

un passato finito, e il futuro che riesce.

Asia Dessì 2B

sotto la neve, la vita rivela.

Un raggio di sole, pian piano si fa,

la terra si risveglia da quell’umidità.

Il germoglio cresce, sfida il suo fato,

le foglie si aprono, verso il cielo dorato.

Il fiore sboccia, portando speranza,

segno che la vita riprende la danza.

Così l'anima, dopo il buio profondo,

trova la forza di risorgere nel mondo.

Ogni passo avanti è un nuovo cammino,

e conduce a un destino divino.

Ilaria Piludu 2B

rinascendo entrambi all'infinito, senza che mai ci sarà un vinto,

continuando un ciclo eterno, come un girone dell' inferno.

Daniele Pusceddu 2B

Titolo: " To arise "

Dimensioni: 50×70 cm

Tecnica: Tecnica dello sfumato

Materiali: Acrilici

Classe: 5^A

Concept:

Ho voluto reinterpretare il concetto di rinascita in una chiave di lettura più concettuale, non come una rinascita nel senso letterale del termine. Nell’opera è rappresentata una figura umana caratterizzata solo dai volumi principali del viso, esteticamente poco riconducibile a una persona specifica, per permettere a chiunque di immedesimarsi in essa.

Si fa strada nel buio, accogliendo la luce che nasce proprio dalle sue mani, come ciascuno di noi riprende in mano la propria vita per uscire da momenti di difficoltà avvolti nell’oscurità.

Per la realizzazione dell’opera mi sono basata esclusivamente sulla mia esperienza personale, anche se ancora oggi, quel percorso non è completamente concluso.

Immagino la rinascita proprio così: con il calore di una luce che solo ognuno di noi può generare. Dopo un tempo trascorso nel freddo buio, che un tempo rappresentava tutto ciò che avevamo e che ora ci lasciamo riscaldare dalla nostra stessa luce.

è un robot creato da una compagnia dei 1982. Lei è una ballerina, programmata per ballare e far divertire i bambini, però un giorno, dopo un incidente, qualcuno ha manomesso il sistema di Katie, che rende il robot aggressivo.

Un giorno nel ‘84, il posto chiude, rendendo il robot abbandonato e distrutto. Il protagonista fa incubi dove vede i robot in modo deformati e mostruose (Katie con un occhio).

Nel 1993, l’amico del protagonista ha pianificato di creare un museo per far vedere a tutti che cosa ha fatta la David Corporation nel corso degli anni, e ha fatto una scommessa al protagonista di andare al museo per vedere che cosa sta succedendo ai robot. Dopo tutti questi anni, non sono ancora completamente distrutti…

Ho scelto il mio personaggio e creazione e storia come simbolo di rinascita perché il suo design mostruoso e rotto mi ha fatto pensare ad uno zombi, che però poi rinasce come una persona normale.

Davide Olla 4C

Applicazioni utilizzate: Procreate - Sketchbook

I papaveri rossi, a destra e in giro, simboleggiano la rinascita e sono riferimento alla canzone "Guerra di Piero" di Fabrizio d'Andre, gli alberi rappresentano la riconquista che ha la natura sulle cose umane, mentre il ruscello rappresenta la volontà della natura di andare avanti e lasciare al passato ciò che vi è successo e come ultimo, l'alba simboleggia il nuovo giorno, la nuova vita, il nato dal morto.

Nella seconda parte si osservano mortai, un fulmine, mine, filo spinato, luci nel buio, esplosioni, movimento e spari, la foresta non esiste più, la nebbia incombe il ruscello è l'unica cosa colorata, colorata di rosso, rosso di sangue, sangue versato che scorre per poi essere dimenticato, stesso colore dei papaveri, quei papaveri che tanto portano il colore significando violenza, è lo stesso colore della speranza.

Non importa quanto passa, tutto tornerà nelle mani della natura, di Γαια, che farà risorgere la sua bellezza e bontà ogni volta che i propri geniti cercano di far cadere per stupidaggini.

(vorrei precisare per via del fatto che questa è una GIF la qualità è scarsa, se si vuole vedere il tutto con più qualità, sarò più lieta di mostrare)

Le farfalle che circondano la figura rappresentano la leggerezza ritrovata e la metamorfosi che avviene quando si impara a fiorire nonostante il dolore. Il contrasto tra il blu profondo del corpo e il calore aranciato dello sfondo evidenzia la transizione dal buio alla luce, dall’introspezione alla speranza.

Quest'opera vuole essere un invito a non nascondere le proprie fragilità, ma ad accoglierle come parte essenziale del proprio percorso di trasformazione.

Autore: Victor Manuel Martinez Ambu 5^D

Tecnica utilizzata: Fotografia

Nonostante ogni costruzione la natura rinasce e un nuovo germoglio è pronto a sbocciare.

Pronto per vedere la luce di un nuovo giorno

Il buco nel muro sta a rappresentare un passato oscuro è duro per il quale è difficile fuggire.

La pianta rappresenta la speranza accompagnata dalla luce che simboleggia la forza della vita che non crolla mai Nonostante le avversità

Dimensioni: 16x12 cm

Titolo: Germoglio

Tecnica: acquerello

La mia opera ci mostra una foresta.

Al centro, il protagonista è l’imponente albero dalle foglie viola e rosa. Con un lungo tronco, spesso e curvo.

L’albero è un elemento di stabilità e di forza, difficile da buttar giù. L’albero però, non nasce già con la corteccia, ma nella sua prima fase di vita è  molto fragile.

Con il mio dipinto ho immaginato  che l’arbusto rappresentasse sia il momento in cui per esempio, ci sentiamo deboli, incapaci di andare avanti, proviamo  difficoltà  a superare qualcosa che ci ha ferito profondamente, questa prima fase  non è mostrata  nel dipinto perché il cambiamento è già avvenuto.

Sia il momento in cui rinasciamo da una situazione difficile in cui eravamo  bloccati, questa volta incarnata dal l’albero colorato.

Spesso non ci accorgiamo della forza che c’è in noi, e convinti di non essere altro che un germoglio, ci abbattiamo.

Ma piano piano le nostre radici crescono nel terreno e ci accorgiamo della forza che sempre stata dentro noi, ma non abbiamo mai creduto di possedere.

DIMENSIONI:33×48

TECNICA:MATITE COLORATE

L'opera qui presente raffigura un serpente dell'antica mitologia che sta per compiere il gesto di mordere la sua stessa coda per effettuare un ciclo infinito tra la vita e la morte.

Il serpente incarna il significato non solo della rinascita ma anche dell'infinità della ciclizazione del tempo e la connessione che c'è fra la vita e la morte.il serpente inoltre presenta gli stessi colori del mito originale ma con delle rivisitazione per avvolgere il lettore dell'opera con colori caldi e uno sfondo bianco per risaltare i colori.

Inoltre anche la scelta della posizione stessa del serpente va a richiamare con la sua forma il simbolo dell'infinito proprio per andare a inculcare ancora di più il significato dell'opera.

L'opera è fatta in acrilico su legno in un formato 60×50.

L'opera ha come soggetto, immersa nell'acqua, una donna con lo sguardo puntato verso l'alto dal quale petto viene sprigionata una forte luce.

Il dipinto ha lo scopo di rappresentare la bellezza ideale contenuta all interno del concetto di rinascita che però non si ritrova al suo compimento ma bensì nel suo nascere.

Nell esatto momento in cui quella fiamma dentro di noi inizia ad ardere, così da permetterci di ritrovarci all interno delle più profonde ombre e a farci strada all interno di esse.

3^C

Titolo dell’opera: La forza della rinascita

Tecnica utilizzata: Argilla

L'immagine di un uomo che nasce da un uovo è un potente simbolo di rinascita e di nuovo inizio.

L’uovo con la sua forma tonda, che ricorda la perfezione e la sua capacità di contenere la vita al suo interno, fa sì che sia un simbolo particolarmente significativo in molte culture e religioni, spesso associato a concetti di resurrezione, nuova vita e origine del mondo.

Per realizzare la mia opera mi sono ispirata a Salvador Dalí che con il suo dipinto “Bambino geopolitico osservante la nascita dell’uomo nuovo” raffigura un uomo che esce da un uovo, e questo dipinto mi ha colpito molto per la sua iconografia e il suo significato.

Per creare quest’opera ho deciso di utilizzare l’argilla, ho realizzato due semisfere per creare l’uovo più grande, che deve contenere al suo interno l’uovo più piccolo nel quale, attraverso un’apertura, ho fatto uscire un omino.

Ho deciso di smaltare le due uova di nero per rappresentare la rabbia e il dolore che ti opprimono fino a chiuderti, ma con la sua forza l’omino è riuscito a rinascere da tutto questo dolore uscendo dall’uovo.

Ho smaltato invece l’omino di rosso per rappresentare la forza, la passione, l’energia ma soprattutto la vitalità dell’uomo che riesce a sconfiggere l’oppressione dell’uovo e rinascere dal proprio dolore.

Tecnica: Penna biro su carta

Dimensioni: 21×29cm

Quest’opera raffigura un uccello morto, disteso con le ali aperte, dal cui petto germogliano fiori e altri intricati. L'immagine, sebbene tragica in apparenza, diventa una metafora della rinascita. La morte non è rappresentata come una fine assoluta, ma come un passaggio: dal corpo senza vita nasce nuova bellezza.

Il taglio sul petto, simbolo del dolore e della vulnerabilità, è anche il punto da cui prende forma la trasformazione. I fiori non sono ordinati, ma crescono con steli contorti, quasi a rappresentare la difficoltà e il caos che spesso accompagnano i processi di rinascita personale o spirituale. La loro presenza comunica speranza, rinnovamento, e la capacità della vita di rigenerarsi anche nei contesti più bui.

In questo senso, l'opera può essere letta come un’allegoria: ciò che muore in noi (un'identità, un passato, momenti di dolore) può diventare il terreno fertile per qualcosa di nuovo e più autentico. La rinascita, quindi, non è la negazione della sofferenza, ma il suo superamento attraverso la trasformazione.

significato farfalla

Rinascita

La farfalla prima è un bruco, poi si chiude in un bozzolo e infine cambia forma: diventa leggera, libera e piena di colori.

dopo il buio, si torna alla luce, più forti e più veri.

Ho deciso di zoomare le ali di una farfalla fino a farla apparire come un dipinto astratto. Vedere la farfalla come se la stessi vedendo al microscopico è stato veramente interessante.

• Il messaggio è: anche nei momenti fermi o difficili, stai diventando qualcosa di più grande.

Titolo: volontà di vivere

Dimensioni: 50x70

Tecnica: sfumato, acrilico su carta

L’opera è ambientata in una grotta, un luogo buio, in cui l’acqua domina la scena e si infrange con violenza contro le rocce, affermando con forza la propria esistenza. L’atmosfera può sembrare inquietante, se non fosse per la luce intensa che proviene dall’uscita della grotta: una luce bianca, che illumina completamente l’ambiente.

All’interno della grotta si trova un sentiero sopra un lago, che parte dalla luce dell’uscita e si incurva verso l’angolo destro dell’opera. Su questo sentiero si muove una figura femminile, minuscola davanti all’immensità dell’ambiente. Cammina verso la luce, e sotto i suoi piedi, ad ogni passo, nasce una scia di fiori bianchi.

L’opera quel momento in cui, dopo aver attraversato il buio e le difficoltà, si ricomincia a vivere, a fiorire. La grotta è simbolo del periodo buio, ma anche del tempo necessario dentro di noi per trasformarci. La luce all’uscita rappresenta la rinascita, la nuova consapevolezza, la guarigione. La figura incarna ogni individuo che ha affrontato la propria oscurità e, passo dopo passo, è riuscito a creare bellezza anche da ciò che sembrava perduto. I fiori bianchi sono il simbolo di questa trasformazione: nonostante il luogo ostile, la vita rinasce. Raccontano il processo della trasformazione, della bellezza che può nascere anche dai momenti più bui.

L’oscurità dell’ambiente crea un forte contrasto con il bianco della luce e dei fiori, che rappresentano la rinascita e la forza della vita che ricomincia.

Formato: 1920 x 1080 px

Tecnica: Fotomontaggio, Disegno digitale, Animazione

Questo progetto è stato realizzato da me al fine di partecipare all'ottava edizione del concorso "NEL NOME DI MARIA", in onore e in memoria di Maria Danese, ex alunna del Liceo Brotzu. Come l'anno scorso la mia classe ha partecipato, ognuno con il proprio elaborato.

Questa scritta, "rinascita" cambia forma, grandezza e colore continuamente, per simboleggiare il cambiamento di ognuno di noi e di qualsiasi cosa sia in grado di morire e quindi di rinascere. Di particolare importanza è la scelta della canzone, "Bitter Sweet Symphony" dei The Verve. La canzone parla di come la vita sia una sinfonia dolceamara, perché nonostante le difficoltà nell'andare avanti, noi ci riusciamo con tutti gli ostacoli che essa ci pone davanti. Nonostante la Rinascita e quindi il cambiamento della forma esterna e di tutti quei fattori che possiamo osservare, dentro di noi deteniamo sempre lo stesso nucleo, la stessa essenza. Possiamo cambiare come siamo, ma nel nostro cuore saremo sempre noi, non possiamo sfuggire allo stampo che costituisce la nostra anima. Così come la scritta nonostante cambi aspetto, ha sempre lo stesso significato. All'ultimo momento ho deciso di inserire una frase significativa che potesse rivolgersi a più persone che possono averne bisogno. Ha anche lo scopo di riportare l'attenzione al tema centrale del concorso, cioè Maria. Adesso lei non c'è più ma il suo ricordo continuerà a vivere in noi, e lei rimarrà sempre bellissima, unica e eterna (come dice la scritta "you are beautiful, unique, eternal"). Ma un po' tutti possiamo percepire questa frase nei nostri cuori: magari una persona che è in difficoltà e ha bisogno di sentire delle parole ispiranti, una persona che ha superato degli ostacoli e ora deve rialzarsi, un amore impossibile che ti scoraggia dentro, altre persone che adesso non ci sono più.

La rinascita vuol dire eternità, vuol dire per sempre. L'unico limite umano è la morte, e superarlo, rinascendo in qualsiasi forma, vuol dire vivere per sempre.

Dimensioni: 50 x 70 cm

Tecnica e Materiali: cartoncino colorato, acrilici, tempere, pastelli a cera, matite colorate

Classe: 5A

Concept: Il cervo è avvolto da una luce gialla e bianca, candida e innaturale contro il suo pelo blu. Mostra chiaramente le corna, simbolo reale della sua rinascita appena compiuta. La schiena è adornata da fichi e foglie, anch'essi simbolo del processo appena compiuto. Una nuova vita aspetta l'animale, sopravvissuto all'inverno e arrivato all'estate, stagione per il suo palco e per il suo raccolto. Ed esso invita così, con unofferta in piena vista, anche l'osservatore a prendere un frutto e addentarlo; godere della luce calda della rinascita.

Rinascita

Il progetto grafico che ho sviluppato parla di rinascita e ricostruzione, ho immaginato un corpo in "ricostruzione" con il cuore, posto al centro dell'immagine grafica, che rappresenta la "potenza" della quale necessita una persona che vuole appunto "ricostruirsi". Il progetto è fatto in una chiave ultra-dimensionale ed introspettiva, di rinascita e crescita personale dell'individuo, che distrutto da se stesso o dalle meccaniche di cui non ha potere di controllo, si "riattiva" grazie a se stesso e alla forza nascosta che si porta dentro. La figura al centro dell'immagine sprigiona luce nell'oscurità, una grande oscurità in cui l'individuo potrà utilizzare tutto lo spazio che necessita per risanare le ferite e ricostruirsi.

C’é chi ritrova se stesso stando in mezzo a tante persone, o chi da solo, proprio come i fiori. 

“La felicità si può ritrovare anche negli attimi più tenebrosi della nostra mente”. 

Ho scelto di usare questo dipinto di Botticelli ''La primavera'' per questo lavoro perché quando l'ho studiato mi è piaciuto molto ma anche la storia che raccontava. Anche se Flora non è il soggetto dell'opera ho deciso di usare lei perché secondo me, rappresentava a pieno il significato di rinascita.

Per molte persone il calcio è solo uno sport; per me il calcio é la nascita, come se il pallone fosse il mio migliore amico di una vita. Ho iniziato a giocare a soli 5 anni; giocavo in piazza giù di casa con i bambini del quartiere. Ero talmente ossessionato dalla voglia di giocare a pallone che ogni giorno aspettavo la sera per scendere giú e giocare a pallone anche da solo; avevo la voglia di lavorare su me stesso per essere forte e giocare un giorno in una squadra e far capire che dal duro lavoro e la fame si viene sempre premiati e oggi, a soli 18 faccio parte di una squadra che gioca in prima categoria. Nell' Asseminese dopo 11 anni che ho giocato al Sestu il calcio è tutto per me, se dovessero togliermi il pallone non saprei con cosa sfogarmi o essere felice; il calcio è tutto, il calcio è vita, il mio sogno pian piano si realizza, si spera sempre lavorando e sognando in grande di essere un giocatore talmente forte da giocare nella squadra della mia terra il Cagliari. Ma è tutto da vedere, per ora continuerò a lavorare sempre, a migliorare giorno dopo giorno perché il calcio non è solo lavoro e fama, ma una passione. Devo ringraziare mio padre che mi ha fatto innamorare del calcio.

Come il sole che dopo esser tramontato risorge, la rinascita parte da dentro, e come una miriade di bruchi sbocciati in splendide farfalle, portano la luce del cambiamento intorno a colui abbastanza determinato da rinascere.

L' elaborato pone come principale punto d' interesse la figura di un ragazzo, dall' espressione torva e concentrata, gli occhi serrati e il volto in penombra.

I capelli, ricolmi di crisalidi le quali, portatrici di cambiamento danno il via alla sua rinascita, brillano di una luce che lentamente dà colore, il grigio del suo vecchio essere si contrappone all' abbaiante giallo della suo nuovo io.

In men che non si dica uno sciame di farfalle prende il volo, irradiando di luce tutto ciò che le circonda e portando un nuovo aspetto, una rinascita.

ho voluto rappresentare con questo angelo offuscato dalle sue sensazioni negative (rappresentato dalla benda) da cui tenta di scappare grazie alle sue ali; volge il suo sguardo verso l'alto cercando la luce necessaria per evadere da cio che sta provando e che lo trascina verso il fondo.

Titolo: the nymph ( la ninfa)

Tecnica: matite colorate

su carta

Dimensioni: 33×48

Concept : l'opera rappresenta una ninfa acquatica( idriade)della mitologia greca considerata una personificazione della natura, quest'ultima per le ninfe corrisponde alla potenza divina dell'aidos (pudore), ossia alla riservatezza e allo stupore davanti a ciò che è immacolato, silenzioso.

Per riprendere l'ambiente corrispondente alla ninfa acquatica, ma soprattutto la riservatezza , il soggetto è stato rappresentato immerso quasi per intero in uno stagno circondato da ninfee.

Inoltre sul capo della ninfa è stata raffigurata una ninfea insieme al fiore di loto, quest'ultimo nell'induismo e nel Buddhismo viene considerato un fiore sacro che viene associato direttamente alla figura del Buddha ossia simbolo di purezza e rinascita.

Si narra infatti che ovunque il Buddha mettesse piede, nascesse un fiore di loto.

Per seguire il tema della rinascita ho voluto fondere due culture completamente diverse

insieme.