Escribe un mini-ensayo de 10 oraciones para analizar cómo el/la director(a) captura, transmite, transforma o distorsiona una idea o mensaje del texto literario al adaptarlo al cine. Coloca tu idea central ("thesis statement") en negrillas ("bold").

Inserta el enlace al segmento de video que analizaste, cita los datos de producción de la película antes del video: Título en cursivas o itálicos. Director(a). País, año. Por ejemplo:

La noche boca arriba. Dir. Hugo Covarrubias. Chile, 2012.

La representación del futuro a través de un sueño que conecta dos realidades separadas por espacio y tiempo.

La película usa el sonido, la música y el lenguaje para amplificar el suspenso y el drama que siente el espectador. 

Este clip muestra parte de la realidad 'falsa' al regresar a lo que se espera inicialmente que sea la verdad; la motocicleta, ahora acompañada por la narración de un lenguaje indígena.

El efecto de este clip es una de meditación, en que se unen las dos realidades y la aceptación de la conexión entre las dos.

La noche boca arriba. Dir. Hugo Covarrubias. Chile, 2012.

Hay una discrepancia entre el cuento y el cortometraje por la manera de entrar en la pesadilla de la noche azteca.
En la película, la mano vista en la radiografía recuerda al paciente la hoja de un árbol selvático y se encuentra en medio de la calzada pantanosa. En el cortometraje, el sentido de olor enfatizado en el cuento no puede comunicarse al público, así que se necesita una referencia visual para marcar el pasaje al otro mundo.  Lo que se conserva entre las dos fuentes es el reconocimiento del paciente de encontrarse en un lugar conocido donde "todo era tan natural" (2) y sabe como debe comportarse en este espacio como moteca. No hay sentido de alienación en este momento.

La noche boca arriba. Dir. Hugo Covarrubias. Chile, 2012.

El contraste de este fragmento de la película con el texto original indica las libertades que tomó la película en adaptar la obra original. En la descripción del encuentro en que salva el joven que sufre de una herida de flecha no hay evidencia de que sentía Cabeza de Vaca una conexión fuerte con él. Esta conexión emocional sí demuestra la escena de la película. Esta escena indica que Cabeza de Vaca y Ariano desarrollan una conexión fuerte que las atan como hermanos. Pero la obra original no incluye una descripción de las emociones que sentía Cabeza de Vaca. Su relato de esta experiencia en el texto es pura información. La 'adaptación' de esta escena es más una distorsión, pero una que hace sentido en un contexto fílmico. El impacto de la escena es mucho más fuerte, y transmite la idea de que Cabeza de Vaca considera este joven indio una persona igual que él y quiere ayudarle. Pero la película lo hace de manera que provoca una reacción emotiva del espectador. Creo que el cineasta usó esta selección del texto original de manera fiel en el sentido de que el significado del encuentro es igual, pero no es una adaptación directa.

Cabeza de Vaca. Dir. Nicolás Echevarría. México, 1992.

La ansiedad de Cabeza de Vaca es palpable en la transcripción de su aporte a las negociaciones entre la jerarquía para decidir el rumbo de la exploración. Insiste en la larga lista de circunstancias de las que "ni sabíamos," incluso la incertidumbre fundamental de no saber lo que era el propósito central de su misión ("ni saber lo que de la tierra queríamos"). Lo desconocido del proceso de exploración lo preocupa - parece oponerse a los fundamentos aleatorios e inciertos inherentes en un viaje de descubrimiento de tierras nuevas - y avisa con vehemencia contra el caós y la confusión producidos por entrar en tierra incógnita sin adecuada preparación. Intenta a impedir la exposición del grupo a las fuerzas incontrolables de la naturaleza, de los pueblos nativos, de la impotencia traída por la incomunicación y la dureza de la hambre y de las intemperies que resultarán, pronto, en la descompostura del grupo y sus metas.  Cabeza de Vaca parece sentir que la jerarquía y sus metas de exploración y posesión son frágiles y pueden fácilmente desenredarse en una mera aglomeración de hombres perdidos en el desierto, raspando la tierra para encontrar lo necesario para sobrevivr.

La película Cabeza de Vaca empieza el relato del principio de las exploraciones de Cabeza de Vaca tras el huracán que quebrantó la flotilla del Capitán Narvaez en la Costa de Florida. Por ubicar al espectador en esta escena nocturna de caos, confusión, y disensión entre los sobrevivientes traumatizados por la tormenta que azotó su flotilla, el director Nicolas Echevarría adentra directamente al público en el momento crítico de disolución y abandono que caracteriza esta expedición, retratando a los españoles agarrados en la oscuridad a pedazos de barcos destrozados. Aterrorizados por los comentarios dispersos de un viejo de la expedición que declara ominosamente “Aquí se acabó España!" Cabeza de Vaca busca a restaurar las normas de la jerarquía, incitando al Capitán de Navaez, encargado de la expedición, de proveerles dirección, consejo, y socorro. Éste último, sin embargo, ha abandonado toda responsabilidad personal para la seguridad de los miembros de la expedición y lo cubre de insultos, gritándole que cada hombre debe encargarse de salvar su propia piel. El huracán es el catalizador invisible de la degeneración y ruina de esta tripulación y el principio de los años errantes de los sobrevivientes, cuya meta se reduce desde este momento a la mera supervivencia. La cámara se acerca finalmente a la contigente flotando en la oscuridad en el sentido opuesto del resto de la tripulación, viviendo la desolación que Cabeza de Vaca había pintado para su expedición en caso de creer que lo desconocido pudiera domarse.

 

El director del film, Nicolás Echevarría, utiliza la reivindicación de que Cabeza de Vaca era el mejor médico para ampliar su argumento que él había acogido la cultura indígena y apartado de sus raíces europeas. Esta aceptación le dotó de poderes místicos para curar incluso a los muertos. En vez de parecer arrogante, como lo hace en el libro, en la película Cabeza de Vaca parece ser a la vez fortalecido espiritualmente y físicamente debilitados por esta habilidad de curar. En la novela, cada uno de los hombres con quienes está con son capaces de actuar como médicos. Por el contrario, el la película Estebanico y Dorantes, son aturdidos y horrorizados por la insistencia de Cabeza de Vaca en tratar de curar un muerto. Esto eleva el significado de estos poderes aún más en la película, ya que lo diferencia de sus compatriotas. Otra salida de la novela es la calidad mística que los rituales de curación tienen. En la novela, atribuye su capacidad de curar en parte a su fé cristiana. En lugar de orar y santiguar a los enfermos, Cabeza de Vaca utiliza cantos indígenas y en lugar de una cruz, hay muestras no asociadas con el cristianismo. Estas omisiones y cambios de la película dan Cabeza de Vaca una mayor conexión con los indígenas que cualquiera de los otros hombres. 

El director, Nicolás Echevarría, enfoca más en el místico de la religión de las indígenas que el cristianismo. En el texto original de Naufragios escrito por Alvar Núñez Cabeza de Vaca, el capítulo con el árbol ardiendo es menos dramática. Cabeza de Vaca encuentra un árbol en fuego y da gracias a Dios por lo que halló. La escena en la película empiece con Cabeza de Vaca en una cueva y él piensa que va a morir cuando la voz del brujo diciendo algo, en que creo es su lengua nativa. El brujo repita su frase dos veces y la escena cambia a él con un palo en llamas. Cabeza de Vaca camina más y llega a un árbol, el brujo repite su frase y el árbol empiece de quemar. Cabeza de Vaca repite, gritando, la frase del brujo. Echevarría crea una vista más mística de las prácticas de las indígenas que en esta escena que en el texto, que enfoca en el cristianismo. La audiencia puede oír la voz del brujo pero no sabe si el protagonista pueda. Al fin de la escena Cabeza de Vaca repite las palabras del brujo después del árbol quema, entonces los espectadores pueden creer que hay influencia de mágica o algo místico. 

"Los que quedamos escapados, desnudos como nacimos y perdido todo lo que traíamos, y aunque todo valía poco para entonces valía mucho. Y como entonces era por noviembre, y el frío más grande, y nosotros tales que con poca dificultad nos podían contar los huesos, estábamos hechos propia figura de la muerte"... (Alvár Nuñez Cabeza de Vaca, Naufragios.España,1542,pg 120)  

El autor de la película captura el sufrimiento de los españoles después del naufragio y los sentimientos que muestran en la escena.
Cuando empezó la película, en las primeras escenas se muestra como el director captura el sufrimiento de los españoles a versen perdidos en el mar. Se muestra que ellos estaban muy preocupados y también enojados de lo que estaba sucediendo en ese momento. Cuando los españoles llegaron a la tierra se muestra como ellos sienten tanto frío y cómo algunos estaban encalamabrados por el frío que hacía. El directo captura muy bien ésta escena del texto mostrando cómo los españoles tuvieron que  encontrar la manera de  ponerse más abrigo con las ropas que traían y estaban muy flacos también. Muestra tambien como un español se estaba muriendo y cómo los atendían los otros españoles que estaban en la misma posición. Pienso que el director tomo una buena escena de lo que estaba sucediendo y me parece que mostró muy bien el mensaje a los espectadores de la película sin cambiar mucho el texto literario.

Cabeza de Vaca. Dir. Nicólas Echevarría. México, 1992

En el texto original de Ernesto Guevara en Diarios de motocicleta: notas de un viaje por América Latina, hay una descripción de la mina en Chuquicamata, situada en el desierto Atacama en Chile. En este capítulo Guevara describe la importancia del cobre y el proceso de extraerlo de la tierra. No enfoca mucho en los mineros. En la película, el director Walter Salles, incluye más información del contexto histórico en la escena con las dos personas que están buscando por trabajo en la mina. Trabajar en la mina es muy peligroso y el hombre dice que no es importante de que partido una persona es, puede ser mineros porque es muy peligroso. Estas dos personas son comunistas, un partido prohibido durante este tiempo (1952) de un gobierno radical. Quieren evitar la policía y ellos hablan de sus amigos que han desaparecido y creen que fueron lanzados en el mar. Esta escena sirve el desarrollo de Ernesto en ver la injusticia en el mundo. Ernesto les da el dinero de su novia en un intento de ayudarles. Durante la dictadura de Pinochet (1973-1990), había campos de concentración y fosas comunes de los fusilados en el desierto Atacama, luego sus restos eran desenterrados y lanzados en el mar. Porque la película es de 2004, es posible que esta escena refiere a lo que pasará en el desierto. 

A diferencia del diario que escribió Ernesto Guevarra durante su viaje vagante por Sudamérica, la película Diarios de Motocicleta presenta la figura del mismo protagonista tras el objetivo de validar la imagen mitológico que ya tenemos de este hombre. No es decir que sus diarios no reflejan un deseo de conocer, conectarse, ayudar, colaborar, y alentar a los pueblos indígenas y mestizos de América Latino, sino que las revelaciones personales que lo llevan a actuar son mucho mas sutiles en el texto que en la película.  Aunque las experiencias que tiene durante sus viajes con Alberto son una gran influencia en la dirección de su vida, el final de sus diarios no es el final de su viaje personal.  La película, tratando de caber la grandeza de su figura en la caja de un film de dos horas presenta al espectador con la imagen de un hombre ya transformado.  

 

La adaptación del libro al cine es una adaptación como transposición.  El film es una traducción del libro con su propia identidad e ideas de quien era el hombre Ernesto Guevarra – ideas influidas por la historia.  El subtexto político del texto habla de las divisiones forzadas políticas entre las naciones del continente y de la influencia de las empresas multinacionales en la industrias mas importantes.  En la película hay un gran enfoque en el sufrimiento y la explotación de la gente indígena del continente destacado por el medio visual.  Este enfoque existe también en el libro pero no está expresado de la misma manera.

 

El clip que elegí es el con el brindis de Ernesto en su cumpleaños. Me impactó esta escena ambos en el texto y la película por la expresión sincera de su gratitud y de solidaridad y conexión familiar con toda la gente del continente. La película destaca estos sentimientos, añadiendo una escena no presente en el texto escrito, con la escena dramática en que Ernesto decide nadar al otro lado del río y festejar su cumpleaños.  En la película, esta escena sirve para enfatizar la conexión fuerte que Ernesto ya siente que los que padecen de la pobreza, la enfermedad, la marginalización, etc.

 (Ernesto Guevara, Diarios de motocicleta, Argentina, 2004, 118).

Revelando su creciente madurez política, Che ofrece un análisis equilibrado del valor estratégico y socio-político del cobre que representó el tesoro de Chile en la era de guerra fría.  Su discusión da indicio de un conocimiento de las dominantes teorías económicas de su época y una comprensión de las tensiones que subyacen la hostilidades de la guerra fría.  Además, cita las objeciones usuales en contra del marxismo que apuntan la mala administración gubernamental y aun parece concederles cierta justicia, como si comprendiera algunas de sus preocupaciones sobre la mala gestión del Estado. Sus palabras sugieren un intento de examinar  las ventajas y desventajas de los sistemas económicos mundiales de manera fría y objetiva para revelar grietas en sus estructuras respectivas, pero sin  nunca perder de vista el costo humano y ambiental de la extracción de las riquezas de la tierra. En la oración siguiente, incita a los chilenos de recordar los muertos devorados en el proceso de obligarle a la tierra a entregar su tesoro.

La película se concentra también en la subyugación y explotación despiadada del ser humano necesarias para extraer el cobre, concentrándose en el proceso de "selección" de obreros como si se destinaran a los campos de concentración. Se enfoca en la pareja indígena venida a Chuquicamata para encontrar trabajo para mantener a su familia, y para quienes el proceso de seleccionamiento representa un dudoso privilegio, proveyendo sustento pero también un día en el infierno de la mina. El último plano de la escena se enfoca en el enfado de Che acerca de la falta de humanidad de la compañía de minas americana, que ni siquiera les ofrece agua a los obreros bajo el intenso sol que esperan para ser "favorecidos" con el trabajo en las minas. Arroja una piedra hacia el camión que llevará a los hombres a la mina en señal de su futura lucha en contra de los intereses trasnacionales, sobre todo norteamericanos, que estrangulan a Sudamérica con su avaricia insaciable para recursos robados. Aquí, Che ya no es economista objetivo sino guerrillero que resiste el imperialismo.

En el texto de los diarios nos habla de como Ernesto está totalmente agradecido con las personas del pueblo en que se encontraba. Con su discurso de agradecimiento para con ellos, se nota lo que el siente por su pueblo latinoamericano. El quiere que toda América Latina sea unida y creo que el director de la película lo demuestra muy bien con el discurso de Ernesto. El desea que todos seamos unidos y que solo seamos una raza, él está muy agradecido con Perú y con todas las bondades que ellos les han prestado durante su viaje. Creo que el director de la película demuestra  lo que en el futuro iba a ser Ernesto para latinoamérica y de la ayuda que él queria brindar a América.

“ Uno de los mecánicos del taller, que era particularmente amable, me pidió que bailara con la mujer porque a él le había sentado mal “la mezcla”, y la mujer estaba calentita y palpitante y tenía vino chileno y la tomé de la mano para llevarla afuera; me siguió mansamente pero se dio cuenta de que el marido la miraba y me dijo que ella se quedaba; yo no estaba en situación de entender razones […]”.  (Ernesto Guevara, Diarios de motocicleta, Argentina, 2004, 91-92)

 

El texto y la película, Diarios de motocicleta, relatan sobre una reunión entre Ernesto, su amigo Alberto y otras personas dentro de la comunidad Chilena, poco tiempo después de que un mecánico en un taller les había arreglado la moto a él y a su amigo Alberto.  Según el texto, fue el mecánico quien le pidió a Ernesto que bailara con la mujer. Sin embargo, en la película vemos que es la mujer quién se le acerca a Ernesto y le pregunta a él si él quiere bailar con ella. En la película, el marido no parece estar consiente de que su mujer bailaba con Ernesto hasta que su amigo le tocó el brazo y le señaló que su mujer estaba bailando con Ernesto. El texto omite el detalle del amigo tocarle el brazo y señalarle a Ernesto con su mujer. También, el texto dice que es Ernesto quien toma a la mujer “de la mano para llevarla afuera” mientras que en la película es ella quien inicia el salir juntos hacia afuera. En ambos, el texto y en la película, la mujer mansamente sigue a Ernesto hasta fijarse en que el marido los ve. Luego, Ernesto la empuja en medio del salón de baile hasta que ella pierde el equilibrio y le tira una patada.  Al final de esta escena en la película y en el texto, Ernesto y Alberto salen corriendo hasta el pueblo perseguidos por una muchedumbre. Opino que el director de la película, Walter Salles omite algunos de los detalles según el texto, pero a la misma vez transporta algunas de las escenas ocurridas en la reunión del baile.


Diario de motocicleta. Dir.Walter Salles. Brazil, 2004. 

          

El texto Naufragios y la película Cabeza de vaca relatan sobre la llegada de Cabeza de vaca a la Nueva España (México). Según el texto, el gobernador Pánfilo Narvaez fue quien “acordó de entrar por la tierra” (87). Sin embargo, en la película, la escena comienza con el entierro del gobernador Pánfilo Narvaez. El texto también cuenta que al inicio de su llegada los indios los llevaron al pueblo cuando en la película ellos por si mismos caminaban por el bosque bajo la dirección del fraile y se detuvieron cuando encontraron dos cajas, una de las cuales adentro tenía un cadáver. El hombre enfermo quedó hechizado cuando le cayó sangre en sus manos desde un árbol y después de esto murió. Inmediatamente, el fraile ordenó que quemaran las cajas, poniendo sobre ellas el cuerpo del difunto. Sin embargo, el texto relata que fue solamente la caja con los cuerpos lo que se mandó a quemar.  A diferencia del texto, fue el fraile y no el comisario a quien esto le parecía una especie de hechicería. La película no muestra que ellos encontraron muestras de oro como narra el texto. También no vemos en la película que ellos le preguntaron a los indios en dónde estaban esas riquezas como presenta el texto ni que volvieron “al contador y la gente de los navíos” (87). Al contrario, ellos fueron atacados con flechas por los indios y no fueron dirigidos a la provincia de Apalache dónde había mucho oro como lo dice el texto. Al final del texto se menciona sobre quedarse en los navíos o quedarse en tierra pero esto no existió en la película. El director de la película, Nicolás Echeverría, omite varios de los detalles según el texto, pero a la misma vez transporta algunas de las escenas ocurridas cuando entraron a la Nueva España (México).

Cabeza de Vaca. Dir. Nicolás Echevarría. México, 1992.

Poco importa, en realidad, cuál fuera el origen primitivo de la ciudad o, en todo caso, es bueno dejar su discusión para arqueólogos, lo cierto, lo importante, es que nos encontramos aquí frente a una pura ex-
presión de la civilización indígena más poderosa de América, inmaculada por el contacto de la civilización vencedora y plena de inmensos tesoros de evocación
entre sus muros muertos de  aburrimiento de no ser... (Ernesto Guevara, Diarios de motocicleta, Argentina, 2004, 158.)
Machu Picchu representa la cima de la civilización Incaica y ilustra para Ernesto en el texto y en la película la injusticia de haber sido destruido por los vencedores Europeos. En el diario de Ernesto, es evidente que su experiencia en Machu Picchu fomenta sus ideas y pasión por la condición de la gente indígena de Peru y de todo Sudamérica. La película usa este momento textual para iniciar la discusión de revolución entre Alberto y Ernesto. El impacto visual de Machu Picchu añade al impacto del momento. Sirve para representar las alturas de las creencias de Ernesto. Al bajar de Machu Picchu, cambia Ernesto y el viaje de los dos amigos irreparablemente. Mientras que su viaje antes de llegar a Perú ha incluido momentos importantes en el desarrollo de Ernesto como revolucionario, son los momentos de contemplación en Machu Picchu que fortalecen el cambio. La película añade la conversación entre Alberto y Ernesto para promover el entendimiento del significado para el espectador.

Jamaica Kincaid, “A Small Place.” Women Writing Resistance: Essays on Latin America and the Caribbean. Jennifer Browdy de Hernández, ed. Cambridge, MA: South End P., 2004 [1988]. 147-156.

 

El texto A Small Place, y la película, Vida y deuda, relatan que el trabajo, el ocio y la producción de riqueza están interrelacionados con el desarrolló de una economía global basada en la esclavitud en el Caribe.  Tanto en el texto como en la película, se muestra que los que tienen buen poder económico pueden disfrutar de riquezas y poder económico agrícola, mientras que la gente nativa de Jamaica con menos recursos económicos trabajan hasta para el consumo de ellos mismos. El discurso eurocéntrico invoca que solamente las personas con buena entrada económica pueden  disfrutar del ocio. La directora de la película, Stephanie Black, informa como los turistas pagan y consumen (posiblemente sin ellos saberlo) por los productos del extranjero como por ejemplo: plátanos, y las frutas frescas mientras que las compañías importadoras acataran todos los lugares en dónde sus productos son consumidos con facilidad, mientras lo que se cosecha en Jamaica pobremente se consume. Black muestra que los inversionistas tienen maquinarias sofisticadas para una producción mas eficiente y productiva, mientras que los agricultores en Jamaica utilizan herramientas a mano como el machete para su poca y pobre producción. Competir se le hace un martirio. De acuerdo a la película, “el gobierno hizo un acuerdo con el Banco Inter-americano de Desarrollo” para obtener un préstamo “de unos 50 millones de $USA, para de esa forma apoyar la agricultura y la producción”. A cambio de este préstamo, los habitantes de Jamaica tuvieron que “abandonar los subsidios locales, llevándolos a unas perdidas en la agricultura por consecuencia de la importación del extranjero”. Mientras unos se enriquecen, otros se empobrecen.  Según el informe, el futuro en la agricultura en Jamaica es preocupante e indeciso. 

Life and Debt. Dir. Stephanie Black. US-Jamaica, 2001.

 

Jamaica Kincaid, "A Small Place," Women Writing Resistance: Essays on Latin America and the Caribbean. Jennifer Browdy de Hernández, ed. Cambridge, MA: South End P., 2004 [1988]. 

El texto de Jamaica Kincaid, "A Small Place, " sobre su isla natal de Antigua, trata la nueva realidad socioeconómica creada por el sistema postcolonial en el Caribe: una emancipación parcial de la esclavitud para los jamaicanos y un mantenimiento de gran parte de la hegemonia colonial sobre la isla por intereses extranjeros. El clip siguiente muestra las condiciones arduas en las que la leche se produce en Jamaica, a mano, llevada fresca al mercado a burro o a pie, en baldes que contienen la leche producida en pequeña cantidad por vacas que se crían en granjas familiares. Por un préstamo de 50 millones de dólares de inversión destinado a modernizar la agricultura jamaicana en 1999, el banco Interamericano logró a destruir la industría lechera de la isla. Hoy día, en Jamaica, es menos caro rehidratar leche en polvo que producir leche fresca, lo que ha cambiado irrevocablemente los hábitos de consumo del mercado jamaicano. 
Como condición del préstamo, el gobierno jamaicano tenía que ceder su control de la industría lechera y proveer un "campo de juego nivelado" para la industría estadounidense, que acabó por inundar el mercado con leche en polvo, subvencionado por el gobierno estadounidense a 137%. El resultado es una industría lechera que antes florecía bajo control regional que ahora vende sus vacas para bife y vierte su leche en la tierra en un país desesperadamente pobre - los jamaicanos terminan otra vez en la posición de esclavos del dominio estadounidense.

Jamaica Kindcaid " a small Place". Women Writing Resistance: Essays on Latin Amercia and the Caribbean. Jennifer Browdy de Hernández, ed. Cambridge, MA:South End P.,2004 (1988). 147-156
El texto kindcaid nos habla del contraste de los turistas que llegan a Jamaica y de la situación real del país, en donde se muestra los problemas ecónomicos y sociales del país caribeño. El texto también explica la situación que vive el ser humano como explotación, trrabajando por empresas estaodunidenses y ganando una miseria. El video que escogí que me pareció muy sorprendente ya que de verdad me tocó profundamente fue que los turistas no tienen ni la menor idea de la situación del sistema de aguas negras en Jamaica. El contraste que se muestra en el video con los turistas, en donde ellos se bañan muy felizmente en esas hermosas playas y no tienen ni la menor idea que el agua que sale de su indoro va a parar en el mar. Ellos no saben que el sistema de aguas negras es terrible y que todas la aguas negras van a desenfocar al mar. Es impresionante como los turistas que viajan a islas caribeñas no saben de los problemas tan grandes que estan pasando. La construcción del turismo es muy interesante porque choca con la realidad en la que vive el país. La probreza y la falta de recursos económicos para combatir éstos problemas. El mensaje polítco y económico es de explotación para con éste país, ya que cayeron en grandes préstamos con el exterior y el aumento de su deuda externa, poniéndole en desventaja con sus productos agrícolas internos y devaluando su moneda. El director del documental captura muy bien lo que el texto original está diciendo. El hace la adaptación muy parecida a su texto original, capturando las imágenes de los turistas y contrastándolo con la dura realidad, especialmente mostrando el problema del sistema de aguas negras.

Life and Debt. DIr. Stephanie Black.US-Jamaica, 2001.

Jamaica Kincaid, "A Small Place," Women Writing Resistance: Essays on Latin America and the Caribbean. Jennifer Browdy de Hernández, ed. Cambridge, MA: South End P., 2004 [1988].

Este fragmento del texto "A Small Place" ilustra el absurdo que es el proceso de producir y vender alimento internacionalmente. La producción de comida forma la base de una sociedad independiente y sana. El concepto de manipular el sistema de producción de alimento resulta en prácticas económicamente, ecológicamente y personalmente insostenibles y dañinas. Jamaica Kincaid en el texto original menciona estas prácticas, y cómo se relacionan con el turismo en Antigua, pero Stephanie Black expande esta idea en su investigación del impacto de la interferencia internacional en la producción de alimento en la sociedad Jamaicana.  Ilustra  el impacto en las industrias locales Jamaicanas que ha tenido los acuerdos gubernamentales con el IMF y el World Bank. Las compañías internacionales destruyen la producción local de comida para inundar el mercado Jamaicano con productos inferiores, pero que se venden a costos bajos. Los productores pequeños y locales no pueden competir con estos precios, resultando en la destrucción de la industria y agricultura local. También resulta en la dependencia completa en producción extranjera, una propuesta peligrosa y tenue. Esta escena corresponde directamente al fragmento del texto, y abre la oportunidad para la película expandir de la investigación más profunda.

Life and Debt. Dir. Stephanie Black. US-Jamaica, 2001.

 

El film demuestra la manera en que las organizaciones de la FMI y la OMC utilizan su influencia para mantener la relación amo-esclavo del pasado colonial de Jamaica hasta el presente.  El film presenta varios ejemplos de la derrota y la quiebra de las granjas e industrias nacionales de Jamaica por causa de la aceptación de prestamos de la FMI. En el ejemplo de las fabricas de coser, el propósito de su construcción está presentado como una inversión en el país para el beneficio de los trabajadores que van a ganar empleo en las fabricas. Considerado desde el punto de vista de los gobiernos y empresas multinacionales, la construcción de estas fabricas fue una buena obra para el beneficio de la población jamaiquina.  Sin embargo, esta reivindicación del FMI no refleja la actualidad, el horror, desesperación, pobreza interminable y humillación de la gente que trabaja allí.

 

Esta humillación, desesperación, y pobreza está claramente demostrada con el montaje del film. La zona de esta fabricas de coser con las “zonas libres” en que los Jamaicanos tienen que pasar por un control de seguridad y alambre de púas para trabajar. Aunque siguen pisando tierra de su propio país, han perdido sus derechos como ciudadanos mientras están en estas zonas “libres”.  Mientras entran a la zona libre la escena está en blanco y negro con música reggae. Las caras de los trabajadores son serias, resignadas, tristes. Parece que entran a una prisión – no tienen derechos, no tienen recursos, están bajo el control de las mismas fuerzas que les controlaban durante la época del colonialismo. El control de gobiernos extranjeros. El film demuestra, con las entrevistas de los trabajadores de las fabricas, el resultado de este control y las condiciones esclavas en que siguen viviendo.

 

En cambio de la realidad dura y desesperada que viven los Jamaicanos, los turistas están asilados de esta realidad en zonas protegidas. Juegan juegos estúpidas (apostando en carreras de cangrejos, tomando la mas cerveza posible durante un tiempo determinado), hacen un tour en jeep de los barrios que rodean su resort como si fueran de Safari, y se relajan y disfrutan de las frutas tropicales. Estas imágenes son obscenas cuando contrastadas contra la existencia pobre que viven los nativos de la isla. Esta yuxtaposición ayuda para desarrollar el argumento que la opresión y esclavitud siguen vivos hoy en día.

En la película Life and Debt, Stephanie Black usa la narración del texto original e imágenes de las actividades y comportamiento de los turistas y los nativos para mostrar los privilegios del estatus económica y como divide los turistas y los nativos. Los turistas viajan en un autobús para una excursión afuera del hotel. Miran a la gente nativa, el conductor les pregunta si ellos se divierten; es un evento para los turistas, ver la gente nativa en este lugar extranjero. La narración en esta parte de la escena es, más o menos, las mismas palabras de la cita de Jamaica Kincaid. Esta escena, y también la cita, hablan de la potencial del nativo de ser turista. Los turistas de Jamaica, tienen dinero de salir de su propio país e ir de vacaciones para relajar y no hacer nada. Los nativos de Jamaica no tienen dinero de hacer nada; no hay trabajo, no hay dinero. Después de la excursión, los turistas vuelven al hotel y hay énfasis en la entrada cerrada; y el otro lado de esta barrera es para los turistas, los ricos, no accesible para los pobres. El lugar cambia al hotel donde los turistas participan en una competición de beber. Esta escena muestra muy claramente los privilegios de la turista debido a su estatus económica y la división entre los ricos y los pobres.

La desigualdad entre el texto y la película evoca el intento para dramatizar la historia del Cabeza de Vaca en la película para hacerla más atractive para los espectadores. En el texto, los españoles conocen a los indios en una manera amistosa. Cabeza de Vaca no escribe de ningún pelea o desacuerdo entre los distintos grupos. En la película, la primera interacción es un ataque terrible sobre los españoles por los indios con lanzas innumerables. Además, la hostilidad entre la dos gente continúa hasta la mitad de la película cuando Álvar, Malacosa, y el hechicero comienzan a comportarse con cortesía. Es un ejemplo de la adaptación libre, Echevarría difiere completamente del texto original con la creación de una imagen nueva. En mi opinión, esta escena tiene menor grado de fidelidad porque el director quería crear una representación más emocionante. Aventura es más estimulante que fidelidad al texto original para la mayoría de espectadores. 

Cabeza de Vaca. Dir. Nicolás Echevarría. México, 1992. 

Senel Paz, "'El lobo, el bosque y el hombre nuevo' de Senel Paz" Una versión anotada para el estudiante de literatura.Jonathan Detman, ed. Northern Arizona U, 2006.

     En esta alusión a la suerte que tienen los heterosexuales, Diego,  el personaje literario, menciona brevemente un incidente doloroso que marcó su juventud, acontecimiento que nunca se menciona en la película Fresa y Chocolate. Diego destaca un incidente en el que su padre brutalizó un gato querido para incitar a él, como chico, a abandonar sus tendencias homosexuales.  Contrastando la situación familiar difícil de algunos homosexuales con la vida fácil de que gozan, según él, los heterosexuales, Diego hace referencia a la violencia de que se sirven algunos padres para incitar a sus hijos , considerados efeminados, blandos, o sensibles,  a deshacerse de estos rasgos poco "masculinos". Por una muestra de brutalidad, ciertos padres intentan a provocar el desarrollo de estas capacidades violentas en sus hijos, borrando así una  homosexualidad transgresiva.  Poder aguantar la violencia, gozar de ella, y rechazar a seres queridos con indiferencia parece a algunos hombres un rito de iniciación masculina que puede "despertar" a sus hijos de la homosexualidad.
    La película rechaza esta "explicación" de la homosexualidad como consecuencia de una niñez traumática, aunque David propone que los padres de Diego tengan la "culpa" de su orientación sexual. El Diego de la película intenta a establecer la normalidad de su infancia, enfatizando que aprendió buenos modales de sus padres y menciona el cariño que lo rodeó de parte de sus padres,  diciendo que fue "el hijo lindo de su mamá". Lejos de ser un  monstruo violento, su papá fue, según Diego, "un santo".
     Para explicar su orientación sexual a David, que quiere echarle la culpa para su homosexualidad a un padre indiferente o un problema médico, Diego destaca a normalidad de esta diferencia: que es homosexual por la misma razón que David es heterosexual, porque ha nacido así.  Su explicación de la naturaleza inherente de la preferencia sexual va en contra no solo de las creencias de David sino también del padre de Diego del texto, que creía que la masculinidad puede sacar o "provocarse" en su hijo, como si la masculinidad fuera un "talento" latente en cada chico, que solo se exhibe tras experimentar la violencia más depravada. 

Senel Paz, El lobo, el bosque y el hombre nuevo. Ediciones ERA, 1991.

Diego sostiene que tiene el derecho de vivir su vida como quiera, a pesar de que existan las restricciones políticas o sociales que le prohibe de realizar sus deseos personales. Lamenta el hecho de que Cuba lucha contra si mismo en forma de rechazar a sus propios ciudadanos homosexuales. El texto expresa su pasión por la cultura y el arte por nombrar algunos ejemplos específicos. La adaptación fílmica intenta hacer la misma cosa a través de la película por mostrarle a Diego rodeado de libros extranjeros (y Cubanos) y arte visual. También en el apartamento de Diego siempre hay música clásica. La falta de referencia explícita a música y arte particular en esta escena es una elección interesante por parte del cineasta. Elige enfocar en los efectos personales y la emoción intensa de los dos amigos en el momento. Usa este momento del texto como el ápice de la acción, en que revela Diego que tiene salir de su propio país.  La pregunta ¿No tengo derecho? inspira a esta escena, adaptada para servir los propósitos de la película, pero que incorpora el espíritu original del texto.

 

Senel Paz, El lobo, el bosque y el hombre nuevo. Ediciones ERA, 1991.

 

     En este fragmento del texto literario, El lobo, el bosque y el hombre nuevo, Senal Paz transporta la tensiones relacionadas con la orientación sexual en una época revolucionaria cubana. Senel Paz ilustra uno de los estereotipos que viven los homosexuales: solamente las mujeres y los homosexuales comen el helado de fresa por su color rosado o “femenino”. Sin embargo, el director de Fresa y chocolate, Tomás Gutiérrez Alea, omite este fragmento en el texto fílmico. La omisión refleja la poca libertad de expresión que tenían los escritores y guionistas durante la época revolucionaria, a consecuencia de ser encarcelado o condenado al ostracismo. Esta adaptación fílmica de Gutiérrez Alea implica que todas las artes tenían que concordar con la política e ideología revolucionaria anti-homosexual durante una sociedad revolucionaria.

     A diferencia del texto literario, la escena en el texto fílmico omite la invitación de Diego a David en abrirle la portañuela botón por botón. Esta omisión implica que las palabras explícitas y eróticas de un homosexual denunciaban el sistema artístico que el gobierno revolucionario cubano favorecía. También, el David del texto fílmico se centra en obtener las fotos de su obra de teatro, Torvaldo, a diferencia del David del texto literario que se centra en obtener el libro de Vargas Llosa de Diego. Esta adaptación en el texto fílmico esquiva mostrar las contradicciones de una sociedad revolucionaria conservadora. David, siendo un joven que apoya el gobierno revolucionario, desea disfrutar la literatura elitista y prohibida de Vargas Llosa. Sin embargo, la película, a diferencia del texto literario, no demuestra este deseo prohibido de un marxista. En cualquier caso, ambos textos analizan los preconceptos con respecto a la sexualidad, la revolución Cubana, los estereotipos, los prejuicios y la discriminación hacia los homosexuales.

 

Fresa y chocolate. Dir. Tomás Gutiérrez Alea and Juan Carlos Tabío. Cuba, 1993.

 

 

La película hace referencia a la fresa y el texto hace referencia a la fresa en el comienzo por la razón de que un hombre que es homosexual se le conoce como una fresa.  En mi opinión el director fue fiel en esta parte de la película porque él pudo capturar y transmitir el mensaje que esta escribo y convertirlo en una película. En la película David y Diego discuten sobre la homosexualidad, y como es una enfermedad mental y que se puede curar. La respuesta de Diego es la que hoy en día se entiende porque el ser gay no tiene cura, se nace de esa forma. Es por eso que esta película y el texto son tan interesante porque nos muestra lo difícil que es la vida de un homosexual cuando todos los privilegios se han negado.  La Película toma lugar después de la revolución cubana, pero los homosexuales no eran parte de la revolución ya que su orientación sexual los hacían enemigos de la patria. Lo mismo pasó en la película, Diego no tenía trabajo y se tenía que ir del país porque no podía seguir viviendo y tampoco tenía recurso para quedarse en Cuba.

 

La transformación del texto a cine hizo más fácil entender la escena ya que en vez de leerla, ahora se podía ver. Lo interesante es como la cámara pudo captura las emisiones de Diego cuando se estaba comienzo el helado, y no solo las emociones, sino el significado sexual que él estaba transmitiendo pero no le sirvió de nada porque David es heterosexual. La historia de la niñez de Diego no es algo agradable porque su padre quería que su hijo fuera heterosexual por eso fue maltratado psicológicamente para tratar de curar algo que no tiene cura. En la antigüedad ningún padre quería que sus hijos fueran homosexuales, por eso buscaban cualquier medio posible para tratar de curar y que su familia no entrara en la deshonra de tener un hijo que le gustaran los hombres. El mensaje principal de la película al igual que el texto Es; La desigual entre los homosexuales y los heterosexuales en la sociedad cubana, después de la revolución. 

Fresa y chocolate. Dir. Tomás Gutiérrez Alea. Cuba, 1993.

 

El director utiliza el momento del abrazo entre David y Diego para capturar la promesa de David de luchar por un mundo mejor para los homosexuales de su país.  En el texto literario, esta transformación esta narrada por David mismo en el momento en dice que defenderá a capa y espada a otro Diego.  Esta declaración no es hablada en la versión fílmica, sino se demuestra con un abrazo.  Este abrazo entre los dos hombres no es ligero ni corto, sino es uno que tiene mucho significado entre ellos.  Antes de recibir el abrazo de David, Diego lo contempla con una mirada llena del cariño que siente por él.  Los ojos de David se llenan de lágrimas lo cual refleja, sin palabras, todo lo que significa este acto final entre los amigos. Los dos se aprietan fuertemente y quedan así hasta la escena destiñe a negro.  Este es un acto que rompe todas las reglas de una sociedad conservadora y machista y demuestra al espectador que los dos son hombres cambiados. Es un momento importante tanto para David como para Diego y nos ilustra la transformación de los dos.  Igualmente, es un momento que encapsula perfectamente el promesa de David.

En el texto original de El lobo, el bosque y el hombre nuevo escrito por Senel Paz, esta cita muestra la discriminación de la cultura cubana de los homosexuales. David explica que los homosexuales no tienen la misma experiencia con la revolución que tiene él. Ellos no fueron incluidos ni aceptados en la ideología de la revolución, entonces, no fue una revolución para ellos. En este parte del texto, David empiece de entender los sentimientos de Diego sobre la sociedad y la cultura.  El director de Fresa y Chocolate, Tomás Gutiérrez Alea captura la frustración de Diego de no ser incluido o aceptado de su país, su cultura, y sociedad. En esta escena en la película, David dice que Diego no es revolucionario. Pero, Diego habla de todo de las cosas que hizo de ser parte de la sociedad comunista. También menciona que quiso ser maestro, pero no fue aceptado a causa de ser diferente. Al fin de la escena, Diego grita que él es parte del país también. Él tiene el derecho de trabajar por el futuro de su país y contribuir a la sociedad, no ser excluido a causa de ser diferente. 

    Esta cita del texto literario transmitida por el director Senel Paz, captura la tensión que David tiene al estar hablando con una persona homosexual y que no es bien vista por la comunidad Cubana. EL director adapta ésta parte del texto de una manera exacta al miedo que las personas como David, prejuician a los homosexuales y los segregan de la sociedad, hasta el punto de deportarlos. " Los maricones", eran personas que se les consideraba peligrosas porque iban en contra de los pensamientos de la revolución, además eran religiosas. Los homsexuales tienen además problemas con el sistema porque los ciudadanos piensan que ellos no tienen un lugar en la sociedad. El director puede enfocar muy bien en la película las expresiones de los vecinos y la discriminación de la gente para los homosexuales. El director quiere mostrar a los cuidadanos cubanos que se deben respetar a estas personas y que no son una amenaza para la sociedad. Esta película quiere concientizar al público cubano de que los homosexuales tienen que ser aceptados, también se puede ver como ellos son una contradicción al pueblo y a la polítca revolucionaria, ya que leen libros que son prohibidos y adémas son religiosos. La película participa en una politica sexual en Cuba, ya que en éste tiempo se puede ver al homosexualismo como un tabú y algo que esta fuera de lo común y que la sociedad misma lo rechaza.

Fresa y chocolate. Dir. Tómas Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío. Cuba, 1993

 

Arévalo, Julieta. Paraíso y otros cuentos incómodos. México, 2013, p. 23.

La adaptación fílmica de Paraíso utiliza el árbol para representar la idea del paraíso, el lugar donde crece y florece el amor de Alfredo y Carmen.

El cielo, el símbolo utilizado en el libro, y el paraíso, el título, son sinónimos. El techo del centro comercial, pintado para imitar la bóveda celeste es una referencia al paraíso. Es un lugar que marca el origen de su amor, y es una representación de un amor verdadero y eterno que sólo puede existir en el cielo. 

En la adaptación fílmica, sin embargo, el director eligió utilizar el árbol que trasplantan de su casa de Satélite a un parque como una metáfora de su amor. El árbol también puede ser símbolo del paraíso porque se refiere al Jardín de Edén, el paraíso de Adán y Eva.  Esta metáfora tiene un sentido diferente que la del libro, porque aunque el árbol también significa el origen de su amor, la conexión con el Jardín de Edén implica un amor imperfecto.  Cómo Adán y Eva, Alfredo y Carmen experimentan tentaciones un su ciudad nueva. Lo que sienten es la presión de cambiarse para cumplir con el estándar de la belleza que la sociedad dice que es la correcta. Su intento de cumplir con estos estándares casi arruina el amor entre ellos.  Volviendo a sus orígenes, se encuentran en el lugar donde trasplantaron el árbol y se ve que ha crecido y florecido aún durante su ausencia. 

Julieta Arévalo, Paraíso y otros cuentos incómodos. México: Abismos, 2013.

 

 

     En este fragmento del texto literario, Paraíso y otros cuentos incómodos, Julieta Arévalo transmite los placeres que un hombre debería disfrutar, tal como los deportes y hacer ejercicio. Arévalo connota que Alfredo, a diferencia de los hombres de alta sociedad, y él siendo un hombre con sobre peso, odiaba hacer cualquier tipo de deporte y ejercicio y mucho menos hacer dieta y como consecuencia de su sobre peso, se subscribió a un gimnasio con su esposa. También, el fragmento transpone el estigma de la alta sociedad hacia los hombres con respecto a su imagen masculina desde la perspectiva de Alfredo. Un hombre debería estar en forma física, ser deportista, y amar hacer ejercicio. Sin embargo, el texto fílmico se enfoca en la perspectiva femenina, con respecto a la obesidad, la belleza, y la felicidad desde el punto de vista de Carmen. A diferencia del texto literario, la adaptación fílmica toma lugar desde una perspectiva femenina. Esta adaptación implica que el hombre, a diferencia de la mujer, no se atreve a admitir sus sentimientos con respecto a la obesidad y su imagen propia por cuestiones de machismo.

      A diferencia del texto literario, la escena en el texto fílmico omite la invitación de Alfredo a Carmen a subscribirse con él al gimnasio. Por el contrario, es Carmen quien le sugiere a su esposo que se inscriban en el gimnasio de acuerdo al texto fílmico. El texto fílmico muestra los sentimientos de Carmen respecto a su obesidad y su imagen después de escuchar a unas socias del trabajo de su esposo en el baño, ellas burlándose de la gordura de Carmen y la de su esposo. El texto fílmico también muestra lo emocional, que son las mujeres cuándo Carmen se mira en el espejo al día siguiente y piensa en las imágenes del artista Francisco Botero. Sin embargo, no muestra la imagen emotiva de Alfredo al “haber sido lastimado” por su padre quién lo instaba a jugar al fútbol. La imagen emotiva, acomplejada, e insatisfecha del hombre con su cuerpo no se muestra al inicio de la escena elegida, pero sí se muestra desde la perspectiva femenina porque es aceptable que las mujeres se enfoquen en su cuerpo y la belleza, pero no es así a un ser “masculino” que el hombre se enfoque en lo mismo. En cualquier caso, el texto fílmico relativiza los prejuicios de los personajes y de los espectadores sobre el estigma que impone la sociedad con respecto la obesidad, la belleza, la felicidad y la imagen propia.

 

Paraíso. Dir. Mariana Chenillo. Mexico, 2013.

 

En esta escena de Paraíso, dirigido por Mariana Chenilla, muestra la frustración de Carmen en su nueva locación que el texto no expresa. El texto está escrito en la perspectiva de Alfredo, entonces, no hay mucha explanación de los motivos de Carmen en salir Alfredo. La película está en el punto de vista de Carmen y hay desarrollo de su personaje y, también, de sus razones por volver a la casa de sus padres. La cita del texto implica que Carmen solo se queja mucho y no tiene razones de ser infeliz. Un problema de la narración de primera persona es que no es verdadero o no describir la verdad en total. Todo de la narración es de un personaje, entonces no es posible de totalmente entender los otros personajes. La escena ilustra las dificultades que tiene Carmen en la ciudad. Carmen se pierde en la ciudad y no puede encontrar el autobús correcto para viajar a donde quiere. Ella esta frustrada pero su esposo no reconoce esta. También, la escena muestra la reacción o la falta de reacción y simpatía de Alfredo a la experiencia de Carmen. 

Arévalo, Julieta. Paraíso y otros cuentos incómodos. México: Abismos, 2013, p. 15.

     En el cuento de Julieta Arévalo, las palabras de la madre de Alfredo, "gordagordagordagorda" intentan a cambiar el sentido de Alfredo de quién es esta mujer que es su novia, la mujer con la que tiene la intención de casarse. En vez de percibirla por sus calidades interiores y su impacto psicológico acogedor, su manera habitual de concebirla, las palabras malévolas de su madre lo hacen momentáneamente pensar en otra Carmen. Esta Carmen es la que ven las personas, especialmente su mamá, que perciben solo la obesidad de Carmen y que permiten que su forma exterior influya en su percepción de la persona global. La mamá de Carmen la percibe en los términos de cómo la sociedad la juzgará (y posiblemente a su hijo Alfredo por casarse con una mujer gorda) y percibe su transgresión de las normas vigentes de apariencia física, que requieren que una novia sea físicamente perfecta, es decir delgada y bellísima, el día de su boda. La mamá de Alfredo, por miedo de recriminación social por ser suegra a una nuera gorda o por desprobar a Carmen como persona, intenta a cambiar la percepción de su hijo de su esposa futura. Intenta a incitar a Alfredo a ver a Carmen como un cuerpo imperfecto, una gorda que no cabe en su vestido de boda y que debe bajar de 30 kilos para alcanzar parámetros más normales para una esposa futura. La mamá de Alfredo destaca su anormalidad física y usa este estado para intentar a cambiar la relación entre su hijo y Carmen. Por permitir a estas palabras a grabarse en su mente, Alfredo acepta momentáneamente que otra persona cambie la identidad de la mujer que ama, desmantelando brevemente el personaje de alma y de cerebro atractivos con que se enamoró.
      En la siguiente escena de la película Paraíso, la palabra gorda, termíno que expresa la gran intimidad, cariño, y confianza que Alfredo comparte con Carmen, recupera un sentido doloroso para Carmen. Antes muestra del amor y de la aceptación de Alfredo para su cuerpo generoso, ahora le recuerda a ella de manera penosa un cariño, una confianza que ya no existe entre ellos (porque él, como cree ella, ha tenido relaciones sexuales con otra mujer). "Gorda", así, es un recuerdo que lo que ella ha perdido. Además, la palabra cae entre ellos al momento que Alfredo, ahora delgado y atlético por haber bajo 30 kilos en pocos meses, ya no es gordo. Para Carmen, la palabra "Gorda" puede servir de marcar la distancia emocional entre Alfredo y ella: él que ha cambiado, Carmen que ha permanecido como era. Para Carmen, que sospecha en este momento que Alfredo tiene una relación con otra mujer, el apodo "Gorda" puede sugerir de manera muy hiriente que Carmen ya no es lo que es la otra mujer: delgado y atractivo como Alfredo, transformado físicamente por ejercicio y dieta. "Gorda" puede sugerir a ella así que ella queda fuera de las normas de lo que se espera, lo que se ama - exactamente lo que insinuaron las palabras cortantes de la mamá de Alfredo.

Arévalo, Julieta. Paraíso y otros cuentos incómodos. México: Abismos, 2013, p.17

La directora de la adaptación, Mariana Chenilla, captura muy bien el descontento de Carmen en la ciudad de México. Carmen se siente perdida, frustada, triste y dolida por dejar su ciudad nativa. La ciudad de México es un mostruo para ella y no se siente conforme al mudarse alli. Chenilla muestra en la escena el sentimiento frustante y el vació de Carmen en tierras nuevas y desconocidas, en donde su personalidad se verá cambiada por completo. Se observa la ciudad potentosa, grande y llena de tráfico, totalmente desconocida para Carmen. Chenilla toma el texto literario y lo transforma, haciendo entender al espectador el desociego de Carmen y el miedo que se le puede ver en los ojos por llegar a una ciudad tan intimidante. La escena en donde están los padres de Carmen diciéndole que no utilce los teléfonos públicos porque la van a dormir y la pueden secuestrar, hace transmitir la mala desicion que tuvieron para mudarse a la ciudad. Llena de incertidumbres Carmen en su mirada tranmsite perfectamente su miedo en la cámara. Chenilla logró comunicar lo que el texto original trasnmite en el cuento y logro entenderse muy bien. Cuando Carmen llega al nuevo apartamento, y mira el edificio se siente como en un país completamente desconocido. Se puede observar que Chenilla capto el mal gusto de Carmen con su nuevo vencindario
Paraíso. Dir. Mariana Chenillo. México, 2013

Arévalo, Julieta. Paraíso y otros cuentos incómodos. México: Abismos, 2013, p.20

Chenilla utiliza esta escena para ilustrar la desconexión enorme que ha desarrollado entre la pareja a lo largo de la dieta.  Intentan fingir que nada ha cambiado en la relación.  Justo antes de esta escena trataban de comer una cena celebrando el aniversario, pero hasta una acción normal así esta llena de significado emocional. Los regalos que les dan Alfredo y Carmen simbolizan el desconocimiento que existe entre ellos; el intento de hacer el amor sintetiza el fracaso de su matrimonio en este momento.La escena les muestra vulnerables y desnudos, en comparación con la primera escena que les muestra felices y enamorados, disfrutando de los cuerpos.  Esta escena indica un sentimiento de gran frustración y desesperación.

La película “Diarios de motocicleta” realiza el deseo interno de Ernesto para estar con el pueblo en la acción de cruzar el río en noche como una adaptación como transposición. El texto original evoca la revelación de Ernesto que hay sólo dos fracciones antagónicas, la mayoría y la minoría, y quiere estar con las estigmatizadas. La narración del texto evoca la inmensa simpatía de él y su anhelo para justicia, y la escena pelicular del río película realiza físicamente estas emociones. La escena pelicular tiene tan gran peso porque Ernesto es asmático, por lo tanto, para nadar a través de un río tan grande y poderoso es una hazaña impresiva sino peligrosa. Estaba dispuesto a renunciar a su vida a luchar por lo que cree. Sin embargo, la escena pelicular no aparece en el texto original, es por ello es una adaptación como transposición. 

El cambio de narrador en el texto fílmico de Paraíso, específicamente el cambio de género, altera completamente la visión del espectador sobre el cuento. Desde la perspectiva de Alfredo en el texto literario no hay explanación de los motivos de Carmen en salir Alfredo, le falta una profundidad emocional de Carmen. Chenillo crea la oportunidad para conocer a los otros personajes importantes del cuento por la externalización de los sentimientos y pensamientos internos de Carmen. La película ilustra el cambio de Carmen como un resultado de la dieta y la presión social de los estándares de belleza, no como casualidad.

La escena fílmica en que las dos mujeres chismean sobre Carmen y Alfredo presenta razón del cambio en la confianza y el carácter. Cuando estaba en Satélite no le importaba de la imagen física, pero la presión social de la cultura élite de la Ciudad de México le hace consciente de sí mismo, como se ve en esta escena. La perspectiva de Carmen destaca un punto de vista más consciente del físico a causa del género. Una persona de la “minoritaria” que es estigmatizada por los estándares de belleza eurocéntrico.  

La cita del texto de Jamaica Kincaid muestra la percepción del turista cuando visita el país. Están abrumados por la belleza natural de la isla, y la amabilidad de los nativos. Cuando están en camino al hotel, pasan restaurantes de comida rápidas, ignoran las escuelas que parece como chozas. Nunca van a ver las imágenes gráficas del clip de vídeo. Vienen al país para las vacaciones, usar los recursos naturales, comen la comida, disfrutan del trabajo duro de la gente Jamaica, luego se fueron. No saben que comida y los productos básicos se agotan, y que al otro lado de la isla es peligroso para dejar del hogar. Casi paralela la explotación de las organizaciones mundiales como la FMI y la OMC, pero los poderosos son conscientes de la realidad de la vida Jamaicana.