• Los lugares a visitar cada día, organizados en Google Earth.

La ruta peatonal sugerida a través de Google Maps.

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Esta edición marcó un cambio de enfoque al rechazar la arquitectura basada únicamente en la forma o la belleza. En su lugar, defendió una arquitectura comprometida con la ética, con los problemas reales del mundo: desigualdad, crisis ambiental, y conflictos sociales. En respuesta a la creciente tendencia de rápida urbanización, Fuksas utilizó la Bienal como laboratorio para analizar la nueva dimensión planetaria de los comportamientos y transformaciones urbanas.

El objetivo de esta edición buscó revelar las "huellas y elementos" de futuros proyectos mediante la investigación de estudios de arquitectura, maquetas físicas y otros materiales como el hormigón, ladrillos, vidrio y metal, para demostrar físicamente el impacto que pueden tener en el espacio arquitectónico.

El pabellón explora cómo la arquitectura no solo construye espacios físicos, sino también identidades culturales y sociales. Se centra en cómo los arquitectos navegan y desarrollan sus prácticas dentro de contextos dinámicos, especialmente en Albania, un país en transformación. La exposición destaca la importancia de la representación visual en la arquitectura y cómo esta puede influir en la percepción pública y en la construcción de futuros posibles.

"Siestario" transforma el Pabellón Argentino en un espacio de descanso colectivo, invitando a los visitantes a sentarse, relajarse y, posiblemente, soñar. La instalación principal es un silo bolsa inflado y extendido, descontextualizado de su uso agrícola original, que conserva su esencia mientras resignifica su propósito. Este elemento, característico del paisaje rural argentino, se convierte en un soporte para el sueño: un colchón de plástico blando donde los cuerpos se hunden.

La muestra explora el concepto de "hogar" desde las perspectivas de las Primeras Naciones australianas, destacando la conexión con la tierra, la sostenibilidad y la resiliencia cultural. A través de elementos sensoriales y participativos, como una pared curva de tierra apisonada y un espacio ceremonial central, se invita a los visitantes a reflexionar sobre el significado del hogar y a compartir sus propias historias, fomentando un diálogo intercultural y una comprensión más profunda de las prácticas arquitectónicas indígenas.

Siendo su primera participación en este evento. El pabellón explora cómo equilibrar la tradición y la innovación arquitectónica frente a desafíos actuales como el cambio climático. Bajo los ejes Regenerar, Innovar y Preservar, presenta tres proyectos clave: la transformación urbana de Baku White City, el simbólico Victory Park y la reconstrucción de la Mezquita de Zangilan. La muestra también rinde homenaje al arquitecto medieval Ajami Nakhchivani, destacando el legado cultural de Azerbaiyán en diálogo con soluciones sostenibles para el futuro.

Este pabellón aborda la crisis global del calor extremo con soluciones arquitectónicas sostenibles adaptadas al clima del Golfo Pérsico. Comisariada por Andrea Faraguna, la instalación explora estrategias de enfriamiento pasivo inspiradas en la arquitectura tradicional de Bahréin, como pozos geotérmicos y chimeneas solares, adaptadas al contexto veneciano con ventilación mecánica. Su diseño modular, con piso y techo suspendidos sobre una columna central, es escalable para distintos entornos urbanos. Este enfoque le valió el León de Oro a la Mejor Participación Nacional.

El pabellón de Brasil titulado Re(Invención), propone repensar la infraestructura urbana a partir de los sistemas hidráulicos y caminos ancestrales descubiertos en la Amazonía, revelando cómo los pueblos indígenas integraron conocimiento técnico y sostenible hace más de 10 000 años. Dividida en dos actos, la muestra primero expone estos hallazgos arqueológicos y luego traslada esa experiencia a las ciudades contemporáneas, invitando a reconocer y adaptar estrategias tradicionales para afrontar desafíos ambientales y sociales actuales.

El pabellón de Bulgaria en la Bienal de Venecia 2025 presenta una instalación llamada Pseudonature (que significa “falsa naturaleza” o “naturaleza simulada”). La muestra explora la tensión entre la inteligencia artificial, la tecnología y la naturaleza real, cuestionando cómo estas intervenciones afectan el equilibrio ambiental. Por fuera, el pabellón muestra alteraciones físicas que afectan el entorno natural, y por dentro, un espacio tradicional búlgaro invita a reflexionar sobre cómo podemos restaurar ese equilibrio entre tecnología y naturaleza.

El pabellón de Canadá explora el concepto de "Picoplanktonics", inspirado en el comportamiento de los picoplancton: organismos microscópicos que viven en redes colaborativas y descentralizadas. A través de una instalación inmersiva con elementos vivos, proyecciones y sonido, el pabellón propone una visión de la arquitectura como un sistema interdependiente, no centrado en el ser humano. En lugar de edificios, presenta procesos vivos que invitan a repensar el rol de la arquitectura frente a la crisis ambiental.

China presenta “Co-exist”, curado por Ma Yansong, que investiga la coexistencia entre naturaleza, ciudad y humanos. La muestra incluye una gran estructura escultórica que simula una caverna orgánica, hecha con materiales reciclados, diseñada para crear una experiencia inmersiva con sonido y luz. Además, exhibe proyectos que buscan integrar el entorno natural y urbano, proponiendo formas sostenibles y armoniosas de habitar el planeta.

“(A las Piedras) les prestamos nuestro aliento y ustedes lo susurraron a la tierra.”, un proyecto que explora la relación ancestral entre las personas y la tierra a través de la memoria, la identidad y el patrimonio cultural. La muestra utiliza elementos naturales como piedras y tierra, junto con narrativas sonoras y visuales, para crear un diálogo entre el pasado y el presente, y reflexionar sobre cómo el entorno sostiene y responde a la vida humana.

El pabellón se enfoca en el uso de materiales tradicionales y naturales, como la madera y el ladrillo local, además de técnicas artesanales que aprovechan recursos disponibles en el entorno inmediato. Se destaca cómo estas materias primas, combinadas con métodos constructivos tradicionales, contribuyen a reducir el impacto ambiental y a crear una arquitectura que “nace” del lugar donde se construye, en vez de imponer materiales o técnicas foráneas.

El pabellón utiliza el concepto de mirage (espejismo) como símbolo de las ilusiones en la arquitectura y el desarrollo urbano en Egipto. Presenta cómo las ciudades pueden prometer progreso y modernidad, pero muchas veces estas promesas son efímeras o superficiales, reflejando tensiones entre realidad y expectativa.

El pabellón finlandés explora la arquitectura como un esfuerzo colaborativo que involucra. La muestra presenta proyectos que reflejan esta cooperación entre humanos y entorno natural, destacando el valor de la participación y el diálogo para diseñar espacios más inclusivos y resilientes.

El pabellón alemán presenta una gran pantalla que proyecta paisajes urbanos futuros afectados por el calentamiento global. Esta instalación audiovisual muestra escenarios donde la naturaleza y la ciudad se transforman para adaptarse a las nuevas condiciones climáticas, invitando a reflexionar sobre los límites y posibilidades del crecimiento urbano sostenible.

El pabellón de Luxemburgo investiga el territorio a través del sonido. La muestra utiliza paisajes sonoros para explorar cómo los sonidos moldean nuestra percepción del espacio y la memoria del lugar. La instalación invita a experimentar el entorno de forma sensorial, enfatizando la conexión entre el paisaje y la identidad cultural desde una perspectiva acústica.

El pabellón se enfoca en la restauración de la Biblioteca Pública y el Archivo Nacional de St. George, cerrados desde 2011 tras el huracán Iván. Como símbolo de la memoria nacional. La propuesta surge de un proceso colaborativo con ciudadanos, académicos y expertos locales.

Se trata de una instalación inmersiva que celebra la arquitectura de tierra marroquí como un saber vivo y resiliente. Compuesta por 72 columnas de materiales locales como adobe, piedra y ladrillo, la muestra evoca la diversidad geográfica y cultural del país. Un holograma central presenta a artesanos transmitiendo técnicas ancestrales, mientras 900 herramientas suspendidas narran el proceso constructivo tradicional. El pabellón invita a repensar la sostenibilidad desde la sabiduría colectiva y los oficios vernáculos, proponiendo una arquitectura arraigada y adaptada a los desafíos contemporáneos.

El pabellón reimagina el sistema agrícola ancestral de las chinampas como modelo de regeneración ecológica y urbana. Se inspiran en las chinampas de Xochimilco, con más de 4,000 años de historia, el proyecto presenta dos instalaciones: una en el Arsenale y otra flotante en la laguna veneciana. Estas estructuras destacan la simbiosis entre agua, suelo, vegetación y vida humana, proponiendo una arquitectura que integra los ciclos naturales como elementos activos del diseño. En un contexto de crisis ecológica global se ofrece una visión de futuro donde la sabiduría ancestral es guía de la creación de entornos sostenibles y resilientes.

Con Andamio Vivo, Perú presenta una reflexión sobre el ingenio colectivo y la memoria constructiva a través de la historia real de una balsa de totora que zarpó en 1988 rumbo a la Polinesia. Inspirado en los saberes ancestrales de los artesanos aimaras y en estructuras como las islas flotantes de los Uros, el pabellón explora la relación entre lo efímero y lo permanente.

La instalación presenta una estructura de 20 metros hecha con materiales tradicionales, evocando tanto esa expedición como las islas flotantes de los Uros. A través de esta topografía efímera, el pabellón reflexiona sobre la inteligencia colectiva, la memoria y la relación dinámica entre materiales, tiempo y territorio.

El pabellón de EE.UU. explora el porche como espacio arquitectónico de encuentro, generosidad y compromiso social. Se presentan 52 proyectos de todo el país que abordan temas urgentes como inclusión, sostenibilidad y justicia social, inspirados en el espíritu abierto y comunitario del porche. La instalación incluye un porche contemporáneo diseñado por Marlon Blackwell, que funcionará como escenario para performances, charlas y encuentros, invitando a los visitantes a participar activamente.

El pabellón de Uruguay destaca la relación entre arquitectura, territorio y agua en un país donde el territorio marítimo (53,86%) supera al terrestre. La exposición plantea que estamos en la era del “Hidroceno”, donde la gestión del agua será clave para el futuro de la humanidad.

La muestra explora cómo la arquitectura puede contribuir a conservar este recurso vital mediante un diseño consciente y eficiente, que garantice el abastecimiento para consumo, agricultura, industria y energía. El agua se presenta como elemento integrador y transformador del paisaje urbano, invitando a repensar cómo habitamos nuestros espacios.

Se presenta una iniciativa pedagógica alternativa que repiensa el entorno construido desde una perspectiva crítica y generacional. La muestra combina tres componentes: una exposición inmersiva, un programa de laboratorios y sesiones públicas, y una publicación final como prueba de concepto. Incluye obras del fotógrafo Laurian Ghinițoiu, el compositor Mohammed Alhamdan y la artista Maha Malluh, articulando una reflexión colectiva sobre educación, territorio y nuevas formas de imaginar lo no construido.

Se explora cómo la arquitectura puede mejorar la seguridad alimentaria en los Emiratos Árabes Unidos. Partiendo de las infraestructuras agrícolas existentes, el proyecto reimagina modelos de invernaderos adaptados al clima árido y al contexto local. La exhibición propone una serie de invernaderos modulares que integran producción de alimentos en el entorno construido, ofreciendo soluciones sostenibles para el futuro urbano y global.

La exposición reimagina la arquitectura desde la perspectiva del suelo como entidad viva. La instalación, concebida por el curador Renan Laru-an y el artista Christian Tenefrancia Illi, transforma el pabellón en un espacio de lectura y reflexión, donde el suelo es protagonista tanto material como simbólico. A través de talleres translocales y colaboraciones con comunidades indígenas, el proyecto propone una arquitectura arraigada en la ética y estética del suelo, fomentando nuevas alianzas ecológicas y tecnológicas.

En el pabellón Japonés, los visitantes experimentarán una instalación inmersiva donde los elementos arquitectónicos del propio pabellón —como columnas, muros y terrazas— están dotados de inteligencia artificial, permitiéndoles interactuar entre sí y con los asistentes. Esta interacción genera diálogos y comportamientos que exploran el concepto de "ma", un principio japonés que enfatiza el espacio y tiempo intermedios.

El pabellón es una poderosa denuncia del ecocidio y una invitación a la restauración ecológica. A través de un ministerio ficticio, el proyecto visibiliza la devastación de paisajes agrícolas por conflictos y contaminación, y llama a arquitectos y visitantes a asumir un rol activo en la sanación del territorio y la reconstrucción de relaciones entre humanos y naturaleza.

El pabellón marca la primera participación oficial del país en este evento. Se inspira en la Sablah, el espacio comunal tradicional de Omán, para explorar cómo la memoria cultural y las prácticas ancestrales pueden guiar el diseño de espacios contemporáneos que fomenten la cohesión social y la resiliencia comunitaria. La Sablah es estructura viva, donde se comparten historias, se toman decisiones y se fortalecen los lazos sociales. Traces reimagina este espacio como un modelo adaptable para entornos urbanos futuros, destacando la importancia de la tradición en la configuración de comunidades sostenibles y conectadas.

El pabellón reflexiona sobre la fragilidad y resiliencia frente al cambio climático. Usando sal de roca rosa de Khewra, un material profundamente arraigado en la historia geológica y cultural de Pakistán, el cual que se transforma con la humedad, la instalación simboliza adaptación y vulnerabilidad. El proyecto denuncia las desigualdades climáticas y propone soluciones locales y naturales como alternativa a enfoques universales, vinculando la arquitectura con la herencia cultural y los desafíos ecológicos.

Mi casa es tu casa, marca la primera participación oficial de Catar en la Bienal de Arquitectura de Venecia. La exposición, dividida entre el Giardini y el ACP–Palazzo Franchetti, explora la hospitalidad en la arquitectura del Medio Oriente, Norte de África y Asia del Sur. Destaca una instalación de la arquitecta Yasmeen Lari: un centro comunitario de bambú que ejemplifica prácticas de construcción sostenibles y solidarias. La muestra reúne obras de más de 20 arquitectos de la región MENASA, reflexionando sobre cómo los espacios construidos pueden fomentar el sentido de pertenencia y comunidad.

Con motivo del 60 aniversario del país, el pabellón convierte la ciudad en una experiencia culinaria, celebrando su “superdiversidad” cultural. A través de instalaciones interactivas guiadas por datos e inteligencia artificial, se explora cómo la mezcla de tradiciones, ideas y personas ha dado forma a la identidad urbana de Singapur. La mesa se presenta como un espacio de diálogo entre política, historia y diseño participativo.

La exposición Grounded sitúa al suelo como protagonista central, destacándolo como un recurso vivo, sensible e ignorado en la arquitectura contemporánea. A través de experiencias sensoriales, arte e investigación, el pabellón invita a repensar la relación entre la arquitectura, la naturaleza y el legado cultural de Turquía. Se exploran prácticas vernáculas, sitios arqueológicos y soluciones sostenibles, proponiendo una arquitectura más consciente y en armonía con la Tierra.

El pabellón de Uzbekistán examina la relevancia actual del Heliocomplejo “Sol”, una estructura científica modernista construida en 1987 cerca de Taskent. Equipado con uno de los dos hornos solares más grandes del mundo, fue concebido durante la Guerra Fría como símbolo de progreso tecnológico.

La muestra reflexiona sobre su escala desproporcionada frente a la realidad contemporánea del país y lo reinterpreta no como un fracaso, sino como una oportunidad para repensar su valor científico, cultural y arquitectónico. Se propone un enfoque que va más allá de la preservación, situando al complejo en nuevas agendas contemporáneas.

En su 30° aniversario, el Pabellón de Corea en la Biennale de Venecia se presenta como una “casa” viva y temporal que reflexiona sobre la identidad nacional. La muestra está narrada simbólicamente por un sapo, figura presente en las tradiciones orientales y occidentales, que representa transformación y renacimiento. El proyecto investiga las tensiones entre cielo y tierra, lo efímero y lo habitable, mientras propone nuevas visiones de sostenibilidad para el futuro de la Biennale.

El pabellón examina la relación entre arquitectos y artesanos a través de una instalación hecha con elementos de construcción tradicionales. Destaca cómo la inteligencia material y la experiencia manual contribuyen al proceso arquitectónico, reivindicando la labor artesanal como componente esencial en la creación del espacio construido.

La exposición introduce el concepto de “internalidades” como alternativa a las externalidades del modelo constructivo convencional. A través de cinco ejes: materiales, energías, mano de obra, residuos y emisiones. Se presentan casos en Galicia, Madrid, Cataluña, el norte de España y Baleares que promueven arquitecturas arraigadas en economías locales y procesos sostenibles.

Investiga el potencial de la lava como material de construcción sostenible. El pabellón presenta experimentos y propuestas que vinculan geología, arquitectura y ecología, imaginando futuros constructivos en armonía con los procesos volcánicos del paisaje islandés.

El proyecto ilustra cómo una amenaza localizada puede transformarse en un recurso que aborde una emergencia global.

La exposición irlandesa propone una instalación sonora y arquitectónica inspirada en el modelo de las asambleas ciudadanas. "Asamblea", explora cómo el espacio físico puede facilitar el diálogo colectivo y la construcción de consenso, integrando poesía, música y entrevistas en una estructura que resuena con múltiples voces.

El pabellón italiano propone una reflexión sobre el mar como componente central del territorio. A través de siete intervenciones reales, se presentan maquetas, fotografías, instalaciones sonoras y videos que abordan temas como la erosión costera, las infraestructuras portuarias y la transformación urbana. La exposición busca repensar la frontera entre tierra y agua como un sistema integrado entre arquitectura, paisaje e infraestructura.

La exposición aborda cómo la defensa militar moldea el espacio y la vida en la frontera exterior de la OTAN. Desde la perspectiva de los habitantes fronterizos, se examinan las consecuencias físicas y psicológicas de vivir bajo la amenaza constante de conflicto. El pabellón muestra elementos como trincheras, barreras antitanques y materiales militares, generando una reflexión crítica sobre el impacto de la seguridad nacional en el paisaje y el entorno construido.

El pabellón transforma el espacio en un bar deportivo alternativo para explorar cómo la arquitectura puede desafiar normas sociales excluyentes. A través de los juegos Multiform y Fluid Field, del diseñador Gabriel Fontana, se replantean las dinámicas del deporte como metáfora de inclusión y pluralidad. La muestra propone una reflexión sobre cómo los espacios construidos pueden fomentar nuevas formas de convivencia más justas e imaginativas.

Con Lares and Penates, Polonia indaga cómo la arquitectura puede ofrecer seguridad frente a un mundo incierto. La exposición reúne supersticiones constructivas, rituales protectores y elementos simbólicos aún presentes en la cultura popular. Frente a amenazas como guerras o desastres climáticos, el pabellón propone que la protección también puede surgir de saberes premodernos que otorgan calma, sentido y autonomía en lo cotidiano.

Es una instalación inmersiva que cuestiona la noción contemporánea de "paraíso", confrontando las imágenes idílicas de playas y paisajes con realidades como la especulación inmobiliaria, el turismo excesivo y el abandono del interior del país. A través de videos generados con inteligencia artificial y un Atlas de imágenes colectivas, la exposición invita a reflexionar sobre el papel de la arquitectura en la transformación del paisaje y la construcción de futuros más equitativos y sostenibles.

Human Scale es una exposición que explora cómo los dibujos arquitectónicos reflejan diversas formas de inteligencia: conceptual, histórica, tecnológica, artística y emocional. La muestra presenta una selección de dibujos de arquitectos rumanos del siglo XX, acompañados por esculturas del artista Vlad Nancă que amplían las figuras humanas de estos planos a escala real. Esta instalación invita a reflexionar sobre la relación entre arquitectura y humanidad, destacando cómo los espacios construidos influyen en nuestras vidas y emociones.

La exposición combina el arte del tejido con la innovación tecnológica, aludiendo a la creación de la primera mano biónica en 1963. Una estructura cinética de hilos de lana se entreteje antes de la inauguración y se deshace durante la Bienal, explorando el rol de la mano como extensión reflexiva del pensamiento y la tensión entre inteligencia natural e inteligencia artificial.

El pabellón suizo en la Bienal de Arquitectura 2025, curado por cuatro arquitectas junto a la artista Axelle Stiefel, reinterpreta la Kunsthalle de Lisbeth Sachs como una estructura efímera y participativa. Inspirado en la idea de que “la forma final la define la arquitecta en el sitio”, invita al público a involucrarse activamente en la construcción y transformación del espacio. La instalación incluye sonido, interacción y movimiento, desdibujando límites entre arte, arquitectura e historia.

Ucrania presenta DAKH, una exposición que contrapone la arquitectura vernácula tradicional con formas de reconstrucción surgidas durante la guerra. El techo (“dakh” en ucraniano) simboliza refugio y vulnerabilidad. La pieza central es una estructura diseñada por Bogdana Kosmina, basada en un atlas arquitectónico desarrollado por tres generaciones de mujeres arquitectas. La muestra propone una ética de reconstrucción basada en el cuidado, la resistencia y la solidaridad.

El pabellón explora las rupturas ecológicas y la reconfiguración del conocimiento en los paisajes cambiantes de Kosovo. A través de una instalación sensorial basada en el trabajo con agricultores locales, la muestra revela cómo cultivos tradicionales desaparecen mientras emergen otros inesperados, como los kiwis y los higos. Lejos de usar modelos predictivos, los agricultores adaptan su relación con la tierra desde la experiencia directa y el cuerpo, evidenciando tanto la fragilidad como la resiliencia del conocimiento situado.

Kaynuna reflexiona sobre la relación entre espacio, tiempo y materia en el entorno construido, cuestionando la modernización que borra el patrimonio arquitectónico de Kuwait. La propuesta critica la demolición sistemática y plantea un modelo de desarrollo que combina sostenibilidad, identidad cultural y resiliencia, promoviendo una arquitectura arraigada y consciente del contexto.

La muestra transforma el pabellón en un laboratorio vivo donde arquitectura, naturaleza y biotecnología se entrelazan. A través de estructuras suspendidas que contienen cultivos bacterianos del suelo montenegrino, el proyecto explora la arquitectura como un organismo sensible. La instalación reinterpreta saberes ancestrales como la técnica de construcción suvomeđa, proponiendo un espacio de intercambio entre especies, materiales y tiempos.

El pabellón reinterpreta el legado brutalista de Skopje tras el terremoto de 1963. Inspirado en la Strada Novissima de la Bienal de 1980, el proyecto transforma una "calle" conceptual en una plataforma de reflexión crítica sobre diez edificios emblemáticos del brutalismo macedonio. Se destaca la "inteligencia oculta" de estas estructuras, proponiendo una arquitectura que dialoga con el presente y el futuro. El brutalismo se posiciona no como reliquia, sino como recurso activo para repensar la ciudad contemporánea.

Ubicado en la iglesia de Santa Maria dei Derelitti. La exposición reflexiona sobre la conexión entre la arquitectura y la naturaleza urbana. La exposición inicia con un tocón de árbol arrancado, símbolo de pérdida y desconexión con el entorno. A través de maquetas de proyectos inspirados en árboles y sostenibilidad, se invita a repensar la identidad arquitectónica en armonía con la naturaleza. El espacio funciona como una plataforma abierta de diálogo entre arquitectos y universidades europeas.

La exposición Industry Muscle investiga cómo la arquitectura moldea nuestros cuerpos y comportamientos. El artista Teo Ala-Ruona explora la relación entre cuerpo, género, arquitectura moderna y cultura fósil a través de cinco partituras especulativas. Estas funcionan como instrucciones críticas que invitan a imaginar una arquitectura más inclusiva, consciente de la corporalidad y del entorno.