이 작품을 처음 보았을 때 어떤 주제를 전달하고자 하여 얼음으로 수많은 사람을 조각했을까라는 의문이 들면서 몇 시간 안에 녹아 없어질 수 있는 작품을 만든 이유가 잘 이해가 가지 않았다.

이 작품은 얼음을 이용한 설치 미술이다. 이 작품은 높이 20센티미터 남짓한 수천 개의 남녀 얼음 조각상으로 이루어져 있으며 비슷하지만 각기 다른 형태를 가진 얼음 조각상들은 햇빛을 받으며 30분 이내에 각각 다른 모습으로 서서히 소멸한다. 이 작품을 보고 한 번 작품을 만들면 훼손되지 않는 한 계속 남아 있는 일반적인 작품과 달리 만들어진 얼음 조각들이 녹아 없어지는 것 또한 그 작품의 일부라는 점이 신선했다. 그리고 일반적인 회화와 달리 설치미술은 시각·청각·후각·촉각 등 다양한 감각을 총동원하는 만큼 작품에 담긴 메시지를 조금 더 효과적으로 전달할 수 있다는 생각이 들었다.

이 작품은 넬레 아제베도가 기후 변화의 심각성을 환기하고 예술 작품을 통해 이 문제를 알리기 위해 구상한 작품이다. 이 작품은 지구 온난화가 가속화되자 빙하가 녹고 해수면이 상승되는 인류의 재앙을 상징하며 신체 부위가 녹아내리다가 30분 이내에 흔적도 없이 사라져버리는 얼음은 소멸하는 인간 군상의 슬픔을 암시한다. 나 또한 이 작품을 보고 지구 온난화의 심각성을 느꼈다. 특히 얼음이 녹는 과정은 서서히 조여오는 지구온난화의 심각성을 잘 보여주고 얼음이 녹으면서 생기는 물은 녹는 빙하 뿐만아니라 결국 지구 온난화로 인해 우리가 흘릴 눈물과 땀을 상징하는 것 같다는 느낌이 들었다. 또한 나는 이를 통해 인간의 유한성을 느끼게 되었다. 태양 밑에서 서서히 녹아 소멸하는 얼음 조각상들은 언젠가는 죽을 인간의 유한성을 잘 표현한다고 생각했다. 그래서 그 조각상들을 보면서 나는 현재의 소중함 느꼈으며 지금과 같이 끊임없이 노력하여 후회없는 삶을 살아야겠다는 생각이 들었다.

모네의 그림에서 묘사된 것과 똑같은 형태가 아니더라도 전체적인 구조와 색감을 통해 다리, 강, 심지어 군데군데 자란 풀과 덤불까지도 잘 표현해냈으며 쓰레기들을 입체적으로 배치하여 원근감까지 나타냈다. 또 형태가 일정하고 단순한 쓰레기들만 사용하지 않고, 인형 등의 활용하기 어려워 보이는 쓰레기들까지 자연스럽게 작품에 녹여내어 자세히 보지 않으면 그저 붓질을 거칠게 한 평범한 작품 같아보이기도 한다.

이처럼 쓰레기로 예술작품을 만드는 것을 정크 아트라고 한다. 2차세계대전이 끝난 후 산업폐기물이나 공업 제품의 잔해를 재료로 하며, 라우센버그를 시작으로 미국과 유럽에서 여러 작가들이 등장했다. 정크 아트는 이러한 폐품들을 사용함으로써 자본주의, 사회, 문명에 대한 비판을 직간접적으로 드러내기도 했다. 현대 정크아트의 경우 주변에서 너무나도 쉽게 많은 양을 금방 모을 수 있는 생활 쓰레기들을 이용해 환경문제를 알리는 작품이 많고, 톰데이닝어도 그 중 하나이다.

이 작품을 보다보면 내가 버린 쓰레기도 저기에 있을 것 같은 기분이 든다. 인간의 쓰레기로 인해 좋아하는 예술작품이 기괴하게 변형되었으며 이를 통해 환경이 파괴되고 있다는 것을 떠올리게 된다. 환경문제를 알리는데 그치지 않고, 경각심을 은유적으로 느낄 수 있어 상당히 고차원적이라는 생각이 든다. 나 또한 경각심을 느꼈고, 특히 위에서 언급한 것처럼 유명한 예술작품을 모방함으로써 우리의 익숙한 일상, 터전이 파괴될 수 있음을 보여주는 것 같았다. 길에서 종종 보이는 쓰레기 더미나 종량제 봉투들이 떠올랐고, 그것들이 길 전체를 뒤덮는 상상을 하게 된다. 쓰레기문제의 해결방안이 무엇인지 고민하게 됨과 동시에 너무 압도적인 규모로 느껴지게 되기도 해서 오히려 움츠러들기도 한다. 또 한 편으로는 처리하기 어려운 쓰레기들을 유용하게 활용하는 나름의 환경보호처럼 느껴지기도 하면서 동시에 저 작품이 나중에 다시 쓰레기로 돌아가게 되면 어떡할까라는 생각이 들기도 했다.

강렬한 색채와 비현실적인 형태를 통해 주목을 끌며, 자연의 아름다움과 파괴된 현실 사이의 대조를 만든다. 이것은 인상주의의 주요 특징 중 하나인 '감정적 효과'를 강조한다. 작품에서 사용된 산호는 자연의 소중함과 취약성을 상징하고, 이를 통해 환경 파괴와 생물 다양성의 감소에 대한 경고를 전달하며, 인간의 탐욕과 소비 문화가 자연에 미치는 영향을 강조한다.

디온은 작품을 통해 현대 사회의 소비 문화와 그로 인한 환경 파괴에 대한 비판적인 시각을 제시하며 사회를 비판하였다.

따라서 자연 보존의 중요성을 강조하며, 우리가 지구의 생태계를 보호해야 한다는 메시지를 전달하고 있는 것 같다.

이 작품의 첫인상을 말하자면 이게 작품이라고 알려주지 않았다면  작품인지도 몰랐을거 같다' 였다 왜냐하면 이 작품에서 보이는 모습이라고는 시멘트 벽의 코너 한쪽에 cctv가 벽면을 보게끔 설치하고 cctv가 비추는 곳에 what are you looking at 이라는 검은색상의 정갈한 문구가 적혀있을 뿐이라 아마 작품이란 것을 알고 보지 못하였다 하면 그냥 유투브에서 보이는 잘못된 설계 시리즈에 나올듯한 설계를 잘못한 설치물 이라고 생각했을 것이다. 하지만 이것은 뱅크시의 작품 <what are you looking at?> 인데 이 작품은 뱅크시가 자신이 전부터 주장하였던 '현대 영국에서 가장 나쁜 것중 하나는 cctv이다'라는 말과 맥락이 통한다. 뱅크시는 작품을 통해 사회를 감시하고 억압하려는 존재에 대한 비판을 문장 하나로 가볍게 비꼰 것이다. 이는 뱅크시의 고향인 영국의 런던이 2021년 기준 1183대 로 인도에 이어 세계에서 가장 cctv가 가장 많은 도시 2위를 기록하였다는것을 보면 이에 대해 납득이 간다. 이 작품을 보면서 나는 또한 우리나라 역시 도시에  cctv가 많은 나라중 하나인것에 반하여 우리나라에서는 cctv를 방범 등의 용도로 개인과 국가에서 흔히 사용하며 도로 차량 건물 출입구 가게 내부 등에 존재한 cctv를 통하여 사생활이 노출될  수 있다는 사실을 인지하게  되었다. 이를 통해 작가가 말하려 했던 바인 과도한 cctv로 인해 개인의 사생활이 침해되고 있다는 의도를 깊게 공감하게 되었다.

뱅크시의 눈 먹는 소년 (season’s greeting) 겉보기에는 꼬마 아이가 흩날리는 눈을 보며 즐거워 하고 있는 것 같지만 벽의 반대쪽을 보면 이 눈이 실제로는 불에 타는 재였다는 것을 알 수 있다. 이 그림을 그린 뱅크시는 이렇게 자신의 정체를 밝히지 않고 사회의 문제를 비판하는 화가로 사회에 대한 이슈들을 다루며 독특한 시각과 메세지를 전달한다. 그는 이렇게 자신의 정체를 들키지 않기 위해 스텐실, 그래피티 등의 예술 기법을 이용한다. 특히 스텐실 아트 기법의 경우 이미지나 디자인을 재사용가능한 스텐실을 통해 벽면에 빠르기 그리는 방식으로 이를 통해 복잡한 그림도 빠르게 그릴 수 있다.

이 그림은 공장이 분포해 있는 한 마을에서 환경 오염으로 인한 질환을 앓고 있다며 그림을 요청하여 사람들에게 경각심을 주기 위해 그려진 것으로 알려져 있다. 이 그림을 통해 작가는 인간의 이기심으로 인한 공해와 환경문제에 주목했다는 것을 느낄 수 있었다. 또한 이 그림을 보면서 인간 자신의 이기심이 다른 생물뿐만 아니라 다시 인간에게 돌아와 악영향을 미칠 수 있다는 것을 느낄 수 있었고 이런 모습과 반대되는 어린아이의 천진난만함을 통해 나타냈다는 점이 인상적이었다. 같은 도시에서도 공장을 운영하면서 이익을 얻는 사람들과 반대로 그 도시에 살면서 공해나 환경오염들로 인하여 신체적, 정신적으로 문제를 겪는 사람들이 있다는 점을 느끼고 이를 세계적으로 확대해보았을 때 선진국의 이기심과 개발으로 인한 환경 오염이 개발도상국이나 개발이 되지 않은 국가에 영향을 미칠 수 있다는 점을 생각해볼 수 있었다.

나는 또한 이 과정에서 여러 뱅크시의 그림을 감상해보았는데 뱅크시가 정체를 밝히지 않고 그림을 그린다는 점에서 그 해석이 정확히 작가의 해석과 동일한지 알 수는 없지만 스스로 그림을 보면서 사회의 문제를 더 직접적으로 느끼고 생각하고 반성할 수 있는 시간을 가질 수 있다는 점에서 그가 그림을 통해 우리 사회의 여러 문제들에 소리내고 있다는 것을 느낄 수 있었다.

이 작품의 첫인상은 전체적으로 스산하고 불길한 분위기로, 한 눈에 위험한 상황이라는 것을 느낄 수 있었다. 동적인 분위기가 아님에도 불구하고 약간의 긴박감이 느껴지기도 한다.

위 작품에서 가장 먼저 보이는 것은 듬성듬성 길쭉하게 뻗어 자라는 숲의 나무 사이로 핸드폰을 보며 걸어가는 사람이다. 이어서, 바로 보이는 것은 그 사람이 걸어가는 길을 따라 핸드폰에서 떨어지는 0과1의 숫자들과 이 숫자를 뒤따라오는 한 남자이다. 이 그림에서 특이한 점은 나무의 특징과 대비되는 파란색이 그림의 전반을 차지하고 있다는 점과 핸드폰을 보며 걷는 사람의 피부는 살구빛으로 묘사했지만 숫자를 따라가는 사람은 주변 배경과 비슷한 파란색으로 묘사했다는 점인 것 같다.

이 작품은 일러스트레이터 Davide Bonazzi의 작품으로, 다른 그의 작품과 같이 이 작품 또한 프로그램으로 제작한 디지털 일러스트이다.

이 작품은 선이 거의 없는 면으로 구성된 그림이다. 선으로 대상의 영역의 구분짓지 않고 면으로 구성하여 객체 각각의 형체감이 뚜렷하게 구분되면서도 전체적으로는 하나의 그림으로써 뭉쳐진다.  색감 또한 차가운 계열의 색깔을 사용했지만 적당한 채도의 색상을 사용하여 Davide Bonazzi 작품 특유의 따뜻한 색감이 엿보이기도 한다. 그 외에도 디지털 일러스트 특유의 매끈하고 선명함 보다는 도화지에 그린 것 같은 입자의 질감을 살려놓은 특징이 보인다.

디지털 일러스트 특성상 깔끔하고 정교하며 수채에서 만큼 색이 혼합되지 않아 파란색 배경 위에 노란색을 덧씌워도 섞이지 않고 노란색의 색감이 살아있다.

이 작품은 시대적으로 기술이 발전하고 널리 상용화되어 사람들의 행동반경이 크게 확대된 현대 사회를 배경으로 하고 있다. 기술을 통해 사람들이 할 수 있는 것이 많아진 만큼, 하나의 기술으로도 할 수 있는 방법이 많은 만큼 그것을 잘못된 수단으로 응용하는 사람들도 늘어나고 있다.

작가는 이 작품을 통해 이러한 현대 사회의 기술 악용 사례를 보여주며 우리의 경각심을 일깨워 주려는 것이 아닐까 예측해 본다. 우리는 핸드폰으로 하는 일들이 셀 수 없이 많고 그것들은 보안, 단속 등 여러가지 이유로 기록을 남기기 마련이다. 그것은 사용자를 보호하기 위한 수단이었지만 몇몇의 사람들은 역으로 그것을 악용하여 사용자를 위험에 빠뜨린다. 실제로 몇몇 기업들은 사용자의 정보를 남용하여 개인정보를 유출 시키기도 했다. 하지만 사용자들은 그것을 인지하지 못하고 안일하게 여기는 경향이 있다. 때문에 작가는 그러한 사용자들에게 경고를 준 것이라고 생각된다. 두 사람의 피부색이 다른 것도 우리가 인터넷상에서 사용하는 정보는 실제 우리와 직결되지만 정보를 악용하는 사람들은 철저히 인터넷 데이터상에서 모습을 잘 드러내지 않기 때문이라고 생각한다. 당장 나와 내 주변 사람들만 해도 인터넷에서 기록을 남기고 다니는 것에 큰 불안함을 느끼지 않는다.

프랑스의 대표적인 인상주 의 화가로, 여성의 육체를 묘사하는 데에 있어 특출난 표현을 선보였으며 풍경화에도 뛰어났다. 인상파 중에 서 세잔의 엄격에 대비되는 가장 아름답고 뛰어나게 화 려한 멋을 보인 것은 르누아르이다. 세잔이 풍경 속에 자연의 정신을 품듯이 르누아르는 여인을 그려서 미의 도취를 자아내고 있다.

단순하게 그리되 사람들이 많은 생각을 하게끔 그림을 그렸다

이 작품을 처음 봤을 때 요즘 사회의 모습을 너무 잘 나타내어서 놀랐다. 지금의 사회는 모두 보여주기 식의 삶을 살고 있다고 생각한다. 작품 속 여인은 자신이 떨어지는 와중에도 사진을 찍고 있고 있는데 이는 현대인의 일상 생활 속에서 흔히 볼 수 있다고 생각했다. 이 작품은 현대에 만들어진 작품으로 디지털 기법을 이용하여 제작되었고 현대 사회를 풍자하는 작품이다. 현대 사회를 풍자하는 작품인 만큼 주변에서도 많이 보이는 모습이다. 요즘은 어딜가도 사람들이 사진을 찍어 플랫폼에 게시한다. 하지만 이런 상황이 심화되며 자랑을 하기 위해 사진을 찍으러 가는 사람들도 많아졌다. 그런 사회를 떨어지는 와중에도 사진을 찍는 여성으로 풍자한 것 같다. 나도 사람들에게 보여주기식 삶을 살고 있나 다시 한 번 생각해 볼 수 있는 작품인 것 같다.

이 작품을 처음 보자마자 반고흐의 작품인 ‘해바라기’가 연상되었다. 고흐의 작품에선 만개한 해바라기와 달리 앙상히 시들어 줄기만 남은 해바라기의 모습이 초라하고 건조해보였다. 이를 보며 뱅크시가 오염된 지구환경에 대한 경각심을 주고자한것이 아닐까 짐작해보았다. 이 작품은 반 고흐의 해바라기를 모델로 삼은 작품으로 캔버스에 유화를 사용하는 기법을 통해 물감이 레이어링 되어 작품이 더 깊이있게 느껴진다. 시들어가는 해바라기를 사실적으로 표현하였고 작품 전체적으로 노란색이 주조를 이룬다. 작품의 제목의 주유소가 시사하듯 이 작품은 현대 시대의 오염과 공해 문제에 대해 발언하는 작품이다. 뱅크시는 자동차의 배기가스나 화석연료를 사용하는 공장의 연기만이 문제가 아니라 모든 것을 상품화하는 상업 주의와 소비문화가 문제라는 것을 비판하고 있다. 이러한 악순환은 자연이나 환경 뿐만 아니라 예술도 오염되어가고 있으며 우리 시대의 예술은 그런 가치에 오염돼 시들어버린 해바라기와 다를 것이 없다는 생각이 든다. 인간의 소비문화가 환경 파괴에 어떻게 영향을 미치는지, 더 나아가 예술분야에선 어떤 영향을 미치는지에 대해 상징적으로 보여준다는 점이 이 작품을 처음 보았을 때 든 생각보다 더 깊이있게 이 작품을 느낄 수 있었다. 나는 무엇이든 충동적으로 소비를 하는 경향이 있는데 이 작품을 통해 나의 선택과 행동이 환경에 미치는 영향에 대해 심도있게 생각해봐야겠다고 성찰하는 시간을 가질 수 있었다.

이 작품을 처음 봤을때 매우 무서운 느낌이 들었다. 색조와 형태가 매우 기괴하고 음울하다고 느껴졌다. 무서운 느낌이 들어 이 그림에 대해 더 자세히 알아보게 되었다.

이 그림은 고야가 그린 작품으로, 1819년부터 1823년까지 4년간 은둔 생활응 하며 그린 벽화들 중 하나이다.

그림에서 사투르누스는 뒤틀리고 뒤틀린 자세로 보이는 아들의 살을 깨물며 거칠고 광적인 표정을 짓고 있는 괴물 같은 모습으로 그려져 있다. 배경은 어둡고 불길하여 전체적인 공포와 폭력성을 더한다.

작품 속 등장하는 괴물은 로마 신화에 나오는 농경과 시간의 신 사투르누스이다. 그는 어느날 자식에게 왕의 자리를 빼앗길 것이라는 저주를 받은 뒤부터 저주가 실현되는 것을 막기 위해 사투르누스는 자신의 아이를 태어나는 족족 집어삼켰다. 하지만 이 그림에는 신화와 결정적으로 다른 점이 있는데, 아들을 꿀꺽 한 입에 삼키는 게 아니라 씹어먹었다. 이는 부활이 불가능한 영원한 죽음과 절망을 말한다.

이 그림은 여러가지 방식으로 해석될 수 있다.

고야는 스페인의 정치적 혼란과 폭력의 시기에 이 작품을 그렸고, 이 작품은 이 그림이 전쟁과 공포의 권력 남용을 반영한 것으로 볼 수 있다.

또한 가부장제의 파괴적인 본질과 가족 관계의 남용에 대한 논평으로도 볼 수 있다. 이러한 해석에서 그림은 권력 남용과 개인이 억압적인 구조와 시스템에 저항해야 할 필요성에 대한 강력한 비판으로 볼 수 있다.

뿐만 아니라, 인간의 존재론적 관점에서 보면 이 그림은 인간의 존재론적 공포를 자극한다. 인간은 물론 신과 같은 초월적인 존재마저도 다시 살아날 수는 없다는 뜻이기도 하기 때문이다.

반면 루벤스가 같은 주제로 그린 그림은 또다른 느낌의 공포를 선사한다. 자식을 삼키지 않고 뜯어먹는다는 점에서는 고야의 그림과 같지만, 화풍과 색채가 부드러워 직관적인 공포는 덜하다.

하지만 루벤스의 그림 속 사투르누스는 누가 봐도 정신이 멀쩡하다. 맨정신으로 자식을 잡아먹고 있다는 얘기다. 루벤스는 자신의 욕망을 실현하기 위해 자신의 자식마저 희생시키는 인간의 세태를 비판하는 것 같다.

이 그림은 물론 1800년대에 그려진 그림이지만 현재까지도 많은 사랑을 받고 있는 것은, 아직 이 그림이 시사하는 바가 많기 때문이라고 생각한다. 우리 사회의 구조적 폭력과 억압이 아직 해결되지 않은 점은 비판받아 마땅하다고 생각한다. 우리 사회의 구조적 모순에 의해 피해받고 있는 사회적 약자들에 대한 더 많은 관심이 필요하다는 생각이 들었다.

전쟁으로 폐허가 된 건물 잔해에 그려 놓은 뱅크시의 ‘우크라이나 2022’ 연작 중 하나이다. 내용을 보면 우크라이나의 승리를 기원하는 의미를 담은 것으로 보인다. 이미지는 러시아인의 포격 대상이 된 여러 우크라이나 마을의 손상된 건물에 유도매니아이자 검은띠로 알려진 러시아 대통령 블라디미르 푸틴에서 영감을 받아 우크라이나를 대표하는 어린 유도 선수가 성인 남성을 넘어뜨리는 모습을 묘사했다. 현재의 우크라이나 전쟁처럼 완전히 다른 체급의 선수가 붙은 것이다. 그런데 뜻밖에도 체구가 작은 꼬마 어이가 엄청난 괴력을 발휘해 덩치가 엄청 큰 어른을 시원하게 메치는 모습을 보여 덩치 큰 녀석이 우크라이나를 의미하는 것인가 추측을 해볼 수 있는 작품이다. 스탬프 버전의 모서리에는 푸틴 캐릭터를 겨낭한 욕설이 우크라이나어가 약자로 적혀있다.

도서 ‘문학과 예술의 사회사 3’ 에서 이 작품을 처음 접했는데, 굉장히 우울하다는 인상을 받았고 공간이 주는 불쾌감과 답답함이 있었다. 이 작품의 제목은 ‘정신 병원 마당’ 이고, 작가는 프란시스코 고야이다.

밝은 하늘과 대비되는 어두운 건물과 그 내부, 제대로 된 옷조차 챙겨입지 않고 분노에 차 있거나 서로 다투고 있는 사람들이 눈에 띄었다. 이들을 말리는 사람이 관리자인 것 같은데, 채찍을 들고 위협하거 있으나 효과가 있는 것 같진 않다.

이 작품은 전기 낭만주의 시기에 그려졌다. 낭만주의 미술은 주관을 중시하고, 감정과 사실성에 주목하는 것이 특징이다. 책에서 알게 된 것에 의하면, 18세기 이후, 시민 계급의 더 낮은 층의 사람들이 발언권을 얻었는데, 이들은 귀족도 아니였으며 부르주아층도 아니였다. 이 당시, 기존에 최초의 성공을 거두고 경제적으로 치솟았던 부르주아의 기세가 수그러들면서 사회계층에 조금씩 변동이 생겼다. 이들의 아래에서 착취당해온 사람들의 비참상은 그들 부르주아지에게 불안과 압력으로 작용했고, 이것의 우울이 사람들을 사로잡았다. 이러한 기조에 영향을 받아 낭만주의 미술과 문학은 주로 죽음, 고독, 밤, 우울, 미지의 세계 등을 모티프로 한다. 이 작품 역시 시민계급의 낙관주의와 모순되는 우울과 비관주의에 주목한다.

이 작품은 그 당시의 사람들의 정서를 효과적으로 보여주는 작품이지만, 현대 사회도 크게 다르지 않다고 여겨 더욱 관심이 갔다. 불안정한 사회적 상황 속에서, 특히 10대, 20대 등 불안정한 위치에 놓인 사람들은 비관적인 사고를 하게 되며 무력감과 우울감에 놓이는 경우가 많다. 무언의 압박은 현실을 개선하는데 전혀 도움이 되지 않는 것 역시 마찬가지이다.

한편으로는 작품 속 정신병원의 사람들이 현대사회에 사회적 소외계층과 비슷하다는 인식을 받았는데, 보호라는 명목 하에 이들을 방치하고, 소외시키며 오히려 폭력을 행하고 있는지 다시한번 생각하게 되었다.

이 작품은 콜로라도 순수미술 전 Colorado State Fair Fine Arts에서 신인 아티스트 경쟁부문의 "디지털 예술/디지털 사진" 부문에서 1위를 차지했는데 작품의 가장 큰 특징은 바로 인공지능이 그린 그림이라는 점입니다.

작가인 알렌은 인공지능의 창의적 미술 작업 프로그램인 미드 저니 프로그램을 사용하여 그린 사실을 밝히고 이 사실을 부인하지 않았습니다. 미드 저니 프로그램은 구글 리서치의 이마젠이나 오픈에이원의 달리를 포함하여 점점 더 많은 인공지능 이미지 생성기 중 하나입니다. 이마젠은 텍스트를 입력하면 인공지능 ^AI이 가장 적합한 이미지를 찾아내 제안하는 '텍스트 이미지' 확산 모델입니다. 붓을 사용하지 않았지만 수상작을 만들기 위해 많은 공력의 디지털 작업이 필요합니다. 셀제로 앨런은 대회에 출품한 최종 3개의 이미지를 얻는 데 무려 80시간 이상이 걸렸다고 말했습니다. 그는 먼저 미드 저니에서 주름 장식이 많은 프릴 드레스와 우주 헬멧을 쓴 여성의 이미지를 생성하도록 유도하는 문구를 명령어로 가지고 놀았다고 말했습니다. 그는 조명 및 색상 조화 조정과 같은 즉시 작성 프롬프트에 약간의 수정을 가하여 최종 3개의 이미지로 이어지는 것을 무려 900번 반복했습니다. 그는 포토샵에서 이 세 이미지를 정리했습니다. 그런 다음 그는 고화질 해상도를 보정시킬 수 있는 기가픽셀이라는 다른 소프트웨어 프로그램을 통해 이미지를 실행하고 인쇄소에서 출력해 캔버스에 이미지를 인쇄했습니다.

‘스페이스 오페라 극장’의 수상은 예술계에서 큰 논란이 되었는데 이는 디지털 기술을 사용한 예술의 수용에 대한 찬반 논쟁을 수반하였습니다. 로봇이 마라톤에 참여하지 못하는 이유처럼 인공지능이 그린 그림은 예술적 가치를 드러낼 수 없다는 주장도 있습니다. 그러나 저는 4차 산업 혁명 시기 디지털 기술을 사용한 미술의 창작을 허용해야 한다고 생각합니다. 기술이나 생성 작품을 미워하기보다는 그것이 얼마나 강력한 도구인지 인식하고 미술 작업의 선한 도구로 사용된다면 더 나은 작품이 탄생될 것으로 예상되기 때문입니다. 또한 하나의 작품을 탄생시키기 위해서는 앞에서 언급한것 같이 여러 차례의 프로세스를 거치게 됩니다. 이 과정에서 인공지능 학습을 통한 표현 양상의 차이 역시 작가의 가치관이 드러나는 것이라고 생각합니다.

이 그림을 처음 보았을 때, 그림이 기괴하고 무섭다고 생각했다. 왜냐하면, 쓰러진 아이를 안고 절규하는 여인, 바닥에 겹겹이 쌓여있는 사람들, 신에게 도움을 구하는 듯 하늘을 향해 손을 뻗고있는 사람들, 포효하고 있는 말 등이 입체적으로 분해되어 서로 뒤엉켜서 표현되어있기 때문이다. 이러한 낯선 느낌은 그림이 기괴하다는 인상을 주었다.

파블로 피카소가 <게르니카>를 이렇게 그린 이유는 무엇일까? 그 이유는 제목인 ’게르니카‘에서 찾을 수 있다. 이 작품이 창작된 배경은 ‘게르니카 폭격사건’으로, 내전중이던 스페인에서 인민전선에 불만을 품은 프랑코 장군이 반란을 일으키고 나치에게 지원을 받은 후, 단순히 ‘무기 성능 테스트’를 위해 폭격기로 게르니카에 엄청닌 양의 폭탄을 쏟아부으며 도시를 폐허로 만들고 도시인구의 1/3에 해당하는 인구를 학살한 사건이다. 이 사건을 전해들은 피카소가 자신의 고국에서 일어난 끔찍한 만행에 분노하여 제작한 그림이 바로 이 <게르니카>이다.

이러한 배경을 통해 따라서 이 그림은 폭격을 받았을때의 게르니카의 민간인들을 묘사한 작품이라는 것을 알 수 있다. 8미터에 달하는 거대한 화폭에는 쏟아져내리는 폭탄도 폭격기도 보이지 않는다. 하지만 초현실주의와 후기 입체주의가 혼합된 독특한 모더니즘 양식으로 제작된 이 작품은 전쟁의 참혹성을 보여주기에 충분해 보인다. 피카소는 검정색과 흰색, 그리고 회색만을 사용하여 채색함으로써 암담한 분위기를 조성하고 고통과 혼돈을 강렬하게 강조하고있으며, 입체적으로 분해된 인물들의 모습은 절망적인 표정을 생생히 느끼게 해준다.

파블로 피카소는 이렇게 말했다. “어떻게 예술가가 다른 사람의 일에 무관할 수 있습니까? 회화는 아파트나 치장하라고 있는 것이 아닙니다. 회화는 적과 싸우며 공격과 방어를 행하는 하나의 무기 입니다.“ 아마도 그가 이 그림을 통해 하고싶었던 일은, 그림을 통해 비인간적이고 잔인한 대량학살의 잔혹성을 그대로 보여줌으로써 전쟁해 대한 경각심과, 박애의 중요성을 알리는 것이었을 것이다.

작품의 배경을 알아보고 나니, 내가 기괴하다고 느꼈던 작품의 첫인상은 작가가 의도한 것이라는것을 알 수 있었고, 나 또한 박애가 사회문제해결의 기반이라고 생각하고 있었기에 작가의 창작의도에 쉽게 공감할 수 있었다.

스페인 내전의 참상을 묘사해 반전을 상징해온 파블로 피카소의 걸작 ‘게르니카’를 묘사한 태피스트리 버전은 이후 35년동안 유엔 안보리 벽면을 지키기도 했다. 그 이유를 생각해본다면, 국제평화와 안전유지를 지키는 유엔 안보리에서, 피카소의 그림을 보며 똑같은 역사를 되풀이 하지 않고, 인류애를 지키며 활동하기 위한 목적이 아닌가 생각해본다. 이러한 점에서 파블로 피카소의 그림 <게르니카>는 사회비판의 역할 뿐만 아니라, 사회를 변화시키는 역할 또한 충실하게 수행해 온 것 같다고 생각하였다.

나도 이런 경우가 있었나 생각해보니 sns 에서 타인에게 받는 관심의 표시인 좋아요 등에 일희일비 한적이

많고 신경도 많이 쓴 것 같아 더욱 더 공감이 되어 이

작품을 고르게 되었다. 실제로 다양한 기술이 발달하면서

핸드폰의 편리함을 누리는것 보다 핸드폰의 즐거움에 압도당하는 게 더 많아진 것 같고 어느새 핸드폰 없이는

일상생활이 불가능 할 정도의 수준으로 우리 일상에

핸드폰이 자리 잡게 되었다. 핸드폰을 좋은 수단으로

이용한다면 (예를 들어 전자책을 읽는다던지 신문 등

유익한 정보를 주는 매체) 아주 좋겠지만 그것 보단

sns 등 다른 사람의 삶을 쉽게 엿볼 수 있는 , 빠져들기 쉬운 그런 목적의 수단으로 많이 사용하게 되면서 남의 시선도 많이 신경쓰게 되고 남과 비교하며 자기자신을

낮추고 사람들의 관심도에 민감해지며 사회가 점점

자신을 위하는 것보다 남에게 보여주기 위하는게 더

중요해지는 것 같아 이점이 큰 문제라고 생각했고

이를 고치기 위해서 핸드폰을 할 시간을 다른 취미 생활에 분배하거나 자기 관리를 위한 활동에 분배하려 노력해야겠다고 생각했다.

카라바조는 이탈리아 초기 바로크의 대표적 화가이며, 빛과 그림자의 날카로운 대비를 기교적으로 구사하고, 형상을 힘차게 조소적으로 묘사함으로써 근대사실주의의 길을 개척했다.

이 그림은 머리에 장미꽃을 꽂은 양성적인 외모의 소년이 탐스러운 과일을 집어먹기 위해 손을 뻗다가 과일 속에 숨어있던 도마뱀에 물려 고통에 인상을 찌푸리고 몸을 한껏 움츠리는 순간의 모습을 그렸다.

고전주의 화가들은 그림을 그릴 때 ‘점 하나도 허투루 찍지 않는다’ 할 만큼 그림에 메시지를 많이 담았는데, 이에 따라 <도마뱀에 물린 소년>을 통해 카라바조가 전하고 싶었던 메시지는 유혹, 쾌락의 위험성이 아닐까 생각했다. 과일의 의미는 유혹, 쾌락을 의미하며, 도마뱀은 성경 속 이브를 유혹하는 뱀처럼 도마뱀도 유혹을 의미하는 것 같다. 즉, 카라바조는 이 그림을 통해 쾌락을 탐하다 따라온 고통, 쾌락과 유혹에 넘어가지 말라는 경고의 메시지를 전하고 싶었던 것 같다.

길이 두개였다가 하나인걸로 나타내 모두 각각

다른 생활 다른 삶을 살다가 모두가 한 목적으로

가려하는 것을 표현하였고 길이 끊어진 모습을

통해 그 한 목적을 이루는 과정이 불안정하다는 것을

나타냈다 또 남들의 수레바퀴는 따뜻한 갈색 계열이지만 하나의 수레바퀴는 파란색으로 색칠해 불안감과 아슬아슬함을 표현했다 다른 수레바퀴는 튼튼한제

완전하지만 하나의 수레바퀴는 부러진채 장애물로

둘러싸인것으로 표현을 해 원하는대로 되지 못해

답답하고 불안한 마음을 나타냈다

비판을 담아 보았습니다.

여러개의 모니터 화면이 있는 벽의 앞을 3명의 행인이 지나가고 있는 모습입니다.가운데에 위치한 가장 큰 화면에서는 붉은 눈이 송출되며 마치 거리를 지나가는 행인들을 감시하는 듯한 인상을 줍니다. 이 붉은 눈은 cctv와 알고리즘 등을 상징하며 행인은 평범한 사람을 상징합니다.

중독에 관한 이미지를 찾아보니 환각으로 인해 그림 처럼 기괴한 이미지로 세상을 인식하게 된다는 것을 알게 되었다. 10대 아이들이 다음과 같은 큰 자극을 받으면 일상생활으 불가능할뿐만 아니라 이를 치료하는 것이 매우 어려워 더더욱 큰 사회문제가 된다고 한다. 그래서 이를 표현해봤고, 대표적 마약 물질들의 이름과 함께 마약으로 인해 초췌해진 10대 학생의 모습을 그려보았다. 영화나 드라마 등의 매체에서 마약이 자주 등장하는데, 인물들이 이를 쉽게 구하고 접하는 모습이 청소년기의 아이들에게는 오히려 마약에 대한 환상이나 긍정적 인식을 심어줄 수 있다고 생각해 더 과장하여 부정적이고 어두운 면을 그려보았다. 이를 통해 마약에 중독된다는 것이 굉장히 무섭고 위험한 것이라는 것을 나타내고 싶었다.

이 작품은 우리가 디지털 기기와 소셜 미디어에 몰입하면서 현실 세계에서의 상호작용을 잃어가는 모습을 표현합니다. 인스타그램 피드는 우리가 다른 사람들과 연결되는 방식을 상징하지만, 이 연결이 진정한 공동체 의식을형성하지는 않는다는 메시지를 담고 있습니다. 그림 속 인물들은 같은 공간에 있지만, 각자 자신의 화면 속에 빠져 있어 서로와의 소통이 단절된 상태입니다.

이 작품은 디지털 시대의 역설을 보여줍니다. 우리는 기술을 통해 전 세계와 연결될 수 있지만, 정작 바로 옆에 있는 사람들과의 관계는 소홀히 하게 됩니다. 그림 속 인물들은 모두 같은 앱을 사용하고 있지만, 각자의 경험은 고유하며, 이는 진정한 공동체 의식과는 거리가 멉니다. 이와 같은 모습은 현대 사회에서 개인주의가 강화되고, 물리적 공간에서의 상호작용이 줄어드는 현상을 반영합니다.

결론적으로, 이 그림은 디지털 기기와 소셜 미디어가 우리의 공동체 의식에 미치는 영향을 비판적으로 조명합니다. 밝은 배경색과 대조되는 인물들의 고립된 모습을 통해, 우리는 기술의 발전이 반드시 인간 관계의 발전으로이어지지 않음을 상기하게 됩니다. 이 작품은 진정한 공동체 의식을 회복하기 위해 우리가 무엇을 해야 할지를생각하게 합니다.

주로 회색 마커를 이용하여 작품을 그렸고, 이를 통해 어둡고 차가운 분위기를 조성하였으며 이는 아동인권이 무시되고 억압받는 사회를 상징합니다.

그림속에서는 한 아이가 인형뽑기 안에 들어있고 한 손이 기계를 조종하고 있습니다. 인형뽑기 기계는 아동을 상품화하고 학대하는 문제가 발생하는 사회를 상징합니다.

이 작품에서 색체는 희망과 꿈을 상징합니다. 쭈구려앉아있는 아이에게는 여전히 색체가 남아있는데, 그 아이가 아직 희망과 꿈을 잃지 않고 여전히 더 나은 미래를 꿈꾸고 있다는 것을 의미합니다. 색채가 아예 없는 어른의 손은 아동을 착취하는 무자비한 권력을 상징합니다.색채가 없는 손은 아이들의 희망을 짓밟고 억압하는 어른들의 권력을 의미합니다. 인형뽑기 안의 찢어지고 엉망이 된 색채 없는 인형들은 이미 꿈과 희망을 잃고 현실에 무너진 아이들을 상징하는데, 권력에 의해 착취되어 색채를 잃어버린것으로 해석할 수 있습니다.

색종이로 표현된 유리파편 또한 기계 주변의 유리 파편은 아이들이 탈출할 수 없는 현실의 벽을 상징하며, 희망이 파괴된 모습을 나타냅니다.

쭈구려앉아있는 아이는 인형뽑기 기계와 외부의 경계에 앉아있는데, 아이가 아직 꿈과 희망을 잃지않았지만 위태로운 상태에 있다는 것을 의미하고, 인형뽑기 기계와 외부의 경계가 불명확한것은 아동 착취가 어디에서나 일어날 수 있다는 것을 의미합니다. 이 작품을 보고 사람들이 아동인권문제에 관심을 가지고, 어디에서나 일어날 수 있는 아동인권 문제에대한 경각심을 가졌으면 좋겠습니다.

이 작품은 소외감이 단순히 물리적 거리가 아니라 심리적 거리에서 비롯될 수 있음을 보여준다. 다른 사람들과 가까이 있지만, 소외된 사람을 드래그하여 분리시킴으로써 그들과의 상호작용에서 배제됨을 표현했다. 이 작품을 통해 주위 사람들과의 유대와 소통의 중요성을 다시 한번 생각하게 된다.

 사람은 한 번 집중할 때 고작 얼마 안 되는 시간 밖에 집중하지 못한다. 그렇지만 다시 집중하기 위한 시간은 그의 몇 배가 걸린다. 이러한 상황에서 사람들은 집중하기 위한 시간을 견디지 못하고 유튜브나 SNS를 키게 됨으로써 집중하지 못하며 생기는 죄책감을 저렴한 몰입감으로 보상 받으려고 한다는 것이다. 또한 이러한 소셜 미디어 기업들은 사용자의 흥미를 끌 자극적인 요소를 상단에 지속적으로 띄우며 사용자가 계속 플랫폼에 머무르도록 한다. 이 과정에서 사용자는 짧은 시간에 과하게 많은 양의 정보를 받아들이게 되고, 그 중 대부분의 정보는 기업이 설정한 사용자의 관심을 끌기 위한 자극적 요소이므로 폭력적이고 거짓된 정보일 확률이 높다. 이 때문에 수용자는 일부 주제에 대해 편협하고 부정적인 시선을 갖게 될 수 있으며, 이로 인해 각성 상태를 유지하게 된다.

 이러한 사실에 기반하여 사용자가 스마트폰의 단점을 최소화하고 장점을 극대화하는 올바른 활용을 하기 위해서는 수용자의 절제나 노력도 필요하지만 매체를 직접 수용하지는 않지만 스마트폰의 매체 제작에 관여하는 기업 또한 사용자가 올바른 사용을 하기 위한 노력이 필요함을 깨닫게 되었다. 또한 스마트폰의 활용과 집중력에 있어서도 사람의 보상 심리와 일종의 자기 보호 작용인 각성 상태의 여부가 크게 작용한다는 것을 깨달았으므로 이를 통한 적절한 해결법에 대해 탐구해 보고싶어졌다.