👉 Cada estudiante deberá elegir una obra de arte conceptual (puede ser alguna de las obras vistas en clase… ó alguna otra, que el o la alumna haya encontrado en internet o en otro ámbito y le haya resultado interesante).

👉 Luego de observar la obra elegida, reflexionar y escribir (mínimo 2 párrafos) con un análisis acerca de:

Qué se elementos, herramientas y materiales utiliza el artista en la obra. Qué se puede ver en la misma... En qué espacio se presenta.
Si es posible, sería interesante saber quién es el artista, su contexto y año de creación de la obra.

👉 Firma (Nombre y Apellido del /a estudiante)


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🔖 TN11 - Publicar foto ó video + título de una PERFORMANCE elegida por el/la estudiante para analizar.
 
(Publicar antes del 15/11)
https://docs.google.com/presentation/d/126laVx9pW5ngiHGuhvePfBUNNclQOPKMNk50vOfix7Y/edit?usp=sharing 

👉 Cada estudiante deberá elegir una performance (puede ser alguna de las performances vistas en clase… ó alguna otra, que el o la alumna haya encontrado en internet y le haya resultado interesante).

👉 Luego de observar la performance elegida, reflexionar y escribir (mínimo 2 párrafos) con un análisis acerca de:

Qué se puede ver en la performance, qué cosas suceden con artistas y público, qué elementos, espacios, herramientas y materiales que se utilizan.
Si es posible, sería interesante saber quienes son los artistas, y en qué contexto presentan esta performance... ¿Cuáles creemos que son sus objetivos con estas acciones que realizan?

👉 Firma (Apellido del /a estudiante)

Un proceso físico tan básico como éste, le sirve al artista para redefinir la obra de arte como un sistema vivo e incorporar al espectador  como parte del mismo entorno.
Particularmente al observar esta obra, a mi me hacer pensar en el clima, algo de oscuridad, la frescura del agua y me trasmite fortaleza.

Con esta obra la artista nos muestra un mundo en igualdad de condiciones donde dejan de existir diferencias y superioridades, queriendo representar las mismas posiciones de juego para vos y tu oponente.

Propone así, un duelo jugando con la paz y por la paz ya que el color blanco representa pureza, perfección, reflexión, creatividad, apertura, crecimiento, imparcialidad y paz. 

Es una performance de protesta donde integrantes de la organización Planeta Tierra realizaron frente al Palacio Nacional, para exigir medidas que mejoren la calidad del aire en el país. (México)

Alrededor de 15 personas se colocaron frente a la entrada principal del recinto, donde con cubrebocas y pañuelos realizaron una escena en la que simulaban morir por la contaminación ambiental. Los manifestantes también portaban carteles con el mensaje “911 no puedo respirar” y simulaban que se desvanecían por falta de aire. Reconocieron que es importante la educación ambiental de los habitantes, pero resaltaron que es un deber fundamental del gobierno garantizar las medidas.

Esta performance nos hace pensar que, frente a componentes nocivos, bien sean de naturaleza biológica, química o de otra clase, pueden llegar a ser muy corrosivos para nuestra salud como por ejemplo provocarnos la muerte al no poder respirar correctamente. 

Durante un año, estuvo sacando fotos de lo que veía por la nuca y las cosas que “dejaba atrás”
Me resulto interesante esta performance ya que tenemos que pensar que si bien la tecnología es una de las herramientas más importantes y utilizadas en la actualidad existen límites. Estos límites debemos ponerlos nosotros porque la utilización de las redes sociales actuales con las que nos manejamos en esta era tecnologica implican que estamos vigilidos todo el tiempo y somos un objeto de observación cuya finalidad es saber como somos, que pensamos y como nos movemos en nuestra vida cotidiana.

Esta obra de arte conceptual me pareció muy interesante, el artista muestra los componentes por separado, hasta estar unidos y formar una moto. Da a entender la importancia de cada uno de ellos, que en conjunto hacen funcionar. Busca mostrar un proceso de nacimiento/creación, al estar desarmado no tiene sentido como un conjunto, cada parte tiene su identidad propia, sus características. Sin embargo, se emplea este sentimiento/concepto de entender al todo como un conjunto de sus partes y no como un sistema aislado. Entiende cómo funciona el sistema, necesidad de cuidar cada parte, de las cuales cada una necesita a la otra para poder funcionar y hacer el producto final. Es algo que uno con el resultado final solo, no lo puede ver ni pensar.

Esto tambien lo hizo en su obra "Cosmic thing" donde desmontó un Volkswagen Beetle, y suspendió cada parte desde el techo. Representa como a una explosión en cámara lenta y hace referencia al orden/caos cósmico.

En esta performance el bailarín francés Yoann Bourgeois realiza una rutina acrobática donde sube y cae de una escalera, rebota en un trampolín y luego reanuda su ascenso como si nada hubiera pasado. Se muestra cómo avanzamos en la vida, que podemos estar casi en la cima, caernos pero lo importante es levantarnos y volver a intentarlo. Uno puede caer pero nunca es tarde para levantarse, no tenemos que darnos por vencidos nunca. El camino al éxito es difícil, como dice el título de la performance, no es lineal, muchas veces nos vamos a encontrar en el borde, se trata de explicar que en la vida vamos a tener tanto éxitos como fracasos pero hay que seguir, que de todo se aprende.

Los elementos que utiliza son un trampolín y una escalera.  

El material es Wood folding chair y la silla no apela a lo táctil sino a lo visual. Su función ha sido redimensionada por el hecho de ser colocada en una sala de museo donde, además, se ubica pegada a la pared en posición de inmovilidad, sin la pretensión de que la usen.

Kosuth  aplicó las teorías del lenguaje al arte; las ideas y significados de los objetos pasaban a formar parte de la propia obra, adoptando el paso de la apariencia al concepto y reivindicando el proceso mental para llegar a un resultado artístico, destacando que el arte es mucho más que la presentación de objetos decorativos.

Con una clara intención de liberar al arte del encadenamiento al que son sometidas las formas, se revela como el abanderado de una corriente que siente un rechazo absoluto por la producción y la visión mercantilista de las obras de arte. 

Llevada a cabo por el grupo radicado en Australia, Ventana Collective, que presentaron una instalación artística en los jardines del Museo de Arte Decorativo de Buenos Aires. 

 

Buscaban generar consciencia sobre varias problemáticas sociales, en especial los abruptos cambios climáticos y los residuos generados constantemente en las grandes ciudades.

Lleva a  reflexionar sobre los desperdicios, sobre la gente que se queda sin comida. Toda la instalación estaba realizada con desechos que encontraban. 

Invitaron a doce personalidades diferentes (funcionarios, artistas, etc) para darle forma. Es un trabajo en conjunto realizado por comunidades locales. 

El performance como tal nos muestra a un grupo de 20 jóvenes vestidos con prendas negras se encuentran rodeando a una chica vestida con prendas blancas y con los ojos vendados, un chico de prendas negras procede a amarrarla a la vista de los demás, después empuja a la chica con los demás mientras se burla, y los demás siguen haciendo lo mismo que el primer chico empujándola mientras la insultan, después hacen que la chica se siente y todos proceden a tirarle pintura manchando su ropa blanca, para después ver como la chica de blanco se tira ella misma pintura manchándose y después de esto el grupo se aleja dejando a la chica.

Este performance nos muestra a concientizar sobre el bullying y sus secuelas, nos muestra como en este caso un grupo va tras una persona sola e indefensa, la atan haciendo entender que la tienen agarrada para ellos, después nos muestra el como le tiran pintura nos da a entender que manchan con sus insultos, agresiones y la ropa blanca representa a la persona y el como se va oscureciendo dando a entender que ya no es la de antes y un punto importante es al final cuando la chica se tira ella misma pintura y se mancha que nos dice que llego a un punto de pensar que los insultos que le decían son verdad y sintiéndose mal con ella misma

En la imagen podemos ver una silla de madera vieja, con un triángulo de grasa animal. Esta escultura es del tipo readymade ya que convirtió un objeto normal, una silla, en una obra de arte.

 

La obra representa el material que salvó la vida del artista Joseph Beuys, un piloto de un bombardero alemán durante la Segunda Guerra Mundial, que sufrió un accidente en Crimea y fue ayudado por los tártaros, quienes utilizaron grasa animal y fieltro y salvaron su vida.

 

Me llamó la atención la forma en la que está ubicada la grasa, en forma de caída, ya que esto podría representar su accidente. La silla se relaciona con la comodidad, que el autor encontró en las personas que lo salvaron. Finalmente la grasa representa calor o abrigo. La obra genera intriga ya que es imposible comprender su significado sin conocer la historia del artista atrás de ella, esto también muestra como dejamos una marca en todo lo que hacemos y deja en claro los múltiples significados que cada persona puede adjudicar a una obra por sus propias experiencias.

En esta Performance del año 2019 vemos a una mujer que sostiene un globo con la forma del planeta Tierra, atrás suyo hay unas 15 personas de traje, que llevan maletines  y máscaras de la “muerte”. Varios de ellos hacen el signo de la “paz ” con las manos y sus maletines tienen símbolos como el de dinero ($). A sus pies un  cartel dice “hasta acabar con el planeta-planeta suntsitu arte”. Estas personas son rociadas por dos personas con extinguidores con un liquido amarillo. A pesar de ser cubiertas por esta sustancia siguen actuando de la misma forma.

La mujer deja el globo en el suelo y se retira, dando por finalizada la performance.

La acción de la joven de sostener el globo representa como el futuro del planeta está en nuestras manos, podemos cuidarlo o destruirlo con facilidad.

Las personas de traje representan a las grandes empresas, gobiernos y entidades que suelen ser altamente contaminantes y destructivas para el planeta. En sus maletines vemos sus intereses, ganar dinero y en sus rostros vemos los resultados de sus acciones, la muerte. Al hacer el signo de la paz, vemos los falsos discursos de cuidado al planeta, como forma de mantener una reputación falsa. A pesar de ser rociados, es decir afectados, por el líquido, representación de la contaminación y producto de sus acciones, continúan haciendo lo mismo: buscar sus intereses egoístas y cubrir sus malas acciones con discursos falsos.

Cuando la joven deja el globo en el suelo, muestra cómo, en realidad, el poder lo tienen estas pocas personas, quienes probablemente terminen destruyéndolo.

Esta performance provoca miedo, ya que como dice el cartel, las grandes empresas ignoraran los pedidos de ayuda del planeta hasta destruirlo.

Duchamp tomó el objeto tal como era, sin realizar ninguna manipulación sobre el mismo, y lo colocó en un museo para que pudiera ser observado por el espectador.

Esta obra se encuentra dentro del movimiento dadaísta. El dadaísmo se caracterizó por su rebelión contra las convenciones literarias y artísticas tradicionales, y especialmente por hacer burla del artista burgués y de su arte. Duchamp y los dadaístas buscaron que desaparecieran las barreras entre el arte y la vida, declarando que cualquiera podía ser un artista y cualquier cosa podía convertirse en una obra de arte.

El autor pretendió demostrar que la belleza también se puede encontrar en cualquier producto industrial, si le incorporamos nuevos usos no previstos en su función inicial. La obra de arte le genera  al espectador un interrogante, ya que se queda extrañado ante algo semejante. En definitiva, Duchamp da a entender que el único factor determinante de que un objeto tenga o no valor estético sea la misma percepción. 

La obra fue rechazada para la exhibición, pero el incidente causó un escándalo. Por lo que Duchamp utilizó un seudónimo, R.Mutt, para que la obra pudiera ser admitida, ya que él era miembro del jurado. El original de la obra se perdió, y a mediados del s.XX, Duchamp realizó varias versiones más que actualmente se encuentran repartidas en varios museos. 

El objetivo principal era llenar las redes de manos que cuenten historias con identidad para que aquellos que aún las tienen ocultas se animen a encontrar su verdad. 
Las Abuelas restituyeron su identidad hasta ahora a 130 nietos que nacieron en centros clandestinos de detención durante la última dictadura o fueron separados de sus padres en los operativos de secuestro, y siguen buscando al menos 300 víctimas más.  

Figuras de la política, la cultura, sindicatos, y ciudadanos en general se sumaron a la campaña lanzada por la asociación. Esta campaña es muy movilizante, ya que nos muestra la constante lucha que atraviesan las Abuelas de Plaza de Mayo hace muchos años. 

“Lo que aprendí fue que, si dejas que el público decida, te pueden matar. Me sentí verdaderamente atacada: me cortaron la ropa, me clavaron las espinas de las rosas en el estómago, una persona me apuntó a la cabeza con la pistola y otra se la quitó”, señaló tras la obra. “Después de exactamente seis horas, según el plan, me levanté y empecé a caminar hacia el público. Todos escaparon, evitando un enfrentamiento real”, añadió.

Elegí esta obra ya que cuando la hablamos en clase me sorprendió completamente. Me pareció de lo más absurdo en lo que consistía su obra, por lo tanto, investigue y termine entendiendo el mensaje de la artista. Muestra, en mi opinión, como los humanos obedecemos, aunque nos parezca raro, o sea algo que no haríamos y que viendo que aquello que afectamos esta indefenso o no nos puede afectar por aquello que le hacemos, nos creemos en total libertad de hacer lo que nos dé la gana dejando de lado y vulnerando la dignidad del otro.

La obra representa un episodio de la vida del autor, que le marcó de por vida,  en el que, tras un accidente de avión, fue rescatado por un grupo de nómadas que salvaron la vida del artista, ayudándole a subir el calor corporal con la ayuda de fieltro y grasa animal.

Me gusta que se acuerde de las personas y materiales que le salvaron la vida y que lo pueda reflejar en esta obra de arte.

Otra cosa que destaco es su genero, el genero in-situ.
in-situ se refiere a un método artístico específicamente diseñado para una locación . Es decir, de ser transportado perdería su significado ya que tiene en cuenta dónde está instalado

En la obra “Cut Piece” de 1965, la artista japonesa Yoko Ono (1933) permanecía arrodillada y en silencio  sobre el escenario e invitaba al público a subir y a cortarle la ropa con una tijera. Lo hacían de a uno por vez. A medida que las prendas iban cayendo, Yoko Ono se cubría los pechos con sus manos. Se escuchan comentarios y risas durante el transcurso de la obra ante la mirada impasible de Yoko. 

El espectador de esta obra deja de ser pasivo y destruye y vuelve a construir ese objeto de arte que está mirando. Es un cuerpo inmóvil que sufre la agresión de otro cuerpo, tanto en el acto de dejarlo desnudo como con las risas y comentarios. Al tratarse de un cuerpo femenino se manifiestan también aspectos de género.  

 “Los espectadores fueron recortando las partes de mí que no les gustaban. Al final sólo quedaba yo, firme como una piedra, pero ni siquiera eso les satisfacía: querían saber qué había en esa piedra“. (Yoko Ono, comentario de la artista, 1971)

 Esto me genera sorpresa, inquietud, curiosidad, rechazo, varias emociones mezcladas.
Tiene que ver con el cuerpo de la misma artista, que es un objeto de arte y que puede ser contemplado, mirado y destruido al mismo tiempo.

P. Para empezar, ¿podría describir este trabajo?

R. Sí, por supuesto. Lo que he hecho es convertir un vaso de agua en un roble adulto sin alterar los accidentes del vaso de agua.

P. Parece un vaso de agua.

R. Por supuesto que sí. No cambié su apariencia. Pero no es un vaso de agua, es un roble.

P. ¿Fue difícil efectuar el cambio?

R. Para nada, ningún esfuerzo. Pero me tomó años de trabajo darme cuenta que podía hacerlo.

P. ¿Considera que transformar el vaso de agua en un roble constituye una obra de arte?

R. Sí.

P. ¿Qué es precisamente la obra de arte? ¿El vaso de agua?

R. Ya no hay vaso de agua.

P. ¿El roble?

R. Sí. El roble.

P. ¿Cuánto tiempo seguirá siendo un roble?

R. Hasta que lo cambie

Esta obra me llamo la atención ya que habla que todo se puede transformar y convertir en arte si tenemos imaginación y creatividad. Porque tomando este ejemplo, el artista convirtió el vaso de agua en roble y cuando quiera lo cambia a otro objeto, a la gente le llamo la atención porque cambia cosas ya establecidas, si un vaso es un vaso, siempre va a ser un vaso, Craig decidió jugar con este tema

En la obra se pueden ver tres pelotas de básquet, en una posición y distancia diferente. Tras esto, yo creo que representa como de distintas formas, podemos triunfar y conseguir lo que queremos, que en este caso, sería anotar un punto, y en ese momento, al llegar a eso que queríamos, encontramos un equilibrio en nuestra vida.

Esta obra es llamada “Manos con Identidad” (Abuelas de plaza de Mayo), en la cual, se pueden ver manos de distintas personas con diferentes nombres. Estas personas dejaron mensajes en su cuerpo para manifestarse, para dar visibilidad a aquellos niños, y no ignorar el crimen que se cometió, continuar con la búsqueda. Yo creo que al hacerlo visible por las redes es mucho mejor, y más si es etiquetando a las Abuelas, ya que más personas lo van a ver, se va a viralizar más.

Un las décadas siguientes Marcel Duchamp encargó nuevas Fuentes que se exponen en más de 15 museos alrededor del mundo.

 

Organizada para que coincida con las vacaciones escolares de verano, esta  instalación de Yayoi Kusama (Japón, 1929) se llama ‘The Obliteration Room’ 

Ubicada en la Sala de Turbinas de la Tate Modern, permite a visitantes de todas las edades transformar y crear una obra de arte grupal, formada por stickers de colores brillantes en forma de puntos de color (los característicos “polka dots” empleados por Kusama en sus obras) pegados en las paredes, techo, suelo y mobiliario de una habitación completamente blanca.

De esta manera, la habitación blanca se va destruyendo poco a poco durante el transcurso de la exposición y el espacio cambia sensiblemente con el paso del tiempo, a medida que los puntos se acumulan como resultado de miles y miles de colaboradores de todas las edades.

 

Me gustó esta obra porque se puede crear algo artístico entre todos, sin importar la edad o el saber sobre arte.

Y se va viendo la transformación de ese espacio, de esa habitación originalmente blanca: se va llenando de vida y color a partir de pegar los stickers. 

 

Entre sus obras más sobresalientes nos encontramos con Una y tres Sillas, en la que representaba al medio una silla de madera plegable, a un lado una fotografía de la misma, y al otro, la definición de la palabra silla.

Joseph Kosuth, a través de esta obra lo que nos quería era hacernos reflexionar sobre en cuáles de los tres medios que aparecían se encontraba la identidad del objeto y es que siempre una obra de arte será equivalente a una idea, subjetiva y, como tal, multitudinaria.
La imagen nos hace pensar en que cosas podemos denominar arte y nos pone a disposición de elegir cual creemos que identifica al objeto, por lo que es una obra que representa puramente la subjetividad del espectador.

Me llamó la atención ya que lograron emitir bien el mensaje con esta performance, siendo un tema delicado para las mujeres que luchan contra esta enfermedad, y ayudando a muchas otras a prevenirlo a tiempo mediante los controles periódicos, sin duda con esta maratón lograron tener un mayor alcance de previsión. Esta performance transmite alegría y orgullo al poder concientizar y ayudar a las mujeres que están pasando por esto, y también enorgullece el hecho de que busquen el bienestar de las mujeres y no minimicen el cáncer de mama. 

Me llamó la atención el mensaje que quería transmitir el artista, y como con un simple vaso medio lleno o medio vacío puede hacer replantear tantas cosas de la vida de cada persona; y según la visión de cada uno, se puede adaptar su concepto y contenido. Si uno lo ve medio lleno, tiene una mirada positiva de la vida, ve lo bueno en los demás, y es agradecido con todo lo que tiene. En cambio, si uno lo ve medio vacío, puede representar algún dolor interno, la falta de algo, el sentiste vacío internamente.

Con curaduría de Adriana Barenstein, habrá ocho presentaciones de "Impermanencia", que se realizarán del jueves 22 al domingo 25 de marzo, y del jueves 29 al 1 de abril, siempre a las 18, con entrada libre y gratuita.

La performance pondrá en escena, en diversas salas del primer piso del Museo, a los bailarines Natacha Berezan, Luciana Demichelis, Antonio Elmar, Victoria Keriluk, Emilia Pujadas, Rodrigo San Sebastián y Mauricio Zmud. El hilo conductor de las diversas acciones coreográficas es la mirada puesta en la obra de mujeres de la colección permanente. Los bailarines trabajarán la fuerza cinética y dramática en un recorrido que pone en relación las piezas, la arquitectura y los cuerpos, escuchando lo que las obras dicen. El resultado es una construcción colectiva en red, con énfasis en el cruce artístico intergeneracional entre mujeres creadoras.

La obra de León Ferrari ha sido objeto de polémica y controversia, sus trabajos, realizados en collages, instalación, pinturas, esculturas sonoras, tallas y modelados en materiales diversos y ensamblajes, se centran en conceptos de denuncia y crítica social donde la guerra, la religión, el poder y el sexo ocupan un lugar destacado. Su fuerte crítica a la Iglesia católica causó gran controversia en la Argentina, generando un intenso debate sobre arte y libertad de expresión en el que estuvo involucrado el Papa Francisco I, Jorge Bergoglio, en aquel momento Arzobispo de Buenos Aires.

 1965: La civilización occidental y cristiana, la cual consiste en un Cristo crucificado sobre un avión de guerra estadounidense, de los que en ese momento eran utilizados en la guerra contra Vietnam. La pieza mide 2.20 m. Además, en la exposición presentó tres cajas. Una representa un bombardero sobre una escuela vietnamita y en las otras, catorce aviones se despliegan dando lugar al título: “catorce votos en la OEA”.

La escultura retrata a Cristo crucificado sobre un avión F-105 de las fuerzas armadas de los Estados Unidos, busca transmitir en alusión y denuncia a la Guerra de Vietnam por la que murieron más de un millón y medio de personas.

Hatoum desafía los movimientos del surrealismo y el minimalismo , realizando obras que exploran los conflictos y contradicciones de nuestro mundo. Sus estudios en la Slade School of Art coincidieron con el desarrollo de ideas en torno al género y la raza, y comenzó a explorar la relación entre la política y el individuo a través de la performance .

A fines de la década de 1980 comenzó a realizar instalaciones y esculturas en una amplia gama de materiales. Estos a menudo usan la cuadrícula o formas geométricas para hacer referencia a los sistemas de control dentro de la sociedad. Ha realizado una serie de obras utilizando objetos domésticos que se amplían o modifican para hacerlos familiares pero extraños.

De esa época es Road Works (Performance Still), una de sus primeras y más conocidas performances. Desarrollada en 1983 en las calles de Brixton (Reino Unido), precisamente en un barrio obrero de mayoría inmigrante, en esta acción de una hora de duración Hatoum recorría las calles descalzas, con un par de pesadas botas Doctor Marten amarradas a sus tobillos, pisándole los talones. La imagen de sus pies, frágiles y delicados, en contraste con la dureza de las botas que les perseguían (las cuales eran parte del atuendo característico tanto de la policía como de las cabezas rapadas) resultaba enormemente sugerente. La pieza se editó en 1985 en un video en color de seis minutos y se mostró en exposiciones posteriores en un monitor de televisión bajo el título Road Works. Diez años después, Hatoum sacó una foto del video, recortó la imagen y la imprimió como una fotografía en blanco y negro. El trabajo resultante fue Performance Still (1985-95), obra adquirida por el Tate Modern y que siempre se muestra directamente en el suelo, apoyada en una pared. Con esta obra Hatoum cuestionaba el sistema, pues se presentaba como una persona marginal al evidenciar la literalidad de estar descalza, convirtiendo el movimiento en algo dificultoso. Una acción en la que el acto de desplazarse se convertía en objeto y materia de Revista Estudió, artistas sobre otras obras. ISSN 1647-6158 e-ISSN 1647-7316. 8, (19), julho-setembro. 88-95. 92 creación al mismo tiempo y que, sin duda, tenía que ver el hecho de que ella misma fuese una emigrante en el exilio. El potencial narrativo que reside en la idea de alejamiento y desorientación es, en este sentido, un elemento activo dentro la obra de Hatoum. Obviamente, la experiencia migratoria causó en ella un fuerte impacto vital, lo que detonó la necesidad de investigar en torno a la identidad y al modo en el que ésta se construye bajo la influencia de determinadas circunstancias socio-políticas.

Según los planteamientos del arte conceptual, las obras de arte no tienen sólo un modo de existencia objetual y la experiencia estética puede darse más allá de la materia, porque experiencias y obras pueden “encarnarse” en varios objetos o porque su recepción puede entenderse más allá de la presencia de los objetos.

Esta obra está hecha con una flor, un vaso, liquido amarillo, un fondo blanco y una mano humana.

Me provoca desconfianza sobre el por venir de la humanidad, ya que esta obra me deja ver lo que hacemos, insolito. 

Creo que esta obra representa como el ser humano abusa de la naturaleza, al igual que en la fotografía, como la exprime, como la corrompe.     

Deja ver la realidad de la humanidad, la basura que somos y lo complicado que es el progreso y avance humano.

Firma: Thomás Ricotta.

siento que el artista de esta foto quizo representar que los gracias a los árboles nuestros pulmones pueden funcionar correctamente ya que nos brindan el oxígeno para vivir y me gusto mucho la verdad 

 
me pareció interesante esta imagen ya que siento que quiere representar que la vida es fragil y que nadie sabe cuando puede ser la hora en la cual esta se nos termine y que es algo muy valioso qué hay que cuidar 

“Yellow“ (Amarillo)
Escultura contemporánea Arte LEGO con Ladrillos de plástico, 28x35x19 in – 71x89x48 cm.

Este arte conceptual fue hecho por Nathan Sawaya dejó abogacía y comenzó a tener éxito en internet con sus grandes esculturas artísticas con ladrillos de LEGO. Su exposición “The Art of the Brick“, lo llevó por todo el mundo, dejando en cada lugar nuevos seguidores y fanáticos de su trabajo artístico.

Este arte conceptual me llamo la atención ya que muestra como las personas nos podemos llegar a lastimar a nosotros mismos, y somos el mayor causante de nuestros problemas, es una persona en forma de lego desgarrándose el pecho, demostrando como nos dejamos doler por si mismos, cuando deberíamos aprender a amarnos y valorarnos.

Proyecto: Territorios Fértiles 

“Quien crea a quien?-Videoarte-Performance-

-Me llamo la atención esta performance ya que lo interpreté como un videoarte muy personal, una mujer comienza a pintar a un hombre que es todo blanco, y se lo muestra triste, sentí que la mujer comenzaba a llenar de color a esta persona, y se fusionaban, así completándose y “ayudándose” al otro. Simplemente se fusionan entre ellos donde no hay límites y nadie se cuestiona quién es quién.

El artista recalco y detallo en un discurso una breve reflexión; cómo objetos cotidianos pueden resultar extraños y perturbadores con tan sólo una leve alteración de su aspecto, desafiando las leyes de la lógica y rompiendo la conexión entre palabras y objetos. Por ejemplo, esta plancha, pierde su utilidad al llevar adherida una fila de 14 pinchos en su superficie, dando lugar a un objeto nuevo y sin nombre.

Es interesante remarcar el hecho de que una pieza corriente puede alzar tantas preguntas a base de cosas cotidianas.

Este último trabajo entiende al cuerpo como nuestra primera casa, el límite entre nosotros y el mundo. Es una investigación sobre nuestras formas de origen y nuestras formas de morar para ser fusionadas en un mismo sistema: la amplificación de la caja del cuerpo desplazando sus límites para habitar en él.

Esta puesta resulta muy interesante dado que expone de forma explícita aquello que siempre se dice de que el cuerpo es como tu casa: el respeto y los cuidados que uno vuelca en su casa, de alguna manera serán como uno cuida su cuerpo y viceversa.