Música religiosa

• Canto gregoriano: Canto litúrgico monódico de la Iglesia romana. Melodía libre, fluida y meditativa, pensada para resaltar el texto sagrado.

• Polifonía temprana: Desde el siglo IX surge el organum, que añade una o más voces paralelas a la melodía gregoriana.

• Características: Melodías modalizadas, ritmo flexible (no marcado por compases modernos).

Música profana

• Trovadores y troveros: Poetas-compositores de las cortes que cantaban temas de amor cortés y hechos caballerescos.

• Juglares: Intérpretes ambulantes que difundían canciones, relatos y entretenimiento.

• Instrumentación: Laúd, vihuela, flautas, salterio y pequeños instrumentos de percusión acompañaban frecuentemente la voz.

• Temas: Amor, heroísmo, hazañas históricas y sátira social.

Hildegarda de Bingen (1098–1179). Monja, mística y compositora alemana cuyas composiciones son ejemplos singulares del canto monódico medieval con gran carga expresiva.

Características principales

• Textura: Polifonía imitativa y equilibrada.

• Sonoridad: Mayor uso de la tercera como sonoridad armónica.

• Formas típicas: Misa, motete, madrigal, chanson, villanella.

• Difusión: La imprenta musical permitió la difusión amplia del repertorio vocal profano y religioso.

Música religiosa

• Misas y motetes con tratamiento imitativo, cuidado en la declamación del texto y riqueza contrapuntística.

Música profana

• Madrigales, villanellas, romances y villancicos según escuelas nacionales (Italia, España, Francia).

Josquin des Prez (ca. 1450–1521). Compositor franco-flamenco considerado modelo de la polifonía renacentista por su claridad textual, manejo del contrapunto y expresividad en motetes y masas.

• Bajo continuo: Columna armónica que sostiene la música.

• Contrapunto y ornamentación: Desarrollo de complejas líneas contrapuntísticas y uso de adornos melódicos.

• Tonalidad: Consolidación del sistema tonal mayor/menor.

• Ritmo y afecto: Ritmos más marcados y polarización de “afectos” por secciones.

• Desarrollo instrumental y formas nuevas: Expansión de la orquesta y aparición de la ópera, oratorio, cantata, sonata, suite y concierto.

Instrumentación y práctica

• Violines dominantes en la orquesta; clavecín y órgano como instrumentos clave en continuo y solistas.

Johann Sebastian Bach (1685–1750). Culmen del contrapunto barroco: obras emblemáticas como las Brandenburgische Konzerte, las Suites para violonchelo solo y las grandes pasiones y misas muestran dominio técnico y expresivo.

• Equilibrio y claridad: Frases simétricas, textura predominantemente homofónica.

• Forma sonata: Estructura de exposición-desarrollo-reexposición que organiza sinfonías, conciertos y sonatas.

• Géneros en auge: Sinfonía, cuarteto de cuerda, concierto para piano, sonata para piano.

• Instrumentación: Piano sustituye al clavecín; orquesta más homogénea con secciones claras.

Estética: Búsqueda de la elegancia, el contraste dinámico y la economía temática.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791). Genio del clasicismo cuya obra abarca sinfonías, conciertos, música de cámara y ópera combinando perfección formal y gran expresividad.

• Expresividad y subjetividad: Prioridad de la emoción individual, la imaginación y el color tonal.

• Expansión de la orquesta: Mayor tamaño y variedad tímbrica; uso dramático de la instrumentación.

• Armonía y forma: Cromatismo y mayor libertad formal; las formas clásicas se transforman o se amplían.

• Nacionalismo y programatismo: Compositores incorporan elementos folclóricos y desarrollan música con programa.

• Virtuosismo: Papel destacado del solista virtuoso (piano, violín).

Géneros relevantes: Lieder (canción artística), nocturno, poema sinfónico, ópera romántica, concierto romántico.

Frédéric Chopin (1810–1849). Figura central del piano

romántico: sus nocturnos, mazurcas y polonesas combinan gran refinamiento técnico, lirismo íntimo y elementos del folclore polaco.