Leonor Cipriano 12°A

Soy esta canción porque me identifico con su mensaje de paz, esperanza y unión. Me gusta pensar en un mundo sin fronteras, donde las personas vivan con respeto y comprensión.

Imagine representa mis ideales y mi forma de ver la vida: creer en los sueños, en la bondad y en la posibilidad de un futuro mejor.

Mis colores serían suaves, como el azul del céu e o branco da paz, porque me transmiten

calma y Esperanza.

Soy Joana tengo 19 años y si yo fuera una obra de arte sería un libro llamado las cartas de invierno.

Empezó con pequeñas presentaciones en su escuela demonstrando influencias de música latina, árabe y rock and roll, junto a sus habilidades en la danza del vientre.

Shakira hoy en día tiene dos hijos llamados Milan Piqué Mebarak de 13 años y Sasha Piqué Mebarak de 10 años, hijos de su ex-marido Gerard Piqué.

Actualmente Shakira es considerada una de las grandes figuras femeninas en la música latina, gracias a sus exitosos álbumes como “Pies descalzos” (1996), “Fijación oral” (2005) y “Sale el sol” (2010).

Isis Amaral n°8 11°D, AE Vagos.

Se hizo conocida gracias al reality show Dance Moms , donde participó desde 2011. Su técnica, expresividad y disciplina la hicieron destacar rápidamente como una de las favoritas del programa.

Su fama internacional llegó cuando protagonizó el videoclip de la canción Chandelier de Sia en 2014.

El video se volvió viral por su intensa interpretación contemporánea y su icónico look (peluca rubia y leotardo color piel).

Con el tiempo, Maddie amplió su carrera hacia la actuación. Participó en películas como:

• The Fallout (2021), donde recibió buenas críticas.

•      Music (dirigida por Sia).

También ha trabajado como modelo y ha colaborado con marcas de moda y cosméticos.

Hoy en día, es vista como una figura influyente en el mundo de la danza juvenil y el entretenimiento.

El director Steven Spielberg nació en 1946 en Estados Unidos y es considerado uno de los cineastas más influyentes de la historia del cine. Desde niño ya mostraba interés por contar historias y por filmar, llegando a hacer pequeños cortometrajes caseros con amigos y maquetas. Su pasión por el cine empezó muy temprano, pero su recorrido académico no fue sencillo: intentó entrar en una prestigiosa escuela de cine y fue rechazado varias veces. Aun así, estudió en la California State University, Long Beach, la dejó para trabajar en la industria y, ya siendo famoso, regresó años después para terminar sus estudios y recibir su diploma en 2002.

En su vida personal, Spielberg está casado con la actriz Kate Capshaw desde 1991 y tiene una familia numerosa con siete hijos. Su relación con la familia ha influido mucho en los temas de sus películas, especialmente la infancia, el crecimiento y las relaciones familiares. Su madre era pianista y su padre ingeniero, lo que contribuyó a despertar su interés tanto por la música como por la tecnología y la ciencia ficción, elementos que aparecen con frecuencia en su trabajo.

En su tiempo libre le gusta coleccionar objetos relacionados con el cine, como recuerdos y accesorios de películas, y también le interesan la tecnología y los videojuegos. Incluso participó en la creación de un videojuego en los años noventa. Una curiosidad es que tiene miedo al mar, a pesar de haber dirigido una de las películas más famosas sobre tiburones. Además de director, también es productor y fue uno de los fundadores del estudio DreamWorks, que se convirtió en una de las grandes productoras de Hollywood.

Soy Edimaura y vivo en Vagos.

El chef Claude Troisgros nació el 9 de abril de 1956 en Roanne, Francia, en una familia muy reconocida en la alta gastronomía. Es hijo del famoso chef Pierre Troisgros, por lo que creció rodeado de cocina profesional y empezó a interesarse por la gastronomía desde muy joven. Con el tiempo se mudó a Brasil, donde desarrolló la mayor parte de su carrera y se convirtió en uno de los chefs más conocidos del país. Tiene nacionalidad franco-brasileña y vive desde hace décadas en Brasil, especialmente en Río de Janeiro. También tiene un hijo, Thomas Troisgros, que siguió sus pasos y trabaja como chef.

Claude Troisgros es conocido por combinar técnicas de la cocina francesa con ingredientes y sabores brasileños, creando platos creativos y modernos. Además de trabajar en restaurantes, se hizo muy popular en la televisión al presentar programas de cocina como Que Marravilha! y Mestre do Sabor, y por participar en MasterChef Brasil. En estos programas se volvió muy querido por su personalidad divertida, su energía y su forma espontánea de hablar portugués con un marcado acento francés.

Entre las curiosidades más divertidas, destaca que su acento y su sentido del humor se convirtieron en su sello personal en la televisión. Suele bromear mucho mientras cocina y le gusta experimentar con mezclas inesperadas de ingredientes. A pesar de venir de la alta cocina francesa, también aprecia la comida sencilla y los sabores brasileños. Su hijo Thomas a menudo trabaja con él en proyectos gastronómicos y programas, lo que muestra que la tradición culinaria continúa en la familia.

Van Gogh se caracterizó por:

• Colores intensos y vibrantes

• Pinceladas gruesas y expresivas

• Gran carga emocional en sus obras

Sus pinturas transmiten movimiento y sentimiento, algo revolucionario para su época.

Algunas de sus obras más conocidas incluyen:

• The Starry Night (1889) – Pintada durante su estancia en un hospital psiquiátrico en Saint-Rémy.

• Sunflowers – Serie de girasoles con colores brillantes.

• The Bedroom – Representa su habitación en Arlés.

• Self-Portrait with Bandaged Ear – Pintado después del famoso episodio en que se cortó parte de la oreja.

En 1888, tras una fuerte discusión con el pintor Paul Gauguin, Van Gogh sufrió una crisis mental y se cortó parte de la oreja izquierda. Este hecho se convirtió en uno de los episodios más conocidos de su vida.

Murió a los 37 años por una herida de bala (considerada durante mucho tiempo suicidio).

Hoy es uno de los pintores más valorados del mundo y una inspiración para generaciones de artistas.

Nacido en 1975 en São Paulo, Eduardo Kobra comenzó en la adolescencia con el grafiti y la pichación, y con el tiempo se convirtió en uno de los muralistas más reconocidos del mundo. Alcanzó notoriedad con el proyecto Muros da Memória, donde recreaba escenas antiguas de la ciudad en murales de gran formato. Su estilo se caracteriza por retratos hiperrealistas, colores vibrantes y composiciones geométricas. Ha homenajeado a figuras como Nelson Mandela y Frida Kahlo, y obtuvo reconocimiento mundial con el mural Etnias, realizado para los Juegos Olímpicos de Río 2016. Su obra transmite mensajes de paz, diversidad y memoria histórica.

Desde pequeño ha tenido aficiones muy marcadas: le encanta jugar al dominó (una pasión que mantiene desde niño), ver lucha libre profesional, jugar al billar y a los videojuegos —especialmente Pokémon en la Game Boy—. También es un gran fan del baloncesto, seguidor de los Lakers, y un apasionado de la moda.

Su nombre artístico surgió de una foto de la infancia en la que aparecía disfrazado de conejo con expresión seria. Antes de alcanzar la fama, trabajó como empaquetador en un supermercado Econo en Vega Baja mientras subía canciones a SoundCloud. Con el tiempo, logró convertirse en el artista más escuchado del año en Spotify en cuatro ocasiones consecutivas (2020, 2021, 2022 y 2025).

Como pasatiempo y profesión, se dedicó al teatro: fue actor, dramaturgo y socio del Globe Theatre.

Curiosidades: escribió alrededor de 39 obras y 154 sonetos, creó varias palabras del idioma inglés y es autor de obras famosas como Hamlet y Romeo y Julieta.

Su carrera profesional despegó en la revista Rolling Stone, donde trabajó como fotógrafa principal en los años setenta y retrató a grandes figuras de la música y la cultura, como John Lennon. Más adelante colaboró con Vanity Fair y Vogue, consolidándose como una de las retratistas más influyentes del mundo, conocida por su estilo teatral, cuidado y muy personal.

A lo largo de su trayectoria ha recibido numerosos premios y reconocimientos, entre ellos el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades y distinciones por su contribución al arte de la fotografía contemporánea. Su obra ha marcado un antes y un después en el retrato fotográfico moderno.

Su carrera profesional despegó en la revista Rolling Stone, donde trabajó como fotógrafa principal en los años setenta y retrató a grandes figuras de la música y la cultura, como John Lennon. Más adelante colaboró con Vanity Fair y Vogue, consolidándose como una de las retratistas más influyentes del mundo, conocida por su estilo teatral, cuidado y muy personal.

A lo largo de su trayectoria ha recibido numerosos premios y reconocimientos, entre ellos el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades y distinciones por su contribución al arte de la fotografía contemporánea. Su obra ha marcado un antes y un después en el retrato fotográfico moderno.

Nació el 19 de agosto de 1883 en

Saumur, Francia.

Tuvo una infancia difícil y pasó parte de su niñez en un orfanato, donde aprendió a coser. Más tarde se trasladó a París у comenzó su carrera como diseñadora de sombreros. Con el tiempo fundó la famosa casa de moda Chanel. Fue una de las diseñadoras más influyentes del siglo XX y cambió la moda femenina con sus diseños elegantes y sencillos. Murió el 10 de enero de 1971 en París, Francia.

Niemeyer era Oscar Ribeiro de

Almeida Niemeyer Soares Filho.

Nació el 15 de diciembre de 1907 en Río de Janeiro, Brasil. Estudió arquitectura en la Escuela

Nacional de Bellas Artes de Río de Janeiro y se graduó en 1934.

Desde joven mostró gran talento y comenzó a trabajar con importantes arquitectos brasileños.

Fue uno de los principales responsables del diseño de la ciudad de Brasilia, la capital de Brasil. Su estilo se caracterizaba por el uso de curvas, formas modernas у estructuras innovadoras en hormigón.

Recibió numerosos premios internacionales por su trabajo y es considerado uno de los arquitectos más importantes del siglo XX. Murió el 5 de diciembre de 2012, pocos días antes de cumplir 105 años, también en Río de Janeiro.

Entre los pasatiempos más interesantes se encuentran la lectura, la pintura, aprender a tocar un instrumento, resolver rompecabezas, la jardinería, la fotografía, la cocina y la escritura creativa, actividades que estimulan la mente y la creatividad.

En cuanto a la familia de Pablo Picasso, su padre, José Ruiz Blasco, fue profesor de dibujo y tuvo gran influencia en su formación artística. Su madre, María Picasso López, le dio el apellido que utilizó como nombre artístico. A lo largo de su vida tuvo relaciones importantes, como con Olga Khokhlova y Jacqueline Roque, además de Marie-Therese Walter y Dora Maar. Tuvo cuatro hijos: Paulo, Maya, Claude y Paloma.

Nació en Florencia alrededor de 1386. Fue aprendiz en el taller de Lorenzo Ghiberti y colaboró con Filippo Brunelleschi. Viajó a Roma para estudiar el arte clásico, lo que influyó en su estilo renacentista.

Fue uno de los escultores más importantes del Renacimiento. Destacó por el realismo y la expresión emocional en sus obras, trabajando en mármol, bronce y madera.

Entre sus obras principales están el David, el Gattamelata y la María Magdalena Penitente.

En su época no existían premios oficiales, pero recibió importantes encargos públicos y el apoyo de mecenas como Cosimo de’ Medici. Fue muy respetado e influyó en artistas como Miguel Ángel.

⁃ ¿A qué edad empezó su gusto por el arte??

⁃ ¿Como descubrió que quería ser pintor por el resto de su vida?

⁃ ¿Aparte del arte, tiene algún otro pasatiempo??

⁃ ¿Alguna vez intentó dedicarse a otro actividad??

⁃ ¿Ha sido fácil conciliar su trabajo a la vida cotidiana?

⁃ ¿ Que consejos daría a los jovenes estudiantes de arte?

⁃ ¿ Como le gustaría ser un recordado?

⁃ ¿Quien es su mayor inspiración?

⁃ ¿Utiliza algún método de relajación o meditación para poder crear nuevas obras??

⁃ De todas sus obras, ¿cuál sería su favorita y la más complicada de realizar?

⁃ ¿Alguna vez se sintió de alguna manera juzgado por haber decidido dedicarse al arte?

⁃ ¿Que opina sobre el arte moderna, le agrada??

⁃ ¿Cómo piensa terminar su legado como artista?

⁃ ¿Cree que existe la perfección en el arte?

⁃ ¿Cree que el arte solo se bases en el talento o también en la perseverancia y la práctica?

Buenos días, António. Gracias por participar en nuestro proyecto del Día Mundial del Arte.

1. ¿Podría presentarse brevemente y contarnos cómo comenzó su camino en el arte?

António Conceição:

Claro, soy un artista que desde joven sintió curiosidad por crear…

2. ¿Hubo algún momento o persona clave que le impulsara a dedicarse al arte?

António Conceição:

Sí, hubo influencias importantes…

3. ¿Qué tipo de arte realiza principalmente?

António Conceição:

Trabajo sobre todo en…

4. ¿Cómo describiría su estilo artístico?

António Conceição:

Mi estilo se caracteriza por…

5. ¿Qué le inspira a crear nuevas obras?

António Conceição:

Me inspiran las emociones, la vida cotidiana…

6. ¿Qué papel juega su entorno local en su trabajo?

António Conceição:

Tiene un papel muy importante…

7. ¿Qué mensaje intenta transmitir con sus obras?

António Conceição:

Intento comunicar…

8. ¿Cuál ha sido una de sus obras más significativas y por qué?

António Conceição:

Una de las más importantes para mí es…

9. ¿Cómo es su proceso creativo desde la idea hasta la obra final?

António Conceição:

Primero observo, luego experimento…

10. ¿Qué desafíos ha encontrado en su trayectoria como artista?

António Conceição:

El mayor reto ha sido…

11. ¿Cree que el arte puede cambiar la sociedad? ¿Cómo?

António Conceição:

Sí, el arte tiene el poder de…

12. ¿Qué importancia tiene el arte local y nacional en la identidad cultural?

António Conceição:

Es esencial porque…

13. ¿Cómo pueden los jóvenes acercarse más al arte hoy en día?

António Conceição:

Les diría que exploren…

14. ¿Qué consejo daría a los estudiantes que quieren desarrollar su creatividad?

António Conceição:

Que no tengan miedo de…

15. Para terminar, ¿qué significa para usted el arte como lenguaje universal?

António Conceição:

El arte es una forma de conexión…

⁃ ¿A qué edad empezó su gusto por el arte??

⁃ ¿Como descubrió que quería ser pintor por el resto de su vida?

⁃ ¿Aparte del arte, tiene algún otro pasatiempo??

⁃ ¿Alguna vez intentó dedicarse a otro actividad??

⁃ ¿Ha sido fácil conciliar su trabajo a la vida cotidiana?

⁃ ¿ Que consejos daría a los jovenes estudiantes de arte?

⁃ ¿ Como le gustaría ser un recordado?

⁃ ¿Quien es su mayor inspiración?

⁃ ¿Utiliza algún método de relajación o meditación para poder crear nuevas obras??

⁃ De todas sus obras, ¿cuál sería su favorita y la más complicada de realizar?

⁃ ¿Alguna vez se sintió de alguna manera juzgado por haber decidido dedicarse al arte?

⁃ ¿Que opina sobre el arte moderna, le agrada??

⁃ ¿Cómo piensa terminar su legado como artista?

⁃ ¿Cree que existe la perfección en el arte?

⁃ ¿Cree que el arte solo se bases en el talento o también en la perseverancia y la práctica?

1. ¿Cómo comenzó su interés por el arte?

2. ¿Qué o quiénes han sido sus mayores

influencias artísticas?

3. ¿Cómo describiría su estilo artístico?

4. ¿Qué técnicas utiliza con más frecuencia en sus obras?

5. ¿Qué temas le inspiran a la hora de crear?

6. ¿Hay algún mensaje que intenta transmitir

con su arte?

7. ¿Cuál de sus obras considera más importante y por qué?

8. ¿Cómo es su proceso creativo desde la idea

hasta la obra final?

9. ¿Qué papel juega la emoción en su trabajo artístico?

10. ¿Ha enfrentado dificultades en su carrera?

¿Cómo las superó?

11. ¿Qué opina sobre el arte contemporáneo en la actualidad?

12. ¿Cómo reacciona ante las críticas a su trabajo?

13. ¿Qué proyectos está desarrollando actualmente?

14. ¿Qué consejo daría a los jóvenes que quieren dedicarse al arte?

15. ¿Cómo le gustaría que su obra fuera

recordada en el futuro?

Me da libertad para ser yo misma, sin miedo a los juicios.

Es color, es emoción, es identidad.

El arte soy yo, creando mi mundo a mi manera.

una forma de decir lo que a veces no puedo expresar con palabras.

Es libertad,

porque me deja ser quien soy, sin máscaras ni miedos.

Es identidad,

porque en cada trazo, en cada idea, dejo un pedazo de mí.

Y es conexión,

porque lo que creo puede tocar a otros,

y juntos transformar lo que somos y lo que soñamos.

El arte no solo se ve,

se siente, se vive, se comparte.

El arte soy yo,

somos todos.

Es libertad, porque no tiene límites, e identidad, porque refleja quién soy. No busca perfección, sino ser auténtico.

Para mí, el arte también es identidad, porque refleja quién soy y cómo veo el mundo. A través de colores, formas o sonidos, logro conectar con otras personas y compartir emociones.

El arte no solo se observa, se siente. Es una fuerza que transforma, inspira y da sentido a lo que somos.

A veces nace en una línea temblorosa, en una palabra tachada o en una imagen que no sabía que llevaba dentro. Es ese instante en el que dejo de intentar explicar quién soy y simplemente lo muestro, sin reglas, sin miedo.

El arte es libertad, pero no una libertad vacía: es la libertad de sentir, de cuestionar, de imaginar otros mundos posibles. Es identidad en movimiento, porque cada trazo, cada color, cada frase dice algo de mí… incluso lo que todavía no entiendo.

Cuando creo, no busco perfección. Busco verdad. Y en esa búsqueda, descubro que el arte no es solo mío: es un espacio donde otros pueden reconocerse, sentirse menos solos, o ver el mundo de otra manera.

Para mí, el arte no se aprende del todo. Se vive, se transforma… y nos transforma.

No siempre sé lo que quiero decir, pero el arte lo sabe por mí. Es mi refugio cuando el mundo pesa demasiado y mi ventana cuando necesito ver más allá. Para mí, el arte no es solo crear, es existir de una forma más verdadera.

El arte no tiene una sola forma ni un único significado. Puede estar en la música, en la pintura, en la danza, en la escritura o incluso en pequeños detalles del día a día. Para mí, el arte es todo aquello que logra hacerme sentir algo, ya sea alegría, tristeza, nostalgia o inspiración.

Además, el arte es libertad. No hay reglas estrictas ni límites; cada persona puede interpretarlo y crearlo de manera diferente. Eso es lo que lo hace tan especial: cada obra es única, porque refleja la visión y las emociones de quien la crea.

En resumen, el arte es una parte esencial de la vida, porque nos permite expresar lo que somos, conectar con los demás y ver el mundo desde diferentes perspectivas.

un lugar donde el silencio encuentra voz

y el caos se transforma en forma

Es libertad sin puertas,

un vuelo sin mapa

donde puedo ser todo

sin pedir permiso

En el trazo imperfecto de un dibujo,

en el verso que tiembla antes de existir,

Es donde descubro quién soy

y quién aún puedo ser

El arte no me encierra,

me expande

No me define,

me revela

Es un puente entre lo que siento

y lo que el mundo aún no comprende

Es luz en la sombra,

es valentía hecha color

Y tal vez, al final,

el arte sea eso

una forma de existir

con más verdad.

Desde joven mostró interés por el arte y la narrativa, aunque no pudo estudiar cine de manera formal debido a las limitaciones de la época. Aun así, se trasladó a Madrid, donde comenzó a trabajar en diversos empleos mientras desarrollaba su pasión por el cine de forma autodidacta. Sus primeras obras fueron cortometrajes en formato Super 8, caracterizados por su estilo irreverente y provocador.

Almodóvar es conocido por dirigir películas que combinan melodrama, comedia y elementos transgresores. Entre sus obras más destacadas se encuentran Mujeres al borde de un ataque de nervios, Todo sobre mi madre (que ganó el Óscar a la mejor película extranjera) y Hable con ella. Sus películas suelen explorar temas como la identidad, el deseo, las relaciones humanas y la complejidad emocional, con personajes fuertes y, en muchos casos, protagonizados por mujeres.

En cuanto a sus pasatiempos, Almodóvar ha mostrado gran interés por la fotografía, la escritura y la música. También es un apasionado del diseño y la estética visual, lo que se refleja claramente en el uso vibrante del color en sus películas. Además, ha colaborado frecuentemente con el compositor Alberto Iglesias, creando bandas sonoras muy reconocibles.

Un dato interesante es que fundó su propia productora, El Deseo, junto a su hermano Agustín Almodóvar, lo que le ha permitido mantener un alto grado de control creativo sobre sus proyectos. También es conocido por trabajar repetidamente con ciertos actores, formando una especie de “familia artística”, como Penélope Cruz o Antonio Banderas.

En resumen, Pedro Almodóvar es un director que ha logrado construir un estilo único y reconocible, llevando el cine español a una proyección internacional y consolidándose como una figura esencial del séptimo arte europeo.

Desde joven mostró interés por el arte y la narrativa, aunque no pudo estudiar cine de manera formal debido a las limitaciones de la época. Aun así, se trasladó a Madrid, donde comenzó a trabajar en diversos empleos mientras desarrollaba su pasión por el cine de forma autodidacta. Sus primeras obras fueron cortometrajes en formato Super 8, caracterizados por su estilo irreverente y provocador.

Almodóvar es conocido por dirigir películas que combinan melodrama, comedia y elementos transgresores. Entre sus obras más destacadas se encuentran Mujeres al borde de un ataque de nervios, Todo sobre mi madre (que ganó el Óscar a la mejor película extranjera) y Hable con ella. Sus películas suelen explorar temas como la identidad, el deseo, las relaciones humanas y la complejidad emocional, con personajes fuertes y, en muchos casos, protagonizados por mujeres.

En cuanto a sus pasatiempos, Almodóvar ha mostrado gran interés por la fotografía, la escritura y la música. También es un apasionado del diseño y la estética visual, lo que se refleja claramente en el uso vibrante del color en sus películas. Además, ha colaborado frecuentemente con el compositor Alberto Iglesias, creando bandas sonoras muy reconocibles.

Un dato interesante es que fundó su propia productora, El Deseo, junto a su hermano Agustín Almodóvar, lo que le ha permitido mantener un alto grado de control creativo sobre sus proyectos. También es conocido por trabajar repetidamente con ciertos actores, formando una especie de “familia artística”, como Penélope Cruz o Antonio Banderas.

En resumen, Pedro Almodóvar es un director que ha logrado construir un estilo único y reconocible, llevando el cine español a una proyección internacional y consolidándose como una figura esencial del séptimo arte europeo.

Por eso, mi perspectiva sobre el arte es que abarca todo aquello que nos permite dar voz y expresión a lo que llevamos en nuestro interior, e incluso a lo que reside en el inconsciente, comunicando emociones, ideas y visiones del mundo.

El arte funciona como una herramienta de reflexión, crítica social y apreciación estética.

1. Selección del artista o movimiento
Elegid un artista hispánico real (de España o América Latina).
Puede pertenecer a cualquier disciplina artística: pintura, escultura, literatura, música, arquitectura, fotografía o diseño.

2. Investigación inicial
Antes de realizar vuestra obra o producto visual, debéis investigar:

• información básica del artista.

• características principales de su estilo.

• obras más importantes o representativas.

• contexto histórico y cultural.

• temas, emociones o símbolos frecuentes en su trabajo.

La investigación debe ser breve, atractiva y visualmente clara.

3. Creación de la obra original
Cada alumno o grupo podrá crear una obra inspirada en el artista seleccionado. Puede tratarse de una pintura, escultura, collage u objeto artístico reinterpretado.

Indicaciones:

• la obra debe ser original y no una copia exacta.

• debe incorporar elementos del estilo del artista desde una visión contemporánea y personal.

• podéis combinar diferentes técnicas y materiales.

• intentad transmitir una emoción o una idea relacionada con el universo hispánico.

4. Diseño de carteles u otros materiales visuales
Además de la obra artística, también podéis crear recursos visuales para complementar la exposición.

Opciones posibles:

• cartel artístico inspirado en el estilo del creador elegido.

• póster informativo sobre el artista o movimiento.

• postal ilustrada basada en una obra famosa reinterpretada.

• marcapáginas con elementos visuales característicos del artista.

• mini catálogo con imágenes y textos breves.

• infografía sobre la vida y obra del artista.

Indicaciones para estos materiales:

• deben ser claros, creativos y coherentes con la estética del artista.

• pueden incluir citas, colores representativos o símbolos relacionados.

• deben estar bien organizados y preparados para ser expuestos.

Para nuestra contribución hemos elegido al artista Salvador Dalí, pintor español y máximo exponente del surrealismo, reconocido mundialmente por sus imágenes oníricas, su técnica minuciosa y su capacidad para plasmar el subconsciente y los sueños en el lienzo. Salvador Dalí nació el 11 de mayo de 1904 en Figueras, Cataluña, y falleció el 23 de enero de 1989.

Desde muy joven mostró un talento excepcional para el dibujo. Su vida estuvo marcada por una personalidad excéntrica y una imaginación desbordante que lo llevó a explorar no solo la pintura, sino también el cine, la escultura y el diseño. Su estilo se caracteriza por el uso de un realismo casi fotográfico aplicado a escenas imposibles, la deformación de objetos cotidianos —como sus famosos relojes blandos— y la presencia recurrente de símbolos como elefantes de patas infinitas, hormigas y paisajes desérticos inspirados en la costa catalana. Dalí utilizó estas herramientas para invitar al espectador a cuestionar la realidad.

Entre sus obras más representativas se encuentran La persistencia de la memoria, que simboliza la relatividad del tiempo a través de relojes que se derriten; Cisnes que reflejan elefantes, que utiliza el método paranoico-crítico para crear imágenes dobles; y La tentación de San Antonio, donde aparecen sus icónicos elefantes sobre zancos.

Dalí vivió en el siglo XX, un periodo de grandes vanguardias y cambios tecnológicos donde el arte buscaba romper con lo establecido. Sus obras transmiten temas como el tiempo, los miedos humanos, el deseo y la ciencia. Nuestra obra original, titulada "El eco del tiempo", reinterpreta su estilo: presenta un objeto cotidiano en estado de metamorfosis, donde lo sólido se vuelve maleable, simbolizando cómo nuestros recuerdos transforman la realidad. La obra busca transmitir asombro de manera visual, siguiendo el espíritu provocador de Dalí.

Además de la obra, hemos diseñado un cartel artístico titulado "Dalí — La mirada del genio", que combina elementos de su icónica estética con una tipografía fluida. El cartel incluye sus colores característicos —azules celestes y tonos tierra— y símbolos que reflejan su enfoque en lo irracional. También hemos creado productos complementarios como una infografía sobre el método paranoico-crítico y un marca-páginas surrealista con la silueta de sus famosos bigotes.

Salvador Dalí es un referente del arte hispánico que nos permite explorar la relación entre lo real y lo imaginario, la tradición técnica y la innovación temática. Su obra nos invita a un diálogo vivo entre la razón y el sueño, celebrando la libertad creativa del mundo hispánico. Nuestra contribución busca reflejar este espíritu, reinterpretando su universo de manera personal y visualmente atractiva, lista para enriquecer la experiencia de los visitantes de la exposición.

elementos clave de su estilo presentes en la imagen:

1. El Viaje Simbólico y Vehículos Fantásticos

Para Varo, el movimiento siempre era espiritual. Sus personajes suelen viajar en máquinas imposibles, mezclas de barcos, carromatos y artefactos de relojería. En la imagen, vemos a la protagonista en una especie de carruaje alquímico que recorre rieles elevados, representando la búsqueda del conocimiento o la transición hacia un plano superior.

2. La Alquimia y la Ciencia "Mágica"

Remedios tenía una obsesión con la transmutación. En su obra, es común ver:

• Aparatos de laboratorio: Tubos de ensayo, matraces y engranajes que no parecen mecánicos, sino orgánicos.

• La creación de materia: Como la mujer que "teje" una tela que se convierte en luz o realidad, un guiño directo a su famosa obra La tejedora de redes o Bordando el manto terrestre.

3. Arquitectura Gótica y Espacios Oníricos

Sus escenarios suelen ser claustros, torres medievales o ciudades desiertas con perspectivas exageradas.

• La técnica del "fumage" y el detalle: Ella utilizaba pinceles finísimos (a veces de un solo pelo) para crear texturas de paredes desconchadas o cielos estrellados.

• Interiores que son exteriores: Los límites de las habitaciones se rompen, conectando el refugio personal con el cosmos.

4. Personajes Andróginos y Aves

Los rostros en sus pinturas suelen parecerse a ella misma: facciones alargadas, ojos almendrados y una expresión de concentración absoluta.

• Los animales: Los gatos (seres espirituales) y las aves (mensajeros del aire) suelen acompañar a los protagonistas, sugiriendo una conexión profunda con la naturaleza y lo invisible.

5. La Iluminación Nocturna

Predominan los tonos ocres, dorados y tierras, iluminados por una luz que parece venir de dentro de los objetos o de una luna llena mística. Esto crea esa sensación de "silencio sagrado" que inunda toda su producción artística.

Bad Bunny, cuyo nombre real es Benito Antonio Martínez Ocasio, nació en Vega Baja en 1994 y es uno de los artistas latinos más influyentes de la actualidad. Desde joven mostró interés por la música y comenzó publicando canciones en internet mientras trabajaba en un supermercado y estudiaba comunicación audiovisual. Su carrera despegó gracias al éxito de canciones como “Soy Peor”, que lo convirtió en una figura importante del trap latino y el reguetón.

A lo largo de su trayectoria, Bad Bunny ha lanzado álbumes muy exitosos como YHLQMDLG y Un Verano Sin Ti, con los que alcanzó fama internacional. También ha colaborado con artistas como J Balvin, Drake y Rosalía. Además de la música, participó en películas y eventos de entretenimiento, ampliando todavía más su impacto cultural.

Su estilo musical mezcla reguetón, trap, hip hop y ritmos caribeños, caracterizándose por la innovación y la libertad creativa. Bad Bunny destaca por sus letras sobre el amor, la fama, las fiestas y temas sociales, además de su estética diferente y su defensa de la individualidad. Gracias a su autenticidad y capacidad para romper las reglas tradicionales del género urbano, se ha convertido en un símbolo global de la música latina moderna.

Como obra de arte escogí crear una música baseada en el artista:

Joan Miró nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona. Su padre era relojero y orfebre, y su madre provenía de una familia de carpinteros de Mallorca.

Aunque comenzó estudiando comercio y trabajó en una oficina, sufrió una fuerte crisis nerviosa debido al estrés y a la falta de interés por esa vida. Después de una enfermedad en 1911, pasó una temporada recuperándose en la finca familiar de Mont-roig del Camp. Allí desarrolló una conexión profunda con:

• la naturaleza;

• el cielo;

• la tierra;

• los animales;

• el paisaje rural catalán.

Ese lugar se convirtió en una fuente permanente de inspiración.

Formación artística

Miró estudió en:

• la Escuela de Bellas Artes de Barcelona;

• la academia de Francesc Galí.

Galí enseñaba a los alumnos a “sentir” los objetos con las manos antes de dibujarlos, algo que influyó mucho en la sensibilidad artística de Miró.

En sus primeras obras se pueden notar influencias de:

• el fauvismo;

• el cubismo;

• el arte popular catalán;

• Vincent van Gogh;

• Paul Cézanne.

París y el surrealismo

En 1920 viajó a Paris, donde conoció a artistas y escritores de vanguardia.

Entró en contacto con:

• André Breton;

• Max Ernst;

• Louis Aragon.

Aunque fue asociado al surrealismo, Miró nunca quiso pertenecer completamente a ningún movimiento artístico.

Decía que quería:

“asesinar la pintura convencional”.

Buscaba crear un lenguaje visual libre y universal.

Características de su estilo

Formas biomórficas

Miró utilizaba figuras orgánicas y abstractas:

• estrellas;

• ojos;

• pájaros;

• lunas;

• mujeres;

• criaturas imaginarias.

Parecen dibujos infantiles, pero tienen una composición muy estudiada.

Colores intensos

Usaba colores puros y muy vivos:

• rojo;

• azul;

• amarillo;

• verde;

• negro.

Muchas veces sobre fondos blancos o neutros.

Líneas negras

Las líneas negras finas organizan el espacio y conectan las figuras.

Se parecen a:

• signos;

• escritura automática;

• constelaciones.

Automatismo surrealista

Miró practicaba el “automatismo”, una técnica surrealista basada en:

• dibujar espontáneamente;

• dejar actuar el subconsciente;

• improvisar formas sin planificación racional.

Obras más famosas

The Farm

Representa la finca familiar de Mont-roig.

Es una mezcla entre:

• realismo;

• simbolismo;

• fantasía.

El escritor Ernest Hemingway compró esta obra y dijo:

“Si la posees, tienes España.”

Harlequin’s Carnival

Una de las obras surrealistas más importantes del siglo XX.

Está llena de:

• criaturas fantásticas;

• instrumentos musicales;

• símbolos flotantes;

• humor visual.

Miró dijo que la pintó mientras pasaba hambre en París y sufría alucinaciones provocadas por la falta de comida.

Blue I

,

Blue II

y

Blue III

Tres enormes lienzos minimalistas dominados por el azul.

Representan:

• silencio;

• espacio;

• infinito;

• poesía visual.

Son consideradas obras maestras de la abstracción.

Woman and Bird

Escultura pública gigante ubicada en Barcelona.

Combina:

• humor;

• simbolismo;

• formas sexuales y cósmicas.

Miró y la política

Miró vivió:

• la Guerra Civil Española;

• la dictadura franquista;

• la Segunda Guerra Mundial.

Defendía fuertemente:

• la identidad catalana;

• la libertad creativa;

• la cultura popular.

Aunque no hacía propaganda política directa, muchas obras transmiten:

• angustia;

• resistencia;

• esperanza.

The Reaper

Fue creado para el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937.

La obra denunciaba el sufrimiento del pueblo español durante la guerra.

Estaba expuesta junto a:

• Guernica.

El mural desapareció después de la exposición.

Escultura y cerámica

Miró no solo pintaba.

También creó:

• esculturas;

• grabados;

• litografías;

• cerámicas monumentales;

• tapices.

Trabajó junto al ceramista:

• Josep Llorens Artigas.

Sus esculturas mezclan:

• objetos encontrados;

• humor;

• ironía;

• imaginación.

La Fundació Joan Miró

En 1975 se inauguró la:

Fundació Joan Miró

Fue diseñada por:

• Josep Lluís Sert.

Contiene:

• pinturas;

• esculturas;

• dibujos;

• documentos personales;

• obras experimentales.

Sitio oficial:
Fundació Joan Miró

Datos curiosos e interesantes

1. Miró odiaba la pintura académica

Quería destruir las reglas tradicionales del arte y crear algo completamente nuevo.

2. Sus símbolos tienen significados repetidos

Por ejemplo:

• estrellas → libertad y universo;

• pájaros → conexión entre tierra y cielo;

• mujeres → fertilidad y energía;

• ojos → observación interior.

3. Influenció a muchos artistas modernos

Inspiró movimientos como:

• el expresionismo abstracto;

• la pintura gestual;

• el minimalismo;

• el arte contemporáneo.

Artistas influenciados:

• Jackson Pollock;

• Mark Rothko;

• Alexander Calder.

4. Trabajaba lentamente

Aunque sus cuadros parecen espontáneos, Miró planificaba mucho las composiciones.

5. Le fascinaba el cielo nocturno

Las estrellas y constelaciones aparecen constantemente en su obra.

Durante la Segunda Guerra Mundial creó la famosa serie:

Constellations

Estas obras mezclan:

• música visual;

• astronomía;

• poesía;

• espiritualidad.

Frases famosas de Joan Miró

“Intento aplicar colores como palabras que forman poemas.”

“El espectáculo del cielo me sobrecoge.”

“Cuanto más local es algo, más universal se vuelve.”

“Para mí, un objeto es algo vivo.”

Dónde ver obras de Miró

Puedes encontrar sus obras en:

• Museum of Modern Art;

• Tate Modern;

• Centre Pompidou;

• Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía;

• Fundació Joan Miró.

Entre sus obras más representativas destacan Conversation Piece, Many Times, Plaza y Double Bind. Sus esculturas suelen mostrar personas con sonrisas ambiguas y posiciones extrañas, creando una atmósfera psicológica e intrigante para el espectador.

Juan Muñoz desarrolló su trabajo durante el crecimiento del arte contemporáneo europeo del siglo XX, en una España que vivía una gran apertura cultural después de la dictadura de Francisco Franco. En sus obras aparecen temas recurrentes como la comunicación humana, las relaciones sociales, la soledad y el misterio. Sus esculturas invitan al público a imaginar historias y emociones ocultas detrás de cada figura.

Su estilo se caracteriza por formas geométricas simples y por la relación entre el espacio vacío y el espacio ocupado. Muchas de sus obras están inspiradas en la naturaleza, especialmente en el mar y el viento. También buscaba unir el arte con el entorno y transmitir equilibrio, fuerza y reflexión.

Entre sus obras más conocidas destacan Peine del Viento, situada junto al mar en San Sebastián, y Elogio del Horizonte, en Gijón. Su identidad vasca y el contexto histórico de España influyeron mucho en su trabajo artístico.

El estilo de Sorolla se caracteriza principalmente por el uso de colores luminosos y cálidos, pinceladas rápidas y visibles y una gran capacidad para captar la luz del sol sobre el agua y sobre las personas. Muchas de sus pinturas muestran playas y paisajes del Mediterráneo, donde el cielo azul y los reflejos del mar tienen un papel muy importante. Entre sus obras más famosas destacan Paseo a orillas del mar, Niños en la playa y El baño del caballo. Estas pinturas reflejan perfectamente la belleza de la naturaleza y de la vida cotidiana española.

Sorolla vivió entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX, una época en la que muchos artistas europeos comenzaron a pintar al aire libre para captar la realidad y la luz natural. En España, Sorolla consiguió representar la vida mediterránea de una forma muy moderna y llena de emoción. Sus cuadros transmiten calma, felicidad y libertad gracias a la combinación de luz, color y movimiento.

Inspirándome en este artista, he creado una obra original titulada “Luz sobre el Atlántico”. La pintura representa un pequeño pueblo costero junto al mar en un día soleado. En la imagen aparecen casas blancas iluminadas por la luz del sol, flores coloridas y el océano azul al fondo. La obra transmite serenidad y una sensación de paz gracias a los colores luminosos y a la atmósfera cálida del paisaje.

Aunque mi creación está inspirada en el estilo de Sorolla, no es una copia de ninguna de sus obras. He reinterpretado su manera de utilizar la luz y los colores desde una mirada más actual y personal. Para realizar esta pintura utilicé pintura acrílica, pinceles gruesos y diferentes texturas para crear un efecto más artístico y expresivo.

Además de la obra artística, también he diseñado un cartel para acompañar la exposición. El cartel lleva el título “Joaquín Sorolla: La luz del mar” e incluye colores inspirados en el Mediterráneo, como azul océano, amarillo dorado y blanco cálido. También aparecen flores y elementos naturales que recuerdan el ambiente luminoso de las pinturas de Sorolla. El objetivo del cartel es transmitir la belleza del paisaje y la importancia de la luz en la obra del artista.

Con este proyecto he querido mostrar cómo el arte de Joaquín Sorolla continúa inspirando nuevas creaciones en la actualidad. Mi obra intenta transmitir tranquilidad, belleza natural y la conexión entre la luz y el paisaje, elementos fundamentales en el universo artístico de Sorolla.

Para nuestra participación hemos escogido al artista Ricardo Arjona, reconocido por sus composiciones llenas de poesía, reflexión y crítica social, que han marcado la música latina durante décadas.

  Ricardo Arjona nació el diecinueve de enero de 1964 en Jocotenango. Antes de dedicarse completamente a la música, trabajó como profesor y también practicó baloncesto profesionalmente. Con el paso de los años se convirtió en uno de los cantautores más importantes del mundo hispánico gracias a sus letras profundas y a su manera única de contar historias cotidianas a través de la música.

  Su estilo artístico se caracteriza por combinar balada, pop latino y sonidos acústicos con letras narrativas y metafóricas. Muchas de sus canciones hablan sobre el amor, el desamor, las desigualdades sociales, la nostalgia y las emociones humanas. Además, utiliza un lenguaje sencillo pero muy expresivo, capaz de conectar con personas de diferentes edades y culturas.

  Entre sus canciones más representativas destacan Historia de taxi, donde relata una historia inesperada de amor y traición; Mujeres, una canción dedicada a la importancia y complejidad de las mujeres; y Fuiste tú, una balada emocional sobre una relación rota. También sobresale Animal nocturno, uno de los trabajos que impulsó su reconocimiento internacional.

  Ricardo Arjona desarrolló su carrera en un contexto donde la música latina comenzó a expandirse mundialmente, convirtiéndose en una voz representativa de muchas experiencias y problemáticas de América Latina. Sus canciones reflejan tanto emociones personales como situaciones sociales, mezclando sensibilidad, ironía y reflexión.

  Inspirándonos en su estilo, hemos creado una obra original basada en la idea de “las historias ocultas de la ciudad”. La obra representa una calle nocturna bajo la lluvia, con luces de neón, taxis y ventanas iluminadas. En el centro aparece una figura caminando sola mientras alrededor flotan fragmentos de frases inspiradas en sus canciones.

La composición mezcla colores oscuros y tonos cálidos para simbolizar la mezcla entre melancolía y esperanza presente en muchas de sus letras. También incorporamos elementos como relojes, guitarras, papeles escritos y sombras urbanas para transmitir la sensación de recuerdos, tiempo y emociones humanas.

  La obra no busca copiar directamente ninguna imagen del artista, sino reinterpretar el ambiente emocional y narrativo que caracteriza su música desde una mirada contemporánea y visualmente creativa.

  Además de la obra principal, hemos diseñado un cartel artístico titulado “Ricardo Arjona — Historias que se cantan”. El cartel combina imágenes urbanas, siluetas musicales y frases breves inspiradas en sus canciones, utilizando colores oscuros, luces cálidas y detalles manuscritos que evocan el estilo íntimo y reflexivo de su música.

  Como complemento para la exposición, también podrían elaborarse otros productos visuales, como una postal inspirada en Historia de taxi, marca-páginas con frases simbólicas de sus canciones, un mini catálogo con información sobre su trayectoria o una infografía sobre la evolución de su carrera musical.

  Ricardo Arjona representa una parte importante de la cultura musical hispánica, ya que sus canciones convierten experiencias comunes en relatos llenos de emoción y significado.

Nuestra contribución busca reflejar esa capacidad de transformar la vida cotidiana en arte, creando una conexión entre música, emociones y expresión visual. De esta manera, la obra invita al público a reflexionar sobre las historias humanas que se esconden detrás de cada canción y a descubrir cómo el arte puede unir sentimientos, identidad y creatividad dentro del mundo hispánico.

música al estilo de Ricardo Arjona:

-“Las cosas que no dijimos”

Te encontré en el ruido

de un café mal servido,

con los ojos cansados

y el corazón distraído.

Yo venía de perderme

en promesas de alquiler,

tú fingiendo que eras fuerte

como quien no sabe caer.

Y nos sentamos tan lejos

para evitar el temblor,

pero hablaban las miradas

ese idioma del dolor.

Porque el amor no siempre llega

con fuegos artificiales,

a veces entra por la puerta

como entran las tempestades.

Nos cambió la geometría

de la cama y la razón,

tú tan llena de silencios,

yo tan roto de canción.

Te aprendí de madrugada,

como se aprende a rezar,

con miedo a equivocarme

y ganas de no escapar.

Tus heridas combinaban

demasiado bien con las mías,

como dos desconocidos

compartiendo la misma lluvia.

Porque el amor no siempre salva

ni tampoco mata lento,

a veces solo acompaña

los pedazos del intento.

Y aunque nunca fuimos héroes

de ninguna gran ciudad,

nos quisimos a escondidas

de la propia realidad.

Hoy todavía me pregunto

cuando paso por aquel bar,

si las cosas que no dijimos

eran las más importantes de hablar.

El estilo de Sorolla se caracteriza principalmente por el uso de colores luminosos y cálidos, pinceladas rápidas y visibles y una gran capacidad para captar la luz del sol sobre el agua y sobre las personas. Muchas de sus pinturas muestran playas y paisajes del Mediterráneo, donde el cielo azul y los reflejos del mar tienen un papel muy importante. Entre sus obras más famosas destacan Paseo a orillas del mar, Niños en la playa y El baño del caballo. Estas pinturas reflejan perfectamente la belleza de la naturaleza y de la vida cotidiana española.

Sorolla vivió entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX, una época en la que muchos artistas europeos comenzaron a pintar al aire libre para captar la realidad y la luz natural. En España, Sorolla consiguió representar la vida mediterránea de una forma muy moderna y llena de emoción. Sus cuadros transmiten calma, felicidad y libertad gracias a la combinación de luz, color y movimiento.

Inspirándome en este artista, he creado una obra original titulada “Luz sobre el Atlántico”. La pintura representa un pequeño pueblo costero junto al mar en un día soleado. En la imagen aparecen casas blancas iluminadas por la luz del sol, flores coloridas y el océano azul al fondo. La obra transmite serenidad y una sensación de paz gracias a los colores luminosos y a la atmósfera cálida del paisaje.

Aunque mi creación está inspirada en el estilo de Sorolla, no es una copia de ninguna de sus obras. He reinterpretado su manera de utilizar la luz y los colores desde una mirada más actual y personal. Para realizar esta pintura utilicé pintura acrílica, pinceles gruesos y diferentes texturas para crear un efecto más artístico y expresivo.

Además de la obra artística, también he diseñado un cartel para acompañar la exposición. El cartel lleva el título “Joaquín Sorolla: La luz del mar” e incluye colores inspirados en el Mediterráneo, como azul océano, amarillo dorado y blanco cálido. También aparecen flores y elementos naturales que recuerdan el ambiente luminoso de las pinturas de Sorolla. El objetivo del cartel es transmitir la belleza del paisaje y la importancia de la luz en la obra del artista.

Con este proyecto he querido mostrar cómo el arte de Joaquín Sorolla continúa inspirando nuevas creaciones en la actualidad. Mi obra intenta transmitir tranquilidad, belleza natural y la conexión entre la luz y el paisaje, elementos fundamentales en el universo artístico de Sorolla.

Datos esenciales

• Nombre completo: Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí

• Nació en 1904 en Figueres, España

• Murió en 1989

• Pintor y escultor español

• Principal representante del surrealismo

Rasgos característicos de su estilo

• Imágenes inspiradas en sueños

• Objetos deformados o imposibles

• Paisajes surrealistas

• Colores intensos y contrastes

• Mezcla entre realidad e imaginación

• Uso del subconsciente y de símbolos misteriosos

Obras representativas

• “La Persistencia de la Memoria”

• “Los Elefantes”

• “Sueño causado por el vuelo de una abeja”

• “El Gran Masturbador”

Contexto cultural e histórico

Dalí vivió en el siglo XX, una época marcada por guerras y grandes cambios sociales y artísticos. Formó parte del movimiento surrealista, que buscaba representar el mundo de los sueños, la imaginación y el subconsciente.

Temas, emociones y símbolos recurrentes

• Relojes derretidos → paso del tiempo

• Sueños y fantasía

• Miedo y deseo

• Soledad

• Ojos y figuras extrañas

• Animales simbólicos

• Paisajes desérticos

Para nuestra contribución hemos elegido al artista Salvador Dalí, pintor español y máximo exponente del surrealismo, reconocido mundialmente por sus imágenes oníricas, su técnica minuciosa y su capacidad para plasmar el subconsciente y los sueños en el lienzo. Salvador Dalí nació el 11 de mayo de 1904 en Figueras, Cataluña, y falleció el 23 de enero de 1989.

Desde muy joven mostró un talento excepcional para el dibujo. Su vida estuvo marcada por una personalidad excéntrica y una imaginación desbordante que lo llevó a explorar no solo la pintura, sino también el cine, la escultura y el diseño. Su estilo se caracteriza por el uso de un realismo casi fotográfico aplicado a escenas imposibles, la deformación de objetos cotidianos —como sus famosos relojes blandos— y la presencia recurrente de símbolos como elefantes de patas infinitas, hormigas y paisajes desérticos inspirados en la costa catalana. Dalí utilizó estas herramientas para invitar al espectador a cuestionar la realidad.

Entre sus obras más representativas se encuentran La persistencia de la memoria, que simboliza la relatividad del tiempo a través de relojes que se derriten; Cisnes que reflejan elefantes, que utiliza el método paranoico-crítico para crear imágenes dobles; y La tentación de San Antonio, donde aparecen sus icónicos elefantes sobre zancos.

Dalí vivió en el siglo XX, un periodo de grandes vanguardias y cambios tecnológicos donde el arte buscaba romper con lo establecido. Sus obras transmiten temas como el tiempo, los miedos humanos, el deseo y la ciencia. Nuestra obra original, titulada "El eco del tiempo", reinterpreta su estilo: presenta un objeto cotidiano en estado de metamorfosis, donde lo sólido se vuelve maleable, simbolizando cómo nuestros recuerdos transforman la realidad. La obra busca transmitir asombro de manera visual, siguiendo el espíritu provocador de Dalí.

Además de la obra, hemos diseñado un cartel artístico titulado "Dalí — La mirada del genio", que combina elementos de su icónica estética con una tipografía fluida. El cartel incluye sus colores característicos —azules celestes y tonos tierra— y símbolos que reflejan su enfoque en lo irracional. También hemos creado productos complementarios como una infografía sobre el método paranoico-crítico y un marca-páginas surrealista con la silueta de sus famosos bigotes.

Salvador Dalí es un referente del arte hispánico que nos permite explorar la relación entre lo real y lo imaginario, la tradición técnica y la innovación temática. Su obra nos invita a un diálogo vivo entre la razón y el sueño, celebrando la libertad creativa del mundo hispánico. Nuestra contribución busca reflejar este espíritu, reinterpretando su universo de manera personal y visualmente atractiva, lista para enriquecer la experiencia de los visitantes de la exposición.

David y Kaíque11°D

Aevagos

Nuestro centro educativo está en Vagos, un pueblo simpático y acogedor, cercano al mar y a varias playas preciosas.

Nuestro centro es también un Centro Náutico con sus propios barcos y piraguas  con actividades náuticas durante el curso entero. Hay tambiém museos conectados a las actividades del mar y de la pesca y hay museos de la Casa Gandareza (una casa típica de la región) y el Museu do Brincar, con muestras de juguetes de todos los tiempos y actividades para los más pequeños y los demás.

De formación a los estudiantes ofrece cursos de Ciencia y Tecnología, de Lenguas y Humanidades, de Artes, y Cursos Profesionales de Logística, Automación y Comando y Técnico de Sanidad y Cuidados de Salud.

Además contamos con varios proyectos culturales que se desarrollan a lo largo del curso:

https://mail.google.com/mail/u/1/#search/cais+de+vagos/FMfcgzQbfCBVzlmcxBCgtxSbVhnfdQKn?projector=1&messagePartId=0.1

Vagos es un pueblo muy cercano a Aveiro, la "Venecia Portuguesa", una ciudad apasionante, llena de actividades culturales y con una Universidad muy bien conectada con el mercado de trabajo.

¡Estáis todos invitados a venir y vivir experiencias inolvidables!

Podéis vivitarnos en linea aquí

https://aevagos.pt/

https://aevagos.pt/index.php/contactos