Por otro lado, me parece curioso el porqué prefirieron este tipo de material para la realización de esculturas y arquitecturas a diferencia de otros materiales. También la curiosidad analizar si el color tuvo un énfasis importante en la elección de este. Debido a que el mármol se encuentra de varias tonalidades diferentes.

Así mismo es llamativo para mí, ver cómo es la reacción del espectador del arte, no solo al ver la obra cómo tal, si no las referencias e interpretaciones que pueden influir o representar el hecho de que esa representación artística sea realizada mediante este material. 

En conclusión y haciendo un análisis más general se puede concluir que la obra es una mujer que aparentemente está en gestación o simplemente el autor quería representar el valor de la gestación en la mujer mediante su fisionomía resaltada por lo desproporcionado e hiperbólico de sus partes.
Finalmente se observa que la escultura tiene unos rasgos de desgaste físico por lo que se podría concluir con su tamaño y forma que es era una pieza de uso manual, ya sea símbolo u amuleto identificativo.

Fecha: ca. 2600–1900 B.C.
Técnica: no identificada.

Dimensions: H. 19.9 × W. 5.1 × D. 10.4 cm (7 13/16 × 2 × 4 1/8
Estilo: no identificado.
Género: No identificado.
Lugar: The Met Fifth 

Dimensiones : Overall: 2 1/4 x 5 3/4 in. (5.7 x 14.6 cm)
diameter 5 13/16in. (14.8cm)

Autor: No identificado

Fecha: Siglo XI (1063 y 1097)
Técnica: No identificado
Estilo: Romántico
Género: No identificado
Dimensiones: No encontrada
Lugar:  Francia
Referencia: https://web.archive.org/web/20141007054613/http://www.nevers.fr/st-etienne
Análisis Visual:

Autores: Cimabue y Van Eyck Jan
Fechas: 1268-71 y 1433
Técnicas: tempera on wood y Oleo sobre tabla.
Estilos: Renacimiento Italiano y Pintura Flamenca
Géneros:
Dimensiones: 336 x 267 cm y 25,8 x 18,9 cm.

Lugares: San Domenico, Arezzo  National Gallery de Londres.
Referencias: http://www.travelingintuscany.com/arte/cimabue/arezzocrucifix.htm
y
https://www.artehistoria.com/es/obra/hombre-con-turbante-rojo.
Análisis visual:
En las características formales Ya que se sabe de ante mano que las dos obras fueron realizadas a mano con un pincel  más sin embargo los materiales en los que son realizadas las obras de madera y tabla respectivamente comprenden las diferencias detalladas sobre la obra como lo son también el material la tempera y el oleo en ellas, más sin embargo el pincel con la que fueron realizadas es un poco deducible respecto a la pintura. Esto hace que las obras tengan diferencias notables en el modo en que realizan la pintura y el resultado notable de esta, por ejemplo, en la obra del Crocifisso se observan maras propias de la madera en forma de pequeñas grietas formadas a lo largo de la obra, de la que posiblemente con los años se ha hecho más notable en la pintura, más sin embargo en la obra del Hombre con turbante rojo realizada en tabla no se observa ninguna marca que resalte las características propias de la tabla por lo que solo da pie a un análisis neamente pintoresco. Por otro lado, en la pincelada de las obras se observa que en el cristo resalta en su mayoría una característica propia del autor, la cual es la pincelada curva, realizando casi en su totalidad una concavidad gruesa, esto también hace que se le denota una ligera profundidad y una curvatura excesiva en el cuerpo de la obra. Muy seguramente la realizó con un pincel relativamente grueso relacionado también con el tamaño de la obra. En la obra del Hombre con turbante se observa que la pincelada es demasiada tenue, no se alcanzan a observar un asentamiento del pincel, debido a los pequeños detalles a lo largo y ancho de la obra, con colores más llamativos a diferencia del cristo, no se denota una trayectoria de la pincelada y el movimiento acentuado es demasiado corto por sus minúsculos detalles. Por último, la composición de la pintura caracteriza una pintura uniforme, compacta, tenue y ligera, sin embargo en el cristo se observa una pintura más densa, con colores más opacos y compactos.

Es allí donde comienza con la representación de esa mujer de una forma metamórfica que son representadas con diferentes formas y un diferente formato del habitual. la obra consiste en las representaciones vio mórficas con la construcción de una porción de cuerpo orgánico. El lenguaje que se aprecia de esta obra es basado por las proporciones y lineamientos curvos de su frente y su nariz prominente además de su pecho, las cuales le dan una interpretación de la obra de sensualidad. Por otro lado, se tiene en cuenta la vida de la labor del artista según las modificaciones plásticas realizadas ahora a su voluntad tiene equilibrio de sus partes entre sí creando zonas vacías y partes sólidas, creando así una apariencia abstracta de la obra.  Además de esto se dice que el lugar (el taller) donde se encontró la hora juega un papel muy importante para la visualización y representación de la obra con la luz y la iluminación impuesta en escena, la cual crea sombras desplegadas sobre las superficies, que en este caso es el yeso.

Aunque esta hora es especial debido a el autor representa símbolos en una misma imagen como una cámara, una cama, muchas de casi su tamaño, las cuales representan el poder destructivo de estas y una mujer desnuda. Aunque la mujer yace al revés de la cama estirando los brazos hacia arriba para hacerse un retrato de sí misma la cámara está jugando un papel de un arma debido que para el autor disparar una foto puede ser comparado con disparar un arma, es decir que le da un poder al dueño de la foto que representa la fisionomía y el momento llegando al punto de hasta apoderarse de ti. Sin embargo, en la obra se representa la foto como un espejo, dándose ese poder a sí misma y al momento.

Lo anterior crea una paradoja donde la cama es un lugar arriesgado e íntimo, la joven representa la vulnerabilidad en su desnudez y en su juventud, las armas como el peligro del mundo exterior y la cámara de disparar fotos como autorreflexión.
Bibliografia:
https://www.thompuckey.com/
https://www.anniegentilsgallery.com/thom-puckey