1.      Le fonctionnement du théâtre

A l’époque de Molière, une troupe de théâtre joue en province, de ville en ville. La majorité des comédiens sont ambulants. Puis des compagnies se sont installées à Paris.

Certaines troupes bénéficient de la protection d’un noble ; par exemple pour Molière son protecteur est Philippe d’Orléans frère de Louis XIV. Grâce à lui la troupe a pu s’établir d’abord au théâtre du petit Bourbon qui partage avec une autre troupe italienne. Les deux troupes vont donc jouer en alternance. Pour la troupe de Molière ils jouent le lundi, le mercredi, le jeudi et le samedi appelés jours extraordinaires les autres jours de la semaine sont réservés à la troupe italienne. Durant l’année, la troupe de Molière fait une relâche (par exemple : Pâques 1659).

Durant cette pause les troupes renouvèlent leur répertoire avec de nouvelles pièces mais aussi s’effectuent des changements de comédiens entre les compagnies. Entre les troupes, la rivalité et la concurrence sont grandes. 

Installées dans des théâtres, les troupes ont des frais à payer pour chaque spectacle car le théâtre fait travailler de nombreuses personnes en plus des comédiens eux-mêmes : des copistes, un décorateur, un chandelier, des portiers, des ouvreuses de loges, un souffleur et mêmes des musiciens.

2.      Le moment de la journée pour les représentations

Les représentations débutent généralement à deux heures de l’après-midi afin que le spectacle soit terminé avant la tombée de la nuit, comme l’exige la loi au temps de Molière. Souvent, la troupe joue deux pièces d’affilée (une tragédie suivie d’une comédie ou deux comédies).

3.      Les lumières du théâtre

La scène et la salle sont éclairées par des chandelles. La personne en charge de la lumière est le chandelier.

4.      Le comportement du public

A cette époque, le public est assez indiscipliné ce qui peut gêner les comédiens. Pendant la représentation, les spectateurs ne restent pas silencieux : ils s’agitent, s’interpellent, font des commentaires à voix haute,… Parfois des bagarres éclatent au parterre. Le public exprime sa satisfaction en faisant un brouhaha (un bruit sourd et confus mélange de murmures admiratifs et d’exclamations de plaisir) quand il apprécie un passage de la pièce.

Source : http://esidoc.caousou.com
Nom du périodique : Virgule / Numéro 110 / Date de parution Septembre 2013

Lien image : https://www.herodote.net/_images/theatre_7.jpg
Peinture du XVIIIe s. montrant une représentation du Malade imaginaire de Molière, à Versailles, pour les fêtes de 1674.

Un texte de théâtre est composé de trois types d’énoncés qu’on peut distinguer typographiquement :
• Le texte en caractères d’imprimerie traditionnels correspond aux paroles des personnages. Ex : Achève, et prends ma vie.
(Le Cid, I, 3 Corneille).
• Le texte en capitales indique le nom des personnages en scène et notamment celui de celui qui prend la parole.
Ex : DON DIEGUE - Achève, et prends ma vie. (ibid.)
• Le texte en italique apporte des informations spatiotemporelles, c’est-à-dire relatives au lieu et au moment de l’action, mais aussi sur les gestes, les intonations, les costumes même des personnages. Ex : DON DIEGUE, mettant l’épée à la main - 
Achève, et prends ma vie.
Ces deux derniers types d’énoncés sont fréquemment
regroupés sous le terme d’indications scéniques ou
didascalies et sont particulièrement utiles aux comédiens et au
metteur en scène.

II. Une communication peu ordinaire
Hormis le fait qu’il est tantôt rédigé en vers, tantôt en prose, le texte de théâtre obéit à un système d’énonciation particulier. En effet, l’énoncé théâtral a la particularité de :
• mettre en parallèle deux émetteurs : les personnages qui parlent et le dramaturge, auteur de la pièce, qui, au travers des didascalies, organise et règle son oeuvre.
• s’adresser à trois récepteurs : les personnages auxquels d’autres s’adressent, le metteur en scène et les comédiens qui interprètent le message de l’auteur et, enfin, les spectateurs, destinataires essentiels des informations échangées sur scène.
On parle au théâtre de double énonciation.

Pour étudier la parole théâtrale, il convient d’isoler et de définir des éléments spécifiques.
• La réplique, qui correspond aux paroles qu’un personnage adresse à un ou plusieurs autres dans la pièce.
• Le dialogue, qui désigne une conversation entre deux ou plusieurs personnages et qui permet bien souvent de caractériser la nature des relations.
• Le monologue, discours dans lequel un personnage, seul en scène, s’exprime et informe le public de ses sentiments. Le monologue est une convention indispensable au bon fonctionnement et à la compréhension de la pièce. On le trouve essentiellement dans le théâtre classique et romantique.
• L’aparté (de l’italien a parte, à part) est un discours bref qu’un personnage s’adresse à lui-même, à l’insu des autres personnages présents sur scène. L’aparté figure le décalage entre ce qui est dit et ce qui est pensé par un personnage, et rend, par conséquent, le public complice.
• La tirade est une longue réplique, savamment construite et organisée, mêlant, dans des phrases complexes, arguments et interrogations.
• Le récit, rare au théâtre, désigne le discours d’un personnage racontant un événement produit dans le passé ou hors la scène. Il concerne, bien souvent, ce qui était jugé obscène pour des raisons de convenance (duels, adultères…) ou ce qui était techniquement difficilement réalisable (batailles…).
• La stichomythie est un enchaînement rapide de répliques brèves, souvent de grande intensité, qui rythme l’action. Elle simule un duel verbal et peut aller du registre comique au registre tragique.
• La sentence est une formule généralisante qui, du fait de son universalité, se détache du discours.
Ex : A vaincre sans péril, on triomphe sans gloire. (Le Cid, II, 2)
• Le quiproquo (du latin quid pro quod, quelque chose pour quelque chose d’autre) se fonde sur un malentendu, une méprise, qui fait prendre un personnage, un objet, une parole, pour un autre. Il est fréquemment à l’origine de situations comiques.

Au XVII^e siècle se mettent en place les principes théoriques de la dramaturgie classique, dominée par la séparation des genres et le respect des règles. Un hiérarchie des genres théâtraux se met en place dans laquelle on distingue :
• La tragédie (du grec bouc, en référence à l’animal qu’on sacrifiait) met en scène des personnages nobles et héroïques placés face à des obstacles voulus par la fatalité dans une action dont le dénouement sera malheureux. La tragédie vise à émouvoir en suscitant admiration et pitié chez les spectateurs. Racine et Corneille (XVIIe) sont considérés comme les deux grands tragiques français.
• La comédie met en scène des personnages souvent stéréotypés qui provoquent le rire dans des actions entravées par des obstacles dus, non plus à la fatalité, mais aux moeurs et aux caractères. On distingue 4 grands types de comiques : le comique de gestes, celui de mots, le comique de situation et celui de caractères. Molière est le grand auteur comique français.
• D’autres sous-genres théâtraux existent aussi tel que le drame romantique (qui rejettent les règles classiques et présente la complexité humaine), le drame bourgeois (à visée morale), le vaudeville, le mélodrame et le théâtre de l’absurde (au XX^e siècle).

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