그림소개하기(1-7) by Jinhan Lee

yggsrn — 2021-09-29 01:18:23 UTC

피에트 몬드리안ㅡ<빨강,파랑,검정,회색,노랑>

yesyou — 2021-09-30 02:29:19 UTC

이삭 줍는 사람들 (여인들)

2021-09-30 02:29:49 UTC

최후의 만찬-레오나르도 다 빈치

2021-09-30 02:29:59 UTC

최후의 만찬은 레오나르도 다 빈치가 그의 후원자였던 루도비코 스포르차 공의 요청으로 그린 그림이다. 이 작품은 가톨릭 성경에 등장하는 예수의 마지막 날의 최후의 만찬의 정경을 그린 것이다. 그림은 밀라노에 있는 산타 마리아 델레 그라치에 성당 수도원의 식당 벽화로 그려진 것으로, 가로 880cm, 세로 460cm 작품의 거 한 레오나르도는 1495년부터 제작에 착수하여, 1498년에 완성했다. 대부분의 작품이 미완성이라고 불리는 레오나르도의 그림에서 몇 안되는 완성된 작품의 하나이지만, 가장 손상이 심한 그림으로도 알려져 있다
그의 과학적 연구가 회화에 응용된 이 그림은 석고에 유채로 그렸기 때문에 그의 생존중에 파손되었다. 원형의 미는 성 필리포 등의 제작 과정을 보여 주는 소묘에 의존하여 파악해야 한다. 그가 얼마나 철저하게 초기 르네상스의 양식을 개혁하였느냐 하는 것은 카스타뇨와 기를란다요의 같은 제목의 벽화와 비교하면 확연히 알 수 있다. 레오나르도는 간결하게 그 중심 과제에 육박하였고 또한 극적인 것이다. 그러나 구도나 소묘 같은 기술적 문제뿐만 아니고, 그가 인간의 행동과 정신적 반응에 보여 준 깊은 통찰력은 그의 이전에는 볼 수 없었던 현상이다. 화면의 초점은 원근법에 따라서 정확하게 그리스도의 머리 부분에 맞추어 그가 시각상의 중심점을 차지한다. 제자들은 전술한 네 패로 정리되어 전화면이 완전히 육체적·정신적 통일체를 이룩한다. 인물은 전형인의 표현이며 평소 그가 연구한 소묘의 무수한 초상에서 추상하여 보편화한 것이다.
출처: 위키백과

최후의 만찬은 레오나르도 다 빈치가 그의 후원자의 요청으로 그린 그림입니다. 가로 880cm, 세로 460cm 작품이며 1495년에 시작하여 1498년에 완성한 그림입니다. 이 그림은 당시 혼란스러운 상황이 잘 표현되어 있습니다. 그리고 조사 하면서 놀랐던 점은 레오나르도 다 빈치의 작품 중에 완성작이라 불리는 그림이 별로 없다는 것 이였습니다. 그리고 이 최후의 만찬이 그 몇없는 완성작이라 불리는 그림인데 그런 그림이 현재는 많이 훼손되어 아쉬웠습니다. 앞으로 이런 좋은 그림들이 훼손되지 않았으면 좋겠습니다.

오귀스트 르누아르 - 피아노를 치는 소녀들

2021-09-30 02:30:20 UTC

클로드 모네- 양산을 든 여인

2021-09-30 02:32:46 UTC

2021-09-30 02:34:16 UTC

파블로 디에고 호세 프란시스코 데파울라 후안 네포무세노 마리아 데로스레메디오스 시프리아노 데라산티시마 트리니다드 루이스 이 피카소-한국에서의 학살

2021-09-30 02:34:26 UTC

1951년 한국전쟁을 모티브로 한 <한국에서의 학살>이라는 그림도 그렸다. 흔히 노근리 양민 학살 사건 혹은 신천 양민 학살을 주제로 했다고 하나 확실하지는 않다. 하여간 6.25전쟁의 참상을 고발하기 위해 그린, 게르니카와 함께 그의 대표적인 반전 작품 하나로, 당시 '미군을 학살자로 묘사했다'는 주장도 생기는 바람에 한국에선 80년대까지 금지 예술품이기도 했다. 물론 누가 누구에게 했든 학살은 학살이다. 브루스 커밍스의 저서 <한국전쟁의 기원>은 표지에 이 그림을 쓰고 있다. 프란시스코 고야의<마드리드, 1808년 5월 3일>, 에둘아르 마네의 <막시밀리안의 처형>의 구도를 참고해서 그렸다고. 이걸 가지고 조선일보는 해당 그림이 6.25 전쟁의 허위선전물이라고 주장했다.

출처-나무위키

나의 생각은 유명한 화가가 우리의 전쟁을 그릴만큼 얼마나 스케일이 컸는지 짐작 할수있었다.
그림을 보고 느낀점은 국민들이 전쟁을 하면서
저렇게 위협 받고 총으로 무자비하게
쏴 죽는것을 알아서 무척 마음이 아팠다.
다시는 이런 비극이 일어나지 않았으면 좋겠다.

존 에버렛 밀레이-오필리아

2021-09-30 02:34:48 UTC

에드바르트 뭉크

2021-09-30 02:36:13 UTC

김홍도-서당도

2021-09-30 23:36:30 UTC

김홍도는 1745년에 태어났다.그의 집안은 하급 무관이 대대로 출사하던 무반 가문이였다.김홍도가 태어나던 시기에는 신분이 중인으로 떨어진 상황이었다.이후 강세황의 천거로 도화서 화원이 되었다.그의 대표적인 작품으로는 '씨름' '서당도' 등이 있다.그중에서 서당도이라는 그림은 18세기에 제작되었다.나는 이 그림을 보고 굉장히 인상적이게 느꼈다 .훈장님께 혼나는 학생의 모습이 오늘날 숙제를 안해온 학생을 연상케 하였고,훈장님의 모습은 학생을 꾸짖는 선생님의 모습을 떠오르게 하였기 때문이다.이상으로 이 글을 마친다

2021-10-01 00:11:42 UTC

yggsrn — 2021-10-01 00:13:18 UTC

yggsrn — 2021-10-01 00:14:57 UTC

yggsrn — 2021-10-01 00:16:06 UTC

kt01043196693 — 2021-10-01 00:16:57 UTC

2021-10-01 00:18:02 UTC

yggsrn — 2021-10-01 00:18:04 UTC

밤의 카페 테라스는 1888년 빈센트 반 고흐가 그린 그림이다. 반 고흐는 1888년 9월에 프랑스에서 그림을 그렸다.차가운 느낌의 밤하늘과 따뜻한 느낌의 노란색이 대비를 일으켜 고흐가 사랑했던 아를의 포룸 광장의 밝게 빛나는 밤에 도시를 표현하였다

2021-10-01 00:19:55 UTC

yggsrn — 2021-10-01 00:20:39 UTC

이 그림은 레오나르도 다 빈치가 그린 초상화 입니다

kt01043196693 — 2021-10-01 00:25:41 UTC

유채(油彩) 패널화로 크기는 세로 77㎝, 가로 53㎝이다. 프랑스 루브르미술관에 소장되어 있다. 이그림을 만든 년도는 1503~1506년 이 작품은 부인의 나이 24~27세 때의 초상이며, 레오나르도가 프랑스의 프랑수아 1세의 초청을 받았을 때 이 미완성의 초상화를 가지고 갔었는데, 왕에게 4,000에큐에 팔려 퐁텐블로성(城)에 수장되었다.

피트몬드리안.

yesyou — 2021-10-01 00:27:48 UTC

1872,3,7 아메르스포르트 출생
1944,2,1 폐렴으로 뉴역에서 사망

직업: 화가,예술가,데생화가,제도사,삽화가,애칭화가 이다.

사조: 후기 인상주의,더스테일,상징주의

부모: pieter Cornells Sr. ,요한나 크리스티나 드 콕

_{^{형제자매:}}~~_{^{요한나 크리스티나 몬드리안, 윌렘 프레데딕 몬드리안,카렐 몬드리안, 루이스 몬드리안}}~~

^{이그림은 피트몬드리안 작가의 피에트 몬드리안이라는 작품입니다. 이 그림은}¹⁹²⁹^{년에 만들어진 그림입니다.피에트}^{몬드리안의 유명한 신조형주의적인 그림들은 강렬히 추상성이 특징이 였습니다.
피트몬드리안작가 의 그림이 주 된 ☆}^{빨강 ,노랑,파랑}^{☆ 등의 원색을 가진 직사각형 면과 그와 섞인 흰색 검은색면, 그리고 검은색 선들입니다. 이런 형태를 중요하게 다룬 신조형주의가 추구한 양식의 두그러진 특징이 되었습니다.}

2021-10-01 00:27:55 UTC

프랑스의 화가인 클로드 모네(1840~1926)

클로드 모네가 그린 양산을 든 여인은 1875년도에 만들어 졌습니다. 이 그림은 색감이 조화롭고, 밝은 느낌의 그림입니다그림 속의 양산을 든 여인은 모네의 첫번째 아내였다고 합니다 그 옆엔 그의 두번째 아내의 딸입니다, 그러나 자궁암으로인해 모네의 첫번째 아내는 세상을 떠나게 되고 모네는 아내의 죽기 전 모습도 화폭에 담아두었다고 합니다 양산을 든 여인 이라는 그림을 그릴때 모네는 정말 행복했다고 합니다, 양산을 든 여인을 보면 무엇이 떠오르시나요? 저는 양산을 든 여인을 처음 보았을때 예쁘다는 생각이 들었습니다. 휘날리는 드레스, 초록초록한 초원, 맑은 하늘을 보고 있으면 마음이 따뜻해지는 기분입니다

2021-10-01 00:33:33 UTC

빈센트 반 고흐-아를르의 포룸 광장의 카페 테라스
이 그림의 제목은 <아를르의 포룸 광장의 카페 테라스>입니다. 이 그림은 네덜란드의 화가 빈센트 반 고흐가 1888년에 제작한 작품입니다.
이 작품은 캔버스에 유채를 사용했습니다.
빈센트 반 고흐는 자신이 감정적으로 강하게 애착을 느꼈던 풍경이나 자신과 관계 있는 인물과 대상들을 작품의 소재로 삼곤 하였습니다. 이 작품은 검은색을 전혀 사용하지 않고 밤을 표현하고 있으며 레몬 빛깔에 가까운 노란색으로 카페의 차양을 채색하고 있습니다.

2021-10-01 00:41:53 UTC

이삭줍는 사람들은 1857년에 그려진 프랑수아 말레의 대표작중 하나 입니다 이 작품은 막바지에 접어든 추수의 현장을 그린 것으로 화면의 오른쪽에 보는 농부들우 마무리 작업이 한창입니다 그러나 화면 앞쪽에서 이삭을 줍고 있는 사람들은 풍요로운 현실과 동딸어져 있습니다 사실 이들은 농장에 고용된 사람들이 아닙니다 이들은 지방관청의 허가를 받아 추수가 끝난 후에 들에 남아 있는 낟알들을 주워가는 사람들입니다 이 일은 오로지 손으로 일일이 주워야 하는 고된 노동이다 게다가 먼저 추수한 사람들이 거의 모든 곡식을 수확한뒤 그루더기만 남겼기 때문에 가난한 이들의 현실은 우울하기 만합니다 아마도 이삭을 줍는 이들은 농업에 종사하는 노동자들 중에서도 가장 비천한 일꾼에 속했을것입니다

출처:네이버 지식백과,미술문화 출판사

레오나르도 다 빈치-모나리자

2021-10-01 00:42:47 UTC

빈센트 반 고흐<오베르-쉬르-우아즈의 교회>

2021-10-01 00:42:51 UTC

별이 빛나는 밤-빈센트 반 고흐

junmo546 — 2021-10-01 00:43:19 UTC

이 그림에 이름은 (별이 빛나는 밤)입니다.
이 그림은 빈센트 반 고흐가 1889년에 유채화로 그린 그림입니다.
배경은 프랑스에 이를이였다. 고흐랑 고갱은 예술관의 차이가 있다 갈등은 날이 갈수록 커졌다. 고갱은 고흐에게 "돈도 못 버는 화가" 라며 비판했고 고흐는 고갱에게 "돈만 아는 화가" 라며 응수했다. 결정적인 사건은 한 카폐에서 발생한다. 카폐 주인 마담 지누를 고흐와 고갱이 전혀 다르게 묘사한 것이다. 서로 차이를 받아드리지 못한 이들은 또 갈등한고 고흐는 분을 참지 못하고 자신의 귀를 잘라버린다. 그 후 마을에서 정신병자로 취급받자 생 레미 요양원에서 요양하며 느꼈던 정신적 고통을 소용돌이로 묘사했다고 한다.

밤하늘에 별이 떠 있는 모습으로, 이 작품에 쓰인 특유의 화법은 이후 지금도 다른 화가들에 의하여 많이 사용되고 있다.

지금은 뉴욕 현대미술관에 전시되어있다.

출처:네이버 나무위키 별이 빛나는 밤

제가 별의 빛나는 밤을 보고 든 생각은 반 고흐가 정신병자 취급 받자 정신적 고통을 소용돌이로 묘사한게 조금은 무서웠다

2021-10-01 00:45:53 UTC

이 작품은 셰익스피어의 <햄릿> 의 등장하는 비극의 여주 오필리아를 묘사한 그림이며

오필리아가 사랑하는 햄릿이 실수로 오필리아의 아버지를 죽이고 미쳐 방황하다가 꽃을꺽고 물에 서서히 빠져 죽게 된 장면이다

이때 오필리아가 들고있던 꽃은 팬지꽃으로 뜻은 ‘허무한사랑을 의미하고

배경 속 나무는 버드나무로 버림받은 사랑을 의미한다

처음 이 그림을 봤을때는 그저 아름다운 소녀가 아름다운 꽃을 들고 강에 누워있는 말그대로 그저 아름다운 한 그림인 줄
알았으나

실제 그 그림의 배경과 뜻을 알게 된 후에는 약간 슬프기도하고 소름끼치기도 했다.

2021-10-04 13:29:24 UTC

이 그림은 1882년에 모네에 절벽 위에 산책이라는 그림이다 모네에 절벽 위에 산책이 보여주는 건 파리의 끝에 서서 바다를 봐라보고 있는 파리지맹의 시선이다
이 그림이 보여주는 화사한 색감과 현란한 빛에 흐름은 이렇게 역동하는 파리에 발전과 거기에서 살아가는 여유로움을 암시하고 있다
노란색 분홍색 화사한 색들과 시원해보이는 하늘색 초록색이 어우러져 있어 따뜻한 느낌을 낼수있다

2021-10-05 05:42:12 UTC

해바라기 그림은 유명한 화가 빈센트 반 고흐가 그렸다. 종류는 회화이며 기법은 캔버스에 유채다.
현재 이 그림은 반 고흐 미술관에 보관되어 있다.
반 고흐의 해바라기 그림들은 그의 작품 중 가장 유명한 시리즈 중 하나다. 고흐는 프랑스 남부의 아를에서 1888년과 1889년에 걸쳐 해바라기 작품들을 그렸다. 총 다섯 개의 큰 캔버스에 화병에 꽂힌 해바라기들을 그렸는데, 세 종류의 노란색 외에는 '아무것도 사용하지 않았다. 제가 이 사실을 알았을때는 정말 신기하고 놀라웠었다. 화가는 이를 통해 단일 색상의 다양한 빛깔을 사용해 표현의 다양성을 잃지 않는 작품을 만들어내는 것이 가능하다는 것을 증명했다.
고흐 또한 해바라기 그림들을 특별하게 여겼다. 제가 이 그림을 보고 느낀점은 자세히 볼수록 신기한 그림인 것 같습니다. 한 가지의 모양이 아닌 여러가지 모양으로 해바라기를 그린것에 대해 정성이 더 들어간것 같습니다. 여기까지 해바라기에 대한 설명이었습니다

2021-10-05 05:48:06 UTC

이 그림은 “아를의 반 고흐의 방” 입니다 1888년 10월 중순에 아를에서 그려진것으로 반 고흐가 ‘남프랑스 아틀리에’라는 예술가공동체 구성을 위한 프로젝트를 준비하면서 고갱이 오기를 애타게기다리던 시기이다고흐는 네덜란드의 화가로 아직까지 유명하게 남아있습니다

2021-10-05 05:48:30 UTC

이 그림의 제목은 빈센트 반고흐의 노란집입니다. 이 그림은

유황색 태양 아래 순수한 코발트 빛 하늘과 노란집 조화가 산뜻해 보여서아름다웠습니다.

이 그림은 고흐가 1888년 5월 역에서 가까운 라마르트 광장에 집을 빌렸고 반고흐가 이 집에 살기 시작한지 얼마 되지 않은 1888년 9월 말에 그린것입니다. 또 화면 오른쪽 안으로 진행하는 몽마주르 거리로 눈을 돌리면기차가 보입니다.

그 기차는 실제로 아를 역으로 향하고 있기때문에 브르타뉴에 있는 고갱을 집으로 오도록 하기 위해 그렸다고 합니다.

이 그림은 <피아노를 치는 소녀들>입니다. 프랑스의 인상주의 화가 르누아르의 작품으로, 피아노를 연주하며 즐거운 시간을 보내고 있는 두 소녀의 모습이 담긴 작품입니다. 1892년 작으로 가로 116cm, 세로 90cm 크기의 그림으로, 따스한 색감을 사용하여 보는 이들의 마음을 따듯해지게 합니다. 인물을 섬세하고 부드럽게 표현하는 것은 르누아르 후기 작품의 대표적인 특징입니다. 이는 배경과 인물이 서로 잘 어우러지게 합니다. <피아노를 치는 소녀들>은 르누아르가 처음으로 정부로부터 의뢰받은 그림으로 마지막까지 손을 보며 공들여 그린 그림입니다. 이 그림을 보았을 때 당시 부유층들의 호화로운 삶을 과시하는듯한 느낌을 받았습니다. 섬세한 붓터치로 그려진 덕에 금방이라도 피아노 소리가 들릴 것 같습니다.

2021-10-05 05:49:29 UTC

2021-10-05 05:49:51 UTC

이그림의제목은<별이빛나는밤>이다.이그림을보았을때
편안한느낌이들었다.이작품은반고흐가1889년에그린그림이다.
고흐는37년의 짧은 삶을 산 빈센트 반 고흐는 오랜 우회의 길을 걷다가 27세가 되던 1880년에야화가의 길에 들어, 불과 10년의 작품생활 끝에 회화사를 빛내는 숱한 명작을 남겼다.

2021-10-05 05:51:48 UTC

레으나르도 다빈치 그림

2021-10-05 05:54:38 UTC

-고흐, <꽃핀 복숭아나무>(1888,유화) -

2021-10-05 05:57:28 UTC

yggsrn — 2021-10-05 05:57:44 UTC

피에트 몬드리안

yesyou — 2021-10-05 05:58:17 UTC

https://피에트.몬드리안

피에트 몬드리안은

세 가지 기본적인 색채는 노랑,빨강,파랑 입니다
노랑은 빛에 움직임이고, 파랑은 노랑과 대하는 색채이고.
색에 있어서 파랑은 창공이고, 선이며 수평을 이룬다.
빨강은 노랑, 파랑과 짝을 이룬다
노랑은 빛을 바라고, 파랑은 뒤로 후퇴하고,빨강은 위로 떠오른다.

느낀점.피에트 몬드리안은 그냥 볼때 되게 단순해 보이지만. 한쪽으로는 정이 들여 만들어 졌다는게 느껴졌고 기본적인 삼원색이 그림에 들어가 더 눈에 잘 띄어 보였습니다.

2021-10-05 05:58:41 UTC

이 그림은 빈센트 반 고흐의 <오베르-쉬르-우아즈의 교회>라는 작품입니다. 어두운 분위기와 출렁이는 듯한 그림이 마음에 들어서 고르게 되었습니다. 이 그림을 그린 화가인 고흐는 말년에 파리 외곽의 오베르에 정착하여 두어 달 동안 약 70여 점의 유화를 그렸습니다. 이 그림은 밀레의 작품<그레빌의 교회>를 참고하였고, 1980년에 그려졌습니다. 고흐는 이 시기에 보색을 많이 사용하는 등 이전의 색채에서 벗어난 그림을 그렸습니다. 그림의 교회 앞쪽으로는 꽃이 핀 초목과 햇빛을 받아 반짝이는 모래가 있는데, 초목과 모래의 표현은 작은 붓질로 강조되어 전체적으로 강한 에너지를 느끼게 해줍니다.

yggsrn — 2021-10-05 05:58:47 UTC

yggsrn — 2021-10-05 05:59:40 UTC

2021-10-05 05:59:53 UTC

입체파 화가 파블로 피카소가 그린 <우는여인을> 봤을 때 복잡해보이고 얼굴이 일그러진 여인의 모습이 눈에 띄어서 기억에 남았습니다. 이 작품 속 여인은 왜 울고 있는 걸까요? 이 작품은 에스파냐 내란을 주제로 전쟁의 비극성을 표현한 피카소의 대표작 <게르니카>의 습작에서 시작되었습니다. 그러니까 이 작품 속의 여인은 전쟁의 비극을 통한 여인들의 슬픔을 상징화한 것이죠. 피카소는 우는 여인의 얼굴을 입체적으로 분해한 뒤 재조립하는 피카소 특유의 표현법으로 그렸습니다. 또한 배경의 검은색 속에서 선명하게 얼굴과 손이 부상하고 있습니다. 눈물을 그린것도 사실적인 것을 피하고 추상적이며, 흐르는 것이 아니라 튀어나오는 듯이 표현되고 있습니다. 마치 아동화처럼 소박하고 상징적이게 표현한 피카소의 걸작 중 하나입니다.

네덜란드의 튤립 밭-클로드 모네

2021-10-05 06:03:00 UTC

2021-10-05 06:03:14 UTC

1986년 작업한 ‘센강의 아침’은 지베르니에서 아침 일찍 출발해 엡트강과 센강의 합류 지점에서 방수복을 입고 그린 걸작이다. 야외에서 캔버스를 펼치고 풍경을 보면서 그리는 ‘앙플레네르(en plein air)’ 기법을 활용해 동이 틀 무렵 센강 줄기에서 번지는 빛의 파장을 생동감 있게 포착했다. 강물의 아름다운 모습보다는 시시각각 변하는 강변 풍경의 순간적인 인상을 거칠게 붓질했다. 화면 전체를 아우른 옅은 빛 속에 주변 녹음을 녹일 듯이 하나로 통합했다. 화면은 빠른 붓놀림과 거친 터치로 구성됐고, 빛은 화면에서 물감의 발색으로 다시 태어났다. 그가 내세운 ‘빛은 곧 색채’라는 원칙을 고스란히 드러낸다.

이 그림은《 네덜란드의 튤립 밭》이고 그림의 색채와 그림이 맘에들어 이 그림을 선택했다. 《네덜란드의 튤립밭》은 네덜란드의 풍경을 담은 모네의 작품 가운데 가장 화려한 것으로, 훗날 표현주의 등 21 세기 초 예술 사조들을 예견하는 듯하다.또 붉은 색을 주조로 한 강렬한 색채를 사용하고, 튤립 밭이 시선을 끌 수 있도록 하늘을 배치함으로써 네덜란드 풍경이 지닌 광활함을 고스란히 담아내고 있다. 이 그림을 그린 화가는 클로드 모네 이고 프랑스의 인상파 화가로 불린다.그리고 팔레트 위에서 물감을 섞지 않은 인상 파기법의 한 전형을 개축하였다

2021-10-05 06:03:33 UTC

절규

2021-10-05 06:06:23 UTC

에드바르 뭉크
제작년도 1893

화가의 절망적인 심리 상태를 역동적으로 움직이는 것처럼 보이는 붉은 구름으로 나타내었으며, 화면 하단에서 비명을 지르고 있는 인물은 마치 유령과 같은 모습을 하고 있는데, 뭉크는 깊은 좌절에 빠진 사람을 극적으로 표현하기 위해 이와 같은 형태의 왜곡을 하였다고 합니다.

2021-10-05 06:13:08 UTC

이 그림을 보고 든 생각은 구조물이 조금 휘어져있어 어지럽게 느껴진다 하지만 칠해진 색이 따듯해 보인다

2021-10-05 07:25:03 UTC

세로 60㎝, 가로 49㎝이다. 캔버스에 오일로 그려졌다. 프랑스의 입체파 화가 피카소 작품이다. 피카소는 91년간의 생애 중 80여 년을 미술에 바친 대가로서, 회화·조각·소묘·도자기 등 다양한 분야에서 많은 작품을 남김으로써 20세기 현대미술의 발전에 크게 이바지하였다.이 작품은 에스파냐내란을 주제로 전쟁의 비극성을 표현한 피카소의 대표작《게르니카 Guernica》의 습작에서 시작되었다. 피카소는 이 주제에 매료되어 《게르니카》를 완성한 후에도 여러 점을 제작하였다. 즉, 여인들에게 많은 변화를 주어 작품을 만들었는데, 《잠자는 여인》 《춤추는 여인》 《독서하는 여인》 《거울을 보는 여인》 《포옹하는 여인》 등 그 변화는 매우 다양하다.전쟁의 비극을 통한 여인들의 슬픔을 상징화한 작품으로, 울고 있는 여인의 얼굴을 입체적으로 분해한 뒤 재조립하는 피카소 특유의 표현법으로 제작되었다. 배경의 검은색 속에서 선명하게 얼굴과 손이 부상하고 있다. 눈물을 그린 것도 사실적인 것을 피하고 추상적이며, 흐르는 것이 아니라 튀어나오는 듯이 표현하고 있다. 마치 아동화같이 소박하고도 상징적으로 표현한 피카소의 걸작 중의 하나이다.이 작품의 모델은 에스파냐내란이 한창 진행 중이던 시절에 만난 피카소의 다섯번째 연인 도라 마르이다. 사진작가이자 화가로도 활동했던 도라 마르는 《게르니카》을 그리는 데 많은 영감을 주기도 한 인물이다.

빈센트 반 고흐(1853 ~1890)

2021-10-06 14:38:46 UTC

빈센트 반 고흐는 기구한 삶으로 서른일곱 해의 짧은 생 자체가 전설이 된, 네덜란트가 낳은 최고의 화가
이다.
이 그림은 1888년에 그린 (론 강 위의 별이 빛나는 밤)이다.
빈센트 반 고흐는 유난히 별을 좋아했다.
파리를 떠나 아를에 도착한 고흐는 론 강의 밤 풍경에 깊이 매료되면서 이 그림을 그리게 되었다고 한다.

2021-10-07 02:01:06 UTC

위 그림은 고흐 의 꽃이 핀 복숭아 나무 입니다 이 작품 은 1888 년 봄에 그려 진 그림 입니다.

반 고흐가 일본의 기후와 유사한 아를 지방 에 옮겨온 그해 봄에 그렸고.

아를 은 프랑스의 프로방스 지역에 있는 부슈뒤론주에 위치한 도시이다.

그는 과수원 을 주제 로 수많은 그림 을 그렸습니다.

반 고흐 는 화려하고 커다란 꽃망울 을 지닌 장미나 목단보다는 하나보다 무더기로 모여 흐트러져 있을때 더욱 아릅답다고 느껴지는 라일락이나 배꽃, 아몬드 꽃, 그리고 복숭아 꽃과 자잘한 꽃들과 나무 그림을 많이 그렸습니다

기법은 캔버스에 유채 이며
유화물감 대신 아크릴이라는 수용성 안료를 사용하여 그린 그림이다

한우림

2021-10-07 02:05:47 UTC

모나리자는 레오나르도 다 빈치가
만든 작품입니다
모나리자의 사용한 기법은 콘트라포스트 기법,
스푸마토(공기원근법) 기법 등이 쓰였다
그리고 모나리자의 그림에서 시대적배경을
찾을 수 있다
모나리자의 특징으로는 이 초상에는 처음부터 눈썹이 없었다는 것이 확인되었는데, 그것은 당시 넓은 이마가 미인의 전형으로 여겨져, 여성들 사이에 눈썹을 뽑아버리는 일이 유행했기 때문입니다
제가 이 그림을 보며 느낀점은 그 시대의
배경을 잘 표현했다고 생각합니다

2021-10-07 02:08:55 UTC

2021-10-07 02:09:09 UTC

2021-10-07 02:20:39 UTC

2021-10-07 23:46:22 UTC

2021-10-07 23:46:28 UTC

모네의 <수련>연작 중 이 작품은 대형 크기로 제작된 작품으로, 모네의 후기 작업의 경향을 보여주고 있다. 모네는 이 작품에서 밝은 색채를 띄는 물감을 사용하여 수련의 꽃과 잎사귀를 커다랗게 채색하고, 붓을 대담하고 넓게 사용하여 강한 필치는 확대된 캔버스를 빠르게가로질러 형상을 나타내고 있다.

캔버스는 크게 세로로 이등분 되어 있는데, 좌측에 어두운 색채의 버드나무 잎이 전면을 차지하고 있다. 또한 아래쪽에 표현된 버드나무잎사귀는 실제 잎이 아닌, 수면에 반사된 형태임을 알 수 있는데, 실제 잎과 반영 사이의 구분이 모호하게 처리됨으로써 버드나무 잎이 캔버스에 전면을 대부분 가리고 있는 것처럼 느껴진다. 물 위의 연꽃을 통해 원근감이 표현되었지만, 화면의 절반 이상을 차지하고 있는 버드나무 잎이 이 원근감을 흐리게 하며, 작품 전체의 평면적인 느낌을 나타내는 특징이 있다. 세로로 늘어져 있는 버드나무 잎의 표현을 자세히 보면 녹색 잎 위로 수면의 파란색이 나중에 그려진것을 찾을 수 있는데, 이를 통해 수면을 그린 후에 버드나무 잎을 그 위에 덧칠한것이 아니라, 버드나무 잎과 수면이 동시에 표현된 것을 알 수 있다.

모네는 이 작품을 물, 꽃, 잎, 나무 등이 빛과 어우러져 나타나는 색채를 연구하기 위해 그린 실험작품으로 이 작품을 장식적인 작품으로여기지는 않았다. 즉, 이 작품은 그의 작업방식이 크게 변화하는 과정에서 필요로 했던 도전적이고 실험적인 방식의 작품인 것이다.