Domaines du champ des questionnements plasticiens

Domaines de l’investigation et de la mise en œuvre des langages et des pratiques plastiques :

• La représentation, ses langages, moyens plastiques et enjeux artistiques. Rapport au réel : mimesis, ressemblance, vraisemblance et valeur expressive de l’écart ;

• La figuration et l’image, la non-figuration. Figuration et construction de l’image : espaces narratifs de la figuration et de l’image, temps et mouvement de l’image figurative.

Domaines de la présentation des pratiques, des productions plastiques et de la réception du fait artistique :

• La présentation de l’œuvre. Sollicitation du spectateur : stratégies et visées de l’artiste ou du commissaire d’exposition ou du diffuseur (éditeur, galeriste, etc.)

Domaines de la formalisation des processus et des démarches de création : penser l’œuvre, faire œuvre :

• L’idée, la réalisation et le travail de l’œuvre. Projet de l’œuvre : modalités et moyens du passage du projet à la production artistique, diversité des approches.

Champ des questionnements artistiques interdisciplinaires

• Liens entre arts plastiques et cinéma, animation, image de synthèse, jeu vidéo. Animation des images et interfaces de leur diffusion et de réception.

Champ des questionnements artistiques transversaux

• L’art, les sciences et les technologies : dialogue ou hybridation.

(l’île d’ALcatraz est située au large de la Baie de San Francisco, EU, et a servi de bagne jq 1963. Ai Weiwie est un artiste dissident - qui s’est publiquement opposé à l’Etat chinois et qui a été arrêté et emprisonné, puis relâché sous la pression internationale, en 2011.

Etant interdit de circulation par l’Etat chinois en 2014, il a fait réaliser cette oeuvre à distance)

https://www.artshebdomedias.com/article/081214-ai-weiwei-san-francisco-la-liberte-defie-alcatraz/

Les Magiciens de la terre, organisée par le Centre Pompidou mais exposée dans le Grand Hall de la Villette, du 18 mai au 14 août 1989, Paris

https://www.centrepompidou.fr/fr/programme/agenda/evenement/c5eRpey

Christian Boltanski, Personnes, Monumenta, Grand Palais, Paris 2010

(CB est un artiste français reconnu pour ses installations utilisant des photos d’archives et des vêtements usagés par lesquelles il tente d’évoquer les notions de souvenir, de mémoire et d’histoire).

https://www.grandpalais.fr/fr/evenement/monumenta-christian-boltanski

Dynamo, Un siècle de lumière et de mouvement dans l’art, 1913-2013, 10 Avril 2013 - 22 Juillet 2013 au Grand Palais, Paris

https://www.grandpalais.fr/fr/article/dynamo-lexposition-lumineuse-et-dynamique

Joan Fontcuberta, Fauna, Musée de Zoologie de BArcelone, 1985

ekladata.com/lzSoZFqXYs8YcmAwnIMmzRBtkZY/Joan-Fontcuberta.pdf

Inside, exposition collective, Palais de Tokyo, du 19 octobre 2014 au 10 janvier 2015, Paris

https://palaisdetokyo.com/exposition/inside/

Jeff Koons au Château de Versailles, 2009

https://www.chateauversailles-spectacles.fr/page/jeff-koons-a-versailles_a201/1

(Depuis 2008, les espaces du Domaine de Versailles s'ouvrent à l'art contemporain, en invitant un artiste reconnu à investir et à se réapproprier les lieux, avec des oeuvres déjà réalisées ou des oeuvres réalisées in situ)

Tomas Saraceno, ON AIR, Palais de Tokyo, du 17 octobre 2018 au 6 janvier 2019

https://palaisdetokyo.com/exposition/carte-blanche-a-tomas-saraceno/

Donc le travail c’est de choisir UNE des expositions de l’artiste et :

dire pourquoi vous avez choisi cette exposition-LA

Déterminer dans quel texte thématique vous la classeriez :

• L’Artiste et la société

• Arts, sciences et technologie

Mondialisation de la création artistique

Et :

- dessiner ce que vous pouvez du plan de l’exposition

dessiner la scénographie d’une oeuvre phare (dispositif de présentation, monstration à un large public > les choix faits pour « accrocher »/ présenter l’oeuvre, la faire apparaitre dans l’espace, son dialogue ou son isolement avec d’autres oeuvres, la stratégie de circulation du spectateur, le moment où l’on découvre l’oeuvre

comment l’expo commence et comment elle finit

déterminer les réactions du public (à votre avis)

Et ensuite,

choisissez une oeuvre du même artiste, qui est moins célèbre à votre avis,

et utilisez-la dans un projet d’exposition innovant

que vous dessinez

Auquel vous donnez un titre

Pour lequel vous avez défini :

le titre

le parcours d’exposition (qu’est-ce qu’on commence à voir, quelles oeuvres voit-on, dans quel ordre, et pourquoi)

le choix d’oeuves du même artiste ou non associées

la stratégie de présentation (la scénographie)

Diviser le texte en 3 parties

Souligner les mots clés.

Définir les mots clés sur une feuille.

Préparation de l'épreuve : 30 min

Durée de l'oral : 30 min

1. Vous choisissez 4 oeuvres que vous maîtrisez bien (vous êtes capables d'en parler pendant 5 minutes) dans cette liste et vous venez avec les reproductions à l'oral.

2. Le jury en choisit une, ainsi qu'une des 3 oeuvres du programme limitatif.

3. Vous préparez une analyse de l'oeuvre 1 puis de l'oeuvre du programme limitatif. C'est mieux si vous les mettez en relation avec le questionnement du programme (qui est là pour aider).

4. Vous faites une analyse de l'œuvre 1 (7min) suivie de 8 min de questions du jury puis une analyse de l'œuvre 2 (prog limitatif) suivie de 8 min de questions.

Documenter ou augmenter le réel

• Joseph Vernet (1714-1789), La ville et la rade de Toulon, deuxième vue, le port de Toulon, vue du mont Faron, 1756, huile sur toile, H. : 165 cm, L. : 263 cm, Paris, musée du Louvre ;

• Andreas Gursky (1955-), 99 Cent, 1999, tirage : 5/6, photographie, épreuve couleur sous Diasec, épreuve chromogène, 206,5 x 337 x 5,8 cm (197 x 327 cm hors marge), Paris, Musée national d’art moderne (MNAM).

Nature à l’œuvre

• Rosa Bonheur (1822-1899), Labourage nivernais, 1849, huile sur toile, 133 x 260 cm, achat après commande de l’État en 1849, musée d’Orsay, Paris.

>>> une fois que c'est fait, on va

1. D'abord analyser l'œuvre (observation > plasticité + contexte > questionnements)

   Qu'est-ce que je vois ?

   Qu'est-ce que je peux ressentir ?

   Qu'est-ce que je remarque ?

   Quels sont les choix plastiques forts faits par l'artiste pour communiquer son intention ?

   Est- ce que ce sujet a déjà été traité ? En quoi cette oeuvre est-elle singuliere par rapport aux autres oeuvres contemporaines ?

2. La mettre en relation avec le 1er thème de l'année "Nature à l'œuvre " sous forme de carte mentale

Code : 8174 1100

https://m.youtube.com/watch?v=SXND1GZdBzM

• Répondez aux questions sur la fiche pour 2 expositions (la 3e exposition, vous y répondrez en devoir maison), avec ou sans binôme.

• Dans le carnet de culture, notez 2 ou 3 éléments que vous retenez dans la scénographie ou la conception plus générale de ces expositions.

• Passez à l'exercice n2 > la création de votre propre projet d'exposition (voire fiche distribuée)

ECRIT :

GRAND ORAL :

ORAUX 2nd groupe (rattrapage) :

But pour les élèves qui font l'exposé :

• définir et expliquer notions et questionnements

• présenter les démarches des artistes mentionnés de manière attractive. Possibilité de montrer des vidéos si c'est pertinent

• si possible, susciter un débat autour des questionnements

But pour les élèves qui reçoivent l'exposé :

• prendre des notes dans le carnet de culture en sélectionnant les oeuvres qui vous marquent

• conserver la trace des oeuvres marquantes à l'aide des fiches images du cours (ce qui implique de découper et coller dans le carnet les images > et de peut-être faire ce travail soit plus tard soit rapidement)

• écouter attentivement l'exposé et y participer (questions, commentaires)

• éditer, diffuser l'oeuvre

• la non-figuration

• animation des images et interface de leur diffusion et de leur réception

• de l'idée de l'oeuvre à la réalisation

1. transformez la pince à linge en oeuvre d'art

2. 2. Réalisez une série de photos basées sur une forme géométrique

3. photos détail

4. photos sensation

5. photos ecart réalité

de la végétation , une voiture et un bâtiment mais ce que vous ne voyer pas c’est l’air qui se trouve dans l’atmosphère elle est présente mais elle ne se voit pas

Les anciens celtes pensaient que les dieux vivaient dans les arbres et toquer aux arbres permettait d’invoquer leur protection.

Et bien, j’ai voulu produire une animation car c’est un domaine qui me passionne, un domaine où tu peux encore plus laisser ton imagination se développer et s’épanouir. Tu peux représenter tout ce qu’il te passe par la tête et qui inspire ton esprit (bien sûr ayez l’esprit saint s’il vous plaît 🤗), on peut créer des petites histoires, des situations, des blagues et tout ça en mouvement et je trouve cette idée incroyablement merveilleuse. Voir toutes les petites créations publiées par des humains du monde entier, leurs talents, leurs histoires et bien d’autres choses. Ça me remplit de joie surtout quand ce sont des trucs tout mignon… mmh je m’égare…

Du coup, pourquoi Mario ? Eh bien, Mario est un personnage de jeu vidéo qui a bercé mon enfance avec sa licence et ses jeux, ses consoles merveilleuses (R.I.P. Saroru iwata 🙏🏽✨) et surtout les souvenirs que j’ai créé avec ma famille. Toutes ces générations et années passées à parcourir une multitude d’univers de mon héros préféré avec mes frères et mes parents, toutes ces journées passées à rigoler, a crié et à s’énerver aussi mais surtout, a profiter, du temps que je passais avec eux et que je passe toujours avec eux. Mario nous a rapproché encore plus qu’on ne l’est déjà et j’en suis si heureux. Ses jeux rapportent du bonheur et de la nostalgie et ça m’attaque un peu trop. Bien sûr, ce personnage n’a pas bercé que moi et mon entourage mais aussi le monde entier, pas que par ses jeux mais aussi par son apparence et son comportement. Pour tous les souvenirs qu’il nous a fait partager, merci Mario ! ✌🏽

Donc, pour cette animation, j’ai décider d’animer Mario, qui va d’abord courir pour ensuite s’élancer dans un saut et frapper un bloqué ? (Mystère) d’où il en sortira une fleur de feu. Je n’ai pas compté le nombre d’image (frame) car c’était un peu trop long mais je peux néanmoins vous dire qu’elle est en 20 FPS (frame per second). J’ai dessiné Mario sans modèle c’est à dire à l’aide de mes souvenirs pour renforcer l’aspect de nostalgie et de souvenirs (comme vous pouvez le voir mes souvenirs sont plutôt pas mal hehe) le reste est également fait avec mes souvenirs, pour les couleurs j’ai également utilisé mes connaissances. Les traits qui contournent les personnages sont bleus et non noirs, ça rajoute du charme c’est une pâte que j’aime bien ajouter à mes créations.

Je pense que j’ai tout dis, j’espère que mon projet va vous emplir de joie et peut-être vous donner envie de vous lancer, croyez toujours en vous et ne pensez pas trop ‼️

Tout d’abord, j’ai choisi l’animation pour cette production car le projet est libre (et bonus mais ça je l’ai su qu’après) et que j’aime énormément l’animation. J’en pratique depuis longtemps et ça m’a toujours passionné cette mécanique de dessiner plusieurs image pour en créer un petit ou long métrage qui bouge et est rempli d’émotion. Avec l’animation on peut faire tout ce qui nous passe par l’esprit et laisser notre imagination s’épanouir (mais ayez l’esprit saint svp…🤗), on peut même y laisser des morales et des messages importants qui nous tiennent à cœur. Voir toutes les productions des gens du monde entier, leurs talents et créativité m’inspirent et m’emplît de joie, surtout quand c’est tout mignon… Mh Mmmmmh jé m’égare.

Maintenant, pourquoi Mario ? Eh bien c’est très simple ! Mario est un personnage iconique de jeu vidéo (petite référence à la vidéo de dokii) avec une licence très très variée et aimée avec des musiques sensationnelles et inoubliables. Ce personnage tant aimé a marqué de nombreuses générations jusqu’à maintenant MAIS SURTOUT, rassembler des gens, des familles et des amis. Mario est mon héros préféré depuis tout petit jusqu’à maintenant, il a bercé mon enfance et permis de passer des moments merveilleux et inoubliables avec mes frères et mes parents. Tout ces souvenirs qui sont maintenant nostalgiques me rendent heureux rien que d’y penser, moi qui est si proche de ma famille m’a permis de l’être encore plus que jamais. Parmi tous ces moments, on a rigolé, crier, on s’est même énervé mais surtout, on a profité, de chaque petite minute qu’on passait et qu’on passe encore ensemble. Merci Mario, merci les jeux vidéo !✨

Donc pour en venir au projet lui même, dans l’animation, on verra en premier Mario courir sur une courte trajectoire pour ensuite s’élancer dans un saut qui viendra frapper un bloc ? (Mystère) pour ensuite en sortir une fleur de feu qui rendra Mario satisfait ! L’animation comporte 125 image pour 20 FPS, elle dure 6 secondes en tout. Toute les images sont dessinées à l’aide de ma mémoire je n’ai utilisé aucune image et aucun modèle pour renforcer l’idée de souvenirs (comme vous pouvez le voir ils sont plus pas mal hehe), c’est pareille pour les couleurs, d’ailleurs les couleurs principales sont le rouge, le bleu et le jaune. vous avez peut-être remarquer les traits qui contournent les personnes, j’ai choisi de les mettre en bleu et non en noir, c’est une pâte que j’aime bien appliquer partout.

Mais vous allez sûrement me demander « pourquoi Mario fait ça ? » eh bien c’est parce que Mario est déterminé à atteindre son objectif qui est de sortir l’objet (la fleur de feu) du bloc, et après être content de sa réussite car il ne s’est pas découragé. Tout ça pour dire que dans la vie, il ne faut pas renoncer et accomplir ses objectifs même si il paraissent impossible, si on les a en tête, c’est qu’ils sont réalisable d’une quelconque manière !!!

Voilà c’est tout pour mon projet, désolé c’est un peu long mais j’espère que ça vous plaira et surtout vous inspirera à vous lancer peut-être dans l’animation et partager pleins de créations merveilleuses ! ✨✌🏽

Voici mon projet numéro zéro

Dans ce rêve, je me faisait poursuivre par un homme qui voulait m'agresser et pour me sauver j'ai dû rentrer dans une bibliothèque et demander de l'aide à une personne mais celle-ci a refusé mon aide. J'ai ressenti une grande colère et je me suis mise à pousser la personne a terre et a la frapper et l'agresseur (qui m'avait rattraper) n'oser pas m'arrêter.

(Je précise encore que c'est un rêve que j'ai fait, je n'ai frapper personne dans la vrai vie)

Donc cette photographie a était prise au CDI (car c'est l'endroit qui faisait le plus rappeler une bibliothèque) et j'ai décidé de reproduire la scène où je frappais la dame. A part mon propre visage, on ne voit pas le visage des autres car généralement dans mes rêves je n'arrive pas à visualiser la tête des personnes qui si trouve.

Pourquoi j’ai choisi de faire ça?

Tout d’abord car le thème de mon année portera sur la dénonciation du harcèlement(en général)

Donc ma sculpture est composée d’un carde , d’un plaque d’argile et de la peinture.

J’ai voulu utiliser plusieurs méthode comme la sculpture sur argile ,la peinture et la fabrication.

J’ai aussi voulu faire une sculpture car j’adore travailler de mes mains je suis quelqu’un de très manuel

Mon œuvre dénonce le harcèlement et de la mutilation subi à cause de la pression ou de moquerie au quotidien

On retrouve une peau recouverte d’entailles qui saigne plus ou moins profonde avec pour une, un message à l’intérieur distant "help me" pour montrer qu’elle ont besoin d’aide et que l’on ne se rend pas compte que certaines personnes sont dans cette situation et sans aide, avec cette œuvre j’ai voulu choquer

Le cadre autour permet justement d’attirer le regard comme une peinture pour mettre en lumière l’aide et la lumière qu’on pourrait apporter à ses personnes la pour les aider à s’en sortir

Merci beaucoup pour votre bien veillance et j’espère que ma sculpture vous plaira moi j’ai vraiment beaucoup aimé la faire même si j’ai eu un loupé 👍🏻

Mon but ici est de sublimer cet élément car ça me correspond.

J'ai fait une mini installation avec une plaque en verre que j'ai décorer avec 2 parties.

Sur une face est représenté les vagues de la mer avec des créatures marinées fil. J'aime créer le mouvement, le processus de réalisation, voir petit à petit des formes créer un mouvement brutale mais agréable à regarder.

Sur l'autre face, j'ai mis du sable (vrai sable breton ☝️) mais également des coquillages et des perles. J'ai donc ajouter d'autre éléments de la mer mais ils servent principalement à ajouter de la douceur à mon projet.

Le résultat fait que lorsque l'on met une lumière sur la plaque, le verre est sublimé. Il y a beaucoup de motifs qui se créer, cela peut changer selon l'emplacement de la lumiere et donc changer aussi mon projet (les reflets) et la lumiere joue sur la transparence pour se reflèter sur le sol qui donne l'effet fond de mer (on ne le voit pas en photo car on voyait mal, mais ça le fait quand même)

J'ai commencé par un trou dans le crâne et j'y est placé de la mousse et de la peinture pour représenter une sorte de ciel et des boues de verre pour apporter un semblant de reflet.

L'extérieur est brun avec des reflets verts fait avec des cosmétiques, j'ai voulu que cette partie reste dans l'ombre pour rajouter encore plus de contraste. Enfin les eguilles placé dans l'oeil représente elles le temps.

Dans se projet le cœur collé dans la boîte est le centre. On pourrait croire qu'il faut juste l'attraper pour l'arracher définitivement, que ce cœur, mon cœur sera complètement exposé à quiconque le veut. Mais non, il est coller au sol de la boîte et ça me represente. j’ai l’air de tout dire, et d'ailleurs se n'est pas fondé car je m'expose énormément. Mais en réalité, il y a des choses qui resteront secret, que personne n’aura Jamais. Et je sais aussi qu'il s'agit de votre cas.

La chaîne, ne protège pas vraiment. Elle donne juste l'impression qu'il y a une sorte de protection mais elle me représente, trop faibles pour empêcher les coups ou les mots, mais toujours présentes. Et le boit qui transperce le cœur est la pour justement rappeler que la douleur ne disparaît pas vraiment

Chaque détail, volontaire ou non, compte. Rien n’est là par hasard. Les nombreuses imperfections de mon projet sont mes propres maladresse et problèmes. rien n’est parfait, parce que moi-même je ne le suis pas.

Ce cœur c’est littéralement ma façon assez morbide ( peut être cruelle) de dire que les blessures ne disparaissent pas. Quelles restent, et que bien souvent on croit tout savoir sur moi. (d'ailleurs certaine personne me voit comme quelqu'un de vraiment douce intérieurement et me prenne pour acquis alors que... Bah il suffit de regarder le projet.) De plus sacher que l'on ne connais jamais vraiment quelqu'un et que vous ne vous connaissez probablement même pas correctement.

J’aime beaucoup ce projet parce qu’en fait, tout le monde a un nombre incalculable de problèmes et vous pouvez interpréter personnellement le travail.

L’arrière-plan est un mélange de bleu, de violet et de gris, des couleurs sombres qui contrastent avec l’aile plus claire. Au centre de la silhouette, on distingue également un cœur entouré d’une lueur qui semble se propager sur le fond.

J’ai utilisé de la peinture acrylique et du gesso pour les couleurs, ainsi que de l’argile pour créer les détails en relief, notamment l’aile, l’épée et la main.

J’ai choisi de faire ce projet parce que j’adore les films apocalyptiques et de zombies. J’aime voir comment les personnages font face à des situations extrêmes, et je voulais retranscrire cette ambiance et cette tension dans ma maquette. Je me suis aussi inspirée d’artistes et d’œuvres qui parlent de mondes sombres et post-apocalyptiques, comme les peintures de Zdzisław Beksiński ses œuvres créent une atmosphère apocalyptique et oppressante il met en scène des personnages déformés comme mes personnages en fil de fer ou encore certains films comme Mad Max ,Le monde après nous, résident evil ou même l'armée des 12 singes et encore d'autres, ces films créent une atmosphère étouffante et on y voit des mondes après l’apocalypse et des gens qui tentent de survivre comme dans ma maquette.

Ensuite le second cela représente un type de dessins.

Ensuite les livres sont un type de livre ici c’est le romans

Et pour finir, la photo des anciens élèves sont un type de personne car il sont tout née en 2007 donc c’est un type de génération

Les secondes photos, un poteau mais il parais à peu près propre d’un il a perdu un peu de ça couleur mais il reste propre car l’angle de vu cache la réalité, le faire qu’il y ai des cigarettes usager dans le poteau donc ici on trompe le spectateur en laissant

paraître qu’il n’y a rien d’autre à voir.

Les dernières photos, à première vu on aurais dit de la terre ? Le sol ? Mais en fin de compte le faite de trop faire un focus sur celui ci nous empêche de savoir qu’est-ce que c’est réellement ici c’est le sol du lycée qui a été cassé.

Puis dans la deuxième photo avec un cadrage d’un plan plus éloigné nous permet de voir le bordel autour

Le cadrage nous permet alors de ce dire que il faut se méfier des apparences premières

Typologies :

1.Yeux

2.d’élèves

3. de terminale

4.qui ont 17 ans

Ce que l’on vois n’est pas toujours la réalité

https://relax.aisne.com/inscription-relax

Puis chercher le film nommé :

Contacts - le renouveau de la photographie contemporaine

A voir : l'épisode sur Andreaw Gursky

Pack 3 : Episode XXAndreas Gursky, 13 min

+ 1 photographe au choix > petite interrogation écrite en classe

>> faire une double page dans le carnet de culture consacrée à Andreas Gursky

Ou vous présentez

- comment son parcours l'a amené à faire les choix qu'il fait

- les grandes caractéristiques de son travail

- 3 oeuvres fortes autres que l'œuvre du bac

• Un texte qui accompagne votre production, écrit dans le Padlet SAUF si vous estimez que votre travail est trop intime pour être montré ou posté publiquement

  >> auquel cas vous m'enverrez la photo de votre production + le texte sur mon adresse mail (meythsun@gmail.com)

• Le texte doit présenter :

  • Vos intentions (ce que vous voulez dire, évoquer, transmettre)

  • Au moins une référence sur vous citez et que vous mettez en relation avec votre production

  • Une problématique, la plus plastique possible, concernant ce travail

  • Votre démarche (quels ont été vos choix plastiques forts pour concrétiser votre intention)

  • Un regard critique de votre part sur votre production

Utilisation de mousse expansive peint avec des couleurs vives.

Dans cette production j'ai voulu représenter un individu faisant mal à un autre et prenant du plaisir dans sa douleur.

La migualle est entouré de couleurs vives pour montrer sa joie et son plaisir tandis que j'ai laissé le scarabée avec des couleurs pâles et écraser par la mousse expansive jusqu'à devenir imperceptible.

L’aphantasie est l’incapacité à visualiser mentalement : des images, des sons, ou même des sensations comme les odeurs. Malgré cela, un aphantasique peut tout à fait rêver, et c'est mon cas.

Ma mini-vidéo n’est pas exactement ce que j’avais prévu au départ, mais je la trouve finalement meilleure ainsi : courte, exactement l’incapacité à imaginer.

Le bruit blanc que l’on entend représente ce que j’entends personnellement lorsque j’essaie de visualiser, et le premier extrait correspond à peu près à ce que j’ai dans la tête lorsque je souhaite visualiser (dans la réalité le marron est bien plus sombre).

Le plus difficile a été de chercher puis trouvé comment retranscrire au mieux ce que j’avais, et ai toujours, dans la tête. Et d'ailleurs Il est probable que vous n’ayez rien compris, et c’est exactement ce que j’ai ressenti lorsqu’on m’a appris que certaines personnes pouvaient visualiser de façons net et en couleur.

Je mets en corrélation mon travail et celui d’Yves Klein, qui dans '' Le Vide'' parvient à représenter l’absence comme une œuvre. En présentant une salle entièrement vide, il transforme le vide en art. Klein crée une vision visible du vide, ma vidéo cherche à crée un vision de se que pourrait être le manque de visualisation. J’avais d’ailleurs une autre version du projet, avec uniquement le premier extrait, en plus long et le mot aphantasie apparaissant petit a petit.

Intention :

• Je voulais montrer aux gens que peu importe le nombre de difficultés qui se dressent sur leurs chemins, il y aura toujours du bonheur et de la paix pour eux.

• Je voulais transmettre de la tristesse, de la frustration et puis enfin, de la joie. Toutes ces émotions sont des étapes par lesquelles il passe.

Références :

• Je me suis beaucoup référé aux films d’animation du studio Pixar, qui sont Soul et Vice-versa. La représentation d’une âme bleue (oui l’âme est bleue) pour Soul et l’histoire de souvenir pour Vice-versa. Ces deux films m’ont beaucoup inspiré.

Problématique :

• Comment le symbolisme d’une image peut mener au réel ?

Démarche :

• J’ai premièrement voulu faire une œuvre au format A4 (que la prof déteste…) mais j’ai modifié l’idée et ensuite fait une BD. L’absence de couleur est fait exprès pour représenter l’absence de vie malgré les expressions et émotions employées. J’ai repassé chaque page avec un feutre fin noir, sur du papier plutôt cartonné. J’ai essayé de ne pas suivre les codes de la BD en mettant en place une disposition spéciale sur certaine page pour les vignettes.

Critique :

• Peut-être que mettre des couleurs aurait pu être meilleur même si j’ai mis ce problème à mon avantage (absence de temps involontaire, la prof en est témoin). Ce n’est pas un travail de pro mais ça peut rester agréable à lire et comprendre. Nombre de page ≈ 20, peut-être trop faible mais ça me parait juste.

• La série «RGB» de Carnovsky joue sur la superposition de trois images en rouge, vert et bleu. Selon la lumière utilisée, une image différente apparaît. Ici, pour notre œuvre, c'est le même concept : le filtre rouge nous montre une image différente de celle du filtre bleu. Nous pouvons aussi rapprocher notre vidéo de « Pipilotti Rist, I'm Not the Girl Who Misses Much », car dans les deux œuvres, c'est le son qui transmet un message d'angoisse ou bien de malaise.

• Problématique: Comment l'art peut-il se passer de l'aspect visuel en s'appuyant sur l'aspect auditif ?

• Les choix plastiques dans notre œuvre sont la lumière: on a choisit de prendre la couleur rouge qui exprime la douleur, le mal-être parfois et la couleur bleu qui exprime ici la pudeur grâce au ton doux. La vidéo.

Ce projet explore notre perception de notre corps et la peur de se confronter à son propre regard. Le miroir reflète ce qui se trouve devant lui, permettant à chacun de se voir dans ses fragments et, peut-être, de s’y identifier. Le fait qu’il soit brisé symbolise cette crainte de notre regard.

Le noir de la toile représente la solitude, car notre regard sur nous-mêmes est souvent le seul capable de nous définir, indépendamment de l’opinion des autres. Le rouge et le bordeaux évoquent le sang, symbole de souffrance physique ou mentale, représentant l’impact de nos pensées et de notre état d’esprit sur notre perception de soi.

Ce projet invite le spectateur à réfléchir à sa relation avec son corps et son identité. Le miroir brisé reflète notre image de manière fragmentée, représentant la difficulté de se sentir complet dans une société qui nous force à nous conformer.

Avec ma partenaire Maylie , on a voulu mélanger le monde marin et le monde urbain, deux univers différents. L’idée était d’imaginer une ville presque engloutie, comme si la mer allait finit par tout recouvrir.

On a donc construit des immeubles en carton avec plein de mousses (cueillies sur le cerisier), à moitié sous l’eau, pour donner ce côté ville abandonnée.

Autour, on a mis des animaux marins, une tortue entouré de barbelés car les humains jettent leurs pollutions dans la mer et les animaux le subissent, une baleine qui nage dans la mer puis plein de poissons qui nagent dans l'immeuble et à côté. La baleine et la tortue sont faits de fil de fer et papier mâché. Ils représentent la nature qui reprend sa place.

Sur un des immeubles, à la surface, on a mis un survivant avec un masque à gaz et un petit feu de camp. On voulait montrer le dernier humain, seul au milieu qui regarde le monde qu’il a détruit.

Pour séparer l’eau et la surface, on a utilisé du plastique de bouteilles fondu, ce qui donne un effet de vague qu’on trouvait super intéressant visuellement et qui nous renvoyé à la pollution car les humains polluent aussi l'océan et la mer.

Tout au fond, on a mis une voiture rouillée en carton et des déchets un peu partout, pour montrer ce que l'humain laisse derrière lui.

La maquette est rectangulaire, comme les formes des immeubles et donne un effet immersif comme si on entrait directement dans un morceau de ce monde englouti. Cette forme aide aussi à plonger le spectateur dans la scène, un peu comme s’il regardait à travers une fenêtre.

On a choisi des matériaux simples et recyclés. C'est un monde fragile, abîmé, mais où la vie continue quand même.

Avec un peu de recul, on est contente du résultat. On aurait aimé ajouter des oiseaux type vautours mais les ailes en fil de fer ne tenaient pas bien alors on a mis plein de coton dans le ciel. Mais c'est un projet qu'on a vraiment aimé faire.

Nos intentions, n’était pas forcément de faire passer un message écolo, mais plutôt de représenter un monde hostile, un mélange entre vie et destruction. On aime créer des univers où tout semble perdu mais où il reste quand même quelque chose de vivant. On voulait montrer la nature et les animaux qui reprennent enfin leurs droits sur l’humain, après des siècles où il n’a fait que les détruire. Ce mélange entre le beau et le détruit, entre le calme marin et les ruines humaines, c’est ce qu’on voulait mettre en avant.

Pour nos inspirations, on s’est beaucoup appuyé sur les travaux d’Alexis Rockman, notamment "Bronx Zoo", où il mélange univers marins et urbains et montre comment les animaux et la végétation reprennent leurs droits sur des espaces créés par l’homme. On a aussi été inspirés par Alexander Calder et son Cirque, surtout la façon dont il crée un mini-monde très détaillé . Il utilise notamment beaucoup de fil de fer, il met en scène un cirque avec plein de petits personnages, d’animaux et de tissus, où on doit se balader du regard pour découvrir ce qu'il se passe, un peu comme dans notre maquette autour de l’immeuble.

Mon projet consiste en une installation qui revisite le principe de la chambre noire optique en l’associant aux thèmes du monde parallèle, de la conscience et de l’inconscient. Sur le photomontage, j’ai choisi de représenter une pièce en noir et blanc où apparaissent de petits personnages issus de l’imaginaire d’un individu. En retour, cet individu, placé au centre de l’image, observe lui aussi des petits personnages tels qu’ils existeraient dans notre propre imaginaire, créant ainsi un effet miroir. Le paradoxe de cet effet réside dans le fait que nous pouvons percevoir le subconscient des autres, mais pas le nôtre. La photographie est destinée à être intégrée à l’intérieur d’une boîte que je ne suis pas encore en mesure de présenter pour l'instant. Dans cette production, j’ai cherché à représenter ces « petits personnages » présents dans notre esprit et incarnant nos différentes facettes intérieures. Cette idée est d’ailleurs une référence directe au film Disney Vice-versa.

Nous avons décider de réaliser ce projet pour représenter la complémentarité et la dualité entre deux étre. Nous avons réaliser un portrait l'une de l'autre avec des chose qui nous ressemble ou que l'on aime ou même si on ne les avait pas nous ne serions pas nous méme.

Pour représenter la dualiter nous avons décider de placer nos oeuvres l'une en face de L'autre car pour fair comme une illusion de mirroir. Cela fera une relation entre nos deux identité plastique ce qui peu nous montrer nos différence mais aussi nos point commun.

Nous réprésenterons en quelque sorte un dialogue non direct.

Dans le bûcher, plusieurs documents étant gênant pour une gouvernement démocratique et pour certains documents qui ont même été amené à des actions contradictoires avec ce que doit être la démocratie.

Documents :

Affaire Dreyfus, Affaire Stavisky, Hara-kiri critiquant de Gaule, Charlie Hebdo ("je suis Charlie", Travail de Mark Lombardi)

Symbolique de bûcher de vanité brûlant/anéanti la connaissance où la critique (=censure) alors que les affaires proviennent d'un régime démocratique et revendique la liberté d'expression.

Ici j'ai réalisé une affiche fesant 150cm en largeur et 168cm en longueur portant comme nom "profanation" ->profané designe une atteinte au respect du sacré comme les tombe et autre bâtiment sacré d'une religion ou d'un pays

Ici j'ai recréé des tags sur un fond déjà sali pour dénoncer les profanations qu’on retrouve sur des lieux et bâtiment. la banderole jaunes dit "profanation stop" pour montrer mon mécontentement envers ses actes elle est jaune pour attirer l'œil et provoquer pour dénoncer

j’ai voulu recréer un mur profaner avec une affiche XXL pour qu’elle soit le plus voyante et montré ma volonté de choquer les esprits et montré que ses acte est une injustice envers ses bâtiments sacré

si je pouvais porter un regard critique sur mon œuvre, j’aurais aimé rajouter beaucoup plus de graffiti sur l’affiche, mais étant donné qu'elle ne fait pas un mur entier les graffitis ce serai superposés et on aurait plus rien compris

De plus j'ai beaucoup aime faire ses graffitis c'était une technique que j'ai beaucoup aimé réalisé et j'aimerais beaucoup l'utilisation dans mes prochaines œuvre pour m'entraîner a utilisé cette nouvelle technique de peinture

Mon projet s’intitule « Masking » qui est un terme anglais désignant le fait d’agir de la manière la plus “normale” possible, majoritairement lorsqu’on est atteint de certaines maladies mentales ou troubles mentaux ( TDA(H), dépression, anxiété, etc ) ou alors juste sa personnalité ou ses émotions, afin de rentrer dans le moule plus facilement, raison pour laquelle certaines maladies mentales ou troubles mentaux sont difficiles à diagnostiquer chez certaines personnes trop habituées à masquer.

Ici j’ai voulu représenter cette notion la plus fidèlement possible et surtout la fragilité de celle-ci. Masquer est une charge mentale supplémentaire, mais elle est considérée nécessaire par certaines personnes car ils ne se voient pas capables d’affronter le regard des autres là dessus. Mais parfois, de manière volontaire ou non, ce masque craque et laisse entrevoir la vérité.

Tout le monde craque à un moment ou un autre et des fois cela ne laisse qu’une fissure qu’on croit à tord pouvoir colmater facilement jusqu’à ce qu’un jour il se brise totalement.

Ceci est la raison pour laquelle j’ai utilisé de la clay. C’est une matière facilement malléable au début, mais elle devient très fragile lorsqu’elle sèche ( j’ai d’ailleurs failli le casser à plusieurs reprises ).

Informations à faire figurer sur l'affiche :

Journée Portes Ouvertes

Voies Générale, Pro, Techno

14 mars,

9h-12h30

Préciser :

2 rue de Mosbach, 02400 Château-Thierry

Mail du lycée : www.lycee-jdlf.fr

Repartir de l'affiche de l'an dernier pour les informations :

2 versions :

- 1 affiche (format portrait, ratio A4 ou A3)

- 1 affiche journal panoramique : 99 x 73 mm. Sans le gros visuel créatif de l'affiche, juste les informations de base.

Date limite de rendu : fin janvier

A intégrer discrètement et en bas par exemple (les 2 sont à télécharger dans le post) :

- le logo du lycée

• le logo de l'Académie

Jeu de taille et le fait de plonger dans un univers unique et inconnus

Liste de mouvements intéressants avant 1960 :

la Renaissance

le Classicisme

le Baroque

le Néo-classicisme

le pré-raphaélisme

le romantisme

l’expressionnisme

l'impressionnisme

le symbolisme

le réalisme

l’art pompier

Art moderne :

le dadaïsme

le surréalisme

l'abstraction

l'expressionnisme abstrait/lyrique

Liste de mouvements intéressants après 1960 :

le Pop Art

La figuration narrative

le Nouveau réalisme

Le Land Art

L'art vidéo

Arte Povera

Art conceptuel

Vous pouvez aller sur ces sites pour trouver des oeuvres :

https://www.artic.edu/collection

https://histoiredesarts.culture.gouv.fr/Fiches-reperes/Peinture

https://photo.grandpalaisrmn.fr/collections/fonds-photographiques

https://images.bnf.fr/#/home/

https://www.rijksmuseum.nl/en/collection

https://www.wga.hu/index1.html

Pop Art

Janvier 2023

170x120cm

Acrylique

Auguste Renoir 1881

Prenez 4 fluos différents :

• Fluo 1 : surlignez les définitions de termes

• fluo 2 : surlignez les explications non paraphrasées du texte, qui montrent que l'élève a compris la thèse de l'auteur du texte

• Fluo 3 : surlignez des exemples donnés par l'élève (donc des exemples personnels qui ne se trouvent pas dans le texte)

• Fluo 4 : surlignez le positionnement de l'élève (il montre qu'il décide de confirmer ou de modérer les propos de l'auteur du texte)

Le commentaire est noté sur 8 points (au vrai bac).

Comptez 2 points par fluo et cela vous donne une idée de votre note.

Comment : chaque groupe reçoit le dossier documentaire via le Padlet.

Vous trouverez plusieurs thèmes de travail :

- pages 10 à 15 : thèmes de l'exposition originelle

- pages 37 à la page 51 : thèmes pré-mâchés par des professeurs

Vous choisissez 1 thème avec votre groupe, que vous allez illustrer avec 2 œuvres.

Vous allez réaliser un exposé (travail numérique puisqu'on ne peut pas imprimer OU travail papier si vous voulez dessiner)

dans lequel vous présentez votre thème, vous l'expliquer, vous le mettez en relation avec 2 œuvres dont vous présentez la démarche.

ET !!!!!!!

Vous trouvez un moyen pour rendre une œuvre vivante

(soit en la reconstituant

soit en vous la réappropriant

soit en la parodiant si vous êtes capable d'assumer un regard distancé et critique).

Temps imparti : la séance + travail à la maison + rendu en une séance suivante.

• Créez une maquette d'exposition, réelle ou virtuelle, d'un ou plusieurs espaces présentant une exposition collective des travaux de votre groupe.

• Utilisez la fiche "Mémo" pour déterminer : un thème et un axe d'exposition (ex : une exposition sur le thème du paysage avec comme axe le processus de création), un titre pour l'exposition, des moyens scénographiques, un parcours, un sens de circulation.

Plutôt que de représenter le vide comme une absence totale, j’ai choisi de le matérialiser à travers une forme sombre cousue au niveau du cœur

Le noir symbolise un vide intérieur, une absence. La forme contraste avec le tissu blanc, ce qui renforce l’idée d’un manque. Le blanc évoquer la fragilité, la vulnérabilité, tandis que le noir agit comme un trou etune masse oppressante.

le tissu est souple avec la forme noire plus rigide et plus chaotique donne déchirure, comme si quelque chose avait été arraché .

J'ai peint la boîte en noir pour donner un effet de profondeur, on a l'impression de s'enfoncer dans cette forêt interminable. Et j'ai bien aimé faire ce projet , d'ailleurs le pont avant d'être un pont c'était un barage qui avait servi dans mon projet 0 !

Créer des photographies esthétiques mais aussi une atmosphère rassurante afin de transmettre un message.

Ma démarche :

Pour cela, j'ai choisi des couleurs bien déterminées.

Le rose et le violet donnent une impression de calme et de réflexion. Ce sont des couleurs qu’on associe souvent aux émotions, aux pensées personnelles, aux rêves. Elles peuvent aussi créer une ambiance un peu mystérieuse, comme si quelque chose n’était pas encore totalement clair. Ici, sur ma série, c'est l'ombre qui n'est pas totalement claire.

Le jaune et l’orange sont des couleurs vives qui font penser au soleil, à la chaleur et au dynamisme.

Elles donnent une impression d’énergie, de joie et de confiance. Ce sont des couleurs qui attirent l’attention et qui rendent l’ambiance plus lumineuse.

Passer du rose au jaune orangé peut être un passage entre un univers plus doux et rêveur et quelque chose de plus affirmé, plus éclatant, comme si on sortait de l’imaginaire pour entrer dans quelque chose de plus fort et visible. Et le vert est souvent associé à la croissance, au renouveau en photographie.

Ensuite, j'ai choisi de changer mon fond en coucher de soleil pour revenir à un monde plus réel mais toujours calme, apaisant et rassurant.

L'objectif :

Mon but est de montrer une progression de l'acceptation de soi, de son identité. Au début de la série, on voit le visage incliné vers le bas avec un regard vide. Alors que son ombre regarde droit devant elle mais ne semble pas avoir une confiance totale car son intensité est légère. Sur les deux photos suivantes, on peut voir un regard perdu puis un regard qui reflète celui de l'ombre, on peut constater un contraste plus intense de l'ombre.

À partir de la quatrième photographie, on a un début de prise de conscience. Le fait que la personne regarde son ombre comme si elle se regardait dans un miroir signifie qu'elle prend conscience de sa propre existence. Pour la cinquième, l'éclairage crée deux ombres : la première est celle qu'on voit depuis le début, mais qui s'efface, on la voit plus très bien, on peut juste apercevoir le bas de son visage. Par contre, la deuxième est clairement visible, de teinte verte, qui exprime le renouveau, donc une nouvelle vision de soi-même.

On a un changement de fond qui nous mène à la réalité, tout en gardant une atmosphère féerique, rassurante et paisible.

La sixième image est la seule photographie jusqu'ici qui montre l'ombre comme un personnage à part entière dans le décor, cela montre l'acceptation mais pas encore totale. Car l'ombre est tournée face à nous comme dans la quatrième photo où la personne regarde son ombre, on pourrait traduire cela comme une invitation de l'ombre à la personne de s'accepter. La dernière photographie est la seule où on voit la personne et son ombre totalement dissociées. Mais aussi la première fois où la personne regarde vers le spectateur avec un regard très intense et sûr de soi. On peut en déduire avec ce regard que la personne a accepté l'invitation de l'ombre.

Référence :

Viviane Sassen est une photographe néerlandaise de renommée mondiale. Elle utilise souvent des ombres très noires et graphiques qui masquent ou révèlent des parties du corps. Chez elle, l'ombre n'est pas un défaut, c'est une forme sculpturale. Elle utilise aussi des filtres et des gélatines (rose, bleu, jaune) pour créer des ambiances oniriques et surréalistes. Elle explique que l'ombre représente la part de mystère et d'inconscient en nous.

Critiques :

Ma série de photographies est cohérente. Je trouve que mes neuf photos ne sont pas interchangeables. Elles sont toutes visuellement de bonne qualité. Je peux justifier chacune de mes décisions, que ce soit esthétiques ou techniques.

Mais si c'était à refaire, je ferais une série avec une plus grande vision, c'est-à-dire que je voudrais prendre des photos dans un plus grand espace et ne pas seulement prendre des portraits mais des plans plus larges, avec plus d'effets lumineux et plus de personnes.

La musique viens du film le frère des ours, un de mes films préférés, ce film représente un humain qui se transforme en ours, l’humain comprend à travers l’ours, ses pensées, ses sentiments et sa vie, ce qui atténue la haine envers lui.

Les scènes humaines en arrière plan ont été filmés à Paris, dans les endroits les plus touristiques telle que la Tour Eiffel pour contraster avec la douceur de la nature.

J’ai voulus retransmettre se sentiment au spectateur, un effet de grandeur et d’inpuissance à petite échelle. Lorsque le spectateur s'approche il aperçoit la taille des personnes déjà présente (petite) et se dit que la vague ici présente doit etre grande par rapport à leurs échelles. Les détails de la vague, du système de lumière et de gouttes montrent la puissance que la vague a ,et la situation dans lequel le spectateur se trouve.

Pour réaliser ce projet je me suis inspiré de ce souvenir mais aussi de Kabakov avec "where is our place?" Qui joue sur l'échelle( faire de grande chose pour que le spectateur se sente petit ). Où personnellement j’ai joué sur des éléments qui font en sorte que le spectateur ressentent l'aspect de grandeur sans pouvoir s'y déplacer physiquement.

Je me suis aussi inspiré de Peter Doig avec ses différentes toiles sur le souvenir, la mémoire et l'identité. Dans son processus de création il regroupe des éléments qui va l'aider a créer ses toiles. Tout comme je l’ai fait avec des vidéos, des photos et des souvenirs.

J’aurai aimé faire mes projet a taille réel où le spectateur aurait pus se déplacer comme si l'immense vague avait arrêté de bouger pour immortaliser le moment et voir tout les details du projet. Mais par manque de moyens, je ne peut pas. Sinon en petit format je trouve que le spectateur arrive tout de même à se balader car il y a plusieurs détails à regarder et à analyser.

Des fils de laines on été positionné grâce à des punaises sur des photos qui sont en couleur. Je les ai mis en avant grâce à du montage photo et une application de dessin pour rendre les fils plus visible.

Pour ce projet mon thème porte sur le souvenir et la peur de l'oubli, j'ai eu l'idée de la poupée grâce à l'artiste Gavin-Morris Gallery avec sa série Puppets by Artists qui a créé des poupées dégarnie et dérangeante pour l'oeil adulte mais réconfortante pour un enfant, même si c'est plus l'esthétique qui m'a attiré. Mais aussi comment la poupée est le plus souvent associée à l'enfance donc à des souvenirs lointain.

Pour montré l'oublie j'ai utilisé des photos de quatre personnages en particulier (mes chats, mon chien et ma cousine) donc certaines que j'ai gardé authentique et en couleur comparer au autres qui elles sont toutes modifiées avec du floutage, du noir et blanc ou avec l'augmentation des ombres. En fessant ça je voulais donner une impression de souvenirs s'effacent au cours du temps mais que certains reste très clair et facile à se rappeler.

Dans mon cas le choix des personnes reste plutôt personnel se rapprochant plus de la peur de la mort de proche et de les oublié de plus en plus jusqu'à ne retenir qu'une image floue. Les fils rouges sont une représentation des souvenirs qui eux reste et n'arrive pas encore à être effacé. L'idée de la photo a beaucoup été inspiré par une vidéo trouvé sur YouTube de Chrispykins présentant une série de photos défilant sur la musique : Lost Kitten de Metric qui au fil de la video se dégrade visuellement mais aussi avec l'audio que se répète et devient presque inaudible à la fin. Elle montre elle aussi le thème de la dégradation des souvenirs et de leurs total oublie.

La couleur rouge pouvant être montré comme chaleureuse j'ai donc voulu l'utiliser pour relier les photos qui pour moi était importante.

Ici on va retrouver une fausse page Instagram montrant un compte sur le quelle on peut "s’exprimer" et donner sont avis sur des sujets qui on fait scandale sur internet et les chaines d’informations ,en bas de la page des actualités les plus récente (pour comprendre mon œuvre regarder attentivement tout les petits détails, je veux que vous en fassiez un avis personnel car c’est ça mon but).

Mon projet va dans la continuité de mon grand projet sur les dénonciations ici je veux faire une critique de notre société car avec la démocratie on nous laisse nous "exprimer" mais en réalité le moindre truc que l’on veut dire on se fait insulter,critiquer,ou tuer car on avait un avis différent de autre.

Pourquoi avoir choisi une page Instagram ?

Tout simplement car aujourd’hui les réseaux sociaux son omniprésent dans notre société alors pourquoi pas montrer notre société à travers les réseaux sociaux.

Pour ce faire j'ai tout d'abord dû tricoter tous les morceaux qui composent cette peluche pour ensuite les coudre et broder l'étoile sur l'oeil. Pour les antennes j'ai utilisé des cure dents que j'ai tordu puis scotcher ensemble pour ensuite les recouvrir de laine.

Note d’intention

Ce court métrage raconte ma soeur, Lise, et cherche à explorer son handicap en ce qui est beau, ce qui fait du bien, amuse ou donne du courage. Le but était d’aborder différemment le handicap, perçu souvent comme uniquement triste, ou synonyme de privation et d’enfermement. Ici, sensibiliser au handicap n’est pas une fin en soit, mais plus un biais pour transmettre autre chose. Ce que Lise provoque en moi n’est pas de la tristesse, ses souffrances ne sont jamais sur le ton de la plainte. Lise, par ses difficultés et ses douleurs me donne envie de vivre à fond. C’est pourquoi j’ai voulu que ceux qui ne la connaissent puissent la rencontrer, du certaine manière à travers ce court métrage, car je pense qu’elle fait partie des rares personnes capables de faire résonner réellement ce message.

Avant l’écriture de ce court métrage, j’ai longtemps discuté avec elle, dans le but de cerner ce qu’elle voulait transmettre. Elle me répétait sans cesse « je ne veux pas que ça sonne triste ! ». Pour ecrire ce court métrage, je me suis donc appuyé sur ses discours dont je n’ai mis que des extraits mais que j’ai retranscrit dans ma voix off.  La narration est guidée par la métaphore de la valise, qui permet d’unir ce que Lise voulait montrer, et ce que je perçois d’elle en tant que proche. La Valise permet aussi de donner de la légèreté et de l’universalité à mon propos, chacun la lit comme il le veut, comme il en a besoin. Chacun la remplit par ce qui le constitue.

Concernant les choix relatifs à l’image, j’ai choisi des plans rapprochés, parfois mêmes des gros plans. Cela permet un accès plus intime à son discours, le spectateur est comme en discussion avec elle. Ainsi, le fond sonore est neutre on entend seulement sa voix, ce qu’elle a à dire. Cela m’a permis de lui donner un espace d’expression, ou elle serait écoutée et comprise, ce qui est souvent difficile pour elle de part sa petite voix, ou ses difficultés de locution. Ici, elle est entendu et écoutée, au lieu d’être seulement regardée. Accéder à son intériorité permet aussi de voir la manière bien plus légère avec laquelle elle voit sa condition ce qui permet de dédramatiser, et de décentrer le discours du handicap.

Dans mon court-métrage, à l’instar de Emilie Tronche, la créatrice de la série Arte Samuel, j’ai choisi d’incorporer à mon court métrage des petites animations, en noir et blanc pour illustrer l’aspect métaphorique de mon discours. Ainsi, j’ai représenté Lise avec sa Valise dans différentes situations, dans le but de montrer les différentes manières avec lesquelles elles cohabitent, parfois elle la tient, parfois elle la laisse de côté lorsque elle ferme les yeux par exemple, ou bien, elle la fait flotter à côté d’elle, sans s’en soucier. Les animations dynamisent le court métrage qui est composé de plans statiques et lents, pour immerger le spectateur dans un quotidien comme celui de Lise ; tout prend plus de temps, les mouvement et déplacements nécessitent de la patience. Pourtant, son esprit lui est dynamique et dansant.

En somme, La Valise est une invitation à repenser sa condition en reconsidérant sa perception du handicap. Rencontrer Lise, découvrir son courage et sa résilience constitue un appel à vivre et à s’accorder avec sa propre valise, quelqu’en soit sa constitution.

J'ai décidé de représenter la sexualité en opposition avec le genre grâce au Mythe d'Hermaphrodite.

Les mythes m'ont toujours inspiré, que se soit dans l'art ou autre. J'ai donc voulu en utiliser pour mon projet.

Ce mythe fait se fusionner Echo, une Nymphe et Hermaphrodite, le fils de Hermès et Aphrodite. La sculpture met en scène les deux personnages dans une fontaine, là où le mythe se passe principalement, mais avant la fusions. Nous pouvons donc les voir profiter de la dite fontaine.

Mais pendant ce rêve tout bascule d’un coup et l’ambiance devient angoissante (en référence à mon précédent projet sur le cœur). J’ai fait exprès d'assombrir l’image et de ralentir les rires pour qu'on est l’impression qu’ils deviennent plus graves, comme si le temps se déformait. Mon cœur se met à battre de plus en plus vite jusqu’à ce que je me réveille en sursaut. Pour réaliser cette vidéo, j'ai voulu travailler sur le contraste entre le calme et l'oppression. Mon but était vraiment que le spectateur se mette dans ma peau, qu’il soit d’abord apaisé puis surpris par ce cauchemar qui arrive sans prévenir. Ma démarche a été de superposer des couches de sons joyeux sur l'image de la mer pour créer un espace de bonheur. Mon intention était vraiment de faire vivre une expérience sensorielle au spectateur. Je voulais qu'il se mette dans ma peau et qu'il ressente physiquement le passage de la détente à la panique et qu’il se rende compte que l’angoisse peut arriver n’importe quand et qu’elle ne prévient pas même quand nous sommes apaisé par un rêve reposant. En utilisant mes propres souvenirs et le son du cœur qui représente le mien. Je cherche à montrer que l'art peut rendre visible et audible ce qui se passe à l'intérieur de nous, entre nos rêves et nos peurs.

J'ai donc décidé de dessiner plusieurs fond différents (mer, ciel, lave, terre, pierres) qui sont mélangé puis rajouter un effet de flou pour donner une sensation de vitesses à l'illustration. Il y a également le personnage au centre qui a également cette effet de vitesse sur lui et qui tombe dans les différents lieux à la fois.

La musique viens du film le frère des ours, un de mes films préférés, ce film représente un humain qui se transforme en ours, l’humain comprend à travers l’ours, ses pensées, ses sentiments et sa vie, ce qui atténue la haine envers lui.

Les scènes humaines en arrière plan ont été filmés à Paris, dans les endroits les plus touristiques telle que la Tour Eiffel pour contraster avec la douceur de la nature.

Oraux officiels : 1, 2 et 3 juin au lycée Gay-Lussac à Chauny

Écrit : mardi 16 juin de 8h à 11h30

Grand Oral : mercredi, jeudi et vendredi 24, 25 et 26 juin

Sujet > 

Imaginez un projet d'exposition qui

met en œuvre la notion de temps 

A rendre : 

Un projet composé : 

 - d'une introduction,   

- de croquis (plan au sol avec circulation du  

 spectateur, croquis en 3D de la salle principale avec  l'œuvre choisie et le dispositif lumineux,  croquis ) 

Comment faire :  

Choisissez une oeuvre dans toutes celles que nous avons vues en cours et que vous intégrerez dans un projet d'exposition pertinent. 

Vous devez déterminer le maximum de paramètres pour rendre votre projet crédible, pertinent et intéressant : 

- titre de l'exposition  

- nature de l'exposition  

- lieu et durée de l'exposition  

- est-ce que la scénographie s'adapte au lieu ? 

- parcours du spectateur (sens de la visite) et progressivité de la visite (est-ce qu'il y a une recherche de tension dramatique, des  surprises pour le spectateur,  etc ?) 

- autres œuvres montrées  

- questions techniques :dispositif lumineux,  accrochage, sécurité des œuvres,  accès des spectateurs, possibilité de son ou pas, de rencontre avec l'artiste ou pas

Aidez-vous du corrigé sur le sujet : la sollicitation du spectateur !

A remplir

1. NOM Prénom

2. Cocher les événements auxquels vous avez participé

3. Coller 3 photos de 3 productions dans la partie "Authenticité"

4. Ecrire quelques lignes synthétiques dans la partie "Descriptif du projet" (voir exemples)

1233 9105

https://wayground.com/join?gc=12339105

https://wayground.com/join?gc=29771681

https://wayground.com/join?gc=14567329

0532 6753

Peluche faite par moi même, assemblage de plusieurs pièces (couture)

Je les ai représentés de plusieurs manières. Tout d’abord par le biais de deux personnages inspirés du soleil et de la lune ( notamment au niveau des palettes de couleur ), deux papillons identiques à l’exception de leurs couleurs et des motifs de leurs ailes.

La deuxième façon dont je les ai représentés est avec une référence aux miroirs qu’on trouve dans ces salons, exécutant un effet de mise en abîme. On retrouve les miroirs représentés de manière directe mais aussi indirecte: par la ressemblance des deux personnages, l’inversion du sens des images ou le parallèle entre certaines d’entre elles ou certaines scènes. La mise en abîme est elle montrée sous forme de boucle: on rentre encore et encore dans les yeux des personnages, de manière infinie ( pareil pour la chanson qui est en boucle elle aussi ).

Ensuite comme fond sonore j’ai utilisé Clair de Lune de DeBussy, qui est une énième référence à la lune.

Pour la mise en espace, j’ai décidé de projeter mon animation au plafond: au delà des miroirs, le plafond est l’un des aspects qui nous frappe le plus. Ils sont très garnis, et ce, respectivement sur le thème du soleil ou de la lune.

C’est pourquoi mes deux mots clés sur l’espace et le narration sont plafond ( espace ) et boucle ( narration ) pour toutes les raisons listées précédemment.

Pour ce projet j’ai plusieurs références: tout d’abord Heaven & Earth de Bill Viola, 2000 pour sa superposition de deux choses reliées mais complètement différentes ( mort/naissance et lune/soleil ), les parallèles et l’usage de la vidéo.

Cependant en se penchant du côté de la mise en abîme, on a Triple Autoportrait de Norman Rockwell, 1960 et Autoportrait au Miroir de Dali, 1977 qui sont des peintures où un miroir est utilisé afin de créer un effet de mise en abîme mais aussi une scene particulière de Spaceballs, 1987 où la mise en abîme se retrouve sur l’écran qui filme les personnages de derrière mais aussi l’écran lui même, créant le même effet qu’avec deux miroirs.

Chaque morceau de tissu, avec ses couleurs, ses textures et ses motifs, peut être perçu comme une pensée différentes certaines

Cette production s’inscrit dans la continuité d’une animation réalisée en option art sur le même thème

J’ai choisi la forme du chapeau car il est directement lié à la tête, donc à l’esprit et aux pensées. De plus le chapeau se porte , il devient une extension du corps, plus particulièrement du cerveau. Ce choix permet de rendre les pensées visibles, comme si elles sortaient de la tête pour prendre une forme matérielle.

Avec le logiciel Krita j'ai ensuite rajouter des éléments de dessin numérique, rajoutant des effets de propagation inspiré de bactéries et du travail de Günes-Héléne Isitan qui élève des bactéries en laboratoire avec des colorants. Ce qui leur donne des forme ronde et organique reconnaissable grâce à la couleur.

J'ai aussi utilisé des effets de lumière pour rendre les forme plus visible tout en les fesant s'incruster dans l'arrière plan. Dans chaque image j'ai rajouté un point lumineux blanc sur le Cosi pour bien montrer ce qui est le sujet principal mais pour aussi le cacher superficiellement.

Dans ce projet j'ai voulu explorer une émission très personnel que je trouve étrange, mon absence d'empathie pour les nourrissons et les très jeunes enfants (moins de 3 ans). Je ressens une haine presque maladif envers eux, jusqu'a ressentir du dégoût rien quand les voyants. Je les trouves extrêmement moche, dégoûtant et profondément insupportable. Leur cris, leur incapacité à communiquer, leur incapacité à se débrouiller tout seul, je ne trouve aucune joie en m'en occupant ou même en voyant le visage radieux des parents.

J'ai depuis des années un dégoût énorme de ce qu'est la grossesse, l'accouchement n'est pas ce qui est en cause en particulier mais c'est la perceptive d'être parent qui me fait le plus peur. Plus particulièrement parce que je ne le veux pas mais surtout que vue ma haine grandissante pour les enfants et mes envie de tranquillité je sais pertinemment que je finirais par devenir violent physiquement et verbalement.

De plus que je ne vois la grossesse comme une sorte de parasitose, quelques choses qui te dévore de l'intérieur sans que tu l'es demandé, un être avec lequel tu va sentir une obligation quand il finira par inhalé sa première bouffé d'air. Pour moi l'avortement ou même la fausse couche me fait sourire et me donne un espoir que cette chose pourrais disparaitre et ne jamais revenir, sa propagation dans mon corps me donnant déjà des envie de violence et me rappelant un corps que je ne veux pas avec lequel je porte un dégoût intense. Je ne ressens aucun attachement à quelque chose que je n'ai jamais connu, ce n'est pas en me parlant que cette enfant pourrais avoir un avenir qui va me faire avoir plus d'empathie, à ce moment là il n'est rien et ne le sera jamais.

Je n'arrive pas à pleurer ou à vraiment être touché par la mort du nourrisson, je n'y arrive pas. Les enfants mort né son pour moi les pires, déjà que je ne considérait pas le bébé dans le ventre alors s'y il n'est même pas vivant en sortant je ne vois même pas en quoi je devrais être triste. Je ressens de l'empathie seulement pour les parents et les proches, je vois en quoi cela peut touché et amener à une profonde tristesse c'est juste que moi je n'arrive pas à l'expérimenté.

Je trouve les bébés pitoyable, quand on regarde le monde animal les nouveaux nés sont déjà capable de communiquer seulement après quelque jours ou semaines, pour l'humain cela prend des années et est profondément énergivore même si cela devient plus supportable après un certain temps.

Le fait de dire que nous avons tous été enfants ne me fait ni chaud ni froid, ce n' est qu'une simple excuse puéril pour moi. Si je me voyais enfant maintenant j'aurais probablement une réaction similaire, je ne vois aucune différence entre chaque bébé alors avec moi ce sera la même.

Bien sûr les enfants reste des être à Protéger, je ne dirais jamais le contraire mais je ne le ferai pas par empathie, je le ferai parce que c'est dans mes valeurs.

Pour ce projet je voulais donc montré une liberation à la disparition/mort de l'enfant mais aussi à la douleur de cette sensation de parasitose.

Les couleurs étant à connotation joyeuse avec des couleurs claires (première photo particulièrement) mais aussi avec des couleurs plus terne (deuxième photo) pour une sensation plus douce-amer de culpabilité toujours présente.

J'ai donc donner des forme plutôt organique autour du porte bébé pour cette idée de de parasite, je voulais d'ailleurs dans la deuxième photo qu'elle se propage aussi sur la personne présente pour montrer une conséquence mentale/physique toujours présente.

J'ai incrusté le mot parasite dans un coin des deux images pour être sûr que même sans ce texte on puisse au moins comprendre la grande idée de mon projet, je veux être sûr que l'on ne voie pas ce projet comme la "beauté" de la naissance de l'enfant ou quelque chose comme ça quand je pense absolument l'inverse.

Dans ce projet j'ai voulu représenter la présion du regarde des autres, qui est ou non sur nous, l'anxiété social, les personnes qui se soucient particulièrement de leur apparence, ou de leur action passé (bonne ou movaise, celon-elles ou non).

Talia

Assemblage

Construction

2.illusion

3.mélange

4.sens visuel , point de vue

Percer

Dévoiler

Maëva

Déchiré

Froissé

Structuré

2- assemblage

3- cacher

4- compression

Reliefs

Pliage

Superposition de couleur

-Évasion des émotions.

-Taches.

Mélanger

Contraster

Dégradée

Texturer

thématiques graves et sensibles.

incitation au déplacement du spectateur

-j'ai fais un avion, et j'ai essayer de dessiné dessus

Saturne

Une coquotte

Assembler/superposer/plier/