➤ Sociologique : il cartographie les acteurs (artistes, assistants, éditeurs, conservateurs, galeristes, curateurs, critiques, collectionneurs, public, financeurs), les chaînes de coopération et les règles partagées.

➤ Philosophique : il affirme qu’une chose devient art non par ses seules propriétés, mais par un cadre de reconnaissance et d’attribution de statut (discours, catégorisation, légitimation).

💬 « Un réseau de coopérations nécessaires à la production de l’œuvre » — Becker, 1982

💬« Pour voir quelque chose comme art, il faut une atmosphère de théorie. » — Danto, 1964

💬 « Est œuvre d’art tout artefact auquel des personnes agissant au nom du monde de l’art ont conféré ce statut. » — George Dickie, 1983

Le terme vient de maniera (“manière” en italien) et désigne à la fois le style raffiné et l’attitude consciente de l’artiste qui s’affirme comme créateur singulier.

💬 “La maniera est ce qui fait reconnaître le maître.” — Vasari, Vite, 1550

Elle ne se réduit pas à la contemplation passive : elle implique une activité de perception, d’émotion, d’interprétation et de mise en forme du sens.

💬 « Une expérience est esthétique quand les matériaux de la vie ordinaire sont transformés en une expérience complète, unifiée et significative. » — John Dewey, 1934

L’expérience esthétique se distingue donc du simple plaisir : elle engage la participation du sujet, la qualité de l’attention, et la transformation du vécu.

Contrairement à une esthétique purement visuelle ou intellectuelle, la soma-esthétique affirme que le corps n’est pas un simple médium, mais la condition même de toute expérience de l’art et du monde.

Elle engage donc une réflexion à la fois philosophique (sur la conscience incarnée), artistique (sur le geste et la performance) et quotidienne (sur la qualité du vivre).

💬 « La soma-esthétique est la critique, la cultivation et la quête d’une conscience corporelle améliorant à la fois notre savoir et notre manière d’être. » — Richard Shusterman, 2000

L’œuvre n’est plus considérée comme une fin en soi, mais comme un dispositif de rencontre, de dialogue, d’échange entre individus dans un contexte donné.
Elle s’inscrit dans un espace social partagé : l’œuvre = relation.

💬 « L’œuvre d’art est un état de rencontre. » — Nicolas Bourriaud, 1998

L’esthétique relationnelle analyse donc les formes d’art qui prennent pour horizon théorique et pratique la sphère des interactions humaines, comme les performances participatives, les repas collectifs, les situations de partage ou de conversation.

Chaque champ fonctionne selon ses propres règles, relativement autonomes par rapport aux autres sphères sociales (économique, politique, religieuse…).
L’art y est vu non comme une essence intemporelle, mais comme un produit historique d’interactions, de luttes symboliques et de positions sociales.

💬 « Le champ de production culturelle est un univers où se joue la valeur des œuvres et où se définit la légitimité de l’art. » — Pierre Bourdieu, 1971

Le concept permet de penser l’art comme un système de relations et non comme une simple addition d’individus ou d’œuvres.

Elle s’oppose à une conception unique et homogène du « monde de l’art » pour affirmer l’existence de mondes artistiques multiples, aux logiques culturelles, sociales, politiques et symboliques distinctes.

Cette pluralité renvoie à la fois :

• à la diversité des pratiques et des traditions artistiques (art contemporain, art brut, art populaire, art numérique, art non occidental, etc.) ;

• à la diversité des valeurs et critères de reconnaissance selon les milieux (institution, marché, collectif, spiritualité, thérapie, etc.) ;

• et à la diversité des ontologies culturelles qui façonnent le rapport au visible et au sensible.

💬 « Les mondes de l’art sont multiples, traversés par des logiques culturelles, économiques, politiques et symboliques. » — Howard S. Becker, 1982

💬 « Il n’existe pas un monde unique, mais des manières de faire des mondes. » — Nelson Goodman, 1978

Cette pluralisation ne contredit pas la notion de “monde de l’art”, elle l’élargit : elle permet de comprendre que l’art ne peut plus être défini selon un modèle unique, mais selon une constellation de mondes en dialogue, en tension ou en hybridation.

l’artiste contemporain n’invente plus des formes inédites, mais reprogramme, remixe et recontextualise des formes préexistantes issues de la culture visuelle, des médias ou d’Internet.

L’art ne repose plus sur la création d’un objet original, mais sur l’usage, la circulation et la réactivation d’images, d’objets ou de récits déjà produits.

L’artiste devient un DJ, un éditeur ou un monteur, travaillant à partir du flux culturel collectif.

💬 « L’artiste postproducteur ne crée plus à partir du néant, mais à partir d’un monde déjà codé. » — Nicolas Bourriaud, 2003

💬 « L’art contemporain élabore des modes d’emploi pour des formes existantes. » — Nicolas Bourriaud

Cette esthétique est liée à la société de l’information, du remix et de la culture numérique : l’œuvre devient un nœud dans un réseau de significations plutôt qu’un objet clos.

→ C’est une institution de monstration (au sens de Dickie / Danto), mais aussi un dispositif de légitimation internationale (Bourdieu, Moulin).

→ Elles structurent aujourd’hui les “mondes de l’art” (Becker) sous forme de réseaux globaux, d’acteurs, de commissaires et de marchés interconnectés.

👉 La peinture photogénique désigne une peinture qui prend la photographie comme point de départ.

• L’artiste ne peint pas directement le réel,

• il peint une image déjà médiatisée : photo de presse, photo intime, image trouvée, archive.

➡️ La peinture est “photogénique” parce qu’elle est pensée à partir de la photo, de ses cadrages, de ses flous, de son contraste, de son grain.

🟦 2. D’où ça vient ? (origine)

📸 Contexte historique

• Développement massif de la photographie au XXᵉ siècle

• Explosion des images : presse, télévision, archives, médias

• La peinture ne peut plus ignorer la photo

👉 Question centrale :

Pourquoi peindre encore, quand la photographie existe ?

La peinture photogénique répond à cette crise :
➡️ elle ne concurrence pas la photo, elle la digère, la transforme, la met à distance.

🟦 3. Idée clé à retenir

👉 On ne peint plus le monde, on peint des images du monde.

La peinture devient :

• réflexive

• critique

• consciente de son retard, de son filtre, de sa médiation

📚 Cette idée est formulée notamment par Michel Foucault dans son texte La peinture photogénique :

la peinture travaille après l’image photographique, et non plus avant elle.

🟦 4. Caractéristiques plastiques

On retrouve souvent :

• 📷 cadrages photographiques (zoom, coupe, hors-champ)

• 🌫 flou, effacement, zones indécises

• 🎞 effet d’archive, de mémoire, de distance

• 🎨 peinture peu expressive, froide, retenue

• ⏳ sentiment de temps passé, d’image déjà vue

➡️ La peinture ne cherche pas l’illusion, mais la trace.

🟦 5. Ce que ça interroge (enjeux)

• Le statut de l’image

• La mémoire (individuelle / collective)

• La vérité des images

• La médiation du réel

• Le rapport peinture / photographie

• La distance émotionnelle

👉 La peinture photogénique n’est pas nostalgique, elle est lucide.

🟦 6. Exemples d’artistes incontournables

🎨 Gerhard Richter

• Peint à partir de photos privées ou médiatiques

• Flou volontaire

• Met en crise la vérité de l’image

🎨 Francis Bacon

• Utilise des photos (Muybridge, presse, portraits)

• Déforme l’image photographique

• La photo devient matière de violence picturale

🎨 Marlene Dumas

• Peint à partir de photos trouvées

• Corps, visages, affects

• Distance émotionnelle + intensité

🎨 Luc Tuymans

• Images pauvres, effacées

• Souvent liées à l’histoire, à la mémoire traumatique

• La peinture comme image affaiblie

🟦 7. Phrase clé pour dissertation

👉 La peinture photogénique ne représente plus directement le réel, mais interroge la circulation, la mémoire et la fiabilité des images photographiques.

🟦 Ultra-synthèse (à apprendre par cœur)

🧠 Peinture photogénique =

Peinture contemporaine qui prend la photographie comme source, non pour la copier, mais pour réfléchir à l’image, à la mémoire et à la médiation du réel.

👉 La figuration désigne toute forme d’art qui représente des figures reconnaissables du monde réel.

• corps

• visages

• objets

• scènes

• lieux

➡️ Une œuvre figurative renvoie à quelque chose d’identifiable, même si cette représentation est déformée, stylisée ou fragmentée.

🟦 2. D’où vient la notion ?

📜 Origine du terme

• Du latin figura : forme, apparence, contour.

• La figuration est le mode dominant de l’art occidental jusqu’au XXᵉ siècle.

🎨 Contexte historique

• Pendant des siècles, l’art est figuratif par défaut.

• La rupture arrive avec l’abstraction au début du XXᵉ siècle.

• Dès lors, figuration et abstraction deviennent deux pôles de pensée, non deux catégories fixes.

🟦 3. Idée clé à retenir

👉 La figuration ne signifie pas réalisme.

• Une œuvre peut être :

  • figurative et déformée

  • figurative et symbolique

  • figurative et expressive

➡️ Ce qui compte : la reconnaissance, pas la fidélité.

🟦 4. Figuration ≠ imitation

La figuration :

• ne copie pas le réel

• interprète, transforme, met en scène

📌 On peut figurer :

• une émotion

• une idée

• une mémoire

• un événement politique

• un traumatisme

🟦 5. Figuration et crise au XXᵉ siècle

Avec l’abstraction (qui émerge vers 1910 avec Kandisky) :

• la figuration est accusée d’être :

  • académique

  • narrative

  • dépassée

➡️ Pourtant, elle ne disparaît jamais.

À partir des années 1960 :

• retour de la figuration sous de nouvelles formes :

  • critique

  • politique

  • subjective

  • ironique

🔎 La figuration avant 1910 (avant l’abstraction)

Avant 1910, la figuration est le mode dominant et évident de l’art.
Elle repose majoritairement sur :

• la représentation du réel,

• la ressemblance,

• la lisibilité du sujet.

Même lorsque les styles évoluent (réalisme, impressionnisme, post-impressionnisme), la figure reste identifiable (corps, paysages, scènes de vie).

🟦 6. Différentes formes de figuration

🔹 Figuration classique

• ressemblance, illusion

• perspective, anatomie

🔹 Figuration expressive

• déformation

• subjectivité

• corps violenté

🔹 Figuration narrative

• image + récit

• engagement politique

• critique sociale

🔹 Figuration contemporaine

• images médiatiques

• photographie

• mémoire, archives

• distance, effacement

🟦 7. Artistes repères (exemples)

• Francis Bacon → corps déformé, violence existentielle

• Gerhard Richter → figuration / abstraction, photo-peinture

• Marlene Dumas → figures fragiles, affectives

• Bernard Rancillac → figuration politique

• Luc Tuymans → figuration affaiblie, mémoire

🟦 8. Phrase clé pour la dissertation

👉 La figuration ne consiste pas à imiter le réel, mais à produire des figures capables de faire sens dans un contexte historique, politique ou subjectif.

🟦 Ultra-synthèse (à apprendre par cœur)

🧠 Figuration =

Mode de représentation fondé sur la reconnaissance de figures, qui peut être réaliste ou déformé, narrative ou silencieuse, expressive ou critique.

🔎 Précision essentielle sur la notion de “figure”

👉 La figure n’est pas forcément un portrait, ni même un être humain.

En art, la figure désigne toute forme reconnaissable, qu’elle soit :

• humaine ou non humaine,

• réelle ou fictive,

• naturaliste ou stylisée.

➡️ Une figure peut donc être :

• un personnage de dessin animé,

• un animal,

• une silhouette,

• une icône médiatique,

• un corps fragmenté,

• un personnage imaginaire ou symbolique.

👉 Ce qui définit la figuration, ce n’est pas l’humanité du sujet, mais la reconnaissance.

🎯 Phrase parfaite pour l’oral / la dissert

La figuration ne se limite pas à la figure humaine : elle inclut aussi le paysage et la nature morte, dès lors que le motif reste reconnaissable.

👉 Le structuralisme strict est une approche théorique qui considère que le sens ne vient pas des choses elles-mêmes, mais des relations qu’elles entretiennent entre elles dans un système.

➡️ On ne cherche ni l’intention de l’auteur,
➡️ ni l’émotion du spectateur,
➡️ ni le contexte historique immédiat,
mais la structure interne qui organise l’ensemble.

🟦 2. D’où ça vient ? (origines)

🔹 Linguistique (fondement majeur)

Le structuralisme naît avec Ferdinand de Saussure.

Idée clé :

• le langage est un système de signes

• chaque signe n’a de sens que par différence avec les autres

un mot ne signifie pas par nature, mais par opposition aux autres mots.

🔹 Extension aux sciences humaines (années 1950–1960)

Le modèle linguistique est appliqué à :

• l’anthropologie → Claude Lévi-Strauss

• la critique → Roland Barthes

• la psychanalyse (version structurale)

• l’histoire de l’art et l’esthétique

🟦 3. Ce que veut dire “strict”

👉 Structuralisme strict = application rigoureuse et fermée du modèle

Cela implique :

• ❌ refus du sujet (artiste, spectateur)

• ❌ refus de l’expressivité

• ❌ refus de l’histoire vécue

• ❌ refus du contexte social immédiat

✔️ priorité absolue à :

• la forme

• l’organisation

• les oppositions

• les règles internes

🟦 4. Principes fondamentaux

🧠 1. Le sens est relationnel

Une forme n’a de sens qu’en relation avec les autres formes.

🧠 2. Le système prime sur l’individu

L’œuvre est un ensemble autonome, régi par ses propres lois.

🧠 3. Structure > contenu

Ce qui compte, ce n’est pas ce que ça raconte, mais comment c’est construit.

🧠 4. Analyse synchronique

On étudie le système à un moment donné, pas son évolution historique.

🟦 5. Application aux arts plastiques

Dans une approche structuraliste stricte, on analyse :

• les relations de formes

• les répétitions

• les oppositions

• les séries

• les modules

• les règles de construction

➡️ Le sens est dans la structure, pas dans le sujet représenté.

🟦 6. Exemples typiques (logique structuraliste)

• Art minimal

• Art conceptuel analytique

• Systèmes modulaires

• Séries répétitives

• Grilles

• Protocoles visuels

👉 L’œuvre fonctionne comme un langage visuel autonome.

🟦 7. Limites et critiques

Le structuralisme strict est critiqué car il :

• élimine le sensible

• efface l’émotion

• neutralise le politique

• ignore l’histoire et le contexte

➡️ À partir des années 1970 :

• montée du post-structuralisme

• retour du sujet, du corps, du contexte, du pouvoir

🟦 8. Phrase clé pour la dissertation

Le structuralisme strict analyse l’œuvre comme un système autonome de relations formelles, dans lequel le sens émerge de la structure elle-même et non de l’intention, du sujet ou du contexte.

🟦 Ultra-synthèse (à apprendre par cœur)

🧠 Structuralisme strict =

Une approche qui considère l’œuvre comme un système fermé de signes, où le sens naît uniquement des relations internes entre les formes.

⚠️ À ne pas confondre

• ❌ structuralisme strict

• ✔️ usages structuralistes souples (art, sémiologie, analyse critique)

Si tu veux, je peux enchaîner avec :

• structuralisme vs post-structuralisme

• structuralisme et art minimal

• pourquoi le structuralisme est remis en cause après 1968

• structuralisme vs figuration expressive

👉 Chez Roland Barthes, le mythe n’est pas un récit ancien,
mais une construction idéologique moderne.

➡️ Le mythe est un discours qui :

• transforme une réalité historique et culturelle

• en quelque chose de naturel, évident, normal.

🧠 Formule clé :

Le mythe fait passer la culture pour de la nature.

🟦 2. D’où vient cette idée ?

📚 Roland Barthes – Mythologies (1957)

Barthes analyse :

• la publicité

• les médias

• les images populaires

• les objets du quotidien

👉 Il montre que la société moderne produit ses propres mythes, sans dieux ni héros antiques.

🟦 3. Comment fonctionne le mythe ?

Le mythe est un second niveau de sens.

🔹 1. Premier niveau : le signe

• une image

• un objet

• une photographie
  → décrit quelque chose

🔹 2. Second niveau : le mythe

• ce signe est chargé d’une idéologie

• qui devient invisible

➡️ On ne voit plus une construction,
➡️ on croit voir une évidence.

🟦 4. Ce que fait le mythe

Le mythe :

• simplifie le réel

• neutralise la complexité

• efface l’histoire

• dépolitise

👉 Il naturalise des valeurs sociales, économiques ou politiques.

🧠 Concrètement

La publicité, les médias, les images produisent des mythes quand :

• consommer = être heureux

• réussir = mériter

• un certain corps = la norme

• le progrès = forcément positif

➡️ Ces idées ne sont pas expliquées, elles sont montrées comme naturelles.

C’est ça, pour Roland Barthes :

le mythe moderne fait passer la culture pour la nature.

Ex. Le mythes nous fait croire que :

• la consommation = bonheur

• le corps idéal = norme

• le progrès = évidence

• la célébrité = mérite

🟦 5. Le mythe est moderne et quotidien

⚠️ Important pour l’agrégation :

Chez Barthes, le mythe :

• n’est pas ancien

• n’est pas sacré

• n’est pas religieux

👉 Il est :

• médiatique

• visuel

• banal

• omniprésent

➡️ Le mythe est partout où il y a image.

🟦 6. Lien avec l’art et l’image

L’art contemporain peut :

• reproduire le mythe (sans distance),

• ou le dévoiler.

👉 Déconstruire un mythe, c’est :

• montrer qu’il est fabriqué,

• révéler son idéologie cachée.

➡️ Beaucoup d’artistes travaillent contre le mythe, en montrant :

• les stéréotypes,

• les normes,

• les évidences imposées.

🟦 7. Phrase clé parfaite pour la dissert

Pour Roland Barthes, le mythe est un discours idéologique qui transforme une construction culturelle en évidence naturelle.

🟦 Ultra-synthèse (à apprendre par cœur)

🧠 Mythe (Barthes) =

Un système de représentation qui fait passer des valeurs culturelles et idéologiques pour naturelles et évidentes.

⚠️ À ne pas confondre

• ❌ mythe antique

• ❌ mythe symbolique universel

• ✔️ mythe comme idéologie naturalisée

👉 Le marxisme est une théorie philosophique, économique et politique qui analyse la société à partir :

• des rapports économiques,

• des rapports de classe,

• des conditions matérielles de production.

➡️ Il cherche à comprendre comment les inégalités sociales se produisent et se reproduisent dans les sociétés capitalistes.

🟦 2. Origine

📚 Karl Marx (avec Friedrich Engels)

XIXᵉ siècle, contexte :

• révolution industrielle

• exploitation ouvrière

• développement du capitalisme

👉 Le marxisme naît comme critique du capitalisme.

🟦 3. Idée centrale (à retenir absolument)

👉 Ce sont les conditions matérielles d’existence qui déterminent la société, et non les idées abstraites.

🧠 Formule clé :

Ce n’est pas la conscience des hommes qui détermine leur existence, mais leur existence sociale qui détermine leur conscience.

🟦 4. Concepts fondamentaux

🔹 a) Infrastructure / superstructure

• Infrastructure : économie, travail, production

• Superstructure : culture, politique, religion, art, idéologies

➡️ La superstructure reflète et justifie l’infrastructure.

🔹 b) Lutte des classes

La société est traversée par des conflits entre classes sociales :

• dominants / dominés

• bourgeoisie / prolétariat

➡️ L’histoire est une histoire de luttes de classes.

🔹 c) Idéologie

👉 L’idéologie est un discours qui masque les rapports de domination.

➡️ Elle fait apparaître l’ordre social comme :

• naturel

• juste

• inévitable

📌 L’idéologie rejoint ici la notion de mythe (Barthes).

🔹 d) Aliénation

Le travailleur est séparé :

• du produit de son travail

• du sens de son activité

• de lui-même

➡️ Le travail devient contrainte, non émancipation.

🟦 5. Le marxisme et la culture / l’art

Dans une lecture marxiste :

• l’art n’est jamais neutre

• il est lié :

  • à une classe sociale

  • à un système économique

  • à une idéologie dominante

👉 L’art peut :

• reproduire l’idéologie dominante

• ou la critiquer

🟦 6. En art (XXᵉ siècle)

Le marxisme influence :

• l’art engagé

• l’art politique

• la critique de la société de consommation

• la figuration critique (années 1960)

➡️ L’art devient un outil de dévoilement des rapports de domination.

🟦 7. Ce que le marxisme critique

• le capitalisme

• l’exploitation

• la marchandisation

• la naturalisation des inégalités

👉 Il cherche à rendre visibles les structures invisibles du pouvoir.

🟦 8. Limites et critiques

• réduction possible de l’art à l’économie

• oubli du sensible, de l’individuel

• lectures parfois trop déterministes

➡️ D’où des usages marxistes souples, pas stricts.

🟦 Phrase clé pour la dissertation

Le marxisme analyse l’art et la culture comme des productions inscrites dans des rapports économiques et idéologiques, susceptibles soit de reproduire, soit de critiquer les structures de domination.

🟦 Ultra-synthèse (à apprendre par cœur)

🧠 Marxisme =

Une théorie critique qui analyse la société à partir des rapports économiques et des luttes de classes, et qui considère la culture et l’art comme des lieux d’idéologie ou de contestation.

🧠 Comment le marxisme se manifeste dans la figuration ?

On retrouve des idées marxistes quand la figuration :

✔️ 1. Dénonce l’idéologie

• images publicitaires

• discours politiques

• mythes médiatiques
  ➡️ proche de Marx et de Barthes.

✔️ 2. Critique la société de consommation

• objets

• marchandises

• images standardisées
  ➡️ lien direct avec la marchandise et le fétichisme.

✔️ 3. Montre les rapports de classe

• domination

• violence sociale

• pouvoir institutionnel

✔️ 4. Refuse l’art comme pur plaisir esthétique

• art comme outil de lecture du réel

• art situé historiquement et socialement

👉 L’artification désigne le processus par lequel une pratique, un objet ou une activité qui n’était pas considérée comme de l’art devient reconnue comme telle.

➡️ Ce n’est pas une qualité intrinsèque, mais une transformation de statut.

📌 L’artification concerne :

• des pratiques populaires

• des pratiques marginales

• des pratiques utilitaires ou artisanales

➡️ qui entrent progressivement dans le champ de l’art.

🟦 2. Origine du concept

📚 Concept développé par Nathalie Heinich et Roberta Shapiro
📖 De l’artification. Enquêtes sur le passage à l’art (2012)

👉 Le terme apparaît dans le champ de la sociologie de l’art, pas dans l’esthétique classique.

➡️ Il sert à analyser comment l’art se fabrique socialement.

🟦 3. Idée centrale (à retenir absolument)

👉 L’art n’est pas une essence, mais le résultat d’un processus social, institutionnel et symbolique.

🧠 Formule clé :

Ce n’est pas l’objet qui est art, mais le regard, le cadre et les dispositifs qui l’artifient.

🟦 4. Concepts fondamentaux

🔹 a) Changement de statut

Une pratique devient art quand elle passe :

• de l’usage → à la contemplation

• de la fonction → à la valeur symbolique

• du quotidien → à l’espace artistique

🔹 b) Rôle des institutions

L’artification passe par :

• musées

• galeries

• critiques

• historiens

• collectionneurs

• marché de l’art

➡️ Sans reconnaissance institutionnelle, pas d’artification durable.

🔹 c) Dispositif de monstration

Le lieu et le cadre sont déterminants :

• musée

• white cube

• exposition

• catalogue

• cartel

➡️ Le même objet change de sens selon son dispositif.

🔹 d) Discours légitimateur

L’artification s’appuie sur :

• textes critiques

• théories

• récits historiques

• comparaisons avec l’art « légitime »

📌 Le langage est un outil d’artification.

🟦 5. Exemples typiques d’artification

👉 Pratiques souvent citées :

• graffiti → street art

• bande dessinée

• photographie

• design

• mode

• tatouage

• performance

• art brut

➡️ Ces pratiques ont connu une entrée progressive dans les musées.

🟦 6. Artification et art contemporain

Dans l’art contemporain :

• les frontières de l’art sont ouvertes

• l’innovation passe souvent par l’artification

• le geste artistique peut précéder la reconnaissance

➡️ L’art contemporain fonctionne comme un laboratoire d’artification.

🟦 7. Ce que l’artification remet en cause

✔️ l’idée d’un art éternel et universel
✔️ les critères classiques du beau
✔️ la séparation art / non-art
✔️ la hiérarchie entre arts majeurs et mineurs

👉 Elle montre que l’art est historiquement et socialement construit.

🟦 8. Limites et critiques

⚠️ Critiques fréquentes :

• récupération institutionnelle

• normalisation de pratiques subversives

• perte du sens initial

• marchandisation

➡️ Artifier, c’est parfois neutraliser.

🟦 Phrase clé pour la dissertation

L’artification montre que l’art n’est pas une essence mais un processus, produit par des dispositifs, des discours et des institutions qui transforment une pratique ordinaire en œuvre d’art reconnue.

🟦 Ultra-synthèse (à apprendre par cœur)

🧠 Artification =
Processus par lequel une pratique non artistique acquiert le statut d’art par reconnaissance institutionnelle, transformation du regard et dispositifs de légitimation.

🧠 Comment mobiliser l’artification à l’écrit (agrég)

✔️ Pour montrer que :

• l’art contemporain élargit sans cesse ses frontières

• le musée produit du sens

• l’art est un fait social

✔️ Pour articuler avec :

• institution artistique

• champ de l’art

• ready-made

• art brut

• street art

• critique du white cube

réfèrent a deux textes connues

Bacon et Ingres intr...

Intertextualité religieuse --> ressemble aux icones (femmes qui tient son enfants d'une certaines manière)...