Www.edibleneststudio.com

@edible_nest_studio

Formerly associated with School of the Museum of Fine Arts @ TUFTS UNIVERSITY, Boston, USA

https://adbk-nuernberg.de/news/das-ausstellungsprogramm-fur-den-winter-2025-2026

Dieser Dialog eröffnet einen vielschichtigen Einblick in die künstlerische Praxis sowie die unterschiedlichen Lehransätze der Maltechnik an verschiedenen Hochschulen.

Im Fokus stehen die verschiedenen Herangehensweisen maltechnischer Anliegen. Diese erweitern sich aktuell um Fragen der Nachhaltigkeit von Materialien, Ökonomie und Professionalisierung, des Wissensaustausches sowie nach dem Verhältnis von Malerei und Digitalität ebenso wie KI als auch thematisch um genderspezifische Aspekte.

Leiter*innen aus dem Bereich der Restaurierung sind ebenfalls im Netzwerk und an der Ausstellung beteiligt. Sie zeigen ein Werk aus dem Bereich der Restaurierung oder Konservierung, wodurch die Schnittstelle zwischen zeitgenössischer Malerei und der Bewahrung von Kunstwerken thematisiert wird.

An der Ausstellung beteiligt sind neben der AdBK Nürnberg u.a. die AdBK München, die AdBK Stuttgart, HfG Offenbach, die Alanus Hochschule für Kunst und Gesellschaft, Mannheim, die HBK Braunschweig, die HfK Bremen, die HfBK Dresden, die Universität Duisburg-Essen, das Royal Institute of Art, Stockholm, Schweden, die Universität Siegen, die University of Tsukuba, Japan.

It offers 14 specialized fields, including Fine Art, Design, Craft, and Art Studies. Combining studio practice and theory in an international and interdisciplinary environment, the Institute aims to foster both researchers and professional practitioners, with a distinct approach compared to typical fine art academies.

Akademie der Bildenden Künste Nürnberg

Caroline Streck: info@carolinestreck.de,

Universität Siegen

Gesine Kikol: gesine.kikol@uni-duisburg-essen.de
,

Universität Duisbug-Essen

Titel:

Surface Matter

Adresse:

Akademie Galerie Nürnberg

Hauptmarkt 29, 90403 Nürnberg

Ausstellungseröffnung:

Freitag, 16. Januar 2026

19 Uhr

Ausstellungsdauer:

17. Januar bis 1. Februar 2026

Öffnungszeiten:

Mittwoch - Sonntag, 14:00 - 19:00 Uhr

An Feiertagen geschlossen.

Titel:

Materials x Crossing Borders

Adresse:

University of Tsukuba

Institute of Art & Design

University Hall & 30th Anniversary Hall

Amakubo 3-chome, Tsukuba, Ibaraki 305-0005, Japan

Ausstellungseröffnung:

1. Oktober 2026

Ausstellungsdauer:

1. bis 10. Oktober 2026

Öffnungszeiten:

Montag - Freitag, 9:00-19:00 Uhr

Titel:

Surface Matter

Adresse:

Royal Institute of Art, Stockholm, Schweden

Ausstellungseröffnung:

2026 oder 2027

@annettstenzel_music.film.art

@adbk_nuernberg

@werkstatt_fuer_malerei_adbk

@ccarolinestreck

@gesine.kikol

@geiwi_ude

@bettischolz

@alanushochschule_mannheim

@alanushochschule

@kristina.janni.stahl

@maja_drachsel

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@giaschramm

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@tsukuba_youga

@edible_nest_studio

@borisberber

Studierende:

@carooxly

@evawochnerart

@ninaaa_lu

@aleynapaz

@katrinalpennington

@virginia__lorenzetti

@dorobaru

@jacinthanolte

@satu.soininen

@musszumbus

@mercedescorvinus

@schau.mi

@fey.bradt

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@karolinkirchhof

@cosimadaum

@robinwienhold

@_lln.k

@raw.mugen

@soerenfritzsch

@kimguendel

@valerie_buchholz

@kaito_m.rita

@nie_julian

Foto: Gesine Kikol, 2025

Email: gesine.kikol@uni-duisburg-essen.de

Instagram: gesine.kikol

Homepage: www.gesinekikol.de

Homepage Hochschule: https://www.uni-due.de/kunst-kuwiss/kuk_home.shtml

Gesine Kikol arbeitete an bisher vier verschiedenen Hochschulen als Dozentin für Malerei.

Von 2008 bis 2015 als Künstlerische Mitarbeiterin an der Alanus Hochschule für Kunst und Gesellschaft, von 2013 bis 2015 als Lehrbeauftragte im Orientierungsbereich der Kunstakademie Düsseldorf, von 2014 bis 2022 als LfbA an der Universität zu Köln am Institut für Kunst und Kunsttheorie und seit 2022 als LfbA an der Universität Duisburg-Essen am Institut für Kunst und Kunstwissenschaft als Gründerin und Leiterin der Malerei-Werkstatt.

"Malerei-Werkstatt - Die Lust zu malen"

Acryl auf Leinwand

100 x 140 cm

2025

Die Luft in der Werkstatt knistert vor Anspannung, Hoffnung, Enttäuschung, Scheitern und Begeisterung – vor allem aber spürt man die ungebändigte Lust am Schaffen.

In feiner schwarzer Tusche festgehalten und mit einer reduzierten Palette aus gebrannter Grüner Erde, lachsrosa Zirkonrot und Sand koloriert, zeigt das Bild eine präzise Beobachtung des realen Ortes der Malerei-Werkstatt und zugleich eine liebevolle Übersetzung seiner Atmosphäre.

Die Ratten werden zu Gefährt*innen, die sich durch die Arbeit und die Nacht tragen; sie denken in Farben und Bildern – im Vertrauen darauf, dass aus Farbe immer wieder Welt entsteht und dass das Glück, wie so oft, im Tun selbst liegt.

Gesine Kikol, 2025

1_ Miriam Thomahsen

Instagram: @mito__art__

Email: miriam.thomahsen@stud.uni-duisburg-essen.de

2_ Julia Paton

Instagram: @art.with.jp

Email: julia.paton@stud.uni-duisburg-essen.de

3_ Tim Schmiedel

Instagram: @hellbornchild

Email: tim.schmiedel@stud.uni-duisburg-essen.de

Email: info@carolinestreck.de

Instagram: @ccarolinestreck

Homepage: www.carolinestreck.de

Homepage Hochschule: www.kunst-uni-siegen.de

Email:

hoshi.mika.kb@u.tsukuba.ac.jp

Instagram: @hoshi__mika

Course HP: https://www.geijutsu.tsukuba.ac.jp/youga/

Course Instagram: @tsukuba_youga

Email: stenzel@adbk-nuernberg.de

Instagram: @annettstenzel_music.film.art

Homepage: www.annettstenzel.net

Homepage Hochschule: https://adbk-nuernberg.de/akademie/lehrpersonal/annett-stenzel

Email: bettina.scholz@alanus.edu

Instagram: instagram.com/bettischolz

Homepage: https://bettinascholz.de

Homepage Hochschule: https://www.alanus.edu/de/hochschule/menschen/detail/bettina-scholz

Der Fachbereich Bildungswissenschaft der Alanus Hochschule hat die Aufgabe der wissenschaftlichen und künstlerischen Bildung und Forschung, insbesondere der beruflichen Qualifikation in den Bereichen Lehrerbildung, Pädagogische Praxisforschung, Heilpädagogik und Kindheitspädagogik. Dazu werden Studiengänge im pädagogischen und künstlerischen Feld angeboten, die auf eine berufliche Tätigkeit in Schulen, Kindergärten, heilpädagogischen Einrichtungen und weiteren pädagogischen Feldern vorbereiten. Zentrales Anliegen der pädagogischen Studiengänge ist die dialogische Verbindung von Reform- und Waldorfpädagogik und allgemeiner Erziehungswissenschaft.

Seit August 2014 hat die Alanus Hochschule für Kunst und Gesellschaft mit dem Institut für Waldorfpädagogik, Inklusion und Interkulturalität auch einen Standort in Mannheim.

Seit 2021 hat sie im Fachbereich Bildungswissenschaften der Alanus Hochschule für Kunst und Gesellschaft (Alfter/Mannheim) eine Professur für Malerei und Zeichnung inne, in der sie interdisziplinär und studiengangsübergreifend maltechnische, freikünstlerische und kunstdidaktische Lectures und Workshops realisiert.

Das Arbeiten mit Skizzenbüchern regt eine prozessuale Form künstlerischen Denkens an. In der künstlerischen Lehre dient das Skizzenbuch als Labor des Sehens, als Speicher von Prozessen und als Werkzeug der Selbstbeobachtung. Durch die Verwendung von Materialien wie Aquarellstiften, Pastell- und Ölkreiden, Zeichenkohle oder verschieden starken Bleistiften kann die Materialintuition spielerisch geschult und der Zugriff auf mögliche größere Malerei- und Kunstprojekte radikaler und mutiger werden. Im Zentrum steht nicht das fertige Werk, sondern die Erforschung des eigenen Sehens und Handelns. Die Skizzenbuchpraxis eröffnet einen Raum für das Unfertige und Vorläufige, kann aber zugleich auch neue Ideen aus der Taufe heben und vorbereitende Entwürfe konkretisieren. Das besonders kleine Format der verwendeten Bücher ist bewusst gewählt: es zeichnet sich durch eine beiläufige Selbstverständlichkeit und Mobilität aus und findet deshalb weitaus häufiger Anwendung im alltäglichen Praktizieren als größere Formate.

Teilnehmende:

The Sketchbook Collective ist ein offener und sich ständig wandelnder Zusammenschluss von Studierenden der künstlerischen Grundlagen-Lehre, initiiert von Prof. Bettina Scholz (Alanus Hochschule). In jahrgangs-und fächerübergreifenden Workshops wird das Skizzenbuch in Hinblick auf Bildung für nachhaltige Entwicklung und Kreativitätsforschung kontextualisiert und untersucht. Hierarchielos und gleichberechtigt stehen dabei Skizzenbücher aus dem Bereich der Bildenden Kunst neben solchen aus pädagogischen Studiengängen, wie der Kunst-,Musik-,Waldorf- oder Heilpädagogik. Angedacht ist, das Kollektiv um weitere Studierende anderer Fachrichtungen wie z.B. Architektur, zu erweitern. The Sketchbook-Collective sieht künstlerisches Arbeiten nicht als exklusiven Raum Einzelner, sondern als lernende Bewegung, als Freiraum und Ort der Ideenentwicklung für alle, die Ideen suchen und haben. Für die Ausstellung Surface Matter der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg setzt sich die Gruppe aus Prof. Bettina Scholz und den Studierenden Sami-Mohammed Ayed, Paul Höfer, Valentin Kittel, Paulin Schlageter, Michaela Sattler, Kayra Sirin zusammen. Performance zur Eröffnung (New Style HipHop meets Drawing): Sami-Mohammed Ayed. Fotos/Videos/Reels: Sören Fritzsch

Statement (English)

Working with sketchbooks stimulates a processual form of artistic thinking. In artistic teaching, the sketchbook serves as a laboratory for seeing, as a repository for processes, and as a tool for self-observation.

By using materials such as watercolor pencils, pastel and oil pastels, charcoal, or pencils of varying thicknesses, material intuition can be trained in a playful way and access to potentially larger painting and art projects can become more radical and courageous. The focus is not on the finished work, but on exploring one's own vision and actions in the medium of drawing and painting. Sketchbook practice opens up a space for the unfinished and provisional, but at the same time can also give birth to new ideas and concretize preparatory drafts. The particularly small format of the books used is a conscious choice: it is characterized by a casual naturalness and mobility and is therefore used much more frequently in everyday practice than larger formats.

Participants:

The Sketchbook Collective is an open and constantly evolving association of students of basic art education, initiated by Prof. Bettina Scholz (Alanus University). In interdisciplinary workshops spanning different age groups, the sketchbook is contextualized and examined with regard to education for sustainable development and creativity research. In a non-hierarchical and egalitarian manner, sketchbooks from the field of fine arts are placed alongside those from educational courses such as art, music, Waldorf, or curative education. There are plans to expand the collective to include students from other disciplines such as architecture. The Sketchbook Collective does not see artistic work as an exclusive space for individuals, but as a learning movement, a free space and a place for the development of ideas for all those who seek and have ideas. For the exhibition Surface Matter at the Academy of Fine Arts in Nuremberg, the group consists of Prof. Bettina Scholz and students Sami-Mohammed Ayed, Paul Höfer, Valentin Kittel, Paulin Schlageter, Michaela Sattler, and Kayra Sirin. Performance at the opening (New Style HipHop meets Drawing): Sami-Mohammed Ayed. Photos/videos/reels: Sören Fritzsch

E-mail: Sami-Mohammed.Ayed@student.alanus.edu

valentin.kittel@student.alanus.edu

s-fritzsch@web.de

Kayra.Sirin@student.alanus.edu Michaela.Sattler@student.alanus.edu

Paulin.Schlageter@student.alanus.edu Paul.Hoefer@student.alanus.edu

bettina.scholz@alanus.edu

Wir zeigen kleine Skizzenbücher von fünf meiner Studierenden + eins von mir. Die Bücher sind nur 20x15 cm und werden eventuell in einer Vitrine ausgestellt. Ein Monitor auf dem Boden zeigt die einzelnen Zeichnungen im Loop.

We are exhibiting small sketchbooks by five of my students + one by me. The books are only 20x15 cm and may be displayed in a showcase. A monitor on the floor shows the individual drawings in a loop.

Email: kristina.janni.stahl@kkh.se

Instagram: kristina.janni.stahl

Homepage Hochschule: https://kkh.se/en/about/staff/kristina-janni-stahl/

Email: juleruether@gmail.com

Instagram: julia.ruether

Homepage: https://juliaruether.de/juliaruether/

Homepage Hochschule:

https://www.udk-berlin.de/person/julia-ruether/

Malereistudium an der Kunstakademie Düsseldorf bei Albert Oehlen und Peter Doig, Stipendiatin der Konrad-Adenauer-Stiftung, Vermittlungsarbeit an den Häusern der Nationalgalerie Berlin, Künstlerische Mitarbeiterin an der Hochschule für bildende Künste in Dresden, Mitglied des MalerinnenNetzWerks Berlin- Leipzig, seit 2019 Mitarbeiterin fbA an der Universität der Künste, Leiterin der Werkstatt für Maltechnik.

In zahlreichen Sammlungen und Ausstellungen national und international vertreten.

Fragen von Umweltschutz, Nachhaltigkeit und Gesundheit begleiten die Lehre und fließen in die Auseinandersetzung mit alternativen Bindemitteln und Malgründen mit ein. Ich möchte die Studierenden ermutigen, offen für Neues und Ungewöhnliches zu sein, neugierig und erfinderisch mit malerischen Verfahren zu experimentieren und Material als aktiven Träger künstlerischer Erkenntnis zu begreifen.

She supervises a small group of senior undergraduate and graduate students, focusing on the relationship between painting materials, techniques, and pictorial expression. Student projects range from research on historical tempera recipes to studies of contemporary and hybrid materials, developed alongside their graduation and master’s works.

In her own practice, Hoshi combines tempera grassa, oil, acrylic, washi paper, and metal leaf, creating a hybrid approach that links Western painting techniques with Japanese materials. Her research on tempera revival and historical and contemporary media aims to propose sustainable and innovative methods through an artistic-experimental approach.

Title: The Subtle Wind

tempera, acrylic, silver and gold leaf, on Japanese paper, mounted on panel

size:27.3×27.3cm

2025

Artist Statement

In this work, I make use of the texture of washi (traditional Japanese paper) and the fluid yet extensible properties of tempera grassa to create soft, diffused transitions. I also incorporate traditional Japanese metal leaf techniques, such as chemically patinating silver leaf through sulfuration and sprinkling sunago.
Japan has a long tradition of painting based on water-based media, paper, and metal leaf, and I see a strong affinity between these practices and tempera techniques. Through this work, I explore this point of connection by combining washi and metal leaf with tempera grassa in a single pictorial process.

2001 Born in Japan
Lives in Tsukuba
Graduated from the University of Tsukuba, School of Art and Design, Oil Painting Course
Currently enrolled in the Master’s Degree Program (1st year), Institute of Art and Design, University of Tsukuba

2. Aya Maeda

2002 Born in Japan
Lives in Tsukuba
Graduated from Shinshu University, Faculty of Education, Art and Handicraft / Art Education Course
Currently enrolled in the Master’s Degree Program (1st year), Institute of Art and Design, University of Tsukuba

tempera, oil on canvas

size:27.3×27.3cm

2025

Artist Statement
This work explores unique material expressions using Mixed White, a hard, impasto-suitable oil tempera. This Mixed White is prepared by blending tempera paste containing white pigment with an equal to double amount of white oil paint.
My research examines the formulation and expressive effects of impasto-capable tempera paints during the Tempera Revival period. As part of this research, this work is based on the Mixed White proposed by Max Doerner. It is an attempt to depict the fluctuations of space through the material shadows created by a thick undercoat that leaves visible brushstrokes.

E-Mail: Lisa.afken@hfbk-hamburg.de

Homepage Hochschule:

www.hfbk-hamburg.de

Email: u.siemens@hbk-bs.de

Instagram: uwe.siemens

Homepage: www.uwesiemens.de

Homepage Hochschule: https://www.hbk-bs.de/infrastruktur/werkstaetten/maltechnik

Email: mail@barbararosengarth.de

Instagram: barbararosengarth

Homepage Privat: https://www.barbararosengarth.de

Homepage Hochschule:

https://www.hfk-bremen.de/de

The ensemble will be one hanging work made out from dyed silk and wool fibres. We will be need to fix it on the ceiling at the rail system. Is is around 120 cm high and 50 cm width. The further works will be on paper and we fix them on the wall with magnets.

One more painted work is independent to this work.

Wir werden Arbeiten zum Thema Farbstoffe präsentieren. Wir haben die Tinten aus natürlichen Pflanzenmaterialien selbst produziert. Wir spielen mit der Idee von Verlust und Heilung. Die Farben sind lichtempfindlich, daher nicht stabil für eine längere Zeit und werden ihre Farbe verlieren. Außerdem haben die meisten der verwendeten Materialien eine spezielle Heilwirkung.

Das Ensemble wird aus einer hängende Arbeit aus Seide und Wollfäden bestehen. Sie wird von der Schiene an der Decke abgehängt und ist ungefähr 120 cm hoch und 50 cm breit. Die weiteren Arbeiten werden auf Papier sein und mit Magneten an der Wand befestigt.

Eine weitere unabhängige Arbeit wird eine kleinere Leinwand sein.

Melanie.Ramborger@student.uni-siegen.de

Spiegel, 2025, 61 x 61 cm, Acryl auf Leinwand

Ståhl currently serves as Head of the Material Institute at the Royal Institute of Art in Stockholm, Sweden’s oldest institution for higher education in fine arts. Her teaching is shaped by both the academy’s historical legacy and its ongoing exploration of new artistic techniques. The Material Institute, originally established in 1935 as the painting technique workshop, continues to be a central hub for material-based education. Here, Ståhl places particular emphasis on the basics of painting: the preparation of painting supports and the creation of paint from raw materials. She is learning the techniques of fresco painting under the guidance of Tallgren in an ongoing project about fresco. Ståhls pedagogy increasingly integrates experimentation and sustainability as critical components of artistic practice.

Oachallstein@gmail.com

Www.oachallstein.com

Www.edibleneststudio.com

@edible_nest_studio

Delgadillo’s practice explores the body as both archive and instrument, translating movement into visual form. Flor works with organic and inorganic matter—fragments of bone, handmade paper, and remnants of the everyday. These materials carry traces of nourishment, memory, and transformation, connecting the intimate with the collective. Through them, she question how history is preserved, erased, and reimagined through touch and process.

Merging traditional craft with experimental technique, Delgadillo treats each piece as a conversation between material and gesture, ritual and research. The bones, once vessels of life and nourishment , become instruments of translation.

Short Blurb - Birra bone - story behind the work 

Birria is a traditional Mexican dish that can be eaten as a taco or a soup. I began collecting the bones after my aunt was diagnosed with MS. In Mexican culture we pass our recipes down orally.  Starting with the materials , the bones, Birria Bones, communicate a connection between all bodies. Birra is a very labor intensive dish usually made in large quantities meant to feed many. The Birria bones are able to tell the story of Ana’s labor.

Performance statement 

Trained in ballet and mixed martial arts, Flor Delgadillo transforms movement into mark-making, Wearing ballet shoes and MMA gloves, she paints through motion. Each gesture is a response to poetry, music, and memory. Her work exists at the intersection of precision and instinct. Through this interplay of form and motion, Delgadillo challenges perceptions of space, presence, and the unseen forces that shape them. 

Biography - Flor Delgadillo is a multidisciplinary artist, curator, and educator who relocated from California to Boston, where she has established herself as a leading community advocate and artivist. She is an alumni of the School of the Museum of Fine Arts (SMFA) at Tufts. 

As an educator she facilitates hands-on workshops integrating engineering concepts with artistic practice, with a strong emphasis on material culture. Her community projects bring visibility to diverse narratives. Flor regularly leads public programs and art activations at festivals and public spaces.

Lisa Afken studierte Restaurierung und Konservierung von Gemälden, Skulpturen und Moderne Kunst am Institut für Restaurierungs- und Konservierungswissenschaft an der TH Köln. Sie betreut als freiberufliche Restauratorin Museen, Galerien und Privatsammlungen. Zudem leitete sie von 2014 bis 2019 die Werkstatt für Mal- und Materialtechnik an der Kunsthochschule in Mainz. An der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg war sie seit 2020 zunächst als Lehrbeauftragte tätig und leitet seit 2024 die neu eingerichtete Werkstatt für Maltechnik.

@claudia_bartholomaeus

www.claudia-bartholomaeus.de

post@claudia-bartholomaeus.de

*lebt in Bremen und Braunschweig

In meiner Kunst beschäftige ich mich mit der Komplexität von Systemen. Dabei steht das menschliche Sein in seiner Selbstverhaftung und den damit einhergehenden „Leerstellen“ im Vordergrund. Diesem versuche ich näher zu kommen, indem ich mit Symbolen, Formen, Abstraktion und menschlichen Versatzstücken einen surrealen Bildkosmos schaffe.

Seit Beginn meines Studiums widme ich mich dem Material Frottee. Ausgangpunkt war ein Nebensatz des Werkstattleiters Uwe Siemens im 1. Semester Maltechnikkurs. Ging es in diesem Kontext eigentlich um die altmeisterliche Maltechnik, inspirierte mich seine Aussage zum Spiel mit dem Material Frottee. Das Material Frottee war nah liegend, da es sowohl psychologisch als auch in der taktilen Empfindung eine Bedeutung für mich hat. Das Erzeugen von haptischen Eindrücken ist ein wichtiges Thema in meiner Malerei. In den Frotteemalereien werden sie durch die Einbeziehung des Textils als Bildträger besonders erfahrbar.

Ausbildung:

2025/26          Meisterschülerin, Hochschule für Bildende Künste Braunschweig

2025                Diplom Freie Kunst, Hochschule für Bildende Künste Braunschweig

- Counselor für Kunst-und Gestaltungstherapie, Akademie Faber-Castell, Stein bei Nürnberg

- Magister Angewandte Kulturwissenschaften, Leuphana Universität, Lüneburg

Ausstellungen (Auswahl):

2025    Afloat, Robert-Koepke Haus, Schieder-Schwalenberg

2025    Stimmmmmung, halle267, Städtische Galerie, Braunschweig

2024    Renaissance, Kunstraum 53, Hildesheim

2024    35. Spieltag, Zentrum für Kunst im Tabakquartier, Bremen

2024    Dear Future Me, Thomas Rehbein Galerie, Köln

2024    GOYA Im Labyrinth der Unvernunft – Begleitprojekt Herzog Anton Ulrich-Museum, Braunschweig

2024    EVERYONE BUT CASPAR!, Kunsthalle Niendorf, Hamburg

2023    Trick 7, OneTrickPony, Braunschweig

2023    DO NOT DISTURB, Altstadthotel Wienecke, Braunschweig

2023    Gibt es den Mond, wenn niemand hinsieht?, Thomas Rehbein Galerie, Köln

2023    Tell Me What I AM, Hochschule für Bildende Künste (HBK),

            Braunschweig

2022     re:claim, The Hidden Art Project, Oldenburg

2022     Schwarzzseite Project, Künstlerhaus Dortmund

2022     Ich trage das Glück in meinem Ärmel nach Hause, Galerie vom Zufall und vom Glück, Hannover

2022     NorthOverSee, Kunsthalle Wilhelmshaven

2021     Material Body, konnektor, forum für künste e.V., Hannover

Mail: jakobdirkes@gmail.com

Jakob Dirkes

Vita: 

Seit 2025: Stipendiat der Studienstiftung des deutschen Volkes
Seit 2023: Fachklasse Malerei | Wolfgang Ellenrieder
Seit März 2024: Tutor der Werkstatt für Maltechnik an der HBK Braunschweig
Seit 2022 Studium Freie Kunst an der HBK 

In meinen aktuellen Arbeiten trifft man auf Bildwelten voller „Zeug“, das sich türmt, aneinandergebunden ist, oder in einer ganz eigenen Bildlogik vegetiert. Oft findet in den Bildern ein Changieren mit Sehgewohnheiten statt, bei dem uns fremde Dinge bekannten Kompositionen entgegengestellt werden. Das Auftauchen von „realen“ Objekten wie einer Traube, Schachtel oder von Moos irritiert und stellt die restliche Unkenntlichkeit infrage. Dieser "Kram" entzieht sich eines vollumfänglichen Begreifens und ein Gebrauchszweck lässt sich für die Betrachter*innen nicht final ausmachen; die Welt des Gemäldes wird fremd und scheint nicht ganz zugänglich für uns zu sein.

In meinem Studium begann ich mich früh für Maltechnik zu begeistern, und wurde so schnell zum Dauergast und dann zum Tutor und Assistenten der Werkstattleitung von Uwe Siemens. Durch die Arbeit mit Grundstoffen stoße ich immer wieder auf Eigenheiten und Grenzen, die die Materialien mit sich bringen. Es sind genau diese Momente, die für mich die Arbeit ausmachen; ein Material oder eine Technik auf diese Weise kennenzulernen und ihre Charakteristiken ausschöpfen zu können. Dieses Erfahren, Abwandeln und Brechen von maltechnischen „Regeln“ inspiriert mich immer wieder zu neuen Arbeitsweisen. In meiner eigenen Praxis interessieren mich immer wieder historische Arbeits- und Malweisen, die ich mir zunutze mache, um auf Genregewohnheiten anzuspielen und Gemaltem ganz spezifische Attribute zu verleihen. So nutze ich beispielsweise Impastos, um Passagen eine lebendige Präsenz zu verleihen, während andere Bildteile flächig bleiben oder in dunklen Lasuren Tiefe gewinnen. Auf diese Weise lerne ich nicht nur viel für meine eigene Arbeit, sondern kann mich auch als Tutor noch besser in die einzelnen Positionen und ihre ganz individuellen Anliegen hineindenken und Wissen weitergebe

based in Leipzig

Email: post@susannewurlitzer.de

Instagram: susannewurlitzer

Homepage: https://www.susannewurlitzer.de/

Homepage Hochschule: https://www.burg-halle.de/lehrangebot/l/maltechnik

Uwe Siemens ist Maler / Grafiker / Dozent und Ausstellungsmacher.

Siemens hat Malerei und interdisziplinäre Arbeit an der fadbk/HBK Essen studiert,

wo er nach seinem Meisterschülerabschluss im Jahr 2012 einen Lehrauftrag im

Fachbereich Malerei/Grafik erhielt.

Seine Arbeiten wurden im In- und Ausland in Institutionen, Galerien, Projekträumen gezeigt.

Uwe Siemens hat viele sehenswerte Ausstellungen kuratiert und Projekte umgesetzt.

Zum Beispiel:

„SCHWARM SOLO“ in der Galerie der HBK Braunschweig,

„SKLO“, Glaskunst der Tomas Bata Universität, Zlin, Tschechien in den Rottstr5-Kunsthallen, Bochum und

„Crash“, eine Deutsch-Polnische Ausstellungsreihe.

Er ist Mitbegründer des „Masala Kunstfestivals“, „Die Gute“ und der „Bobiennale“, in der er zuletzt die

vielbeachtete Ausstellung „Diskothek Konkret“ kuratierte. 

Einige Jahre war er Teil des adhoc Raum Kuratorenteams in Bochum.

#adhocraum

Seit 2017 ist er künstlerischer Mitarbeiter und Leiter der Werkstatt Maltechnik und Materialkunde an der HBK Braunschweig. 

Er lebt und arbeitet in Bochum und Braunschweig.

Trotz kleinerer Formate besitzen die Werke von Uwe Siemens (geb. 1973 in Wadersloh) eine enorme Präsenz. Der energische Farbauftrag, der expressive Duktus und die architektonische Klarheit seiner Kompositionen lassen eine eindrucksvolle Spannung entstehen – zwischen Dynamik und Ordnung, Kraft und Struktur.
Beim Eintauchen in Siemens’ Werke öffnet sich eine farbintensive Welt, in der sich Raum und Bewegung begegnen. Seine Technik – das Schichten von Ölfarben über Tempera – schafft Tiefe, Volumen und rätselhafte Räume, die an Landschaften oder Stillleben erinnern, ohne sie direkt abzubilden.

Titel: In Between

Acryl und Ölpastell auf Leinwand

60 x 60 cm, 2025

Aleyna Palaz

geboren 2000 in Krefeld

wohnt in Essen

Studium an der Universität Duisburg Essen:

Kunst und Englisch auf Lehramt für Gymnasium/Gesamtschule

Seminare bei Gesine Kikol:

„Quickies - Die Lust zu Malen“

„Bad Painting - Die Kunst der Hässlichkeit“

„KI als Tool für Malerei“

Artist Statement

"Ein spielerischer Umgang mit der rohen Wahrheit der menschlichen Erfahrungen steht für mich im Mittelpunkt. Hässliches scheint in unserer ästhetisierten Gegenwart keinen Platz zu haben, gehört aber unweigerlich zu uns und unserem Leben – darum betone ich es bewusst.

Die Malerei ist für mich zugleich ein Raum des Entdeckens und Experimentierens, um diesen menschlichen Zwischenräumen zu begegnen, sie auszuhalten und darin manchmal sogar einen Funken Schönheit zu finden."

Verankerung und Schwellenraum

Aleyna Palaz reflektiert in ihren Arbeiten die Korrespondenz zwischen ihrem inneren und äußeren Erleben. Ihr Schaffen ist ein direktes malerisches Äquivalent zu ihren Empfindungen; sie malt, was sie fühlt, und fühlt, was sie malt. Ihre Bilder sind eine Suche nach Verankerung: Sie kreisen um den Zustand des Subjekts in der Welt, die stabilisierenden Elemente der Existenz und den seltsamen Raum dazwischen – ein Schwellenraum des Unsichtbaren, das die gewohnte Wirklichkeit umgibt.

Gesine Kikol, 2025

Titel: Kolonie

Acryl auf Leinwand

60 x 60 cm, 2025

Jakob Nilsen

geboren 1990 in Solingen

wohnt in Essen

Studium an der Universität Duisburg Essen:

Kunst und Deutsch auf Lehramt für Gymnasium/Gesamtschule

Seminare bei Gesine Kikol:

„Quickies - Die Lust zu Malen“

„KI als Tool für Malerei“

Artist Statement

"Bei meiner Arbeit wollte ich ein wucherndes Geflecht aus sich ineinander verschlungenen, überlagernden Rattenkörpern darstellen, wobei eine abwechselnd, teils diffuse, amorphe, teils konkrete organische Masse entstehen sollte. 

Die Arbeit ist dabei die Weiterführung eines Malereiseminars, in dem ich mich motivisch, zunächst in schnellerem Gestus, mit von Bosch/Bruegel inspirierten Figuren auseinandersetzte. Im Speziellen, auf dieses Bild bezogen, orientierte ich mich dabei grob an der figürlichen Dynamik, Verrenkung, sowie der erdigen Tonalität in Ausschnitten von Bruegels „Engelssturz", wobei ich ingesamt eher assoziativ als mit viel Vorkomposition vorging, um so schrittweise, im Prozess, eine räumliche Verdichtung herzustellen."

Rätselhafte Narrative und malerische Kosmologien

Jakob Nilsen verortet seine Bildwelten in einer expliziten kunsthistorischen Referenz. Er orientiert sich an der vielschichtigen, figurativen Erzähltradition von Hieronymus Bosch und Pieter Bruegel d. Ä. und transformiert diese in eigene, zeitgenössische Kosmologien aus Menschen, fantastischen Wesen und Tieren.

Jede Komposition birgt ein Rätsel über den genauen Inhalt und die narrative Intention. Die Vielzahl der Tiere in seinen Werken verbleibt in einem geheimnisvollen Zustand:

Man weiß nicht, was sie tun, woher sie kamen, wer sie sind oder wohin sie gehen, dies sind einige der grosse Fragen der Malerei-Geschichte.

Gesine Kikol, 2025

Foto: Gesine Kikol, 2023

Gleichzeitig ist das, wir sehen, auch das, wovon wir uns geistig und körperlich nähren.

Als Imitat steht das Objekt zwischen Körper und Zeichen – frei von Seele, Geschlecht und Geschichte und dennoch aufgeladen mit Bedeutung.
Fleisch wird hier zum Objekt des Betrachtens, Konsumierens und der symbolischen Aneignung.

Welche Projektionen schreibt der Blick dem bloßen Material zu? 
Ist künstliches Fleisch frei von Gewalt – oder trägt es eingeschriebene Verhältnisse weiter?


2. Seungyeon Jo

3. Lucia Müller

4. Kirill Nikulin

   
   

Ausbildung

·       2015-2023: Abitur

·       2025 – Fortlaufend

Universität Siegen, Kunst & Englisch auf Lehramt Gym/Ge

Ausstellungen

·       2024: Rundgang der Universität Siegen

·       2025: wanderstudies: Textilwerkstatt. Den Faden wieder aufnehmen.

·       2025: Rundgang der Universität Siegen

·       2025: Mitwirkende am Magazin „FC HTS – Die Farbe Rot“

Künstlerische Haupttätigkeitsbereiche

·       Malerei

·       Zeichnung

·       Plastik

Artist Statement

In meiner Arbeit befasse ich mich mit Selbstdarstellung und Selbstinterpretation. Wie sehe ich mich und meine Umwelt und was zeige ich davon nach außen hin? Wer bin ich und wie möchte ich, dass Leute mich sehen?

Fresco course with guest teacher Malla Tallgren. Work in process by Ebba Birkflo.

Preparing canvas, sizing.

Foto: Gesine Kikol, 2023

Foto: Gesine Kikol, 2023

(Koreanisch)

2014년 4월 16일 대한민국 세월호 참사로 죽음을 맞이했던 꿈 많던 희생자들. 그 아이들이 계속 우

리에게 경고를 던지는 것 같다. 그들을 추모하는 마음 한 컷 한 컷이 모여 필름이 되었다

Email: avery.schramm@abk-stuttgart.de

Social: @giaschramm

Homepage: www.giaschramm.com

Robin Wienhold r.wwienhold@gmail.com @robinwienhold

Foto: Emma Adler

Reni Mothes, 46 Jahre,

seit 11 Jahren Dozentin für Mal- und Materialtechnik im Fachbereich Malerei/ Grafik an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig tätig. 

Mehrfache Arbeitsaufenthalte im Ausland und im Kölner Raum in renommierten Museen/ Sammlungen als studierte Diplom-Gemälderestauratorin/ HfbK Dresden.

Inhalte der Werkstatt

Kunsttechnologie - meint das Erforschen bestehender Kunst im Kontext disziplinärer Schnittstellen 

und ist eine Leidenschaft, die mich vor allem als Restauratorin prägt.

Kunstschaffen - ermöglicht das Transformieren aller Kenntnis, das Begleiten neuer malerischer Bildsprachen und ist eine Leidenschaft, die mich als Lehrende von engagierten Studierenden prägt.

Malerei ist trotz ihrer vielen Facetten und einen langen Geschichte nie ausformuliert- das begeistert mich an diesem Arbeitsfeld!

2002 - 2010 Studium der Malerei/ Grafik an der Hochschule für Bildende Künste in Dresden bei Prof. Elke Hopfe,

Prof. Siegfried Klotz, Prof. Peter Bömmels (Diplom)

2010 - 2015 Meisterschülerstudium bei Prof. Elke Hopfe und

Prof. Christian Macketanz

2005 - 2007 Studienaufenthalt, Repin Akademie, Sankt Petersburg, Russland

seit 2019 Künstlerische Mitarbeiterin an der HfBK Dresden als

Leiterin der Maltechnik Werkstatt

2023 – 2024 Akademie der bildenden Künste Wien, Prof. Veronika Dirnhofer

Seit 2019 Hochschule für Bildende Künste Dresden, Prof. Christian Macketanz

2017 – 2019 Masterstudium Textiltechnologie

2013 – 2017 Bachelor of Engineering, Textiltechnologie / Strickdesign

2020 – 2023 Studentische Hilfskraft für Maltechnik, HfBK Dresden

Artist Statement

Meine künstlerische Praxis erfordert Zeit, in der Entstehung ebenso wie in der Betrachtung. Die Oberflächen meiner Arbeiten tragen Spuren vergangener Gesten und offenbaren einen Prozess des Schichtens, Verdeckens und

Freilegens. Jedes Bild entfaltet sich allmählich, offenbart sich nur jenen, die verweilen. Dieser Prozess ist geprägt von einem Wechselspiel zwischen Präsenz und Abwesenheit, Sichtbarkeit und Auslöschung.

In einer von Geschwindigkeit und ständiger Verfügbarkeit geprägten Welt widersetzt sich meine Arbeit der schnellen Aneignung sie lädt ein zu einem langsamen, vertieften Sehen.

Katrina L. Pennington

2021-2025 Meisterschülerstudium an der Hochschule für Bildende Künste Dresden, Professor Christian Macketanz

2016–2021 Diplomstudium an der Hochschule für Bildende Künste Dresden, Professor Christian Macketanz

2011–2015 Aufenthalt in Santiago, Chile

2007–2011 Bachelor of Arts in Internationalen Beziehungen, Summa Cum Laude, Tufts University, USA

Artist statement

Als Malerin fasziniert mich die Spannung zwischen Farbe, Licht, Form und Leere. Meine Arbeiten entstehen aus visuellen Eindrücken, Erinnerungen und Momenten des Staunens. Der Malprozess ist ein Dialog zwischen Kontrolle und Loslassen, zwischen Beobachtung und Gefühl – und er führt immer zu Momenten, die mich überraschen.

Barbara Rosengarth wurde 1964 in Münster (Westfalen) geboren.

Sie studierte von 1991 bis 2000 freie Malerei an der Hochschule für Künste Bremen.

2001 schloss sie ihr Studium als Meisterschülerin ab.

Seitdem stellte sie ihre Arbeiten in zahlreichen Einzel-, Duo- und Gruppenausstellungen u. a. in Antwerpen, Berlin, Bonn, Bremen, Brüssel, Düsseldorf, Hamburg, Ladenburg, Mannheim, Münster, New York, Penzance, Pilsen, Riga, aus.

Seit 2023 hat sie einen Lehrauftrag für Maltechnik an der Hochschule für Künste Bremen inne.

Barbara Rosengarth lebt und arbeitet in Bremen.

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Künstlerisches Statement

Die Falte bildet seit über 25 Jahren den konzeptuellen und formalen Kern meiner künstlerischen Praxis. Ausgangspunkt war zunächst die analytische Beobachtung und malerische Erfassung von Textilfalten. Im Verlauf der Arbeit verlagerte sich der Fokus zunehmend von der gegenständlichen Darstellung hin zu abstrakten Bildsystemen. Diese basieren auf einem von mir entwickelten Verfahren zur Simulation von Faltenwürfen, das sowohl strukturelle als auch prozessuale Aspekte der Falte untersucht.

Meine Arbeiten operieren mit reduzierten geometrischen Grundformen, die in modularen, meist diagonal angelegten Bildfeldern organisiert sind. Durch gezielte Unterbrechungen serieller Wiederholungen entstehen visuelle Spannungen zwischen Ordnung und Instabilität. Die Falte wird dabei nicht als motivisches Element verstanden, sondern als strukturgebendes Prinzip, das Oberfläche, Raumillusion und Bewegung zugleich generiert.

Als Phänomen besitzt die Falte interdisziplinäre Relevanz und findet Entsprechungen in naturwissenschaftlichen, mathematischen und physikalischen Modellen. In meinen Arbeiten konstituieren sich wiederholende Formen zu einem dichten Oberflächengewebe, das durch kontinuierliche Brüche, Verschiebungen und Richtungswechsel dynamisiert wird. Die Bildoberfläche erscheint in einem Zustand permanenter Oszillation, vergleichbar mit einer fluiden Struktur oder einer leicht bewegten Wasseroberfläche.

Die Farbsetzung folgt keinem rein dekorativen Prinzip, sondern fungiert als zusätzlicher Parameter zur Modulation von Rhythmus und Bewegung. Variierende Farbfelder und Übergänge verstärken die Wahrnehmung von Vibration und räumlicher Tiefe. Trotz der formalen Strenge des Hard-Edge-Ansatzes bleibt die handwerkliche Ausführung sichtbar. Das Spannungsverhältnis zwischen konzeptuell angestrebter Präzision und der Unvermeidlichkeit manueller Abweichung ist integraler Bestandteil der Arbeit und verweist auf die Grenzen absoluter Kontrolle.

Im Zusammenspiel von systematischer Struktur, malerischem Prozess und sinnlicher Wahrnehmung eröffnen die Arbeiten ein Spannungsfeld zwischen Rationalität und Emotionalität. Die Betrachtung fordert ein oszillierendes Sehen heraus, das zwischen analytischer Erfassung von Rhythmus und Struktur sowie einer körperlich-sinnlichen Erfahrung der Bildoberfläche vermittelt.

lwuttke@hgb-leipzig.de Louis Wuttke

1. Fey Bradt

@fey.bradt

2. Paul Robin Mader

@paulrobinmader

3. Karolin Kichhof

@karolinkirchhof

wohnt in Halle (Saale)

Studium an der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle: Malerei

Artist Statement:

“My mind is full of want, it craves connection.

Momente, die uns innehalten lassen, genauer zu betrachten, zu berühren, zu erkennen, zu verstehen, scheinen zu verschwinden. Die Auseinandersetzung mit diesen kleinen Momenten der (un-)Verbundenheit in unseren menschlichen Erfahrungen, sind für mich das Experimentierfeld meines Arbeitens.

Malerisch versuche ich, diesen flüchtigen, alltäglichen Momentaufnahmen zu entdecken, ihnen Platz zu geben und festzuhalten.”

2020 - 2023: MFA, Illustration und Verlagswesen, Accademia di Belle Arti di Roma (IT).

2021 - 2022: EU4ART-Programm an der Hochschule für Bildende Künste Dresden, Klasse Anne Neukamp, Bildende Kunst (DE).

2016 - 2020: BFA, Grafik, Accademia di Belle Arti di Roma (IT).

2019: Erasmus-Programm, Studiengang Buchkunst, Kunsthochschule Burg Giebichenstein Halle, Halle/ Saale (DE).

Meine Arbeit untersucht, wie Zeit und Erinnerung – sowohl persönlich als auch kollektiv – Identität und Umgebung formen. Durch den Einsatz fragiler, organischer Materialien wie pflanzlicher Pigmente, Papierfasern, Wachs und Latex mache ich Prozesse von Erosion, Wandel und Erneuerung sichtbar. Literatur, Philosophie und griechische Mythologie verwebe ich mit persönlicher Introspektion, um emotionale Zustände, Verletzlichkeit und die Instabilität des Selbst in vielschichtigen Bildern auszudrücken.

Jacintha Nolte was born in Bremen, grew up in the Italian-speaking part of Switzerland, and has lived in Berlin for 15 years. She worked as a photographer for 10 years and is currently studying Art Education for primary school at the Universität der Künste Berlin (UdK). Her artistic practice focuses primarily on painting, exploring various techniques, and centers on the human figure, aiming to reveal complex emotional worlds that cannot be reproduced by AI.

is the head of the Painting Materials and Techniques Workshop at the Academy of Fine Arts in Munich. There, she shares her knowledge of traditional and contemporary painting materials and methods by giving lectures, running practical workshops, and providing technical advice on art students' projects.

Kathrin studied conservation and restoration of paintings and painted wooden sculptures at the Cologne University of Applied Sciences, graduating in 1990. She obtained a PhD from the Technical University of Munich in 2014, writing her thesis on the controversy about painting materials and research in Munich during the late 19th and early 20th centuries.

"Coming from a sculptural background, I am driven by the infinite possibilities of a medium often declared dead. In my Chess Paintings, I work with traditional materials such as rabbit-skin glue and oil paint to reexamine the conventions of painting. I pay close attention to the details of the process, transforming these observations into the work itself."

Ausgehend von einer bildhauerischen Praxis fasziniert mich die unendliche Vielseitigkeit eines Mediums, das oft als „tot“ erklärt wurde. In meinen Schachbildern arbeite ich mit traditionellen Materialien wie Hasenhautleim und Ölfarbe, um die Konventionen der Malerei neu zu befragen. Ich beobachte die feinen Details des Entstehungsprozesses und verarbeite diese Beobachtungen im Werk selbst.

Kristina Janni Ståhl’s practice centers around oil painting on linen canvas, with a deep engagement in the material processes of the medium. She prepares her materials by hand, grinding oil paint, mixing oil mediums, and priming raw canvas. Grounded in perceptual observation, her paintings unfold through an intuitive process guided by light, color, and texture, often focusing on

fragments or subtle details that invite close contemplation. 

“Nefertiti’s crown” was created in dialogue with the ancient collections of the Museum of Mediterranean and Near Eastern Antiquities in Stockholm. It forms part of a series painted within the museum, in which selected historical objects are reinterpreted through painting.

Email: info@viniciusdossantos.com

Instagram: @viniciusdossantos_konst

2. Michaela Vega Hansson

Email: michaelavegahansson@gmail.com

Instagram: @melavega

Lives and work between Stockholm and Eskilstuna.

Vinícius dos Santos is currently studying at the at the Royal Institute of Art, Stockholm, with a Master in Fine Art 2025. He is educated at the Free Art at Eskilstuna Folkhögskola, Sweden 
(2010), Fashion design, HAMK, Hämeenlinna, Finland
 (2010) and Fashion design, Feevale University, Novo Hamburgo, Brazil (2009).  

In his latest works, he explored his own connection to the idea of a place. And what is that makes a place exist in the emotional world as well as in the physical one. That has been a question that has interested him for many years, as a person that belongs to different places, two different countries. 

For the past few years, he collected materials, especially stones, from Brazil and Sweden. Stones have been important because they are perhaps the most tangible representation of somewhere. He studied and found ways of transmuting these materials into pigments and then into paintings. In hopes of coming up with a way of moving a place, through the painting medium. 

The idea of creating, in a relatively short period of time, a painting made from a material that was created slowly, during millennia, is nevertheless exciting. Therefore, he creates images of a memories that flashes in and out of existence, out of a material that has been, and will be here long before and long after us all. In that way he also pursue painting, as a symbolic gesture towards time. 

Ellen Klüser, geb. 28.12.1999 und aufgewachsen in Dresden,

hat nach dem Abitur in Norwegen als Musherin und Gärtnerin gearbeitet. Im Jahr 2020 ist sie für ihr Biologie Studium nach Kassel gezogen und war dort Teil des Kultur-Kollektives k.format, mit dem sie erstmals ausgestellte. Drei Jahre später entschied sie sich für die Kunst und begann ein Studium für Malerei und Grafik an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig. Dort werkt sie in der Klasse von Ivana de Vivanco und stellte in den letzten Jahren sowohl in Leipzig als auch in Dresden solo aus. Zurzeit studiert sie im Rahmen eines Austausch-Aufenthalts an der Hochschule in Oslo. Neben der Kunst hat sie eine große Leidenschaft für Sport, gehört zum Deutschen National Team für Orientierungslauf und startete 2025 bei der WM.

insta: @_lln.k

Zea mays ist im Laufe des Lasurtechnik Kurs 2024/25 an der HGB entstanden. In der Lasurtechnik werden viele lasierende Schichten von Öl- und Temperafarben auf einen Habkreidegrund auf einem Holz aufgetragen. Dadurch ermöglichen die dünnen, transparenten Farbschichten eine besondere Farbtiefe und Leuchtkraft. Diesen zarten, aber kraftvollen Effekte wollte ich in der genauen Untersuchung der Oberfläche, Textur, Materialität eines gelagerten Regenbogenmaiskolbens hervorbringen.

Studium 2019 – 2026: Kunstpädagogik, Adbk Nürnberg, Klasse Prof. Jochen Flinzer, Anike Joyce

Sadiq, Lena Ziese

→ Erasmus 2023 – 2024: Freie Kunst, Royal Academy of Art (KKH), Stockholm, Klasse Prof.

Johanna Gustafsson Fürst

Studium 2017 – 2019: Deutsch-Französische Literatur- und Kulturstudien, FU Berlin & Sorbonne

Paris

Als Spätaussiedler zweiter Generation beschäftigt sich Kirill Nikulin in seinen Arbeiten mit Fragen von Identität. Dabei greift er häufig auf Sonnenblumenkerne zurück, die für ihn symbolisch für Heimat, Familie, Identität und Verbundenheit stehen. 

Die ausgestellten Zeichnungen zeigen Familienmitglieder sowie persönliche Gegenstände des Künstlers. Die Farbe, mit der die Zeichnungen angefertigt wurden, besteht aus Sonnenblumenkernschalen, welche mithilfe eines Mörsers zu Pigmenten zermahlen, mit einem Bindemittel zu Farbe verbunden und final als Medium zum Skizzieren fragiler Erinnerungen und persönlicher Assoziationen dienen.

Mit der Farbstoffstudie kann ich beobachten, wie schnell die natürlichen Farbstoffe im Ausstellungskontext verblassen.

https://jannisbesen.com/

Instagram: @musszumbus

Email: besen@protonmail.com

Mercedes Corvinus, Klasse Prof. Judith Oswald

https://www.mercedescorvinus.com/

Instagram: @mercedescorvinus

Email: m.corvinus@outlook.de 

Anna Schaumberger, Klasse Prof. Gregor Hildebrandt/Prof. Thomas Zitzwitz

Instagram: @schau.mi

Email: anna.schaumberger@stud.mwn.de

@schau.mi

anna.schaumberger@stud.mwn.de

"Mich interessiert seit jeher die figurative Darstellung. In meinen jungen Jahren konnte ich mich zeichnerisch und malerisch von unserem familieneigenen Gewächshaus inspirieren lassen. Ich bin ausgebildete Kommunikationsdesignerin (Designschule München) und studiere seit 2022 an der Akademie der Bildenden Künste München in der Klasse Hildebrandt/Zitzwitz.

In meiner malerischen Praxis arbeite ich mit Öl, Tinte, Wachs, Strukturpaste und Tempera auf Baumwolle und Holz. Thematisch beschäftigen mich zwischenmenschliche Dynamiken, das fragile Gleichgewicht zwischen Anziehung und Abneigung sowie biologische Prozesse bei Tieren und Pflanzen. Seit 2025 konzentriere ich mich auf die Enkaustik und arbeite mit Bienenwachs, Holz und Papier. Dabei untersuche ich die Verformbarkeit des Materials, das Verhältnis von Geruch und Optik, unterschiedliche Oberflächen sowie den Spannungsbogen zwischen Kontrolle und deren Verlust durch das Schmelzen und Gießen des Materials. Anschließend schnitze ich in die Oberfläche, zerstöre Teile davon und übermale das

Holz mit Ölfarbe.

Die Arbeit „Radiolus“ bezieht sich auf den Naturforscher und Künstler Ernst Haeckel

(1834 -1919). Die Formen, die ins Wachs geschnitzt sind, orientieren sich an Haeckels Zeichnungen von mikroskopisch kleinen, einzelligen Meerestieren, den Strahlentierchen oder Radiolarien genannt. Bei Radiolus wurden zuvor verschiedene Wachsschichten mit Glimmer- und Perlglanzpigmenten gegossen und feine Perlmutt-Plättchen in das noch warme Wachs gestreut. Je nach Lichteinfall kommt es zu unterschiedlichen Reflektionen und die Oberfläche schimmert.

Die Arbeit “Untitled” ist von Haeckels Quallenzeichnungen inspiriert. Hier wurden verschiedene Ebenen durch abstecken der Ränder mit Wachs erreicht und unterschiedlich bearbeitet. Danach wurde die Oberfläche mit Glimmer in Leinöl bemalt und Formen ins kalte Wachs geritzt."

I have always been interested in figurative representation. In my younger years, I got inspiration for my drawings and paintings from our family greenhouse. I trained as a communication designer (Designschule München) and have been studying at the Academy of Fine Arts Munich in the Hildebrandt/Zitzwitz class since 2022.

In my painting practice, I work with oil, ink, wax, texture paste, and tempera on cotton and wood. Thematically, I am interested in interpersonal dynamics, the fragile balance between attraction and aversion, and biological processes in animals and plants. Since 2025, I have been focusing on encaustic art and working with beeswax, wood, and paper. In doing so, I explore the malleability of the material, the relationship between smell and appearance, different surfaces, and the tension between control and its loss through the melting and pouring of the material.

I then carve into the surface, destroy parts of it, and paint over the wood with oil paint.

The work “Radiolus” refers to the naturalist and artist Ernst Haeckel (1834-1919). The shapes carved into the wax are based on Haeckel's drawings of microscopic, single-celled marine animals called radiolarians. Previously, various layers of wax were poured with glimmer and

pearlescent pigments, and fine mother-of-pearl flakes were sprinkled into the still warm wax. Depending on how the light falls, different reflections occur and the surface shimmers.

The work “Untitled” is inspired by Haeckel's jellyfish drawings. Here, different layers were achieved by marking the edges with wax and processing them in different ways. The surface was then painted with glimmer in linseed oil and shapes were carved into the cold wax.

Ausbildung:

Seit 2022: Akademie der Bildenden Künste, Klasse Hildebrandt/ Zitzwitz,

Studium der Malerei und Grafik, München

2021: Abschluss Kommunikationsdesign an der Designschule, München

2018: International Munich Art Lab, München

2017: Abitur am Willi-Graf Gymnasium, München

Einzelausstellungen:

2025: Karli17 „Ovipositor”, München

Gruppenausstellungen:

2025: Karl & Faber Preis Nominierung, München

2024: MAX 33, München; Colophon Magazin Launch, München

2023: LEGAL Club Opening, München;

Avantgarde Experts „Don’t”, München

2022: Lazy Gallery Closing, München

2018: IMAL „Druckausgleich”, München

Klassenausstellungen:

2025: Jahresausstellung Akademie, München

2024: Linklaters „Like Me Harder”, München; Jahresausstellung Akademie, München; Münchener Hypothekenbank „Wärmebilder”, München

2023: Jahresausstellung Akademie, München; VogelART X Occhio „I‘ll be the wind, the rain and the sunset“, München

2022: Undconsorten „6 Monde Zeit“, München; Jahresausstellung Akademie, München; Linklaters „Like Me Later“, München; „Minds Are Magnets“, Canal Street, New York

Born 1994 in Stockholm. 

Lives and work in Stockholm
 
Michaela Vega Hansson is currently studying at the Royal Institute of Art, Stockholm in the five year program in Fine Arts. She is educated at Konstskolan Idun Lovén, Stockhom (2023), Istituto Marangoni, Milano, program in Interior Design, (2017).  

Michaela Vega Hansson´s work involves a dialogue between architecture, sculpture and painting. Where traditional methods of painting are used to build architectural sculptures. By building and assembling three-dimensional frames with stretched canvas, with careful choices of primer and painting medium where the color is used to emphasize specific shapes. 

This method is based on a frustration with the limitations of traditional painting, where a motif is framed on a two-dimensional rectangular surface. Instead, she allows the painting to take place in physical space and uses architectural principles to emphasize and guide the viewer's attention. 

www.mercedescorvinus.com

m.corvinus@outlook.de

@mercedescorvinus

"An der Arbeit mit transluzenten Medien interessiert mich, dass die Umgebung in die Wahrnehmung der Arbeit einbezogen wird. Wechselnde Lichtsituationen verändern ihre Erscheinung, farbliche Schichtungen wirken anders als auf blickdichten Untergründen. Für mich entsteht dadurch die Möglichkeit einer Verbindung von Malerei und Raum."

Mercedes Corvinus studiert seit 2019 Bühnen- und Kostümbild, wobei sich ihr Interesse im Laufe des Studiums zunehmend auf den installativen Aspekt von Bühne als Raum fokussierte. Ihre Arbeiten beschäftigen sich mit Transparenz, Licht sowie beweglichen Elementen und offenen Konstruktionen.

Ihre künstlerische Praxis umfasst neben der Arbeit mit Raum Malerei, Zeichnung, Lithographie und Fotografie.

"What interests me about working with translucent media is that the surrounding environment becomes an active part of how the work is perceived. Changing lighting conditions alter its appearance, and layers of color function differently than they do on opaque surfaces. This opens up the possibility for me to connect painting and space."

Mercedes Corvinus has been studying stage and costume design since 2019. Over the course of her studies, her interest increasingly shifted toward the installation-based aspects of stage as spatial practice.

Her work explores transparency, light, as well as movable elements and open constructions. Her artistic practice includes, alongside spatial work, painting, drawing, lithography, and photography.

2025 Meisterschüler bei Christian Weihrauch an der HGB Leipzig

2018 - 2024 Diplom in der Fachklasse für Malerei bei Franziska Holstein & Franz Jyrch an der HGB Leipzig

2023 Erasmus Stipendium in der Klasse für Zeichnung und Druckgrafik bei Jan Svenungsson an der Angewandten Wien

Seit 2023 freier Mitarbeiter in der Lithographiewerkstatt stein_werk Leipzig

Artist Statement

In meiner künstlerischen Arbeit imitiere ich Funktionsweisen der Reproduktion von fotografischen Bildern, um Arbeiten aus der Vorstellung zu entwickeln, die eine fotografische Wirkung besitzen. 
Da ich keine fotografischen Vorlagen in meinem Bildprozess verwende, bleiben die Bilder offen in der Interpretation und sollen unterschiedliche Betrachtungsweisen verstärken und hervorrufen.

2022 – laufend  Universität Siegen – Bachelor, Kunst/Anglistik

2019 – 2022      Universität Osnabrück – Bachelor, Human-/Gesundheitswissenschaften

2018 – 2019      BBZ Arnsberg – Meister, Friseur/Kosmetik

2014 – 2017      Berufsausbildung Friseurin

Artist Statement

Meine Arbeiten entstehen aus einem Prozess des Aushaltens und Durchhaltens. Im prozesshaften Arbeiten mit Schichten, Überdeckungen und erneuten Eingriffen entsteht ein Raum, in dem Ungewissheit zugelassen wird. Entscheidend ist das Verweilen im Prozess: innezuhalten, Abstand zu gewinnen und Spannungen nicht aufzulösen, sondern auszuhalten. Dadurch erhält das Unerwartete seinen Platz in den Werken und wird zum Ausgangspunkt für Weiterentwicklung. Wiederkehrende Elemente überlagern sich mit neuen Möglichkeiten, die sich jenseits einer ursprünglich gesetzten Entscheidung eröffnen. 

– eine Momentaufnahme eines Weges, der erst im Arbeiten sichtbar wird.

vanessa.zaggiles@student-uni.siegen.de

Ausbildung:

2021–2022: Grundklasse bei Professor Volker Lehnert

seit 2022: Fachklasse für Malerei und Zeichnung bei Katrin Plavčak

Ausstellungen:

November 2025- Kreissparkasse Esslingen Nürtingen, Neue Stuttgarter Figuration, Gruppenaustellung

September 2025- Galerie ABTART, Duoausstellungen

Juni 2025- Galerie ABTART, „Wo wir hinfallen“, Gruppenaustellung

Mai 2024 – Galerie Fuchs, Gruppenausstellung

März 2024 – „keine schlafenden Hundewelcken“, Wagenhallen, Gruppenausstellung

Dezember 2023 – Galerie Fuchs, Gruppenausstellung

September–Oktober 2023 – Plattform 11, Gruppenausstellung, Hugo Boss Fabrik, Outletcity Metzingen

Juni 2023 – „ƘĦŦŦƈƈƫ?ƫ?Φ“, Gruppenausstellung, ehem. Conrad Electronics, Stuttgart

Mai–Juni 2023 – „Deus ex Machina“, Klasse Plavčak, Gewerkschaftshaus, Stuttgart

März–September 2022 – Jung und Gegenständlich, Meersburg

Schramm has been teaching painting and fine art at HfG Offenbach, JLU Gießen, Muthesius Art College Kiel and now at ABK-Stuttgart. Their works have been shown at Kunsthalle Bozen (I), Studio Trenkel Rotterdam (N), Maus Hábitos Porto (P), HEK Basel (S), Kunstvereine Ahlen, Gießen and Aachen, Kunstmuseum Ahrenshoop, Kunstmuseen Erfurt and Kindl-Centre for Contemporary Art Berlin, among others. In Cologne they are represented by Gallery Falko Alexander and in Berlin by Gallery Anton Janizewski.

ARTISTS STATEMENT

Art should be responsible. Autonomy, in other words freedom of purpose, is the unique characteristic of western fine art. This does not mean that it must be meaningless. I want to go to the limit of form, content and medium. I want to move people through my artistic practice and believe this is the way art can achieve socio-political and art-historical relevance.

What can a painting of the mid 2020s look like? What role do new media play in the socio-political? What role does the collective play? What do new, equitable, regional, transnational, digital and analog, but also ecological, sustainable, what do intersectional structures look like and how can we expand them through art?

I believe in painting, but I also see its limitations. My focus is on visual science, -especially- through painting. Nevertheless, I want to use all the possibilities of visual and fine art, which is why my intermedia research and practice continues to expand into installation, digital and collective art.

ZUM WERK

Die Figur Artemis aus dem Sailormoonuniversum ist für mich eine queere Ikone. In dem Titel füge ich der Komposition ausnahmsweise keine geklauten Worte hinzu, sondern eine faktische Aussage, welcher sich die meisten Menschen vermutlich eher nicht bewußt sind. FLINTA*, also alle Menschen ausser endo, cis männlichen (alle cis Frauen und alle TIN* Personen: alle Menschen die inter*, trans* und nicht-binär sind) keine Minderheit bilden, sondern die Majorität der Weltbevölkerung stellen. Insbesondere durch fehlende Repräsentation und ständiges binäre Geschlechtszuweisungen in allen Lebensrealitäten unserer Zeit, ist es schwer den großen Anteil von TIN* Menschen zu sehen. Dabei stellen allein Inter* Personen etwa 2% der Weltpopulation, also einer von fünfzig Menschen.

Ausstellungen:

2018 - Kulturzentrum Rothenburgsort Hamburg

2018 - Kursausstellung HfBK Hamburg

2020 - Winterausstellung IMAL München

2021 - Sommerausstellung IMAL München

2022 - Magfest München

2023 - Erstsemester Ausstellung HfG Offenbach

2023 - Rundgang HfG Offenbach

2024 - Basis Frankfurt "Notes on Shared Realities"

2024 - Mars Frankfurt "Notes on Shared Realities"

2024 - Grossraum Wien "Lautstellung"

2025 - Lichthof der Universität für angewandte Kunst

2025 - Angewandte Festival Wien

Artist Statement:

In meiner Arbeit bewege ich mich zwischen den Medien Malerei, Skulptur, Zeichnung, Text und Musik. Diese sind für mich keine getrennten Disziplinen, sondern Ausdrucksform eines gemeinsamen Denkens: Ein Impuls wandert, ein Transfer entsteht – ein Gedanke wird zum Wort, ein Wort zum Ton, ein Ton zum Bild. Meine Werke entstehen seriell und fügen sich zu Geschichten zusammen, die sich im Verhältnis zueinander ergänzen.

Foto: Gesine Kikol, 2024

Email: draxel@gmx.net

Instagram: @maja_drachsel

Homepage: www.majadrachsel.de

Homepage Hochschule: https://www.hfbk-dresden.de/hochschule/personen-a-z/person/drachsel-maja

Email: kathrin.kinseher@adbk.mhn.de

Homepage Hochschule:

https://www.adbk.de/de/

https://www.adbk.de/de/studium/lehrangebot/studienwerkstaetten/maltechnik.html

Cosima Daum, Robin Wienhold, Avery Gia Sophie Schramm (Abk Stuttgart)

Ruben Brückel, Boris Berber (ADBK Karlsruhe) 

Jannis Besen, Mercedes Corvinus, Anna Schaumberger, Dr. Kathrin Kinseher (AdBK München)

Kim Gündel, Seungyeon Jo, Lucia Müller, Kirill Nikulin, Annett Stenzel (AdBK Nürnberg)

The Sketchbook Collective, Bettina Scholz (Alanus Hochschule, Mannheim)

Fey Bradt, Karolin Kirchhof, Paul Robin Mader, Susanne Wurlitzer (Burg Giebichenstein, Halle)

Claudia Bartholomäus, Jakob Dirkes, Uwe Siemens (HBK Braunschweig) 

Virginia Lorenzetti, Katrina Pennington, Dorothea Schmelzer, Maja Drachsel (HfBK Dresden)

Eva Wochner, Carolin Kühn, Kurt Röll, Lisa Afken (HfBK Hamburg)

Valerie Buchholz, Kaito Morita, Julian Nieschalk, Barbara Rosengarth (HFK Bremen)

Ellen Klüser, Louis Wuttke, Reni Mothes (HGB Leipzig)

Nina Lubonski, Jakob Nielson, Aleyna Palaz, Gesine Kikol (Universität Duisburg-Essen)

Jacintha Nolte, Satu Soininen, Julia Rüther (Universität der Künste Berlin) 

Melanie Ramborger, Vanessa Zaggilés, Caroline Streck (Universität Siegen)

Ruben Brückel, Boris Berber (Staatliche Akademie der bildenden Künste Karlsruhe)

Michaela Vega Hannson, Vinicius Dos Santos, Kristina Janni Stahl (Royal Institute of Art, Stockholm, Schweden)

Hiyoshi Ito, Aya Maeda, Prof. Mika Hoshi (University of Tsukuba, Japan)

Flor Delgadillo, Olivia Ann Carye-Hallstein (ehemals Tufts University, Boston, USA)

Seither hat es sich sukzessive erweitert und inter-nationalisiert, indem renommierte Hochschulen aus dem nahen und fernen Ausland hinzugekommen sind – von Wien, Kopenhagen, Stockholm und Helsinki bis hin zu Tsukuba (Japan) und Boston (USA).

Diese transnationale Vernetzung wird durch regelmäßige Treffen, Symposien und Workshops sowie durch gegenseitige Besuche in den Werkstätten intensiviert.

Durch den Einsatz digitaler Formate wie Video-Meetings gelingt es, die internationale Kooperation über große Distanzen hinweg zu gewährleisten und das Netzwerk dadurch optimal zu nutzen.

1995 in Deutschland geboren

Lebt in Halle und studiert dort an der Burg Giebichenstein

Artist Statement:

"Ich male um zu malen."

2018–2024: Bachelor- und Masterstudium der Biochemie (B.Sc. / M.Sc.) mit Schwerpunkt auf Biophysik und RNA-Biotechnologie an der Universität Leipzig

2021–2022: Abendakademie bei Paul Wilting an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig

Seit 2024: Diplomstudium Malerei in der Klasse von Tilo Baumgärtel an der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle

Artist Statement:

"I explore the exhaustibility and self-preservation of a visual impulse arising from observation. I try to create a kind of analog algorithm with which I can reliably generate consistently, formally “good” compositions. In this process, architectural compositions at all scales and proportions come into focus.

These observations are first captured as drawings and then deformed through a repetitive graphic process and recombined, with the goal of finding an image composition.

Recurring formal elements and protagonists emerge, anchored in space through network structures and line work, and subject to multiple perspectives. These forms and image compositions are then divided according to several viewpoints—negative form, segmentation, their density, and spatiality. New compositions arise through transfer by tracing, rotating, or targeted overlay and transformation via layers of color. The distinction between flatness and spatiality is negotiated on the picture plane and strives for simultaneity. In the process, the aforementioned protagonists continually recur, intended to vaguely recall their original sources.

I am also interested in schemata and models that help simplify complex matters and make them graspable beyond text form and thus more accessible. Flowcharts in particular enable an intermediate form between text and image, in which text—the word—becomes part of the dynamics and composition of the flow schema. My collected forms and protagonists become part of my deconstructed flowcharts and, for me, serve a button/switch-like function, as they are the starting point for new design decisions.

The aim is to build a large family tree of protagonists and visual solutions that can be treated as a kind of catalog or archive of forms, while simultaneously serving as the foundation of visual image construction. Each image is therefore a logbook entry or a button within a large family tree."

seit 16 Jahren (2009) Künstlerisch Technischer Lehrer für Maltechniken an der Staatlichen Akademie der bildenden Künste Karlsruhe

1999 Maler und Lackierer Gesellebrief

2001 - 2006 Kunststudium Malerei und Grafik

AdbK Karlsruhe bei Gustav Kluge

2007 Meisterschüler Gustav Kluge

2x 10/12 cm Mixed Media on Linen/Wood

1_ Nina Lubonski

Instagram: @ninaaa_lu

Email: nina.lubonski@stud.uni-duisburg-essen.de

2_ Aleyna Palaz

Instagram: @aleynapaz

Email: aleyna.palaz@stud.uni-duisburg-essen.de

3_ Jakob Nilsen

Instagram: /

Titel: After Us

Acryl auf Leinwand

60 x 60 cm, 2025

Nina Lubonski

geboren 1994 in Blankenstein

wohnt in Hattingen

Studium an der Universität Duisburg Essen:

Kunst und Französisch auf Lehramt für das Berufskolleg

Seminar bei Gesine Kikol:

"Bad Painting - Die Kunst der Hässlichkeit"

„KI als Tool für Malerei“

Artist Statement

"In meiner Arbeit setze ich mich mit hybriden Bildwelten auseinander, die aus dem Zusammenspiel von künstlicher Intelligenz und analoger Malerei entstehen.

KI dient mir dabei als Werkzeug für die Ideenfindung von irritierenden und utopischen Motiven, die ich malerisch transformiere und weiterdenke.

Durch diese Kombination aus digitalem Ausgangsbild und malerischer Umsetzung werden Spannungen zwischen Natur, Spezies und technischer Überformung untersucht und somit neue, mögliche Zukunftsräume geschaffen."

Posthumanismus und Evolution

Nina Lubonski untersucht mit ihrer Malerei die Möglichkeiten unserer Zukunft. Im Fokus steht die Frage nach der Post-KI-Ära: Wie wird sich das menschliche Dasein transformieren, oder wird es in einer Welt radikaler technologischer Evolution überhaupt noch Bestand haben?

Die Werke werden zu einer visuellen Spekulation darüber, welche Spezies die nächste Stufe der Evolution nach dem Menschen erreichen könnte.

Ihre Bilder fordern dazu heraus, die eigene Position innerhalb einer sich rasant wandelnden Existenz kritisch zu hinterfragen.

Gesine Kikol, 2025

Titel: Medusa

Acryl und Öl auf Leinwand

50 x 40 cm, 2026

geboren 1998 in Duisburg

wohnt in Duisburg

Studium an der Universität Duisburg Essen:

Kunst und Philosophie auf Lehramt für Gymnasium und Gesamtschule

Seminar bei Gesine Kikol:

"Grundlagen der Malerei"

Artist Statement:

„Ich denke, für mich ist Malen wie Denken – und Fühlen. In meiner Malerei bewege ich mich gern zwischen figurativen, naturalistischen Darstellungen und deren Verfremdung, Erweiterung und Hinterfragung. Die naturalistische Darstellung von Figuren und Emotionen ist für mich seit jeher ein wichtiger Zugang zum Ausdruck echter Erfahrung, Verbindung und einer Art visuellen Fragen-Stellens – ganz nach dem Motto: Die Regeln lernen, um sie brechen zu können.

Am Beispiel meiner Medusa möchte ich eine neue Lesart für den mythologischen Stoff vorschlagen, in der die Medusa als Ausdruck weiblicher Stärke und Selbstermächtigung interpretiert werden kann, statt als geschlagenes Monster. Durch die Verschmelzung naturalistischer Malerei mit surrealen, symbolischen Elementen stehen für mich auch hier Geschichten und philosophische Fragen rund um Erkenntnis, Wahrnehmung und die intensive Erfahrung, die wir das Leben nennen, im Zentrum. Dabei inspiriert mich immer wieder die rätselhafte Schwelle zum Fantastischen, Mythologischen und Surrealen.

Mich befremdet sehr, dass es seit vielen Jahren immer wieder heißt, die Malerei sei nicht mehr besonders relevant. Für mich persönlich ist das Gegenteil der Fall. Zwischen medialer Überflutung und zunehmenden Fragen rund um Authentizität begleitet von sich exponentiell entwickelnder Digitalität und KI, scheint mir die Malerei ein besonders wahrhaftiger und lebendiger Zugang zur Welt zu sein."

Artist Statement in English:

I think, for me, painting is like thinking – and feeling.
In my paintings, I like to move between figurative, naturalistic depictions and their distortion, expansion and questioning. For me, the naturalistic depiction of figures and emotions has always been an important way of expressing genuine experience, connection and a kind of visual questioning – true to the motto: Learn the rules so you can break them.

Using my Medusa as an example, I would like to propose a new interpretation of the mythological material subject matter in which Medusa can be seen as an expression of female strength and self-empowerment, rather than a defeated monster. Through the fusion of naturalistic painting with surreal, symbolic elements, stories and philosophical questions surrounding knowledge, perception and the intense experience we call life remain central to my work. I am continually inspired by the enigmatic threshold between the fantastical, the mythological and the surreal.

I find it very disconcerting that for many years now it has been repeatedly claimed that painting is no longer particularly relevant. For me personally, the opposite is true. Amidst media overload and growing questions surrounding authenticity, accompanied by the exponential development of digital technology and AI, painting strikes me as a particularly truthful and vital way of engaging with the world.

Titel: Saturday Night

Öl auf Leinwand

50 x 40 cm, 2026

geboren 2007 in Duisburg

wohnt in Duisburg

Studium an der Universität Duisburg Essen:

Kunst, Deutsch und Mathematik auf Lehramt für Grundschule

Seminar bei Gesine Kikol:

"Grundlagen der Malerei"

Artist Statement:

Mit „Saturday Night" wollte ich dieses besondere Gefühl und die ambivalente Atmosphäre einer modernen Großstadt bei Nacht festhalten. Die weibliche Figur strahlt Selbstbewusstsein und Stärke aus. Gleichzeitig entsteht durch die Dunkelheit und die Ratten, die sie begleiten und sich auf ihrem Körper niederlassen, etwas Ungewisses und Unheimliches.

Die Ratten werden zu eigenständigen Protagonisten der Szene. Sie kümmern sich um die passende Partyausstattung, lackieren rote Fingernägel, flechten Haare und polieren Ohrringe mit kleinen Tüchern. Dadurch wirkt es wie ein Moment kurz vor dem Aufbrechen, zwischen Vorfreude, Spannung, Selbstinszenierung und der Ungewissheit dessen, was die Nacht bringen wird.

Gleichzeitig bleibt offen, wohin die Frau geht, die Szene entzieht sich einer eindeutigen Erzählung und gibt den Betrachtenden bewusst Rätsel auf.
Mich interessiert dabei genau diese Ambivalenz zwischen Inszenierung, Freiheit, urbaner Einsamkeit in der Unheimlichkeit der Nacht. Der Look sitzt, die Vorbereitungen sind abgeschlossen, und irgendwo in der Ferne scheint die Musik bereits zu beginnen.

Artist Statement in English:
With “Saturday Night”, I wanted to capture this special feeling and the ambivalent atmosphere of a modern city at night. The female figure radiates confidence and strength. At the same time, the darkness and the rats that accompany her and settle on her body create something uncertain and unsettling.

The rats become independent protagonists within the scene. They take care of the party preparations, paint red fingernails, braid hair and polish earrings with small cloths. This creates the impression of a moment shortly before leaving the house, somewhere between anticipation, tension, self-staging and uncertainty about what the night may bring.

At the same time, it remains unclear where the woman is going. The scene avoids a clear narrative and intentionally leaves the viewer with questions. I am especially interested in this ambivalence between staging, freedom and urban loneliness within the uncanniness of the night.
The look is complete, the preparations are finished, and somewhere in the distance the music already seems to be playing.

Titel: Hydra

Acryl auf Leinwand

50 x 40 cm, 2026

geboren 1999 in Weinheim

wohnt in Essen

Studium an der Universität Duisburg Essen:

Kunst und Philosophie auf Lehramt für Gymnasium und Gesamtschule

Seminar bei Gesine Kikol:

"Grundlagen der Malereit"

Artist Statement:

"In meiner Malerei beschäftige ich mich mit den Spannungen und Widersprüchen unserer Gegenwart: mit gespaltenen Meinungen, gesellschaftlichen Konflikten und der Frage, wie Menschen auf eine Welt reagieren, die zunehmend von Unsicherheit, Überforderung und Gegensätzen geprägt ist. Mich interessiert dabei weniger die eindeutige Antwort, als der Zustand dazwischen. Reibung, Instinkt, Verdrängung, Angst und Verletzlichkeit sind alles Themen, mit denen ich mich auseinandersetze.

Wiederkehrend begenet mir dabei das Zusammenspiel der drei Affen - Mizaru, Kihazaru und Iwazaru (nichts sehen, nichts hören, nichts sagen). Bei all der Negativität, welche diese aktuelle Welt mit sich bringt, muss man, um inneren Frieden zu bewahren, auch einmal alle Sinne verschließen und in eine andere Welt abtauchen: die der Malerei. Eben dieses Zusammenspiel der drei Affen, habe ich in meinem Werk "Hydra" dargestellt, um von dem "Bösen" abzulenken, und einen (wenn auch nur kurzen) Ausweg zu präsentieren."

Artist Statement in English:

In my painting, I explore the tensions and contradictions of our modern world: divided opinions, social conflicts, and the question of how people respond to a world increasingly marked by uncertainty, overwhelming demands, and polarizing forces. I am less interested in a clear-cut answer than in the state in between. Friction, instinct, repression, fear, and vulnerability are all themes I grapple with.

I repeatedly encounter the interplay of the three monkeys—Mizaru, Kihazaru, and Iwazaru (see no evil, hear no evil, speak no evil). Amid all the negativity that the current world brings, in order to maintain inner peace, one must sometimes shut out all the senses and immerse oneself in another world: that of painting. It is precisely this interplay of the three monkeys that I have depicted in my work “Hydra” to distract from the “evil” and present a (if only brief) escape.

Tim Schmiedel, Miriam Thomahsen, Julia Paton