clave al desarrollo de esta forma de arte y entretenimiento?

 ¿Cuándo y dónde se proyectó la primera película pública, y cuál fue su

impacto inicial en la sociedad?

¿Cómo evolucionó la tecnología del cine desde los primeros días del cine

mudo hasta la introducción del sonido y el color?

¿Cuáles fueron las principales innovaciones técnicas y cinematográficas

que surgieron durante la Edad de Oro de Hollywood?

¿Qué papel ha desempeñado el cine en la cultura popular y cómo ha

influenciado la sociedad y la percepción del mundo?

¿Cuál es el estado actual del cine en la era digital, y cómo han cambiado las

plataformas de distribución y exhibición de películas? 

El cinematógrafo de los hermanos Lumière se dio a conocer en un congreso científico celebrado en marzo de 1895, aunque su presentación oficial fue el 28 de diciembre de ese año en el Grand Café del Boulevard des Capucines de París. En este rincón francés, y para sorpresa del público asistente, proyectaron la llegada de un tren a la estación de Ciotat. Había nacido oficialmente el séptimo arte.

El programa constaba de diez breves películas con cintas de una extensión de 20 metros cada una,  realizadas por Louis Lumière e interpretadas por sus familiares y amigos. 

La duración total fue de 20 minutos y el precio de la entrada fue de 1 franco.

Se recuerda especialmente “La Salida de los Obreros de la Fábrica Lumière” por ser la primera en ser rodada.

Con “La Llegada de Un Tren”, muchos espectadores salían disparados de sus butacas al ver como la formación se acercaba hacia ellos como “saliendo” de la gran pantalla.

Las primeras proyecciones tuvieron unos ingresos bastante mediocres y en la función inaugural sólo se consiguieron 35 francos.

Sin embargo, esos primeros espectadores propagaron por toda la ciudad la noticia de aquello de lo que habían sido testigos privilegiados.

Esta publicidad de tipo “personal” reemplazó de forma eficaz la falta de prensa por lo que pronto multitudes de personas se congregaron al lugar para acceder a las proyecciones. 

Clément Maurice, un antiguo empleado de los establecimientos Lumière, fue el encargado de organizar las primeras proyecciones. 

Según relató, “aquellos que se decidían a entrar salían sorprendidos y a menudo los veíamos volver trayendo a todas las personas que conocían y que habían podido encontrar”.

Para renovar los programas, en los primeros días de enero de 1896 los Lumière habían incorporado “El regador regado”, el primer filme narrativo y cómico de la historia del cine.

En 1897 se incendió en el Bazar de la Charité la máquina utilizada para las proyecciones provocando 126 víctimas mortales.

El aparato funcionaba a base de oxígeno y éter por lo que era altamente inflamable.

A partir de esta tragedia, muchos pensaron que había llegado el fin del cinematógrafo.

Sin embargo, después del triunfo logrado en París, se abrieron en ese mismo año y el siguiente cuatro salas de proyección nuevas en la capital francesa, además de una en la ciudad de Lyon.

En pocos años, el crecimiento se extendió a Europa y Estados Unidos generando una incipiente nueva industria a la que muchos comenzaron a llamar el “séptimo arte”.

Tras diversos ensayos técnicos infructuosos, y debido en parte a la competencia comercial de la radio, la Warner Bros consiguió imponer el éxito del cine sonoro con la película musical El cantor de jazz, estrenada en Nueva York en octubre de 1927 con acompañamiento de discos de gramófono sincrónicos con la imagen. Este éxito comercial supuso una revolución para la industria, el comercio y el arte cinematográficos, acompañada de bastante desconcierto. Los estudios tuvieron que insonorizar sus paredes y equiparse con nueva tecnología acústica; las salas de exhibición tuvieron que añadir amplificadores sonoros y altavoces. Y Hollywood se enfrentó al reto que suponía que en la mayor parte de sus mercados el público no entendía el inglés, mientras que actores con voz poco “fonogénica” tuvieron que abandonar los estudios. Inicialmente, estos cambios traumáticos supusieron una grave regresión estética –muy bien evocada en el film retrospectivo Cantando bajo la lluvia (1952)-, pues la cámara tuvo que encerrarse en un pesado blindaje insonoro que impidió su movilidad y la anterior libertad del montaje de los planos tuvo que subordinarse a la longitud de los diálogos. El resultado de todo ello se tradujo en la predominancia de un paralítico y chato “teatro filmado”.

A finales de los años veinte del pasado siglo el cine mudo había alcanzado su máxima perfección estética. Por una parte, el arte de la fotogenia y el lenguaje de las luces, las sombras y los claroscuros habían convertido al cine en una arte plástica de gran madurez. Por otra, la agilidad en la combinación de los planos –la sintaxis de su montaje- había adquirido una gran sofisticación, especialmente gracias a los cineastas soviéticos, que los utilizaban para construir metáforas y alegorías de gran aliento poético.

Tras diversos ensayos técnicos infructuosos, y debido en parte a la competencia comercial de la radio, la Warner Bros consiguió imponer el éxito del cine sonoro con la película musical El cantor de jazz, estrenada en Nueva York en octubre de 1927 con acompañamiento de discos de gramófono sincrónicos con la imagen. Este éxito comercial supuso una revolución para la industria, el comercio y el arte cinematográficos, acompañada de bastante desconcierto. Los estudios tuvieron que insonorizar sus paredes y equiparse con nueva tecnología acústica; las salas de exhibición tuvieron que añadir amplificadores sonoros y altavoces. Y Hollywood se enfrentó al reto que suponía que en la mayor parte de sus mercados el público no entendía el inglés, mientras que actores con voz poco “fonogénica” tuvieron que abandonar los estudios. Inicialmente, estos cambios traumáticos supusieron una grave regresión estética –muy bien evocada en el film retrospectivo Cantando bajo la lluvia (1952)-, pues la cámara tuvo que encerrarse en un pesado blindaje insonoro que impidió su movilidad y la anterior libertad del montaje de los planos tuvo que subordinarse a la longitud de los diálogos. El resultado de todo ello se tradujo en la predominancia de un paralítico y chato “teatro filmado”.

Integración vertical. Los estudios pasan a ser dueños de los cines en gran medida, asegurándose la exhibición de sus films. Y por otro lado, las salas que no son propias están obligadas a comprar “paquetes de películas”, incluso a ciegas, lo que les garantiza a los estudios la distribución y proyección de los films que no resultan exitosos.

Centralización de la producción. Los procesos creativos no están en manos de directores ni guionistas sino de uno o dos productores generales de los estudios. Son éstos quienes toman todas las decisiones para convertir el guion (que también ellos mismos eligen) en un éxito de taquilla.

El sistema de estrellas (star system). Cada estudio tiene su grupo de megaestrellas (así como de guionistas y directores), con contratos a largo plazo muy convenientes para los estudios y casi asfixiantes para las estrellas. Estrellas que cada vez son más famosas y generan más éxitos para los estudios, aunque esto no se vea reflejado en sus remuneraciones.

Especialización de cada estudio. Cada estudio va encontrando su especialización en uno o un par de géneros, lo que le garantiza mejores resultados. Lo interesante de este período es que la mayoría de los films no tienen, como en otras épocas (fundamentalmente en el cine que vendrá), la “impronta del director”, pero sí tienen la “impronta del estudio”.