“Composizione VII” è uno dei capolavori dell’astrattismo. Kandinsky, ispirato dalla musica e dalle teorie spirituali, cercava di tradurre su tela emozioni e stati d’animo attraverso il colore e la forma. L’opera riflette il tema dell’apocalisse e della rigenerazione, evocando un’energia caotica, ma armoniosa. Il dinamismo delle linee e la sovrapposizione cromatica ricordano le composizioni musicali di Wagner e Schönberg, che influenzarono profondamente l’artista. Con questa pittura, Kandinsky portò l’arte a un nuovo livello di espressione astratta.

Anastasia

La creación de las aves (La Creazione degli Uccelli) (1957) di Remedios Varo, è un dipinto in olio su masonite, che misura 52.5 x 62.5cm, di stile surrealista, considerato un autoritratto carico di simbolismo e di misticismo, in cui convivono scienza, alchimia e magia. La pittura, realizzata con strati sottili e pennellate controllate, si distingue per la minuziosità del tratto e la precisione quasi miniaturistica dei dettagli.

L’artista si rappresenta trasformata in un gufo, una sorta di “donna-uccello” con una collana da cui pende un violino. Da questo strumento parte un filo che si collega al pennello tenuto nella mano destra, con il quale dipinge gli uccelli. Questi prendono vita quando vengono attraversati da una lente triangolare, tenuta nella mano sinistra, attivata dalla luce proveniente dall’esterno. Sul tavolo si trova anche una tavolozza con tre colori primari: rosso, blu e giallo. La pittura scorre attraverso uno strumento dall’aspetto scientifico, collegato all’esterno della stanza e che sottolinea la fusione tra il laboratorio dell’alchimista e lo studio dell’artista. L’ambiente in cui si svolge la scena è austero e raccolto, un luogo in cui il razionale e il mistico si fondono armoniosamente.

Inoltre, la gamma cromatica dell’opera è dominata dai toni caldi e terrosi: gialli, marroni, ocra e verdi, che contribuiscono a creare un’atmosfera intima e misteriosa.

Il dipinto che oggi si trova nel “Museo de Arte Moderno de México” è una chiara allegoria della pittura, o del processo creativo, che secondo l’artista richiede della solitudine tipica degli uccelli notturni e di un ambiente privo di distrazioni che favorisca la concentrazione assoluta. In questo modo, Remedios Varo pensava che, sebbene le sue creazioni diventavano estensioni del proprio essere, rappresentavano anche un’apertura all’influenza del mondo esterno, quindi, il violino sul petto sarebbe simbolo dell’ispirazione interiore, e il pennello e lo strumento scientifico, la combinazione tra scienza, alchimia e arte. Invece, il cristallo a forma di stella, che canalizza la luce cosmica per dare vita agli uccelli, riflette l’importanza attribuita dall’artista al cosmo e all’esoterismo. In questa visione, lo spazio interiore e l’universo si connettono e si alimentano reciprocamente attraverso l’arte che diventa così, un atto creativo quasi magico, sospeso tra conoscenza, mistero e tecnica.

Questo dipinto è un rotolo orizzontale, realizzato su carta di seta alla fine dell’VIII secolo. Nell’opera ci sono 13 dame di corte, divise in cinque scene, che mostrano la vita quotidiana di dame della dinastia Tang. In origine il dipinto non era esposto completamente aperto, ma si srotolava il rotolo poco a poco, da destra a sinistra, scoprendo solo una piccola parte alla volta, come un film.

Descrizione delle scene

Prima scena: Tenere il ventaglio

Una dama è seduta con un’aria rilassata. Vicino a lei, una serva le sventola un ventaglio, mentre altre due tengono contenitori.

Seconda scena: Abbracciare il qin

Una dama tiene tra le mani un qin, uno strumento musicale tradizionale cinese. Accanto a lei, un’altra dama sta per sollevare la custodia del qin per prenderlo, creando una scena dinamica.

Terza scena: Guardarsi allo specchio

Una dama in abito rosso tiene in mano uno specchio di bronzo, mentre un’altra si pettina e si trucca.

Quarta scena: Ricamare

Le dame sono sedute e stanno ricamando un tessuto, forse un tappeto. Il ricamo era un’abilità essenziale per le donne aristocratiche.

Quinta scena: Appoggiarsi al parasole

Due dame vestite di rosso parlano tra loro. Una è seduta su uno sgabello, mentre l’altra si appoggia a un albero di parasoli.

La bellezza femminile nella dinastia Tang

Questo dipinto non mostra solo la vita delle dame di corte, ma anche gli ideali di bellezza dell’epoca Tang, molto diversi da quelli di altre epoche e da oggi. La caratteristica più visibile è la "bellezza della pienezza": Durante la fine della dinastia Tang, le donne con un viso rotondo e un corpo morbido e armonioso erano considerate belle.

Artista: Taras Shevchenko ( 1814- 1861)

Titolo dell'opera: Ritratto di Catherine Abasa

Tecnica: Bristol cartone, acquarello

Misure: 22,5× 18,1 cm

Anno di realizzazione: 1837

Ubicazione: Museo Nazionale di Kiev.

Taras Shevchenko non era solo un celebre poeta, prosatore, drammaturgo e figura politica e pubblica ucraina, ma anche un genio di pennello. Fu uno dei fondatori del realismo critico e un perfetto conoscitore di tutti i mezzi di rappresentazione grafica conosciuti al suo tempo.

Il ritratto raffigura la figlia di un impiegato del Palazzo d'inverno, la sua raffinatezza e il suo fascino le conferiscono l'aspetto di una donna appartenente alla nobiltà. Il ritratto non è un capolavoro di Taras Shevchenko, ma cattura immediatamente lo sguardo dell'osservatore e non lascia nessuno indifferente di fronte alla bellezza e alla grazia di questa giovane donna. Sembra che la ragazza esista davvero, che si trovi proprio davanti a noi e stia per parlare o cantare. Il pittore è riuscito a guardare nella sua anima ed esprimere la freschezza e la serenità tipiche dell'età di primavera della vita. Colpisce anche il suo vestito dai colori pastello, che dona fascino speciale all'opera e la rende senza tempo.

Tecnica: olio su tela

Misure: 221×332cm

Ubicazione:

museo a San Pietroburgo

Anno di realizzazione: 1850

Questo quadro rapisce e cattura tutta la nostra attenzione. Il pittore dipinge il mare dopo la tempesta notturna molto forte e le persone, vittime di naufragio. I raggi di sole illuminano le onde enormi.

La più grande onda - Nono baluardo- è pronta a cadere sulle persone, che cercano di salvarsi sui rottami dell'albero maestro.

Nonostante la nave sia distrutta, e è rimasto solo l'albero, le persone sono vive e continuano a combattere con la tempesta.

I toni caldi del dipinto rendono il mare non così aspro e danno allo spettatore la speranza che le persone saranno salvate.

Oggi possiamo parlare di Nono baluardo già come un simbolo in letteratura e in arte - il simbolo di tempo tempestoso, della volontà e della forza. In senso figurato , potrebbe essere come la manifestazione più luminosa di qualcosa, la fioritura, per esempio, le abilità del poeta.

Halyna

Titolo: La contessa di Vilches

Tecnica: olio su tela

Ubicazione: museo del Prado

Anno di realizzazione: 1853

Descrizione:

Ritratto che raffigura Amalia de Llano, contessa di Vilches, una figura di spicco dell'aristocrazia e della vita culturale di Madrid nel 1800.

L’illuminazione impiegata da Madrazo fa risaltare il candore delle carnagioni femminili contro la marcata oscurità dello sfondo.

La finezza di alcuni gesti della modella, come la delicatezza con cui regge il ventaglio, il contatto quasi impercettibile delle dita con l’ovale del viso o il dolcissimo sorriso, ripreso dal suo sguardo seducente, rappresentano il culmine dei pregi di questo superbo ritratto, capolavoro del ritratto romantico spagnolo.