Técnica: Pigmentos vegetales sobre piedra

La obra nos muestra, en primer lugar, a lado izquierdo y de gran altura, un granjero cuidando los campos con su herramienta en mano, delimitando los bordes de los cultivos. Este, se encuentra tomando juramento, jeroglífico que se encuentra encima de él. En la parte central de la obra, nos encontramos con dos oficiales (ilustrados más pequeños), en sus respectivos carruajes supervisando el trabajo del personaje mencionado anteriormente. Uno de los oficiales se encuentra sentado en el carruaje, mientras que el otro parece estar frenando los caballos para así esperar bajo la sombra del árbol ubicado en la derecha de la imagen.

Ahora bien, aunque es una composición relativamente simple, la obra expone varios temas interesantes. Al primer personaje (el granjero), lo vemos un poco calvo y mal afeitado, características que contrastan con las de los dos oficiales pues estos se exponen más “elegantes” según su posición jerárquica en la sociedad. Sin embargo, aunque estos podrían considerarse de mayor importancia, la misma composición de la obra hace que nuestra mirada torne al granjero por su tamaño y entorno. Además de su tamaño, el granjero es el único que está tomando juramento hacia Dios, dejando claro que "mientras Él perdure, la tierra será exacta”. Debido a esto, se puede entender este fragmento como una alusión a la importancia, (aunque no jerárquica) que tenían los granjeros en la cultura egipcia. Al fin y al cabo, la agricultura es de los avances más importantes para una civilización como esta, dejando claro el paso del nomadismo al sedentarismo y por ende, el poder generar una civilización auto-productiva en el ámbito de la alimentación. Además, al mostrar el granjero el jurar ante Dios, se puede entender como el hombre que sabe la verdad detrás de la vida y demuestra los “regalos” de Dios en su reino, entre ellos, los cultivos, los animales e incluso la vegetación (siendo todos estos ilustrados en la imagen). 

Análisis Comparativo
La pintura mural de la Sala H. de la Villa de P. Fannius Sinister en Boscoreale, es un fresco de gran tamaño (175,3 x 193 cm) perteneciente a la República Romana fechado entre 50-40 A.C. Este mural, como varios de la época, se encontraba en una villa de campo aristocrática que fue enterrada entre cenizas por la erupción del Monte Vesubio en 79 D.C. Por otro lado, el camafeo que retrata al Emperador Claudio como Júpiter, es una obra de tamaño mucho más pequeño, realizado en el Imperio Romano y fechado entre el 41-54 D.C. Este objeto, también contiene varios detalles que se dejan observar y por ende comparar con el fresco mencionado anteriormente. 

La primera obra nos muestra a dos personas sentados en una silla alargada con espaldar, brazos y patas adornadas en un color dorado. El primer personaje es una mujer (de lado izquierdo) y un hombre (de lado derecho). La mujer se encuentra completamente vestida con una cara pensativa, mientras que el hombre se encuentra semi-desnudo tapando solamente sus partes íntimas mirando fijamente a esta. Además, el hombre se encuentra apoyando las manos en lo que parece ser un bastón o cetro. Por el contrario, el camafeo solo nos muestra a un personaje humano erguido completamente y semi-desnudo: el Emperador Claudio acompañado por una figura animal. La figura animal (en la izquierda del camafeo) es el águila de compañía de Jupiter que se posa bajo los pies del emperador mientras que él sostiene en su mano derecha el rayo del mismo dios (o de Zeus en la Antigua Grecia) y en la izquierda, el cetro de este mismo.

Ahora bien, aunque son dos obras que nos demuestran a personajes distintos, es interesante encontrar algunas similitudes - y diferencias - entre ambas. En primer lugar es interesante ver cómo ambos hombres son reflejados casi desnudos (algo convencional en el momento) y con un cetro pues era un símbolo de poder en ambas épocas. Sin embargo, cabe recalcar como el hombre del mural, aunque se insinúa que es un personaje de la aristocracia romana, no se demuestra en una posición de poder (naturalismo del ser humano) cómo se hace con el Emperador Claudio. Incluso, el hecho de que el emperador Claudio se retrate como un Dios (con los símbolos de Júpiter), ejemplifica la visión del “poder divino” que tenían los emperadores a diferencia de los patricios o aristócratas en la era republicana. 

Por último, relacionando las obras con el tema de la alimentación, es cautivante entender cómo el fresco retrata a personajes “normales” en el triclinium, es decir la sala de las villas donde se comía. Estos personajes entonces no solo servían como “adornos” en el espacio, sino como compañía a los seres humanos en momentos de fiesta o reunión a la hora de comer. 

Bibliografía: 
-https://www.artic.edu/artworks/111809/cameo-portraying-emperor-claudius-as-jupiter
-https://www.metmuseum.org/art/collection/search/247010
-https://www.metmuseum.org/toah/hd/cubi/hd_cubi.htm

Análisis Visual:
El mosaico de Justiniano, perteneciente al conjunto decorativo de la Basílica de San Vitale en Rávena, es, como su nombre lo indica, un mosaico de teselas de oro, piedra y mármol de colores de gran tamaño (264.2cm x 365.8cm) fechado en 547 D.C. La obra de la basílica fue encargada por el obispo Edicio en el año 522 y los mosaicos realizados años después, se hicieron bajo el mandato del obispo Maximiano quien fue el mismo en consagrar la basílica en 547 D.C. Actualmente, el mosaico se encuentra in situ, en la basílica de más de un siglo de antigüedad.

Este mosaico como varios de la época bizantina, evoca la imagen que la mayoría tenemos al pensar en arte bizantino: figuras sagradas en íconos y mosaicos dorados. Ahora bien, la obra se compone por varias figuras masculinas representados en una línea recta, ausente de algún tipo de volumen y tridimensionalidad pues todos parecen estar en un mismo plano, ausente también de un fondo arquitectónico. Entre todos los cuerpos de tez muy similar, unos resaltan más que otros, en especial, el séptimo desde la izquierda vestido con una túnica morada y representado con un halo y corona en su cabeza. Este también carga en sus manos, lo que parece ser un tazón dorado de gran tamaño. Similarmente se encuentran otras figuras a sus lados, como es el segundo a su derecha destacado por una banda dorada que atraviesa su cuerpo, mientras que los demás se encuentran representados solo con túnicas en blanco (los de la derecha) y tonos naranjas y verdes (los de la izquierda). Además, las piernas de las figuras de la izquierda se encuentran tapadas por un gran escudo en tonos azules. Por último, la escena se encuentra delimitada por un gran marco de varios tonos (rojos, azules, verdes y hasta blancos) con patrones geométricos. 

Por otro lado, es interesante entender la narrativa de la obra. El de túnica morada y corona, es Justiniano, el emperador, que carga en sus manos el recipiente del pan para la Eucaristía, mientras que el de blanco con la túnica dorada es el obispo Maximiano que carga la cruz. Los demás hombres de blanco se diferencian entre si siendo unos los miembros del clero (llevando un incensario y el libro del evangelio) y los miembros de la administración imperial (llevando una franja morada en su torso). Las figuras de la izquierda parecen representar un grupo de soldados llevando en su escudo el símbolo de la pax romana. En temas intrínsecos, es interesante entender esta imagen como la representación de la relación entre el poder del imperio con el poder de la iglesia y el poder militar. El hecho que Justiniano lleve el recipiente del pan da a entender que el emperador tiene autoridad no solo administrativa y militar sino también religiosa. Sin embargo, también sugiere que solo Dios puede salvar a los hombres, alimentándonos no solo física sino también espiritualmente.  

Análisis Comparativo:
La iglesia abacial de Santa Fe, es un proyecto arquitectónico de mediano tamaño (max. 22 metros de altura) perteneciente al arte románico fechado entre 1050-1130 D.C. Esta iglesia, como varias de la época, hace parte del camino de peregrinaje de Santiago de Compostela. Por otro lado, la Catedral de Colonia, es una obra de tamaño mucho más grande (144.5 m de largo x 86.25 m de ancho x 157.22 m de alto), realizada en el período gótico y fechada entre 1248 y solamente terminada hasta 1880 D.C.

La primera obra fue construida siguiendo una planta clásica en cruz, sin embargo debido al terreno, el transepto es más largo que la nave central (característica poco común en las iglesias de la época). De igual manera, la iglesia si sigue algunos principios de la arquitectura románica como es la planta con deambulatorio y capillas radiales, elementos que facilitaban la circulación de los peregrinos para visitar los santuarios de los santos, entre ellos el de Santa Fe. Simultáneamente, hablando de la estructura en su interior, se puede observar como la nave central está cubierta por una gran bóveda de cañón mientras que las naves laterales están cubiertas por bóvedas de arista. Aparte de estas dos estructuras que hacen prácticamente la arquitectura de la iglesia, el interior es muy simple (solo contiene algunos frescos y altorrelieves en la sacristía, sin presencia de muchas ventanas). Por el contrario, la catedral de Colonia es una basílica de 5 naves donde la nave central es mucho más alta que las laterales (43.58 m. vs. 19.80 m). La estructura de esta está realizada a través de bóvedas de crucería que transmiten los pesos hacia el exterior a los contrafuertes por medio de los arbotantes (elementos esenciales en la arquitectura gótica). Por esto mismo, en las paredes de la catedral predominan los vanos hechos de vitrales. 

Ahora bien, aunque ambas obras tienen una misma función religiosa, es claro algunas diferencias y similitudes entre ambas. En primer lugar, es interesante ver cómo la planta de ambas iglesias es relativamente similar, en cruz, aunque es evidente el mayor tamaño y proporción de la Catedral. Por otro lado, ya hablando de la estructura, es de suma importancia entender el cambio que hubo al empezar a construir con bóvedas de crucería que en vez de las de cañón pues incentivó a construcciones de mayor altura (tema muy importante en el arte gótico con relación a la búsqueda de Dios). De la misma forma, este cambio en estructura también promovió un cambio en la fachada de las iglesias, elemento que también podemos comparar entre ambas obras. La iglesia de Santa Fe, como la mayoría de las románicas, se demuestra como una edificación maciza y fuerte, recordándonos un poco a los castillos y fortalezas medievales (por ende, no contiene muchos vanos ni aperturas), mientras que la Catedral de Colonia demuestra este nuevo fin, tanto estético como espiritual donde la luz se vuelve la representación simbólica de Dios (por ende, contiene más vanos que paredes donde los vitrales resaltan antes que todo lo demás).

Por último relacionando las obras con el tema de la alimentación, es cautivante entender las iglesias no solo como el lugar de encuentro con Dios, sino también como el momento donde se puede alimentar tanto el cuerpo como el espíritu mediante la oración. 

Análisis Visual

Llamada La Primavera, este temple sobre tabla hace parte del período del renacimiento en Italia del siglo XV. Esta obra, realizada por Sandro Botticelli en 1480 d.c, es de gran tamaño (207 x 319 cm) y  se encuentra, como muchas otras de la época en la Gallería degli Uffizi en Florencia, una de las ciudades más reconocidas por el estilo renacentista (Parenti, 2023).

La obra nos muestra a nueve figuras de la mitología clásica (tema recurrente en el renacimiento), atravesando un campo lleno de flores. El plano más lejano se compone por una gran franja de naranjos y laureles que complementan la imagen en su totalidad. Cada uno de estos personajes está dispuesto de tal manera que hay un ritmo, pues encontramos algunos personajes que sobresalen más que otros, como es la figura femenina que marca el eje central. Además de esta, encontramos otros personajes posicionados de manera muy específica. Se encuentra una figura masculina al extremo derecho y después de este, un trío de mujeres viéndose entre sí. A la derecha del eje central, encontramos otros tres personajes.

Ahora bien, cada uno de estos personajes es importante para entender el contexto y la temática de la imagen. El eje central de la imagen es Venus, diosa del Amor, que levanta su mano derecha como si nos estuviera saludando. Los dos personajes al extremo derecho de la obra, se pueden reconocer debido a su iconografía (Parenti, 2023). Se trata de Céfiro y Cloris, él siendo la personificación del viento, por eso lo encontramos volando entre los árboles del campo intentando raptar a Cloris. De esta unión nace la ninfa de las flores (llamada Flora y representada a su izquierda), al igual que Carpo el Dios de las frutas. Por esto mismo se ve cómo de la boca de Cloris salen hojas y flores. Las tres mujeres de la izquierda son las 3 Gracias o diosas del encanto, belleza y naturaleza, mientras que el hombre a su extremo es Mercurio, el mensajero de los Dioses (Parenti, 2023). El noveno personaje se encuentra por encima de Venus, siendo Cupido, su hijo, que lo vemos con su arco y flecha y los ojos vendados.

Ahora bien, aunque la simple descripción de cada uno de los personajes de la imagen es bien interesante, para este análisis, decidí concentrarme en algo que muchas veces no se reconoce debido a su tamaño, la misma vegetación. Aunque es una obra como muchas otras que intenta narrar una historia mitológica, las flores y frutos del campo tienen varios significados en esta. Por un lado, los podemos entender cómo el símbolo no solo de la llegada de la primavera, sino del momento más esperado del año en términos de abundancia tanto en paisaje como en alimentación (Vargas, 2021). Por otro lado, cada fruto o flor no solo representa esta abundancia que llega en este momento, sino que también contienen otros significados un poco más implícitos. Por ejemplo, los naranjos, hacen parte del emblema de los Medici (una de las familias más importantes para el auge del renacimiento), así como la flor de lis que representa la ciudad de Florencia (siendo esta el emblema) (Vargas, 2021). Esto no solo sucede con estos dos elementos, sino con muchos otros a través de la imagen (las margaritas, las rosas, mirtos, etc). Al fin y al cabo es una obra que nos demuestra la riqueza que puede tener una imagen con pocos personajes pero multitud de significados y símbolos.

Referencias:

- Vargas, S. (2021, October 14). El significado de “La primavera”, la obra maestra renacentista de Botticelli. My Modern Met En Español. https://mymodernmet.com/es/primavera-botticelli/
- Parenti, D. Spring by Botticelli | Artworks | Uffizi Galleries. (2023). Uffizi.it. https://www.uffizi.it/en/artworks/botticelli-spring

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Análisis Comparativo

Baco es un óleo sobre lienzo de mediano tamaño (95 x 85 cm) realizado por Caravaggio, uno de los artistas más importantes del arte barroco. Esta obra fue realizada en 1598 bajo el encargo del Cardenal Del Monte (su patrón del momento) como regalo para Fernando I de Médici. Por otro lado, La Fuente es también un óleo sobre lienzo pero de mayor tamaño (163 x 80 cm) realizado por uno de los grandes artistas del neoclasicismo, Jean Auguste Dominique Ingres. Esta pintura fue iniciada en 1820, sin embargo, no se concluyó hasta 1856 (Orsay, 2018). Ambas obras tienen varios elementos significativos de sus movimientos que vale la pena observar y comparar. 

La primera obra nos muestra a un hombre joven sobre un fondo oscuro de tono rojizo sentado con su torso semi desnudo cubierto por una toga blanca amarrada por un lazo negro que el mismo sostiene con su mano derecha. Además, su cabeza está adornada por diferentes hojas de vid y uvas en forma de corona. Mientras tanto, su mano izquierda parece ofrecernos una copa llena de vino al mirarnos fijamente. Se posan también en el primer plano de la imagen, a la derecha, un plato de fruta (algunas de estas ya dañadas) y una gran jarra de vino a la izquierda. Por otro lado, la segunda obra nos muestra una joven figura femenina desnuda en la clásica pose de Venus cuando sale del mar, sin embargo, sostiene con ambos brazos una jarra de cerámica sobre su hombro izquierdo. La mujer posa frente a lo que parece ser un lago o cascada donde se mojan sus pies.

Ahora bien, aunque ambas obras tienen varios elementos dignos de analizar, hay dos temas que vale la pena recalcar: el uso del color y trazo para crear las obras y la temática de cada una de estas. En primer lugar, el Baco (también conocido como Dionisio en la mitología griega) no es más que el Dios del vino y la fiesta, dejando claro el tema de la obra como alusión y más que todo invitación a la fiesta y deseos carnales (Art in context, 2022). Las mismas frutas dañadas aluden a la idea de la juventud y placer como algo no infinito y destinado a morir y deteriorarse (Nifosì, 2019). Adicionalmente, Caravaggio deja claro que incluso un Dios puede tener un pasado “humilde” por ende, las uñas sucias, llenas de tierra. De igual manera, La fuente también usa el tema mitológico como excusa para pintar al cuerpo desnudo, sin embargo en vez de aludir a lo finito de los placeres de la vida, representa a través del cuerpo femenino, la belleza ideal que venía desde la grecia clásica relacionándola también con lo más valioso para el ser humano, el agua (Poussin, 2023). Aquí entonces es donde el trazo de ambas pinturas toma importancia y ayuda a narrar esas temáticas. El trazo del Baco deja claro el uso del claroscuro pero más importante, la exactitud de los detalles en todos sus elementos que se compara con las pinceladas más difuminadas y no tan nítidas para resaltar la mujer como una escultura sobre el fondo de La Fuente. 

Ya hablando de la alimentación, es interesante como ambas obras, aunque de movimientos muy diferentes, introducen elementos con relación a la comida. En ambos casos, tanto el vino, las frutas o incluso el agua, juegan un gran rol no solo como partes compositivas de las pinturas sino también como elementos que transmiten parte del mensaje.

Bibliografía

- Art in context. (2022, June 14). “Bacchus” by Caravaggio - Analyzing the Famous Painting of Dionysus. Artincontext.org. https://artincontext.org/bacchus-by-caravaggio/

- Nifosì, G. (2019, December 4). Il Bacco di Caravaggio - Arte Svelata. Arte Svelata; Arte Svelata. https://www.artesvelata.it/caravaggio-bacco/

- Nicolas Poussin Paintings. (2023). Thehistoryofart.org. https://www.thehistoryofart.org/jean-auguste-dominique-ingres/source/

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Análisis Visual

Llamada en español El Bodegón Durmiente, este óleo sobre lienzo hace parte del período de las vanguardias, más específicamente del expresionismo. Esta obra, realizada por Henri Matisse en 1940 d.c, es de tamaño pequeño (41.7 x 32.8 cm) y se encuentra, en el National Gallery of Art en Washington, Estados Unidos (National Gallery, 2013). Es una obra digna de analizar más que todo por el trazo y el uso del color en la totalidad de la composición.

La obra, casi cuadrada en proporción, nos muestra a una mujer con piel clara durmiendo recostada sobre una mesa. Su brazo derecho extendido le sirve de apoyo a la cabeza que posa sobre este. En el lado izquierdo y central de la imagen encontramos el restante de la mesa color morado claro. Sobre este mismo posan varias frutas esparcidas de colores cálidos (parecen ser naranjas, mandarinas y melocotones). La obra se complementa con dos materas de donde sobresalen varias hojas color menta que invaden el espacio donde se encuentra la mujer. Detrás de la vegetación mencionada, se encuentra una figura rectangular con marco amarillo y rojo que parece simular o una ventana o un espejo. En este mismo plano también se encuentra un jarrón de cerámica blanco con azul posando sobre una estructura alta y delgada de madera. Finalmente, la pared de fondo está pintada con suaves campos de color azul pálido y rosado, casi simulando a una acuarela (National Gallery, 2013). 

Ahora bien, aunque es una composición relativamente simple, la obra expone varios elementos claves del arte expresionista del siglo pasado. Por un lado, hablando de la composición, como podemos observar, la perspectiva misma de la obra no concuerda con alguna vista natural, sino que al contrario, cada objeto está representado acorde a lo que se quería resaltar. Por esto mismo, encontramos la mesa vista desde un ángulo mucho más superior que el de la mujer que se recuesta sobre esta. La mesa entonces sirve no solo como superficie donde apoyarse sino cómo elemento que recoge los demás componentes de la imagen (las frutas y las materas). Similarmente, la pose de la mujer no es común pues su cuerpo parece estar casi derritiéndose al encontrarse en un estado mental tan placentero (el cuerpo resalta el sentimiento) (National Gallery, 2013). De igual forma, el color utilizado también apoya el mismo género al que pertenece la obra. Cómo se puede observar, la mayoría de los colores son planos y casi primarios pero esto no quita la coloración expresiva que transmiten los mismos tonos. La mesa sobresale debido a su color al igual que las ramas de vegetación que transmiten calma. Asimismo, la mayoría de las formas están delineadas con gris, resaltando una vez más las figuras en específico y no la composición como un todo (National Gallery, 2013).

Por último, en temas de alimentación, es muy interesante como Matisse juega con la pintura de un bodegón y la libertad que esta le proporciona (al poder representar lo que quisiese sobre una mesa) pero al mismo tiempo, mezclándolo con el retrato de una mujer. Estos dos temas, aunque muy populares individualmente, es poco común encontrarlos en una misma imagen. La obra entonces no solo juega con la importancia del ser humano sino también con símbolos implícitos que trae el género del bodegón. Todos estos componentes mencionados anteriormente aunque un poco obvios a simple vista, son los que le dan vida a la obra y la vuelven digna de observar y analizar.

Referencias:
- Still Life with Sleeping Woman. (2013). Nga.gov. https://www.nga.gov/collection/art-object-page.66424.html

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