Dorothy encauzó su experiencia artística durante este matrimonio hacia el dibujo y la pintura, conceptuada como de estilo realista e ingenuo. Aunque su deseo era expresarse como escultora, pero temía desencadenar un conflicto de celos artísticos por parte de su marido, dedicado a la escultura de forja. Aun así, sirvió de modeló para sus obras, les dio título y le ayudó a progresar en la confección de sus esculturas metálicas soldadas. (14,16)

Su trabajo ha recibido cierta consideración. Ha expuesto en el Museo Metropolitano de Arte, en el Instituto de Arte de Chicago y también algunos museos han comprado sus obras para sus fondos como el Museo of Modern Art. (14,16)

Exposición permanente en The Phillips Collection (Washington, EEUU). 

Es una obra característica de su primer estilo, creada a base de la técnica “cera perdida”, que según sus propias palabras, nadie le había enseñado, pero que el contacto de la cera en sus manos, le indicó todo lo que debía saber; palabras que demuestran la gran categoría que atesoraba esta artista. (12)

Exposición permanente en MoMA (Museum of Modern Art de Nueva York, EEUU)

El cuadro está pintado después del divorcio de su primer marido y se interpreta como un periodo de transición en su peripecia personal, no solo por el significado de como tituló su cuadro (pasaje oscuro) sino también por los aspectos formales de la obra, ya que su superficie texturizada aporta a la composición un aspecto imperfecto, como de degradación paulatina. (13)

Exposición permanente en The Art Institute of Chicago 

Dorothy se divorció de su primer marido en el año 1951. Hasta ese año la artista creó muchas abstracciones en una técnica denominada aguada, de la que la obra titulada Moscovite, inspirada en un viaje que realizó por Rusia, es una muestra de su arte en aquella época, muy dura artísticamente, ya que su obra quedaba relegada a la de su marido. (11)

André Breton, escritor, poeta y ensayista del Surrealismo, nos habla desde un punto de vista romántico de la unión perfecta con la mujer amada como fuente de un arte de desorientación que resolvería estados de experiencia y conciencia en una nueva surrealidad, tomada como respuesta a una cultura sacudida por la guerra. Breton realzó la imagen de mujer instintiva y espontánea en un contexto social en el que las mujeres reclamaban el derecho al trabajo y al voto, y encontramos gobiernos como el francés que impulsaba el “pronatalismo” como estrategia repobladora tras la guerra. En ese mismo país, un año más tarde se aprobaron leyes en contra del aborto y el control de la natalidad. En 1942, apareció el Primer Manifiesto Surrealista en el que Breton muestra total dedicación por la liberación de las mujeres. (1-3,15,17)

Imágenes:

Autores: Jose Manuel García Martín,  Nerea Falcón Alonso, Nuria García Davia y Olaya Fernández González. 

Su trabajo ha recibido cierta consideración. Ha expuesto en el Museo Metropolitano de Arte, en el Instituto de Arte de Chicago y también algunos museos han comprado sus obras para sus fondos como el Museo of Modern Art. (14,16)

Para los estudiosos del arte, Denher destacó como dibujante por su empleo tanto en sus dibujos como en sus esculturas, del volumen y del espacio a partir de los mismos preceptos visuales, de tal forma que su dibujo tiene una calidad escultórica, aunque no son estudios para la escultura. (14,16)

A pesar de su larga y prolífica carrera, Dehner rara vez dio explicaciones para su trabajo, prefiriendo en cambio dejar que hable por ella, en una entrevista que dice: "Lo que sea que esté en el papel o en bronce, salió de mis dedos y mi corazón o alma ". 

Ante la pregunta ¿cómo le había cambiado envejecer? realizada a los 91 años. Su respuesta fue tajante: “Como cuando tenía treinta o catorce o seis y medio. La persona es lo que estás haciendo y haciendo, de forma constante, a menos que esté haciendo un esfuerzo por ser alguien más". (14,16)