No geral, a arte pré-histórica buscava registrar o cotidiano. “A arte pela arte”. 

Também buscava registrar rituais que aconteciam naquela época.

No período Paleolítico se tem destaque pelas pinturas nas paredes das cavernas se utilizava materiais como: erra, carvão, sangue, flores etc. Há também registros de uma das mais famosas estátuas, as estatuetas de vênus. Conhecidas como Vênus reproduzem sempre um corpo feminino nu com formas bastante voluptuosas, destacando-se os seios grandes e os quadris largos, relacionado com um culto à fertilidade.

No período Neolítico se tem a sedentarização do homem por meio do domínio das técnicas agrícolas e da domesticação dos animais, junto a isso houve o desenvolvimento de melhores ferramentas, que ajudariam a melhorar a vida do homem não mais nômade. A criação dos megalíticos, ou seja, grandes grupamentos de uma junção de enormes rochas. Encontrados em várias partes do mundo, pesquisadores dizem que esses megalíticos podem ter relação com a marcação do tempo. A estrutura mais conhecida é o Cromeleque dos Almendres, em Portugal. 

Na Idade dos metais se destaca as esculturas de metal. O ser humano já havia dominado a produção do fogo. Com isso era possível o trabalho com o metal. 

As primeiras tumbas egípcias buscavam realizar uma reprodução idêntica da residência de suas principais autoridades. Em contraponto, pessoas das demais classes eram enterradas em construções mais simples que, indicando o prestígio social do indivíduo.

A arte dos egípcios eram padronizadas sem muita técnica, pinturas em 2D com as pessoas representadas com o tronco para a frente e os demais membros desenhados em perfil. ’’Lei da frontalidade‘’.

As primeiras pirâmides foram construídas pelos faraós Quéops, Quéfren e Miquerinos, representando as três pirâmides de gizé. Próximo a essas pirâmides se encontra a famosa esfinge de gizé representada pelo faraó Quéfren. 

A utilização de hieróglifos como elemento estético. Com a intenção de deixar gravado para a posteridade. Esculpidos nas fachadas e colunas dos templos.

Após o fim do reinado de Tutancâmon, a arte egípcia começou a adquirir uma forte e clara conotação política. Arquitetura, escultura e pintura passaram a ser o espaço para registrar os grandes feitos dos faraós. série de invasões estrangeiras Como resultado, a hibridização com outras perspectivas estéticas nacionais acabou por destruir a existência dessa arte típica nacional.

A arte grega nos mostra uma produção mais livre. Inicialmente eles imitaram os egípcios, mas com o tempo criaram uma arquitetura, escultura e pinturas próprias. A produção artística grega é dividida em três períodos: Período Arcaico (séc V a.c), formação das cidades estado, Período clássico (séc IV a.C), fim da guerra do Peloponeso e Período Helenístico (séc IV a.C até o séc II a.C), dominação por Roma. 

Na arte grega se preocupa em retratar as ações humanas, tanto as esculturas como as pinturas traziam um traço humanístico ao promover o desenvolvimento de técnicas que reproduziam o corpo com grande riqueza de detalhes.

Nela também é possível observar a utilização de vários materiais como por exemplo o mármore mas foi um material inadequado por ser pesado e quebradiço em partes que não havia muito apoio. O bronze, que era mais resistente que o mármore, permitia criar esculturas que expressam melhor os movimentos, mas ainda o tronco ficava estático. Para solucionar esse problema começou a utilizar o Policleto, que nos mostra mais curvas, evita uma postura muito estática, sustentação do corpo, aliviando o corpo de cair para trás. 

A arquitetura que era mais representada na construção de templo, dividida em dórica e jônica. Os templos na ordem dórica eram simples e maciços. Já os templos da ordem Jônica traziam mais leveza e uma maior ornamentação. 

A pintura na Grécia era feita tanto nas arquiteturas igual as outras civilizações, tanto na cerâmica, buscando a harmonia entre os desenhos, cores e o espaço. Feitos em prol de servir para rituais religiosos também serviam para líquidos.

A escultura no período helenístico representava em uma maior visibilidade traços de sentimentos, como a paz, o amor, a liberdade, a vitória etc. Foi nesse período que surgiu o nu feminino, nos outros períodos a mulher era representada com vestes. 

A arte bizantina tinha como objetivo: expressar a autoridade absoluta e sagrada do imperador, considerado o representante de Deus, com poderes temporais e espirituais. 

Os mosaicos bizantinos eram utilizados na técnica de frontalidade, mostrando postura rígida levando aos observadores demonstrar uma atitude de respeito a quem era mostrado no mosaico. Em figuras sagradas, eram representados com uma auréola. 

Na arquitetura bizantina, era feita com muita majestosidade. Com uma grande cúpula, formada por quatro arcos e ampliada por duas absides. 

A arte bizantina em Ravena, alvo do imperador para a conquista da península itálica. Lá é onde tem um exemplo mais conhecido de sua arquitetura, o mausoléu da imperatriz Gala Placídia, revestido de tijolos cozidos, se visto por cima sua construção aparenta a uma cruz. 

Os ícones bizantinos são quadros que representam figuras sagradas, como Jesus Cristo, a Virgem Maria, os apóstolos, santos e mártires. 

Principais artistas: Theodore Apsevdis, Nikolaos Lampoudis, Nikolaos Philanthropinos.

Alguns elementos se destacam na arquitetura como por exemplo, a horizontalidade, com estruturas não muito altas. 

A utilização de abóbadas, dos pilares maciços que a sustentam e das paredes espessas com aberturas estreitas usadas como janelas.

Havia dois tipos de abóbadas, a abóbada de berço e a abóbada de arestas. A abobada de berço consistia em num semicírculo, ampliado pelas paredes. Com duas desvantagens, o excesso de peso do teto poderia provocar desabamentos e a iluminação era muito baixa devido as janelas serem estreitas. Já a abóbada de arestas consiste na interseção, em ângulo reto, de duas abóbadas de berço apoiadas, com isso se obtiver maior iluminação interna. 

O que marcou a pintura românica foram as pinturas em murais com desenhos religiosos, duas características essenciais da pintura românica são: a deformação e o colorismo.

As esculturas por sua vez eram esculturas antinaturalistas e normalmente representadas por figuras entalhadas nas paredes das igrejas. Alguns relevos também enfeitavam as fachadas.

Principal artista: Biduino.

A escultura do edifício é mais leve,  formada por vãos mais largos, com o objetivo de ganhar maior luminosidade no interior do edifício, complementada por delicadas janelas e vitrais em forma de rosáceas.

Um aspecto importante para a arquitetura gótica, é a abóbada de nervuras, só foi possível a construção desse novo tipo de abóbada devido ao arco ogival, permitindo a construção de igrejas mais altas. 

Os pilares, dispostos em espaços regulares, permitiam a não utilização de paredes grossas para sustentar a estrutura. 

As esculturas normalmente ficavam em volta das estruturas, representava muito o tema medieval da época mostrando cavaleiros, reis e líderes religiosos. 

A pintura gótica desenvolvida nos séculos XII,XIV e início do século XV, utilizava técnica de têmpera. E também representavam a religiosidade da época.  

Principais artistas: Giotto de Bondone, Giovanni Pisano. 

A arquitetura renascentista busca uma ordem e disciplina que superasse a infinitude do espaço das catedrais góticas, utilizando da matemática e da geometria. 

As pinturas renascentistas são predominantemente uma interpretação científica do mundo, utilizando a perspectiva, a técnica do claro-escuro e o realismo.

Na escultura do Renascimento se valorizava pela crença na dignidade humana. 

Nas pinturas renascentistas era possível perceber vários assuntos trabalhados como por exemplo: Costumes da época, mitologia, paisagens etc.

Principais artistas: Masaccio, Fra Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Rafael Sanzio. 

A arte barroca buscava a grandiosidade de elementos.

A questão da luminosidade na obra também era muito importante, querendo trazer a juventude representada pela luz e a velhice como a sombra.

Marcado pela oposição e pelo conflito, o barroco revelava uma espécie de crise existencial. 

Nas esculturas renascentistas se valorizava a inteligência e a emoção, já nas esculturas barrocas isso desaparece e surge a exaltação dos sentimentos. 

Na arquitetura o barroco além da preocupação com a estrutura outro fator que influenciava muito era o externo, o paisagismo.

Principais artistas: Andrea Pozzo, Caravaggio, Tintoretto.

A arte romana assimilou a arte greco-helenística, na busca por expressar o ideal de beleza e da arte Etrusca em expressar a realidade vivida. É possível dividir a História de Roma em três períodos: Monarquico (753 a.C a 509 a.C), Republicano (509 a.C a 27 a.C) e Imperial (27 a.C a 476 d.C).

A arquitetura romana se destaca na construção de portais, aquedutos, prédios, monumentos e templos. A utilização de arcos e abóbadas. 

Já nas pinturas eram feitas em murais e era utilizada a técnica do tridimensionalismo.

Eles eram especialistas na arte do mosaico para decorar edifícios de Pompeia, misturava realismo com imaginação.

As esculturas eram mais realistas, não buscavam o ‘’belo’’, porém eram retratadas com muita verossimilhança. 

As esculturas costumavam ficar envolta de prédios, ou até mesmo no topo de colunas. 

Principais artistas: Laia, Arellius e Pacuvius.

O rococó valorizava a ornamentação utilizando conchas, laços e flores. 

Usando linhas e formas mais leves e delicadas, utilizando em decoração de interiores. Possuindo texturas suaves buscando expressar o caráter do mundo. 

O movimento defendia a razão, a liberdade individual, a educação etc. 

O rococó era considerado anti barroco e valorizava o culto à beleza. 

Principais artistas: Jean-Baptiste Pater, François Boucher, Nicolas Pineau.

Eram contrário ao exagero, que o rococó trazia bastante. 

O uso da Harmonia, beleza estética, uso da proporção e da clareza eram características das obras e arquitetura do neoclássico.

Na arquitetura eles se baseiam nas ideias clássicas e construções renascentistas.

A Escultura Neoclássica vem unir diversos elementos baseados na escultura clássica, onde o uso do mármore é sua mais forte característica.

Principais artistas: Jacques Louis David, Ingres.

Contrário ao objetivismo e as tradições clássicas de perfeição. Ser humano com destaque nas sensações humanas e liberdade de pensamento. 

Se opunha ao modelo clássico por isso era considerado romântico.

Com o Sentimentalismo e supervalorização das emoções pessoais, o romantismo era muito individualista, pessoal e subjetivo. 

Pregavam o nacionalismo, incentivando a exaltação da natureza pátria.

Principais artistas: Eugène Delacroix.

O realismo se opunha totalmente ao romantismo, surgindo como oposição ao romantismo e sua visão idealizada da vida.

Muitos quadros representavam a denúncia das desigualdades sociais.

Os artistas se ocupam em retratar as pessoas como aparentam, sem idealizações.

Os artistas realistas valorizavam muito as paisagens.

Principais pintores: Gustave Courbet, Jean-François Millet, Turner.

Marcada pelo uso de materiais como madeira, vidro, ferro e cimento e seu estilo foi muito utilizado na arquitetura, ilustração, decoração e móveis. 

Na arte nova, as linhas sinuosas e assimétricas eram muito utilizadas.

Com a valorização da lógica e do racionalismo se opunha ao romantismo.

A escolha de temas da natureza como: flores, folhas e animais.

Utilizavam o subjetivismo e o simbolismo.

Principais artistas: Gustav Klimt.

Registravam as tonalidades das cores que a luz do sol produz em determinados momentos do dia.

Os pintores impressionistas buscavam reproduzir as sombras de modo luminoso e colorido.

Os impressionistas aboliram as temáticas históricas e mitológicas, bem como as religiosas, buscando momentos cotidianos.

Focaram nas impressões da realidade.

Principais pintores: Édouard Manet, Pierre-Auguste Renoir, Claude Monet.

Se opunha à realidade objetiva, elementos da natureza, construções do homem.

Havia uma alta presença religiosa, com forte teor moralizante.

Há registros simbólicos deixados por nossos antepassados desde a mais remota antiguidade que ajudaram a construir nossa história.

Principais artistas: George Frederic Watts, Gustave Moreau e Odilon Redon.

Essa corrente organiza-se de maneira espontânea, inspirando-se e ao mesmo tempo confrontando o chamado impressionismo.

O movimento pós impressionista traz a junção entre a ciência e a arte, utilizando cores e técnicas artísticas.

Em uma técnica conhecida como pontilhado, as cores primárias são usadas sem misturá-las. Os traços são como pequenos pontos que se juntam para formar uma imagem simples.

Pintavam no geral o cotidiano, como rios, tardes, feiras, reunião de pessoas.

Principais artistas: Paul Cézanne, Vincent Van Gogh.

É uma resposta a visões de mundo que se tornaram cada vez mais contraditórias e distantes da espiritualidade.

O expressionismo procurou expressar as expressões humanas e interpretar as angústias que caracterizam psicologicamente o homem no início do século XX.

Com cores mais vibrantes e distorção de formas, os expressionistas manifestaram seu péssimo em relação ao mundo. 

Pelo fato de fugir das regras tradicionais de equilíbrio da composição, da regularidade das formas e da harmonia das cores, é considerada por alguns como uma pintura feia. 

O expressionismo, historicamente o primeiro grande movimento da pintura moderna, será abandonado e retomado ao longo do século XX.

Principal artista: Edvard Munch.

No fauvismo a simplificação de formas das figuras e o emprego das cores puras era essencial.

Alguns pintores não se preocupavam com o realismo, tanto em relação às formas das figuras quanto em relação às cores. O importante era a maneira de representá-las.

As figuras que realmente importam. Não importando se seja pessoas ou natureza-morta.

Principais artistas: Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck e Othon Friesz.

A favor de uma libertação da arte, os cubistas acabaram com o método de cópia. O artista deve criar e não copiar.

Os cubistas passaram a representar os objetos com todas as suas partes num mesmo plano, em figuras geométricas como, por exemplo, cones, esferas e cilindros. 

No cubismo analítico, os artistas buscavam trabalhar com poucas cores, como o preto, cinza e alguns tons de marrom. O importante era definir um tema e apresentá-lo de todos os lados simultaneamente, tornando irreconhecível as figuras nas obras cubistas. 

O cubismo sintético buscava tornar as figuras reconhecíveis, assim mantendo o modo cubista da obra, mas mostrando várias dimensões de um objeto. 

A colagem foi um movimento derivado do cubismo, pois introduziu nas pinturas letra, palavras, números, pedaços de madeira, jornais, vidro e metal. Fragmentos reais ou representados, do nosso cotidiano. 

Principai artistas: Pablo Picasso, Georges Braque

A ausência de formas nas linhas e cores são umas das principais características do movimento. Os traços são simples. 

No abstracionismo informal ou lírico, está ligado aos sentimentos, emoções mais afloradas.

No abstracionismo geométrico, há racionalidade dos traços sobre a tela. 

A predominância das cores forte como: vermelho, amarelo, preto e azul, são marcas fundamentais para o artista.

Principais artistas: Wassily Kandinsky, Piet Mondrian, Paul Klee.

A arte futurista promovia o Antitradicionalismo que é a liberdade de criação, sem as amarras da arte acadêmica.

Exaltavam o futuro e sobretudo a velocidade, que passou a ser conhecida e admirada com o advento da mecanização nas indústrias e com a crescente complexidade social. 

Pretendiam evitar qualquer relação com a imobilidade, recusaram toda representação realista e usaram, além de linhas retas e curvas, cores que sugerissem convincentemente a velocidade.

Principais artistas: Filippo Tommaso Marinetti, Umberto Boccioni, Giacomo Balla.

Os artistas tinham a ideia que não era necessário destruir algo para construir outra coisa.

Marcado pelo radicalismo, o movimento nos trouxe várias exposições, manifestações e publicações em revistas.  

O dadaísmo buscava desmistificar a arte. Mostrava uma espontaneidade que em alguns casos se tornava uma satira. 

Os dadaístas negavam qualquer tipo de autoridade, seja política ou acadêmica, tanto que eram a favor da anarquia. 

Principais artistas: Marcel Duchamp, Raoul Hausmann, Man Ray.

O surrealismo valorizava o processo imaginário, com liberdade e espontaneidade. 

No surrealismo era muito utilizado a técnica de colagem: poesias feitas com palavras recortadas de jornais e revistas, misturadas a imagens e idéias do inconsciente.

Os surrealistas reproduzem uma realidade diferente, além do cotidiano.

Trazem obras ilógicas e imagens oníricas, como uma forma de tentar entender o ser humano de várias formas.

Principais artistas: André Breton, Salvador Dalí, Max Ernst.

Em Portugal o modernismo ocorreu em três grandes fases: a primeira fase é conhecida como geração de Orpheu, que durou até 1927. A segunda fase conhecida como presencismo, que durou de 1927 a 1940. A terceira e última fase ficou conhecida como neo realismo, que durou de 1939 a 1974. 

Se recusava a seguir moldes acadêmicos, possuindo um caráter libertário e busca renovação artística, tanto na Literatura quanto nas pinturas.

Apresentavam caráter nacionalista e criticavam a politica da época,

Na literatura se valorizava o regionalismo e a linguagem coloquial. Na poesia, predominava-se a liberdade formal e os versos livres. Havia também a utilização de ironia frases cômicas.

Principais artistas: Marcel Proust, José de Almada Negreiros, Virginia Woolf.

A exposição de Anita Malfatti provocou grande polêmica entre os seguidores da arte acadêmica. Com obras fora do que a academia propunha. Gerando uma crítica a Monteiro Lobato que criticou de forma bruta Anita.

A semana de arte moderna buscou renovar a arte nacional com o cubismo, surrealismo, dadaísmo, expressionismo e futurismo. 

Chamada de fase heroica, a semana de 22 trouxe características como: inovação, ousadia, nacionalismo, crítica política etc. 

Logo após o fim da semana de 22, surge o movimento antropofágico, liderado por Oswald de Andrade e Tarsila do Amaral. Propunha acabar totalmente com a produção europeia, com temáticas nacionais, cores tropicais e formato moderno. 

Principais artistas: Tarsila do Amaral, Anita Malfatti, Candido Portinari.