La obra se puede interpretar por su título y alguna simbología como la escena bíblica de Adan y Eva en la cual se comete el pecado original en el paraíso. Se puede notar como el artista hace una gran alusión a la belleza de los cuerpos y los rostros de los personajes por lo cual se les relaciona a Adan con Apolo, el dios de la belleza y serenidad y Eva a Venus por su postura de danza y gracia. Se presentan paradigmas de belleza masculina y femenina diferente de la idealización de la figura humana planteando “la concordatio de un modelo antiguo de procedencia clásica con otro de ascendencia cristiana” donde se se entrelazan aspectos artísticos, estéticos con ideologías ideológicas y teóricas donde se puede entender que lo bueno, antes del pecado, es bello, proporcionado y medido. 

Se podría decir que es un cuadro que representa una confesión de fe que representa la belleza humana antes de ser contaminada por el pecado mediante la representación del origen de la humanidad bíblico.

Ambas obras tratan sobre temas de la mitología y religión pero de formas distintas. “Apolo y Dafne” representa una escena de persecución y transformación, donde Dafne se convierte en árbol para escapar de Apolo. Es una metáfora del amor no correspondido y de la huida. Por otro lado, “Saturno devorando a su hijo” se basa en el mito de Cronos (Saturno), que devora a sus hijos para evitar ser derrocado, simbolizando el ciclo destructivo del tiempo y el miedo a la pérdida del poder de los seres humanos.La escultura de Bernini invita a la reflexión sobre la naturaleza del deseo y la libertad. La pintura de Goya, sin embargo, transmite horror y locura, una representación gráfica de la violencia. 

Ambas muestran facetas diferentes de la mitología y las creencias que permiten entender que son dinámicas y dependen de la época y la representación de las mismas por el artista. También son muestras del alcance tan amplio del arte para explorar la condición humana y su interpretación de las creencias.

La técnica del autor es rápida y no muy precisa en la mayoria de las figuras ya que no se detallan, sin embargo, los bordes resaltados con negro de las figuras como mesas y los personajes son un poco mas cuidadosos. Hay una insinuación de profundidad en la obra, pero, al contrario de lo más común, lo que se encuentra un poco más alejado en la escena del café es lo que primero llama la atención por el uso de colores que genera la sensación de iluminación. 

Hay quienes consideran que los personajes dentro del café son una representación de la “Última Cena” de Da Vinci adaptada al contexto de Van Gogh y a las características principales del impresionismo. La luz mencionada anteriormente hace alusión a la divinidad de Jesús, quien en esta obra lleva vestimenta blanca para referenciar la pintura de Da Vinci. Además, en la pintura se pueden distinguir doce personas diferentes a la del medio quien parece ser Jesus, aludiendo a los doce discípulos. También se encuentra una cruz detrás de la figura de blanco lo cual refuerza la teoría de que esta pintura tiene tintes religiosos. Es así como Van Gogh representa lo que significa para él la divinidad, que ilumina la noche oscura y todo lo que toca como lo hace la luz que ilumina el café.