Position de l’extrait dans le Messie de Haendel :

Situé vers la fin de la première partie de l’oratorio, l’air pour soprano « Rejoice greatly, oh daugher of Zion » se situe après l’annonciation à Marie et la conception, dans une série d’airs qui présentent Jésus à la terre et aux hommes. Dans l’expression « daughter of Zion » Zion est un autre nom pour Jérusalem. On l’entend d’ailleurs dans avec les deux phrases interchangeables « oh daughter of Zion » « daughter of Jerusalem ». Par métonymie, la fille de Jérusalem est la terre d’Israël et ses habitants.

Dans l’extrait précédent, les anges célèbrent l’arrivée de Jésus : « And suddenly there was with the angel a multitude of the heav’nly host, praising God and saying …Glory to God in the highest and peace on earth, goodwill toward men ». L’ange annonciateur est donc rejoint par ses pairs pour chanter « gloire à dieu et paix sur terre, pour ses bienfaits envers les hommes ». Après ces festivités au royaume des cieux, haendel se tourne vers la terre. Le propos de « rejoice greatly, oh daughter of Zion. Shout ! Behold, thy King cometh unto thee. He is the righteous saviour and he shall speak peace unto the heathen. », ce qui signifie : Rejouissez vous, oh fille de Jérusalem. Écriez-vous ! Voici votre Roi qui vient à vous. C’est le juste Sauveur et par sa parole, il apportera la paix sur terre. Dans l’extrait suivant « Then shall the eyes of the blind », les anges décrivent les bienfaits qu’il apportera aux hommes. La suite est donc un développement de l’air étudié ici.

Plan tonal 

Section A

Section B

Section A’

Plan formel

Johann Sebastian Bach a 20 enfants, dont 10 survivent. (en 2 mariages)

4 de ses fils sont devenus musiciens 

-> L'ainé est Wilhelm Friedemann, surnommé le "Bach de Halle"

-> Carl Philipp Emmanuel ou le Bach de Berlin

-> Johann Christoph Friedrich ou le Bach de Bückeburg

-> Johann Christian (Jean-Chrétien): le Bach de Mian et de Londres 

Très intéressant travail de compensation sur la "succession Bach" qui frappe en effet par la différence de style d'avec le père, styles qui fonderont le style classique (Johann Christian), mais aussi romanbtique (Car Philipp Emanuel)

Comme l’indique l’étymologie du mot prélude provient du latin « prae » qui signifie « ce qui précède »  et « ludo », « jouer »1, se préparer à jouer.

Le prélude est un genre musical qui apparait au 17 ème siècle mais au 15 ème et 16 ème siècle, il servait au musicien à vérifier le bon accord de l’instrument avant de se  lancer dans l’interprétation d’un morceaucomme la pratique du tastar de corde des luthistes, des clavecinistes, l’intonazione  et le Choralvorspeil qui donne aux chanteurs le ton et la mélodie.

Il est l’équivalent du prologue au théâtre. 

C’est une pièce musicale  servant  d’introduction, d’ouverture à d’autres pièces comme une fugue, cantale, un opéra ou encore un genre plus vaste comme une suite ou bien  une sonate. Il est aussi lié à plusieurs autres genres musicaux : le ricercare, la toccata, la fantaisie, le retirada, l’interlude et le postlude.

Il se présente ainsi lors de la liturgie, d’une cérémonie religieuse, cérémonie publique, un concert, et un chant religieux.

L’œuvre peut aussi  ne préluder à rien en tant que morceau indépendant et s’organise alors en programme, recueil  comme on peut l’observer cher Debussy, Chopin, Rachmaninov, et Scriabine.

Le prélude peut être également de forme libre, une composition ou invention sans forme musicale préétablie.  

Néanmoins, il a changé de signification, d’utilité au fil du temps.

A la Renaissance et pour les musiciens baroques, le prélude permettait d’éprouver l’instrument. Il offre un préambule nécessaire aux luthistes, puis aux clavecinistes avant le concert le contrôle du dialogue musicalharmonique, au travers des vingt –quatre tonalités, majeures et mineures, de la gamme tempérée. Il aide à vérifier et modifier le chromatisme et les couleurs du morceau.

Il intervient ici lors de la préparation au concert. Bach lui compose ses préludes avec systématiquement à la suite  une ouverture sur une fugue ou une toccata. Son Clavier bien tempéré illustre le modèle du genre.

Au 19 ème siècle, les compositeurs en font une pièce indépendante et souvent virtuose. Les préludes romantiques eux  ont étrangement pris une forme « classique » mais a fait un changement en prenant une forme autonome. Chopin et ses vingt-quatre préludes montrent qu’un prélude : anticipe et prépare. Ses préludes sont des séries de courtes pièces proches de l’improvisation mais sans noms ce qui les rapprochent des habitudes qu’avaient  les pianistes d’improviser  brièvement avant de jouer.

Le grand successeur de Chopin en la matière fut Debussy. Ce dernier au contraire de Chopin nomma ses préludes après chaque création.

Les Préludes de Sergueï  Rachmaninov marquent l’étape d’un parcours personnel qui ne peut déchiffrés qu’après plusieurs écoutes. Il en a écrit  également vingt-quatre comme Chopin mais qui ne sont pas des suites.

Rachmaninov perçoit le genre du prélude comme : « Le prélude est une forme de musique absolue, destinée comme son nom l’indique, à être jouée avant un morceau de musique plus important ou comme introduction à une certaine fonction. La forme s’est toutefois étendue à de la musique tout à fait indépendante. Mais aussi longtemps que ce nom sera donné à un morceau de musique, l’œuvre devra, dans une certaine mesure, satisfaire à la signification de ce titre ».

 

Sources : universalis.fr / Wikipédia / imusic-school.com / classiquenews.com

Livre « Frédéric Chopin, La Note Bleue, musée de la vie romantique, PARIS musées »

 

Très bon travail de documentation, à compléter par le prélude de choral (pour orgue) très important dans la musique baroque pour orgue et par un aperçu de l'actualité du prélude, je pense à ceux de Florentine Mulsant  ( communication personnelle : "opus 38 qui en compte 24, l opus 70 qui en compte 7, l opus 77 avec six préludes et 11 préludes op 78 qui cheminent autour de mon voyage en transsibérien. Ils sont tous édités chez Furore et disponibles en Cd : l opus 38 chez Maestria et les autres chez Ar Re Se.") et à ceux plus anciens de Maurice Ohana, dans la tradition chopinienne. 

Le Songe d’une nuit d’été est probablement l’une des pièces de William Shakespeare classées parmi les « comédies » les plus connues. Elle a eu droit à de nombreuses adaptations musicales.

 L’adaptation la plus ancienne qui nous est parvenue est le semi-opéra The Fairy Queen (La Reine des fées) d’Henry Purcell, montée pour la première fois en 1692, trois ans avant sa mort. Ce n’est pas véritablement une adaptation ; lors des représentations, le texte était celui de Shakespeare légèrement réécrit pour le XVIIe siècle, et la musique prenait la forme de masques entre les scènes et les actes, qui n’avaient que peu de rapport direct avec la pièce.

 Le masque était une forme de spectacle apparue dans l’Angleterre baroque du XVIe et XVIIe siècles, qui mêlait musique, chant, danse, poésie, et théâtre. L’équivalent français qui se rapprocherait le plus serait le ballet de cour sous les règnes des rois Louis XIII et Louis XIV.

 Felix Mendelssohn a en fait composé de la musique pour le Songe d’une nuit d’été à deux occasions. En 1826, à l’âge de 17 ans, il compose une Ouverture en mi majeur (Opus 21) pour orchestre après avoir lu la pièce en allemand.

 16 ans après, en 1842, alors qu’il est directeur de musique de l’Académie Royale des Arts de Prusse, le roi Frédéric Guillaume IV lui commande la mise en musique de cette pièce, qu’il appréciait beaucoup. Mendelssohn écrit donc treize morceaux à jouer pendant la pièce, et incorpore son ouverture écrite en 1826 au début. C’est un mélange de musique vocale et instrumentale.

 Le morceau le plus célèbre issu de cet œuvre, et potentiellement le plus célèbre de toutes les compositions de Mendelssohn, est la Marche nuptiale, le numéro 7, devenu célèbre après avoir été jouée en 1858 au mariage de la fille de la reine Victoria, elle-même une grande admiratrice de Mendelssohn. C’est aujourd’hui une des deux marches nuptiales les plus jouées aux mariages, avec celle issue de Lohengrin de Richard Wagner.

 Les parents de Felix Mendelssohn étaient juifs, convertis ensuite au protestantisme. Sous l’Allemagne nazie, toute la musique de Mendelssohn fut interdite. Une commission fut déposée à Francfort en 1939 pour composer une nouvelle version musicale de la pièce, qui fut répondue par Carl Orff, compositeur allemand. Il retravailla par la suite la partition à plusieurs reprises, en 1952 et 1964.

 Le compositeur français Marcel Delannoy a composé son opéra-féerique Puck en 1949. Cette version-là mélange le texte, la musique, le chant, et la danse ; Puck, le personnage titulaire, danse mais ne chante pas.

 Le suivant à adapter la pièce pour l’opéra est Benjamin Britten. Fait assez rare pour un opéra, surtout au XXe siècle, le rôle principal est écrit pour être chanté par un contre-ténor. Cette adaptation, comme la plupart d’ailleurs, mets légèrement l’intrigue des humains de côté pour se concentrer plus sur celle des fées, mais elle n’est pas coupée entièrement. La musique est séparée presque en trois genres, selon les personnages qui chantent : les paysans (qui sont les seuls à parler en prose dans la pièce), les nobles amants, et les fées. Chaque groupe a son propre paysage musical.

Ce ne sont là que plusieurs de ses adaptations « classiques », mais la pièce a également eu le droit a des adaptations sous forme de comédie musicale, à Broadway ou ailleurs, qui mélangent la pièce avec le rock-and-roll ou le disco.